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Críticas de Ariesmarlon
Críticas ordenadas por:
Big Eyes
Big Eyes (2014)
  • 6,1
    16.195
  • Estados Unidos Tim Burton
  • Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, ...
7
Los ojos son las ventanas del alma
Es quizás la película más humana de Tim Burton hasta la fecha, la que quizás se aleja más de su estilo fantástico y oscuro para tratar de describirnos este biopic sobre los Keane. Con una buena ambientación cincuentera y una vez más un gran trabajo, un tanto histriónico eso sí, de Christoph Waltz que pone todas sus dotes y más, dando vida a un marido sin escrúpulos.

Este largometraje inspirado en hechos reales, “Es una historia que nadie conoce”, como nos señala uno de sus guionistas Scott Alexander, es una gran historia olvidada, en la cual Burton no ha tenido que echar sus condimentos habituales tales como, efectos especiales, barroquismo o cuento gótico clásico. Ni tan si quiera esta vez, ha recurrido a sus actores fetiches Depp y Bonham Carter para ponerle su sello personal, solo se ha valido una vez más de su habitual compositor Danny Elfman que le ha entregado una apreciable partitura.

Burton se sentía atraído desde hace mucho tiempo, por la figura de Peggy Doris Hawkins y su historia, la cual en el film realiza un cameo y aparece sentada leyendo la biblia. Margaret Keane es una ingenua esposa y ama de casa con buenas dotes artísticas para la pintura, pero dotes secuestradas por su marido Walter, un astuto embaucador que se llevaba todo el merito de su esposa, con la venta de sus raros y originales retratos de niños y mascotas con ojos grandes, cuadros con una estética Kitsch y que su marido supo sacarle rendimiento gracias al marketing artístico de masas. En Big Eyes, encontramos momentos memorables como el enfrentamiento entre el mediático crítico John Canaday al que interpreta un sólido Terence Stamp, que se encarga de despreciar las supuestas obras de Walter Keane. Y por otro lado, la secuencia en los tribunales del matrimonio para tratar de aclarar la verdadera autoría de las obras. ¡Antológico! el momento en el que el juez obliga a dibujar a ambas partes en la sala.

En definitiva una buena y peculiar historia, poco conmovedora y algo desganada al final, pero que como nos dice uno de sus guionistas “Si no fuese verdadera, yo no me la creería” y es por eso, por lo que la última película de Burton gana en interés, en que es una historia que merece ser vista precisamente, con los ojos bien abiertos.

Feliz año 2015
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
American Gigoló
American Gigoló (1980)
  • 5,5
    4.429
  • Estados Unidos Paul Schrader
  • Richard Gere, Lauren Hutton, Hector Elizondo, Bill Duke, ...
7
American Gere
Una más que interesante descripción fílmica, en la que el director y reputado guionista Paul Schrader, galardonado unos años antes con el Globo de Oro por su guión en “Taxi Driver" (1976) de Martin Scorsese, nos narra en principio la vida y oficio de un metódico gigoló de lujo, de Palm Springs. Se trata de la película que aparto definitivamente a Richard Tiffany Gere del teatro sobre todo en Broadway, para dedicarse exclusivamente al mundo del cine. Tuvo su dosis de fortuna, este sex symbols cinematográfico de los 80 y 90 nacido en Syracusa y perteneciente a una modesta familia, cuando John Travolta rechazó el papel de Julian kay, ponièndole en bandeja, el ser una de las estrellas más sexy y mejor pagadas del cine en Norteamérica, y reafirmándolo poco después con otro gran éxito de los ochenta como lo fue “Oficial y caballero" (1982) de Taylor Hackford.

Esta cinta de Schrader se mueve entre lo erótico, lo policíaco y el suspense, teniendo en lo primero su parte quizás más interesante e insólita en todo el film, muy pocas veces ha sido tan bien llevada al cine la prostitución masculina como en esta película. Es embriagadora esta American Gigoló, que parece tener una sencilla estructura de cine negro, aunque en el apartado del suspense es donde menos funciona. Es caliente, sensual, en sus escenas más comprometidas, (el desnudo integral de Gere, es uno de los momentos más sorprendentes de la película, sobre todo para las féminas) pero no por eso deja de moverse con estilo y elegancia, sobre todo bajo los compases de la música de Giorgio Moroder, con un tema principal muy recordado por los de nuestra generación, “Call Me” cantado por Deborah Harry vocalista del grupo Blondie, que fue nº 1 en listas en Gran Bretaña y en Estados Unidos, y que acentúa más si cabe un cierto clima parecido en varios de sus planos, con la antes mencionada película de Scorsese. Y aunque parezca increíble también catapulto al encargado del vestuario, un tal Giorgio Armani, del cual Richard Gere en la película luce impecablemente palmito, sobre todo a la hora de elegir chaqueta y corbata. No hay duda que su forma de vestir lo ha convertido en uno de los actores más atractivos de Hollywood, menos atractiva si cabe, ha sido su glamurosa e irregular filmografía.

A mí personalmente no me parece un producto indecente como muchos han llegado a calificar, es más soy de los que creo, y tal vez sea el único, que American Gigoló por lo aquí comentado anteriormente, ha ganado con el paso del tiempo, al salir de una mera e interesante película ochentera, ha convertirse en una obra que vista hoy en día no decepciona, que no es poco.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre tranquilo
El hombre tranquilo (1952)
  • 8,1
    27.817
  • Estados Unidos John Ford
  • John Wayne, Maureen O'Hara, Barry Fitzgerald, Ward Bond, ...
9
Yo pago la próxima ronda en el Pub de Cohan
Tranquilos que yo pago, hoy estoy feliz, debe ser porque estoy viendo por enésima vez una de esas películas que detienen el tiempo por un instante. Tranquilos, que todo está en manos de John Ford, en esta tarde lluviosa de principios de diciembre. Todo está tranquilo en el Pub de Cohan, se servirán nuevas copas al ritmo de la música de Víctor Young, volveremos a cantar folklóricas canciones, mientras una entrañable historia de amor, entre un ex boxeador hijo de emigrantes irlandeses y una lugareña pelirroja de mucho carácter, transcurre.

Innisfree y todo lo que allí se encuentra por qué no, podría ser cualquier pueblo, cualquier bar, cualquier paisaje, cualquier amor, cualquier recuerdo nostálgico extrapolado a algún momento de nuestras vidas, y es eso lo que precisamente convierte a esta película en una obra mayor, es algo que nos viene del pasado, es la añoranza de un mundo que ya no es el mismo, utópico, donde católicos y protestantes conviven en armonía, amor, comedia y batalla. Un idílico homenaje a las cosas sencillas, a las cosas pequeñas, es un tiempo y una forma de vida que ya no volverá, pero tranquilos que desde “Blanca Mañana”, Sean Thornton y Mary kate te lo volverán a recordar siempre que vuelvas a ver “The quiet man”, una historia rica en personajes como el de Michaleen Flynn, Will Danaher, la viuda Tillane o el padre Lonergan, una historia magníficamente contada a través de los rostros de sus actores.

Tranquilos, todo parece que sigue igual en la verde Irlanda del maestro Ford, porque es Ford y no Wayne el que realmente regresa a casa, un hombre que intenta encontrar sus raíces, entre el costumbrismo rural y las tradicionales canciones irlandesas:

“Era un chico salvaje de las colonias, Jack Duggan era su nombre. Nació y se crió en Irlanda en un pueblo llamado Castlemaine, a la temprana edad de dieciséis años dejó su tierra natal…”

Y todo esto transcurriendo entre bucólicos paisajes, simpáticos diálogos y bañado en negras cervezas, y es que al que le guste cantar mientras bebe, ese es mi amigo. Tranquilos ya dije al empezar gustosamente, que esta ronda la pago yo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lady Godiva
Lady Godiva (1955)
  • 5,6
    148
  • Estados Unidos Arthur Lubin
  • Maureen O'Hara, George Nader, Victor McLaglen, Rex Reason, ...
6
La señora de Coventry
Esta bonita leyenda inglesa acaecida en la Edad Media (siglo XI), que los propios historiadores dicen que se fundamente en una base real, entre ellos el cronista del siglo XIII Roger de Wendower, merecía un mejor tratamiento cinematográfico por parte de Arthur Lubin, director de la conocida saga de comedias de los años 50, que tenía como protagonista a la mula Francis.

Su película no profundiza demasiado sobre los hechos de esta leyenda medieval, dejando simplemente, lo que pudo haber sido un interesante romance histórico, en una moderada cinta de aventuras en tecnicolor. Su ligero argumento y superficial guión, ambos de Oscar Brodney, sólo se apoyan en un buen reparto entre los que destacan por supuesto la siempre fordiana Maureen O’Hara, que da vida de una manera veraz a la bella dama anglosajona, Victor MacLaglen en el papel de Grimald y Torin Thatcher como Lord Godwin entre otros. Más desapercibida pasa si cabe, la interpretación de George Nader como Lord Leofric, Conde de Mercia y esposo de Godiva. Destacar como simple curiosidad para los más cinéfilos, la fugaz aparición sin acreditar casi al final, de Firts Saxon, un joven Clint Eastwood, que interviene del mismo modo que también lo hiciera ese mismo año en el clásico de ciencia ficción de serie "B" Tarántula de Jack Arnold. Encontrarlo sin saberlo es todo un ejercicio de agudeza visual.

Por lo demás, yo les sugiero que imiten un poco a Peeping Tom (el sastre mirón), el único vecino que a través de una ventana no pudo resistirse en observar a Lady Godiva a lomos de un caballo por las vacías calles de Coventry, y echen un vistazo a esta aseada y discreta cinta de la Universal.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vacaciones en Roma
Vacaciones en Roma (1953)
  • 7,9
    32.069
  • Estados Unidos William Wyler
  • Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, ...
8
De holiday en la ciudad eterna
Elegante comedia romántica que produce y dirige William Wyler, y que posteriormente daria paso a una serie de comedias de estadounidenses en Roma, como Creemos en el amor (1954) de Negulesco o Más alla del amor (1962) de Delmer Daves.

Wyler en modo contrario al famoso cuento de Charles Perrault y con pretensiones neorrealistas, nos muestra a una Audrey Hepburn en su primer gran papel, en la que quedo para siempre catapultada a la fama, siendo recompensada con el Oscar a la actriz principal por este registro de inocente princesa con sentido de la responsabilidad, que entabla un romance con el oportunista periodista americano Joe Bradley (Gregory Peck), todo ello teniendo como telón de fondo a la encantadora e historica ciudad de Roma. Obra innovadora en lo que se refiere al rodaje en exteriores, en los que la ciudad romana pone a disposición de esta deliciosa película todo su encanto.

Sentimental y simpática a la vez, huyendo de todo tipo de protocolos, como de los que huye la misma princesa al sumergirse a su aire por los alegres y pintorescos lugares de la ciudad. Ian McLellan Hunter (nombre con el que figura en los créditos Dalton Trumbo, hombre marcado por la comisión Warren) y John Dighton abordaron con un gran argumento original la historia del propio Trumbo, en el que el romance entre Joe y la princesa, queda filmado con un exquisito sentido de la delicadeza, que la convierten en una obra intemporal que no defraudara a ningún tipo de espectador, de ello mismo podrían dar fe, hasta los anecdóticos corresponsales del ABC y la Vanguardia, que aparecen al final de la película en el encuentro de la prensa internacional con la princesa.

En resumidas cuentas, creo que no hace falta añadir nada más de Vacaciones en Roma, sólo que se dispongan a verla. Se disfruta y pasa por nuestros ojos, como un cuento inolvidable que resiste el paso del tiempo con verdadero estilo y clase.

A propósito que bien le hubiera venido a esta película, que la banda sonora la hubiese compuesto Henry Mancini.
Entonces hubiera sido sin ningún género de dudas, una obra tan eterna, como la misma ciudad que la acoje.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hundimiento del Titanic
El hundimiento del Titanic (1953)
  • 6,4
    961
  • Estados Unidos Jean Negulesco
  • Clifton Webb, Barbara Stanwyck, Robert Wagner, Audrey Dalton, ...
6
La madre de todos los naufragios
La curiosidad y fascinación por todo lo que ocurrió hace 100 años, en la noche del 14 al 15 de abril en las gélidas y profundas aguas del Atlántico Norte, a 400 millas de las costas de Terranova, nos sigue a una inmensa mayoría entre los que me incluyó, cautivando con desmesura en todos sus aspectos. Por eso cualquiera de las historias acaecidas durante el transcurso del hundimiento del lujoso trasatlántico de la White Star Line nos asombra, atrae y nos conmueve.

Durante cinco días, cerca de 2.207 historias diferentes se desarrollarón abordo del legendario barco, desde que zarpó desde el puerto de Southampton, hasta su fatídico final, pero la historia que se nos cuenta en este primer film realizado en Hollywood sobre el Titanic, obra de la Twentieth Century Fox sobre el célebre naufragio, a mi modo de ver, sin dejar de ser interesante como todas las que han abordado cinematográficamente este hundimiento, es tan fría, como el iceberg contra el que se produce la famosa tragedia. Jean Negulesco nos cuenta con buenos actores, en especial Clifton Webb y Barbara Stanwyck, un melodrama que apenas se adentra en los hechos reales, una pareja separada que se pelea por la custodia de sus hijos, una historia de amor y los problemas de un sacerdote alcohólico interpretado por Richard Basehart.

El film se aleja bastante en su metraje, en profundizar sobre lo que fue la catástrofe en si, poco minuciosa en los hechos, contandonos unas historias que para mi, no emocionan, pero que si mantiene el interés ante la tragedia que se avecina, aunque todos conozcamos ya de antemano lo que va a suceder, también se permite algunos fallos, entre ellos en una de las escenas, el iceberg choca contra la amura de babor, cuando por supuesto, todos saben que chocó por estribor, y esto se debe a una falta de rigor, debido a que la historia no se concentra en el Titanic, si no en sus personajes de ficción y sus problemas personales.

Obras más logradas parecen en primer lugar, la dirigida en 1958 por Roy Baker "La última noche del Titanic" más de estilo documental y que conto como técnico asesor, al cuarto oficial del Titanic Joseph Boxhall, convertida en un buen guión por el novelista Eric Ambler, basandose en el éxito de ventas de unos años antes de Walter Lord, y la de mayor envergadura, comercial de 1997 "Titanic" de James Cameron, oscarizada por todos lados, a la que también a mi juicio le sobran algunos personajes y la historia de amor, un tanto tópica y propia de una telenovela, pero superior a está de Negulesco, tanto en la dirección artística, como en los detalles del hundimiento del mítico barco, todo aderezado con unos magníficos efectos especiales y una formidable banda sonora compuesta por James Horner.

Bajo mi punto de vista "El hundimiento del Titanic" de Negulesco, es un film estimable y entretenido, pero para nada le hace un justo homenaje en modo fílmico, al más famoso de los pecios que acaba de cumplir un siglo en su eterno y profundo limbo espectral.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El emperador del norte
El emperador del norte (1973)
  • 7,2
    1.545
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Lee Marvin, Ernest Borgnine, Keith Carradine, Charles Tyner, ...
8
Desafío entre las vías
Me es extraño que mi empedernida cinéfagia, no me hubiera dado la oportunidad de poder degustar hasta hace unas fechas, de este curioso y notable film que figuraba en la destacada y brillante filmografía del gran Robert Aldrich. Había degustado anteriormente de su distinguido menú cinemátografico títulos como los western "Apache" (1954), "Veracruz" (1954), y "El último atardecer" (1961), o dos de sus más destacadas obras "Qué fue de Baby Jane" (1962) y "Doce del patíbulo" (1967) que me habían dejado en el recuerdo un excelente sabor de boca, tanto como el que me dejo está para mi desconocida aventura ferroviaria llena de acción, que transcurre en tiempos de la Gran Depresión americana.
En unos papeles de brutos y rudos personajes, que parece que les vinieran a los dos como anillo al dedo, se meten Ernest Borgnine y Lee Marvin, ejecutandolos ambos con una soberbia profesionalidad. El primero pone vida a un brutal y despiadado revisor de trenes llamado Sack, dispuesto a todo, con tal de que ningun inmundo polizón profane su juguete, y el segundo un vagabundo de gran astucia llamado Nº1, que desafíara a Sack con obstinada maestría y habilidad, como si de una competición entre railes se tratara, desplazandose de un estado a otro, sin antes tener que haber pagado su correspondiente billete y que desembocara en una espectacular lucha final.

Este particular duelo interpretativo como argumental esta basado en un relato de Jack London, y le sirve a Aldrich para hacer una sólida película, con unas imágenes de acción muy bien filmadas, sobre todo las del tren. No es para nada un inconveniente su larga duracíon, está original historia entretiene y se sigue con gran interés por parte del espectador. Es una historia que se enmarca en unos tiempos dificiles, en una América de continuas dificultades ecónomicas, con algun que otro toque simpático y con moraleja final incluida a cargo del más veterano de los perdedores, a su nóvel y arrogante rival (un joven Keith Carradine), que no acepta y respeta los códigos, de la lealtad y la veteranía, del riesgo y la supervivencia, tan paralelas a las vías del tren, como las que impone la misma vida, a las también iguales vidas que a ambos les ha tocado en desgracia vivir.

Bueno para que continuar escribiendo, no les desgrano nada más, les invito a que se suban a cualquier vagón de este tren y dejense llevar durante casí dos horas, disfrutando con este buen y trepidante cine de acción, y si como me ocurrio a mi es la primera vez que la ven, pues muchisimo mejor.

Eso si, una advertencia, les recomiendo que paguen su billete.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Movida en la universidad
Movida en la universidad (1982)
  • 3,9
    202
  • Estados Unidos Robert J. Rosenthal
  • Scott Baio, Willie Aames, Robert Mandan, Felice Schachter, ...
4
Los estudiantes se divertieron y... ¿el espectador?
Regular comedia americana con algo de ciencia ficción, que tuvo cierta fama en su día entre el público adolescente y estudiantil, y tambíen cierto éxito por entonces, en los alquileres de los videoclubs de los ochenta. El video ya estaba omnipresente en muchos hogares y empezaba a disputarle una batalla a las salas de cine en las que se seguia proyectando el celuloide tradicional.

Rodada en California y Los Angeles, Movida en la universidad apenas se recuerda como un film de mero entretenimiento juvenil, anecdótico si cabe, que cuenta con pocas escenas destacables si acaso los efectos especiales, te hacen reir un poco aunque son algo flojos, al igual que el guión y sus dos jovenes y principales interpretes Scott Baio y Willie Aames, este último protagonista en la famosa serie televisiva de los setenta "Con ocho basta" y que tuvo el dudoso honor de ser nominado dos veces ese mismo año a los premios Razzie en su tercera edición, como peor actor por esta película a la que nos referimos y por la canadiense "Paradise", premio que curiosamente iria a parar a manos del gran Laurence Oliver, por el film bélico "Inchon" de Terence Young, ¡increible! tratandose del gran Sir Laurence.

En 1982 la producción mundial pudo haberse acercado a los tres mil largometrajes, el cine americano continuaba en su esplendor en un momento de cierta recuperación económica e invade todas las pantallas del mundo, con enormes éxitos comerciales en todos los países, como es el caso de ¿Victor o Victoria?, "Desaparecido", "E.T.El Extraterrestre", "Tootsie", "Oficial y caballero", entre otras, además de adentrarse en ese año en varios festivales europeos, con una notable muestra de cine independiente.

No fue el caso de esta comercial película, que tuvo una innecesaria secuela en 1990 "Destape en la universidad" de Doug Campbell, con intervención nuevamente como coguionista del mismo mediocre director Robert J. Rosenthal.

Yo no les recomiendo que pierdan su tiempo con ella, es tan prescindible como el día demás que nos da este duro y dificil para muchos, bisiesto año.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Artist
The Artist (2011)
  • 7,7
    57.631
  • Francia Michel Hazanavicius
  • Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, ...
9
The Artist
TU VOTO
9 - Muy buena
* * * * * * * * *

10 - Excelente, hubiera llegado a ser una obra maestra, si no se hubieran adelantado otros en su tiempo y originalidad.
9 - Muy buena, es el voto que yo le doy, porque esta escritura visual funciona a todos los niveles.
8 - Notable, a los artistas en sus interpretaciones principales, incluyendo a Uggie, se sale como "secundario".
7 - Buena, música de Ludovic Bource que te metera en la época, te quedaras mudo escuchandola.
6 - Interesante, en su montaje, formato de pantalla, ambientación, rótulos, gesticulaciones, etc ...
5 - Pasable, el que al fin y al cabo no sea completamente muda, sigue siendo un dignisimo tributo al séptimo arte.
4 - Regular, salud auditiva si no la oyes a pesar de que sea muda, dice más que muchas películas de hoy con muy pocas palabras.
3 - Floja, visión cinéfila los que solo ven en ella una imitación o parodia amanerada, en vez de un homenaje en plena era del cine digital.
2 - Mala, y malos los que la critican porque sólo ven en ella una película muda y en blanco y negro.
1 - Muy mala, desición has tomado si todavía no la has visto, cuando la veas te entraran ganas de volver al cine al minuto de acabarse.
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hace un millón de años
Hace un millón de años (1966)
  • 5,4
    2.109
  • Reino Unido Don Chaffey
  • Raquel Welch, John Richardson, Percy Herbert, Robert Brown, ...
5
Hace cuarenta y seis años...
Donald Chaffey y su equipo se vinieron a las Canarias para filmar las escenas de exteriores de esta pasable aventura fantástica, que se convertiría en uno de los mayores éxitos de taquilla de la productora inglesa Hammer, que por esas fechas vivía su época de esplendor cinematográfico, especializada en historias de ciencia ficción, terror y suspense. Rodada en el espectacular Parque Nacional de la Cañadas del Teide en la isla de Tenerife, y en el de Timanfaya y el Charco verde, al sur de la isla de Lanzarote, exteriores estos, que sirvieron de perfectos decorados prehistóricos por sus peculiares paisajes.

A pesar de estar apoyada en un flojo guión, esta sesentera producción funciona como un encantador entretenimiento, y no hay que darle más vueltas, eso es lo que realmente es, una película que deja a un lado ciertos clichés y seriedad de rigor cronológico, para adentrarse en este romance prehistórico entre Loana, papel que lanzaría a la fama a Raquel Welch conocida sex-simbol estadounidense en su día apodada "el cuerpo" y nunca mejor dicho, ya que lo lució aqui bastante con su espectacular bikini de piel, y Tumak, John Richardson, el Romeo de turno que en la película es expulsado por los miembros de su tribu. Ambos en sus papeles principales, componen juntos una historia de amor y primitivos instintos humanos, que con el mérito añadido de carecer de cualquier minimo diálogo, nos logra entretener. Y todo esto aderezado con una buena fotografía, música y los siempre magníficos y artesanales efectos especiales del gran, Ray Harryhausen, habitual colaborador de Chaffey, siendo esta una de sus últimas películas, en las que filmó los movimientos de los dinosaurios en su estudio de Londres, en los que utilizó varios seres vivos, una iguana, tarántula y un grillo, como el decía para tratar de convencer al espectador, de que todo lo que ibamos a ver debia ser muy real. Indudablemente era otra forma de hacer cine, mucho más laboriosa y artesanal.

En este caso hemos de hacer justicia, y pasando por alto ciertas concesiones y fallos, hemos de decir y aprobar que este remake, es notablemente superior a su original en blanco y negro de 1940, dirigido por Hal Roach e hijo, con Victor Mature, Carole Landis y Lon Chaney Jr. entre otros de protagonistas.

Aplicando la prehistórica fórmula cine=a entretenimiento, vemos y comprobamos que "Hace un millón de años" fue hecha para entretener y no para aprender, y en eso cumple.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pesadilla antes de Navidad
Pesadilla antes de Navidad (1993)
  • 7,7
    100.318
  • Estados Unidos Henry Selick
  • Animation
10
¡Dan ganas de comersela!
Indudablemente y no es de extrañar que detras de este innovador y fabuloso cuento macabro dirigido por Henry Selick, se note la mano de Tim Burton, que le da a esta divertida y lúgubre película, ese sello gótico que siempre distingue al director californiano.

Meticuloso y artesanal trabajo basado en un poema de Tim Burton, que aúna sus dos épocas preferidas de niño: La noche de halloween y la navidad. Llena de detalles de gran imaginación, la película cuenta con numerosos guiños, a los que hay que estar muy pendientes, como por ejemplo las caras de algunos personajes, que corresponden a Danny Elfman y al propio Burton entre otros. Pesadilla... es un gran trabajo de producción que duro tres años, el film nos cuenta una enigmática historia de dos mundos opuestos y surrealistas, lo siniestro y lo divertido, lo oscuro y lo claro, los difuntos y los vivos, con unos personajes animados de lo más variopintos con unas características físicas extremas y notorias. El encargado de edulcorarnos esta maravilla, es el antes mencionado Danny Elfman, colaborador habitual de Burton, que además de poner música y letra a unas brillantes canciones, también da su voz en la versión original al personaje de Jack Skellington cuando este canta, y todo esto en más de doscientos decorados que parecen cobrar vida y es que de ella dijo Burton por su trabajo y dificultad que, "Es como rodar una película a cámara lenta".

Pesadilla antes de navidad, también podrían llamarse las mias y las de muchas otras personas, sobre todo cuando llegadas estas fechas navideñas miras en la mesa en la que te encuentras reunido con tu familia y vez que te falta alguien, que quizas se encuentre ya en el lado opuesto de la navidad, pero bueno, consolémosno como hago yo desde hace algunos años, volviendo a revisionar esta maravillosa fantasía tenebrosa de 73 minutos de animación stop-motion, que se digiere como un delicioso polvorón.

Para que valoren más el trabajo que tiene esta artesanal obra, yo les recomiendo que se vean el making off que viene en el DVD de la edición de Touchstone Home Video. Este festival visual por estas fiestas en mi casa, se ha convertido en un clásico navideño junto a "Que bello es vivir" de Capra.

Exquisita película de culto en su género, hermosa pesadilla.

Hasta el próximo año, y que os deje mucho Santa Clavos.

¡Felices fiestas!
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La conspiración
La conspiración (2010)
  • 6,4
    5.527
  • Estados Unidos Robert Redford
  • James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood, ...
7
Vengando a Lincoln
Hace bien la recién creada productora American Film Company, con ésta que es su primera producción de darnos a conocer algo más, lo que ha sido la historia de los Estados Unidos, dejando a un lado por el momento el far west, y tocando hechos históricos que han sucedido en está "joven" pero gran nación. Y hace bien el siempre intimista y veraz Robert Redford en abordar este nuevo proyecto dándole su habitual estilo y sobriedad a este episodio de la historia de Norteamerica.

La conspiración retrata a vencedores y vencidos de la guerra de secesión, en un juicio siempre inclinado hacia el lado ganador, en busca de venganza por la muerte de Abraham Lincoln a cualquier precio, y es que nunca sabremos si Mary Surratt, era conocedora de los hechos que se le imputaron, pero si que Redford despieza con oficio todo este engranaje judicial de época, dejándonos en una intriga continua su desenlace final, y es que como yo, habran muchos que conocían que Lincoln fue asesinado, pero no sabiamos muy bien los entresijos. Con La conspiración aprendemos algo más, de cómo fueron los hechos y las formas de lo que aconteció después de este famoso suceso, las repercusiones, el juicio, el veredicto, etc... del primer presidente de los Estados Unidos en ser asesinado.

Redford lo ejecuta bien tras la cámara, de un modo extendido si, con un tono oscuro también, con excesiva musicalidad quizás, puede parecernos larga y tediosa pero nos cuenta lo necesario para que entendamos bien los hechos. No es ambiciosa en su planteamiento, pero tampoco sensiblera y comercial, bien ambientada, plasmada de una manera clásica y valiente como suele abordar la mayoria de sus trabajos, y sin salirse practicamente de lo que fue la verdadera historia de los hechos de este asesinato y sus consecuencias, es increíble el parecido de los actores con los personajes reales de este suceso, parece que Redford los haya resucitado para ser protagonista de su película, y todo esto apoyado en la claraoscura y ocre fotografía de Newton Thomas Sigel, nos lo filma de una forma académica, correcta, dejando acertadamente a un lado a los demas imputados porque queda claro desde un principio el final que van a tener en el juicio, y centrándose más en el testimonio y la defensa de la unica mujer acusada Mary Surratt, desembocando todo en un interesante drama judicial, con muchos resentimientos y con un angustioso final.


Mi veredicto: BUENA
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tarzán en Nueva York
Tarzán en Nueva York (1942)
  • 5,9
    1.656
  • Estados Unidos Richard Thorpe
  • Johnny Weissmuller, Maureen O'Sullivan, Johnny Sheffield, Virginia Grey, ...
6
Tarzán con traje y corbata
Última producción de la Metro Goldwyn Mayer sobre el mítico personaje de Tarzán, creación del escritor norteamericano Edgar Rice Burroughs, de las seis que protagonizan juntos Johnny Weissmüller y Mauren O'Sullivan. Ni sus antecesores en el cine mudo, Gordon Griffith y Elmo Lincoln primeros en recrearlo en la gran pantalla, ni sus posteriores intérpretes destacando a Lex Barker, Gordon Scott y de los más recientes Christopher Lambert, han podido disociar la figura del olímpico nadador estadounidense Weissmüller, con la del personaje de Burroughs en el mundo del cine.

Dirige Richard Thorpe prolífico cineasta, que siempre se movía bien sobre todo en el terreno de la aventura, consiguiendo en está un tono humorístico, siendo una de sus grandes culpables la mona Cheeta que logra en muchas escenas, dificiles y cómicas actuaciones. Puede con casí toda seguridad, que ésta entrega de Tarzán no sea la mejor ni tan siquiera la más interesante, pero sin lugar a dudas es una de las más entretenidas y recordadas, y una de las más icónicas de las que se rodaron, con Jane, Tarzán y Cheeta buscando a su raptado Boy por Nueva York, también quizás porque Tarzán con su característico grito, es sacado de su habitual escenario la jungla, para trepar y saltar por los rascacielos y puentes, adentrándose en una simpática aventura con traje, por el asfalto de la Gran manzana.

A pesar de algunos fallos de transparencias y efectos especiales muy de la época, unos sencillos diálogos y un argumento de escaso metraje, se deja ver con agrado desde que comienzan sus exóticos títulos de crédito, con ese mapa gigante del continente africano de fondo y una música inquietante de aires étnicos de tribus africanas, que nos transportan sin más a las aventuras y al encuentro con Tarzán, que tanto yo y otros muchos cinéfilos de mi edad teníamos en nuestras inolvidables tardes de verano, y sábados.

Es pasable como entretenimiento más que interesante en sí, sé que no merece un 6 pero se le perdona, permítanme confesarles que no he puntuado yo, ha sido el niño que llevo dentro.

Véanla, al igual les pasa lo mismo.
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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Smith el silencioso
Smith el silencioso (1948)
  • 5,8
    153
  • Estados Unidos Leslie Fenton
  • Alan Ladd, Robert Preston, Brenda Marshall, Donald Crisp, ...
6
Whispering Smith, un western a reivindicar
Pues si, me gusto, me la esperaba algo menor antes de verla viniendo del cineasta inglés Leslie Fenton más proximo a papeles de secundario que a lo de dirigir se refiere, en su efímera carrera como realizador, que un año después hizo "Tres tejanos" un western remake tan aceptable como normalito que tenía a William Holden de protagonista, pero no mucho mejor del que en su día realizo king Vidor "The Texas rangers" (1936) en el que abordaba la temática de la reconversión de los fuera de la ley.

Volviendo a está que nos ocupa, Smith el silencioso se nos presenta como un western policiaco con triangulo amoroso, creo que dejara un buen sabor de boca en los amantes del género, entre los que yo por supuesto, también me incluyo. Apoyado en un buen ritmo y elenco de actores, entre ellos Donald Crisp, el padre Mr.Gwillym Morgan en "Qué verde era mi valle" (1941), y en un buen trabajo de fotografía por parte de Ray Rennahan, que se encarga de ponerle color por primera vez en su carrera, a la rubia cabellera del pequeño pero gran actor Aland Ladd con la ayuda de la Paramount Pictures. Hasta entonces Ladd se prodigaba en papeles de cine negro y en blanco y negro, valga la redundancia, y con está película empezaria a merodear el género western con títulos como "Marcado a fuego" (1950) o "La novia de acero" (1952) entre otras, con alguna incursión también en el cine bélico, hasta que llega una de sus más inolvidables interpretaciones como el hábil y taciturno pistolero Shane en el magistral clásico de George Stevens "Raíces profundas" (1953), que catapultaría al actor en una gran estrella.

Un tanto floja me parecio en el apartado musical, sin mucha fuerza para ser un western, de extrañar en Adolph Deutsch el luego creador de temas en populares obras como "Melodía interrumpida", "Melodías de Broadway" versión de (1955), "Con faldas y a lo loco" o "El apartamento".

En este trabajo a Leslie Fenton le paso quizás, lo mismo que a Michael Curtiz en 1958 con su entretenida, pero también subvalorada película del oeste "El rebelde orgulloso", también con Ladd y su pequeño hijo David en el papel de niño mudo y Olivia de Havilland de protagonistas, trabajos poco conocidos que sin ser ni mucho menos obras cumbres, han pasado injustamente desapercividas.

Con algo más de ruido que el que hacen las balas de su revólver, y no tan silencioso como Luke Smith, yo reivindico este sencillo pero meritorio western de Fenton.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jamón, Jamón
Jamón, Jamón (1992)
  • 5,3
    16.244
  • España Bigas Luna
  • Javier Bardem, Penélope Cruz, Stefania Sandrelli, Anna Galiena, ...
3
Floja chacina
Qué sorprendentemente en su día consiguio, 6 nominaciones a los Goyas del 92, aunque esto visionando un poco la nefasta decada del cine español en los noventa, no me sorprende nada. Lo que si me causa extrañeza, es que a un fiambre de director como Bigas Luna, le concedan el León de plata como mejor director en el festival de Venecia ese mismo año. ¿Engatusaria al jurado con jamón de más calidad, que el que nos ofrece en este flojo romance dramático?, por que si no es inexplicable que una cinta bien realizada por el veterano Claude Sauted "Un corazón en invierno" quedara en susodicho festival en el tercer escalón del podio de directores, siendo una cinta mucho más plausible, conmovedora e insólita, mejor valorada por la crítica, y también en está web. En definitiva, los desaciertos no deben ser soló cosa de los Oscar.

Sin detenerme mucho en ella, porque no lo merece, Jamón, jamón, es un enredo dramático, si se me permite haciendo honor a su título digamosle algo así como una cutre charcuteria barata, que carece de sentido desde su mismisimo argumento. Sólo la sostiene algún que otro buen plano y alguna escena simpática de Bardem, como en la que entran desnudos él y su amigo, en la casa de la madre de Pé. Javier en su papel es el que lo hace mejor, los demas registros son flojos y sobreactuados, sobre todo los de Jordi Mollá y Juan Diego.
Inexplicablemente tuvo exito en las carteleras, y se dierón a conocer en España e internacionalmente la actual pareja Penélope & Bardem.

Bueno, y el final con el duelo jamonero, y la camara elevandose dejandonos un cuadro como el de la Piedad de Miguel Angel, permitanme decirles que por casí me muero de risa, me imagino que lo mismo que le hubieran sucedido al mismisimo John Ford y al célebre pintor y escultor italiano, si resucitaran y visionaran tamaño engendro, en fin las cosas de Bigas Luna.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Larry Crowne, nunca es tarde
Larry Crowne, nunca es tarde (2011)
  • 4,8
    6.497
  • Estados Unidos Tom Hanks
  • Tom Hanks, Julia Roberts, Bryan Cranston, Nia Vardalos, ...
5
Súbete a la Vespa de Larry Crowne
Nunca es tarde para coger la Vespa de Larry y escaparte durante poco más de hora y media, de esta tontorrona pero pasable película que se deja ver con facilidad, una tópica comedia romántica, con situaciones poco creíbles y un poco falto de acidez, salvo en su discurso de fondo, contemporáneo con la actual crisis económica mundial.

Tom Hanks quince años después de su debut como director con "The Wonders", se dirige, en este su segundo trabajo tras la cámara encarnando al protagonista principal, un recién desempleado eficaz y buena gente, al que le echan de su trabajo con la excusa de que no tiene suficiente formación universitaria para aspirar a más.
La verdad es que en ciertos momentos el registro interpretativo de Tom, nos recuerda más a su entrañable Forrest Gump, que a un desempleado entrado en edad al que se le viene un problema encima al no poder ni pagar su actual hipoteca, lo que le resta algo de dramatismo al asunto aunque estemos hablando en términos de comedia. Algo atropellado también parece en su papel la en su día llamada novia de América Julia Roberts, aburrida de su vida, y de su caótico matrimonio con su pervertido y bebedor marido, en la que apenas en el argumento de la película se profundiza, y por si fuera poco, el precipitado enamoramiento entre profesora y alumno me parece muy poco creíble, y todo ello acompañado de una troupe de secundarios que más bien parecen amiguetes de verano de toda la vida de Larry, al que ponen al dia en cuanto a gustos, modas y decoración, con una confianza como si lo conocieran de siempre.
Y lo más sorprendente de todo es que esté guión no solo está escrito por Hanks, sino también por la guionista y directora Nia Vardalos, que nos supo sorprender gratamente hace casi una década, con una buena y simpática historia como lo fue "Mi gran boda griega".

En definitiva tampoco hace falta despellejar más una propuesta tan simple, hasta si se quiere también algo bobalicona, sin embargo no cae del todo mal este Larry Crowne, tanto el personaje como la cinta en si, a pesar de que la historia es bastante predecible desde el comienzo debido a la pareja protagonista, la música, alguna que otra escena simpatiquilla y los títulos de créditos tanto al comienzo como al final, le dan para mi el aprobado, pero sin fuegos de artificios, por eso lo del pasable, sobre todo si no hay fútbol ese sábado y decides darte una vuelta en la Vespa de Larry y vez que en las carteleras de los cines de tú ciudad en esté iniciado otoño, tampoco hay nada mejor que ver.
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2 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El gran Houdini
El gran Houdini (1953)
  • 6,2
    1.085
  • Estados Unidos George Marshall
  • Tony Curtis, Janet Leigh, Torin Thatcher, Angela Clarke, ...
6
Entretenido escapismo
Ejercicio de cine cincuentero este Houdini, que aun no siendo tan "gran" como en su título indica, se esfuerza en su más de hora y media, en adentrarnos de una manera simpática y amena, y con más bien escaso dramatismo, en la vida del legendario mago de origen húngaro.

Claro está que George Marshall, no hace un gran biopic de la vida de Houdini, solo se limita a rodar envase del guión que sobre la novela de Harold Kellock compone Phillip Yordan, la cual no es muy rigurosa con algunos hechos de la vida del gran ilusionista, entre ellas el final de la película. Las actuaciones de Tony Curtis y Janet Leigh, pareja en la vida real por entonces, son correctas. Como dato curioso Curtis nacido en Nueva York, procede también de una familia de judíos húngaros como Houdini, en el que él también húngaro y reputado Ernest Laszlo, frecuente colaborador de los directores Robert Aldrich y Stanley Kramer se suma al film con una buena fotografía.

Tampoco creo que haya nada más que decir de está modesta propuesta de cine, pero pienso que era una magnífica ocación para hondar en la historia de un personaje que tuvo una vida que cinematográficamente daba para más. De todas formas escapemos con truco o sin el como lo habria hecho el gran mago, de los encorsetamientos que tiene está película y disfrutemosla como al final quedo, es decir un mero y simpático entretenimiento, que al fin y al cabo es lo que la mayoria de las veces buscamos en el cine y en eso "El gran Houdini" cumple.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El increíble hombre menguante
El increíble hombre menguante (1957)
  • 7,6
    12.593
  • Estados Unidos Jack Arnold
  • Grant Williams, Randy Stuart, April Kent, Paul Langton, ...
9
Crítica menguante
Inolvidable e imprescindible obra maestra del cine fantástico del irregular Jack Arnold, que se
apoya en el guión del gran Richard Matheson, de su propia novela homónima, con el que
logra esta joya de la serie B, que entre otras cosas presume de sencillos pero geniales
efectos especiales para la época. Fascinante pesadilla, denuncia contaminante y lucha
por la supervivencia con bastante ingenio por parte del protagonista, que nos narra
en voz en off, esta agónica y apasionante historia, amenizada con una inquietante
música por parte de Joseph Gersgenson acompañada por solos de trompeta a
cargo del trompetista Ray Anthony. Original y modesta propuesta de cine
fantástico y de ficción, abismal tanto en lo grande como en lo pequeño,
en sus iconicas imágenes cinéfilas de película de culto en su género.
Desde que comienza este clásico lo que menos hace es menguar,
si no todo lo contrario, aumenta en emoción e incertidumbre
hasta terminar con un reflexivo y memorable discurso final.
Gigante y espléndido Jack Arnold en lo que sin lugar a
dudas fue su mejor trabajo para la gran pantalla.
Encantadora y entretenida "miniatura" de la
Universal Pictures, un ejercicio de
ingenio digno de ver.
Muy buena.
Fin
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16 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Salida de los obreros de la fábrica (C)
Salida de los obreros de la fábrica (C) (1895)
  • 6,3
    4.692
  • Francia Louis Lumière
  • Documentary
6
Le Cinématographe
Un débil haz de luz salía del fondo de una cajita y se proyectada hacia una blanca pantalla, en un pequeño sótano del Grand Café, hoy el lujoso Hotel Scribe, situado en el número 14 del Boulevard Des Capucines, un 28 de diciembre de 1895 en París, por un franco, se pudo ver ese día la primera proyección comercial de la historia.

Un espectáculo de menos de un minuto jamás visto antes, ¡imágenes en movimiento!
Había nacido el cinematógrafo, el CINE, "La máquina de imprimir vida", como la llamaria muy acertadamente unos años más tarde el cineasta Marcel L'Herbier.
Los padres de la criatura los hermanos Louis y Auguste Lumiére creadores de la máquina de proyección que a muchos de nosotros nos ha entretenido y hecho soñar en tantos momentos de nuestras vidas.

De la salida de aquella fábrica de Lyon hace 116 años, tambíen salierón a su vez, innumerables historias reales y de ficción, dramas, comedias, aventuras, western, musicales, documentales, un largo etcétera, hecho realidad tambíen por un sin fin de productores, directores, guionistas, actores, actrices, extras... que dieron y dan lustre a lo que hoy conocemos como séptimo arte.

Muchas gracias, por tan mágico y maravilloso regalo.
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27 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las aventuras de Tom Sawyer
Las aventuras de Tom Sawyer (1938)
  • 6,5
    793
  • Estados Unidos Norman Taurog
  • Tommy Kelly, May Robson, Walter Brennan, Victor Jory, ...
9
Aventuras a orillas del Mississippi
Superproducción de David O. Selznick, con una gran dirección artística y fotografía,
que plasma en poco más de hora y media con genial maestría Norman Taurog, trasladándonos a la gran pantalla una nueva adaptación, quizás la mejor hasta la fecha, de la novela homónima del gran escritor estadounidense Mark Twain publicada en 1876.

Esta aventura considerada actualmente una de las obra maestras de la literatura americana, nos evoca a la nostalgia de nuestra infancia ¿Quién no ha querido jugar a ser Tom Sawyer?, y junto con un gran amigo, correr múltiples aventuras, en el lugar a donde crecimos y vivimos en nuestra infancia, esas pillerías y travesuras, esas caras sucias y sudadas, esas rodillas raspadas, esa ropa oliendo a hoguera y esa complicidad de nuestro mejor amigo por ocultar algún secreto, que no pasaba de ser sino una simple travesura en nuestras infantiles vidas, las reprimendas de tu madre o de tu abuela, que perfectamente podrían ser las de la tía Polly de turno, en esas tardes de fin de semana, o de verano en los descampados y solares de nuestros barrios, ciudades o pueblos, de los que tristemente ya casi no quedan porque está todo construido, y aunque los hubiera, nuestros actuales niños prefieren refugiar su sentido de la aventura en un cuarto de su casa en frente de una video consola...
Por eso, simplemente por eso me gustan las aventuras de Tom Sawyer, porque me trasportan a St. Petersburg, a ese cálido y húmedo sur de los Estados Unidos, porque estan bien dibujados los personajes en esta película con un Tommy Kelly llevando espléndidamente el personaje de Tom Sawyer y el gran Walter Brennan, el eterno secundario de Hollywood, que deja por unos momentos las polvorientos caminos y praderas del oeste para venirse al sur y dejarnos como siempre una correcta interpretación en el papel de Muff Potter, y lo mismo se puede decir de todos los demás en esta muy buena película de aventuras perfectamente ambientada, en los que cumplen su cometido, con cómicas escenas como la de cuando tía Polly (May Robson), espera a Tom con un palo cuando éste baja de la ventana por la tubería, o cuando lo manda de castigo a pintar el vallado de madera, la verdad es que es inevitable esbozar alguna que otra sonrisa con este travieso y simpático granuja. Por cierto que miedo me daba siempre el indio Joe. Y si a todo esto ponemos a cargo de la música a un genio como Max Steiner, pues que quieren que les diga.

Yo que tengo cuarentaítantos recién cumplidos, he disfrutado como un crío, con esta magnífico y familiar film de AVENTURAS, si con mayúsculas. No sé como tiene sólo un 6'4 de media en FilmAffinity después de haberla visionado a día de la fecha 543 personas.

Quizás es que la he visto con ojos de niño. Total ¿Qué es un adulto?, pues como diría Simone de Beauvoir, un niño inflado por la edad.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil