Allen continua internándose en la década de los 80 con pequeños "caramelitos" para cualquier cinéfilo, y aunque Hannah y sus Hermanas no es el mejor film de Allen (ni de largo), sí es uno de esos caramelitos.
He visto una obra buena y con pinceladas de inteligencia "alleniana" pero en ningún caso una obra maestra o la obra cumbre de Allen, como alguno se ha atrevido a afirmar. Al film le falta una chispa que Allen sí consigue en otros films como por ejemplo en Manhattan, y creo que el maestro no acabó de encontrar en esta cinta la meta que buscaba. Hannah y sus dos hermanas son el nexo de las diferentes subtramas que podemos encontrar en este film, que eso sí, acaban enlazándose y entretejiéndose a la perfección. En esta ocasión, Allen no tiene un protagonismo tan sólido como en anteriores cintas pero, lo cierto es que él necesita muy poco para seducir al espectador en su papel de hipocondríaco agudo. El genio neoyorkino decide apostar por un seguro de vida como Michael Caine, y para mí es el mejor de todo el elenco, quizás porque es el que mejor representa la complejidad sentimental que muestra este enredo. El problema que le veo a este film es que los personajes no acaban de ser redondos por mucho que pasan las escenas y es como si se quedasen a mitad de camino entre lo que buscan conseguir y lo que son. Pero como he dicho, el film tiene pinceladas que valen mucho la pena, y el momento en que se reúnen en un restaurante las tres hermanas a cenar es uno de ellos.
El punto fuerte de la película es la presentación de los personajes, con sus diálogos interiores que describen al espectador la forma de ser de cada uno de ellos y sobre todo de pensar. Ahí sí que a Allen no le pesan los años en ese lenguaje fílmico, pues él es el mejor exponente de tal virtud cinematográfica.
Hannah y sus hermanas es una película con altibajos y vacía de alma, de magia y redondeo, pero no deja de ser uno de los films más famosos alabados por la crítica del bueno de Allen, que sigue buceando en las aguas del enredo sentimental sin ahogarse.

Una de las obras pioneras del maestro Fellini en la que hace gala de su maravilloso olfato para hacer cine. La película trata sobre la estafa y el timo, teniendo al dinero como el verdadero móvil durante la hora y media de metraje. El dinero es para estos tres "amigos inseparables", la verdadera conquista y devoción para salir adelante en una vida intensa y llena de giros con complicaciones inoportunas. Fellini demuestra y nos plasma su facilidad para introducirnos en la psicología de sus personajes, los cuales se autocuestionan y evolucionan a lo largo de toda la obra. Vemos por lo tanto, uno de los ingredientes básicos del cine "felliniano": los personajes redondos.
Además, el genio de Rimini, nos introduce a mitad de la trama nuevos personajes (como es el caso de la joven hija de Broderick Crawford) que no solamente no estropean la trama principal sino que la enriquecen todavía más.
En definitiva, y para no alargarme mucho más, es una de esas películas que todo amante del buen cine al acabar de verla se siente "bien", esto es, con la sensación de no haber perdido el tiempo sino de todo lo contrario: haber aprendido una lección más de alguien llamado Federico Fellini.

Se estrena en el largometraje exhibido en salas el cineasta gallego Simón Casal bajo el negruzco e inquietante título de Lobos Sucios. La historia, inspirada en hechos reales ocurridos dentro de un pueblo gallego en plena Segunda Guerra Mundial, buscará seducir en este inicio primaveral a través de las interpretaciones de dos de las actrices más en forma del momentum de nuestro cine: Marian Álvarez y Manuela Vellés son el eje femenino y protagónico de un filme humilde pero ambicioso, fundido en la negruzca mina pero dotado de un pulso singular y combativo.

Y a través de la pluma y mente de Carmen Abarca, Paula Cons, Noelia del Río y Felipe Rodríguez, la historia moldea la ambición de los nazis por importar el preciado y no tan conocido wolframio, un elemento químico presente y abundante en las zonas mineras de esa zona fronteriza entre Galicia y Portugal. Por los lóbregos túneles de extracción, Miguel “el Músico” lleva el candil más iluminado del grupeto de esclavos apresados en ese campo de trabajo minero y en sus manos y mente recaerá la decisión y habilidad de forjar una salida a tal opresión. Eso sí, el precio de “el Músico” habrá de cargar con la tensión emergente entre su superior y arquitecto nazi, y la de Manuela (Marian Álvarez) la mujer viuda por la que estallará una química inusual…y hermana de la joven y problemática Candela (Manuela Vellés).

Simón Casal dirige con pulso narrativo y logra arrinconar y oxigenar una historia a partes iguales logrando, en consecuencia, aquel resultado tan buscado y no tantas veces logrado en el séptimo arte que no es otro que el de mantener pegada la atención del espectador desde el minuto 0 hasta el último. Deslizante entre las buenas dosis musicales que Sergio Moure aporta al film, éste se sujeta ante y sobre todo gracias a las contundentes y generosas expresiones que tanto Marian Álvarez como Manuela Vellés son capaces de otorgar entre tanta penuria, miseria y angustia. Podríamos debatir y discutir si la película termina por tapar de forma unitaria los socavones estético-narrativos que la misma realiza por su ambición inherente, pero sería un juicio si más no banal quedarse únicamente en sus escollos cuando cualquiera puede disfrutar sin desencanto de una cinta con la suficiente dosis de entretenimiento como para no querer ensuciarnos las manos con el dichoso wolframio.

Lobos sucios no es ninguna obra maestra, ni seguramente la mejor película de los últimos años en el género y subgénero bélico social, pero sí es una accesible e interesante ópera prima de Simón Casal, un director gallego que demuestra saber con esmero lo que cuenta y que dirige con mimo pero sin adornos a dos de las actrices más en forma del momento. El juez supremo entre tanto wolframio es, como siempre, el espectador.
http://apetececine.com/lobos-sucios/

Acabo de terminar el último episodio de la última temporada de esta obra maestra llamada "The Wire". Después de ir a ritmo de un episodio diario (sin excepciones) me veo en la obligación de escribir una crítica, pues el cuerpo y, sobre todo, la conciencia, así me lo pide.
A lo largo de estos 60 episodios he podido disfrutar de las peripecias de un joven detective alcohólico y mujeriego de ascendencia irlandesa, llamado Mcnulty, y dolor de cabeza para los "gángsters" de Baltimore; de las jergas de los chicos de las calles de Baltimore (la ciudad basura de América) ante el suministro y venta de narcóticos; de todo el entramado complejo que existe en este mundo a nivel político, educativo y periodístico; de la dificultad y dejadez que existe en el aprendizaje diario de las escuelas y así podría enumerar todas las cosas que me han fascinado de esta serie pero me cortarían la crítica por exceso como afirmo en el título de la misma. Además pienso que ya se ha dicho todo sobre esta jodida gran serie. En The Wire hasta los insultos y palabrotas son una obra maestra, en The Wire no sobra ni una puta escena, ni un puto diálogo ni una puta palabra.
¡Esto es una serie joder!

No me gusta escribir críticas pasionales, pues una de las valiosas normas de los sabios dice que hay que evitar el exceso de fogosidad al realizar cualquier tipo de crítica (y en el mundo cinéfilo más todavía), pero en esta ocasión me voy a conceder una excepción.
Para mí, juntar a Woody Allen y a la radio, es como juntar a dos columnas imprescindibles en mi forma de ser. Y por ello, este film no sólo logra gustarme sino que lo he visto como si de un regalo se tratase.
Este film de finales de los 80 en la obra de Allen, lo encuentro más biográfico todavía que la cinta "Recuerdos" que filma Allen 7 años antes. Lo digo porque se centra de un modo más claro y preciso en una etapa del genio de Manhattan: su infancia, y la importancia que tiene la radio en esa estadio de su vida. En efecto, la radio es el elemento de unión entre los diferentes personajes que se nos presentan en esta cinta. La radio que no solamente escuchan cada uno de los presentes sino que, este "aparatejo" da sentido a las vidas de los mismos, a su forma de pensar y ver las cosas, al tiempo que va desnudando a cada uno de los protagonistas. Esta película nos da una idea de las influencias que Allen pudo recibir de este fantástico medio que luego plasmaría en sus obras mediante sus ideas y dialéctica.
Por supuesto, en medio de todo ello, no faltan los diálogos "allenianos" y ese exclusivo sentido del humor que no muere pese a los años, en un Allen que continúa haciendo películas que valen mucho la pena ver.
Me quedo con la escena en la que están presentes, el niño protagonista, sus padres y su profesor rabino, en que por inercia de la situación, discuten sobre quién tiene la autoridad explícita y mejor posición para atestar al pequeño, mientras éste va recibiendo continuos azotes. Es una escena sencillamente fantástica.
"Días de Radio", es una obra inconfundible del maestro neoyorquino, que lleva plasmado en cada escena su ADN, el ADN de la radio.