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Críticas de Ennis
Críticas ordenadas por:
No es país para viejos
No es país para viejos (2007)
  • 7,1
    107.110
  • Estados Unidos Joel Coen, Ethan Coen
  • Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Kelly Macdonald, ...
9
Escenas de caza
En Fargo había frialdad invernal, aquí polvorientos parajes bajo el calor de Texas, aunque ambos ambientes coinciden es ser escenarios de una extrema y descontrolada violencia.

Los excelentes Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson (en una corta pero impecable actuación) y Javier Bardem (sorprendente no sólo su soltura con el inglés sino especialmente por una implacable recreación de la maldad más pura), todos son parcos en el gesto pero magistrales, entre largos silencios murmuran, piensan y mantienen fija la mirada cuando la cámara muestra un primer plano.

Es un guión magníficamente estructurado, con largos tramos sin apenas diálogo y otros profusos en verborrea, en tanto la dirección de Joel Coen alterna situaciones, ralentizando y acelerando por momentos como experto conductor que es (su sello particular).

Generosa en violencia, ésta sólo a veces se ve, a menudo presenciamos únicamente el resultado, con elipsis que descolocan por su rotundidad (la secuencia en El Paso), ofreciéndose un enfoque realista, no exento de humor y minucioso con los detalles, mientras la suciedad y sangre se acumulan.

Bajo un sólo aparente formato clásico y revitalizando géneros, transporta a una cruda y singular experiencia.
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112 de 176 usuarios han encontrado esta crítica útil
Michael Clayton
Michael Clayton (2007)
  • 6,3
    20.531
  • Estados Unidos Tony Gilroy
  • George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack, ...
7
Conflicto de intereses
Un thriller con trasfondo de denuncia a sectores en una corrupta sociedad donde el interés económico es un rodillo capaz de pasa por encima de todo.

George Clooney hace una sobria y medida interpretación respaldado por un buen reparto, pero aunque él es el eje y sale en casi todos los planos, hay otros valores destacables como el hecho de no abrumar con efectismos visuales y sonoros ni caer en persecuciones u otras manías de ese tipo, es una realización pausada, reflexiva más bien, se estructura en unos hechos de partida, un largo flash-back, la vuelta al inicio y la resolución final, consiguiendo un interés progresivo, sin pasión pero firme, con destellos de cotidianeidad en los personajes que les da más dimensión. Es, en resumen, primar contenido sobre continente, lo que no supone una mala elección
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14 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mater amatísima
Mater amatísima (1980)
  • 5,9
    284
  • España José Antonio Salgot
  • Victoria Abril, Julito de la Cruz, Jaume Sorribas, Consol Tura, ...
6
Hijos de ningún dios
Con argumento de Bigas Luna, Mater amatísima es una inclasificable pieza que protagonizan una mujer y su hijo autista.

Victoria Abril interpreta a la madre y, algo común en ella, da todo de sí misma entregándose por completo al personaje, en tanto el tratamiento de Salgot es crudo pero con dosis de ensoñación, dejándose impregnar de ese extraño aroma que poseían los primeros trabajos de Bigas Luna, como Bilbao o Caniche, que ofrecían una detallada descripción de lo enfermizo.

Se puede resumir finalmente como un canto al amor, si bien no de manera convencional, es una historia extrema que explora relaciones afectivas instintivas y fuera de órbita, subrayándose la fragilidad y desprotección que marcan a los más imperfectos.
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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Furtivos
Furtivos (1975)
  • 7,3
    4.834
  • España José Luis Borau
  • Lola Gaos, Ovidi Montllor, Alicia Sánchez, Ismael Merlo, ...
9
Edipo habitó entre los bosques
En un año clave como 1975 Borau lanzó a las pantallas este artefacto cinematográfico que fue la estimulante sacudida a una forma de vida: la España hermética, llena de represión, oscurantismo, comportamientos malsanos y ahogo vital, con personajes como seres en aguas estancadas sobreviviendo a duras penas o a costa de otros.

Las imágenes tenían a veces un erotismo más explícito, pero lo importante son las soterradas pasiones y deseos generadores de la crueldad humana (no sólo expuesto en la polémica matanza al lobo).

Ovidi Montllor es un hombre cauteloso, aparentemente apático y conformista, aunque capaz de tomar decisiones irrevocables, su madre (indescriptible Lola Gaos) es limitada pero con instinto casi animal, la relación entre ambos presenta puntos oscuros y ambiguos que Borau revela con excepcional sutileza.

Fotografiada por un genio llamado Luis Cuadrado (participante en muchos de los grandes títulos de entonces) y realizada con enérgico ritmo, la censura no pudo mutilar a este torbellino y tuvo que rendirse a su estreno y consiguiente triunfo en San Sebastián.
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13 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Adiós, cigüeña, adiós
Adiós, cigüeña, adiós (1971)
  • 5,4
    894
  • España Manuel Summers
  • María Isabel Álvarez, Francisco Villa, Mercedes Borqué, Alfredo Santacruz
3
Jugando a ser mayores
Summers posee en su haber algún título interesante durante los años 60 (Del rosa al amarillo, La niña del luto, Juguetes rotos) consiguiendo gran notoriedad en el caso de Adios cigüeña adios (incluso llegó a tener su secuela), una curiosa fábula de amores adolescentes.

Aunque música y realización con el cargante uso del zoom son tan trasnochadas que hacen rechinar los dientes, tuvo validez en la época de su estreno hablar de chicos que practican cómo es eso de ser mayores entre unos padres que reprimen cualquier salida del cesto, o curas y monjas de sus colegios preparando con ellos la típica retrógrada representación del nacimiento de Jesucristo, es la tradición frente al descubrimiento del sexo, algo siempre incompatible.

Sin embargo el humor y la pretendida espontaneidad quedan mitigados al estar los niños doblados en sus voces y además el paso del tiempo ha disipado casi por completo la frescura y posible osadía, si bien con algo de esfuerzo aún se ve con simpatía y se puede entender el éxito alcanzado.
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10 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Entre mujeres
Entre mujeres (2007)
  • 5,5
    4.230
  • Estados Unidos Jon Kasdan
  • Adam Brody, Meg Ryan, Olympia Dukakis, Kristen Stewart, ...
7
De las gentes con problemas
In the land of women es siempre agradable contemplando y escuchándose a la gente hablar de sus problemas: la abuela y sus rarezas que vive impulsada por la rutina y obsesionada con su muerte, el nieto en pleno desengaño amoroso que va a verla buscando reencontrarse consigo mismo, la vecina angustiada ante una posible enfermedad o sus hijas que no tienen demasiada comunicación con ella, es cine de personas contado con sencillez pero mucho talento y apreciable estilo.

No es un guión que busque impactar, pero consigue una buena progresión dramática y definir personajes y sentimientos (la hija pintando el rostro de su madre, el chico variando el contenido de sus escritos) haciendo atrayentes las bondades y miserias de unos seres no del todo felices ni infelices, sino simplemente poseedores de un corazón que late.

Con un sólido reparto (imprescindible una vez más la versión original) la historia se configura situando un hombre como centro y una serie de mujeres a su alrededor que ven en él alguien capaz de escuchar y a su vez éste es oído por ellas, destacándose así cómo los seres humanos se ejercen influencia mutua y esto les beneficia. Mientras tanto (o por eso mismo) el mundo continúa girando.
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lassie, la cadena invisible
Lassie, la cadena invisible (1943)
  • 5,1
    353
  • Estados Unidos Fred M. Wilcox
  • Roddy McDowall, Donald Crisp, Dame May Whitty, Edmund Gwenn, ...
5
Con niños y perros
Hitchcock decía que evitaba rodar con perros, niños y Charles Laughton (el gran actor merecía toda una categoría para el maestro) y quizás se refería a que éstos suelen centrar la atención de tal manera que eclipsan todo lo demás (incluyendo al director).

Lassie fue un personaje impulsor de la serie iniciada precisamente con este título, relato previsible e intrascendente, pero con algunos aciertos no tan habituales, así el perro es como siempre encantador pero los niños también (esto es menos usual) encarnados por los luego famosos Elizabeth Taylor y Roddy McDowall, unido a los buenos secundarios Donald Crisp o Edmund Gwen entre otros, una plácida narración adornada de bellos paisajes y buenas intenciones que nunca aturden ni aburren, sino que están en su punto justo.

Hitchcock y Charles Laughton evidentemente no estaban en "Lassie come home", aunque sí la que era su mujer Elsa Lanchester, pero de haberlo hecho a Laughton no le hubiera costado comerse al perro y a Hitchcock por este orden, eso sí, siempre hablando en sentido figurado.
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10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
La tía Tula
La tía Tula (1964)
  • 7,5
    2.707
  • España Miguel Picazo
  • Aurora Bautista, Carlos Estrada, Enriqueta Carballeira, Irene Gutiérrez Caba, ...
7
Los vicios de la virtud
En una época en que el cine español pasaba por momentos de cambio (Bardem, Berlanga, Saura) Picazo mira a Unamuno rescatando como protagonista a aquella gran estrella del cine franquista años atrás, Aurora Bautista, que lejos ya de los engolados panfletos hace una interpretación sobria y convincente.

La tía Tula habla de frustración y represión en un tipo de mujer totalmente invadida por los rancios componentes religiosos y el convencionalismo, que gusta de autoimponerse una vida austera supeditada y dedicada a los demás.

Muy bien construída, el guión proyecta su mensaje sobre la estancada sociedad de la dictadura y es bastante alusivo cuando en el viaje de vuelta del pueblo la niña lleva como regalo una figura de la virgen, o en una despedida de soltera se muestra la banalidad femenina, pero también otros comportamientos que el alcohol extrae de la mujer; Tula es un arquetipo extremo, de carácter complejo y sentir inalcanzable, aunque su actitud evoluciona sutilmente. En la secuencia final, la última palabra que pronuncia revela bastante de sus auténticos sentimientos.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Corazonada
Corazonada (1981)
  • 6,4
    2.795
  • Estados Unidos Francis Ford Coppola
  • Teri Garr, Frederic Forrest, Raul Julia, Nastassja Kinski, ...
7
Canto al sentimiento
El gran fracaso de Coppola estaba condenado a ello irremediablemente, un proyecto arriesgado, que difícilmente justifica la fuerte inversión económica encaminada a la construcción de enormes decorados para realizar un musical sentimental.

Con música de Tom Waits, las canciones son siempre tristes y verbalizan los pensamientos de los personajes, cuando suenan sacan afuera sus miedos, frustraciones y turbaciones, porque es una obra sensible, intimista y minuciosamente realizada, con una fotografía de Storaro que juega continuamente con los colores de las luces artificiales de la ciudad para lograr matizar los aspectos humanos.

Es un trabajo de contenido realista que habla de la vida de gentes sencillas, aunque ésta sea en la ciudad del juego y la diversión, con ello parece decirnos que la dificultad de amar, la soledad, son las mismas en todas partes, es por todo esto que resulta contradictorio haberla abordado desde premisas tan pretenciosas y costosas. Coppola emulaba un cine ya en desuso, el de los grandes maestros hecho en el estudio, lo hacía con pasión pero también sin mesura.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El orfanato
El orfanato (2007)
  • 6,7
    93.028
  • España J.A. Bayona
  • Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Geraldine Chaplin, ...
8
Amor de madre
Las historias sobrenaturales han tenido multitud de variantes, vueltas de tuerca y requiebros, pero El orfanato demuestra que aún hay lugar para más, pues verla es disfrutar cada minuto aunque la mente nos diga que algo así ya lo ha visto antes, es un guión que remite a muchas cosas pero siempre sabe sacar el mejor partido de ellas.

Con una producción magnífica en todos los aspectos, lo más llamativo es el intenso realismo dado a las situaciones, una verosimilitud demoledora que provoca angustia y desasosiego, en la cual incluso una secuencia con una médium tiene tanto poder que hace sentir como cierto que aquello esté realmente ocurriendo.

Un gran trabajo que además contiene la excepcional actuación de una colosal Belén Rueda, transmitiendo con toda la fuerza el alcance de lo que puede llegar a significar el amor de una madre.
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Adiós, Mr. Chips
Adiós, Mr. Chips (1969)
  • 6,7
    684
  • Reino Unido Herbert Ross
  • Peter O'Toole, Petula Clark, Michael Redgrave, Alison Leggatt, ...
7
Las razones de la vida
Herbert Ross dirigió su primer trabajo para el cine haciendo una nueva versión del clásico de los años 30 que protagonizó Robert Donat, esta revisión describe los estrictos ambientes escolares británicos en contraposición con la banalidad y artificiosidad que rodea el mundo del espectáculo, que él debía conocer muy bien pues fue bailarín y coreógrafo en Broadway.

En la parte técnica proliferan los planos generales, aéreos y movimientos de grúa, sus composiciones estéticas a veces tienen un tufillo kitsch, pero son encantadoras y se hace un abundante y logrado uso de la elipsis.

Aunque hay algunas canciones que interpreta Petula Clark son pocas y aisladas ( London is London es la más conocida) para considerar la obra como un musical, es más bien una historia romántica que también incide en la vocación como algo que da sentido a la vida.

Muy bien dirigido y contenido, Peter O'Toole ofrece una buena actuación, quedando los méritos de Ross revelados en las secuencias finales, donde no se regodea en la emoción hacia la que conduce el guión, sino que la expone con suave delicadeza.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Enredo (Serie de TV)
Enredo (Serie de TV) (1977)
  • 6,6
    1.163
  • Estados Unidos Susan Harris (Creator), Jay Sandrich, ...
  • Richard Mulligan, Billy Crystal, Katherine Helmond, Cathryn Damon, ...
7
Esta es la historia de dos hermanas: Jessica Tate y Mary Campbell
Así empezaba la voz en off los episodios y a continuación contaba quien era quien en cada familia, con lo cual el espectador quedaba divertidamente liado.

Los personajes eran surrealistas como el abuelo que pensaba estaba metido en una inacabable guerra, el chico ventrílocuo que hablaba con su muñeco como si realmente tuviera vida (y todos sin darse cuenta acababan haciendo lo mismo) o el suspicaz cocinero negro tomando cualquier comentario por el lado racista.

Sus cortos episodios siempre dejaban con ganas de más, llenos de un hilarante humor absurdo, llegándose incluso al delirio cuando uno de los personajes empezó a creerse que dando un chasquido de dedos se volvía invisible.

Billy Crystal pasó por allí siendo aún poco conocido haciendo el papel de uno de los hijos, un chico gay cuyo novio era nada menos que jugador de rugby.
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18 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
West Side Story (Amor sin barreras)
West Side Story (Amor sin barreras) (1961)
  • 7,3
    43.208
  • Estados Unidos Robert Wise, Jerome Robbins
  • Natalie Wood, Richard Beymer, George Chakiris, Russ Tamblyn, ...
9
Una historia inmortal
La idea original fue una propuesta de Jerome Robbins a Leonard Bernstein para adaptar la obra de Shakespeare, que en un principio se iba a materializar en unos Capuleto judíos y Montesco católicos, pero una serie de enfrentamientos en Nueva York entre bandas puertorriqueñas y nacionales les hizo cambiar. Robbins investigó algunos lugares reales de Manhattan y todo se definió finalmente con la aportación añadida de Arthur Laurents en el libreto y Stephen Sondheim en las letras de los temas, hasta el estreno teatral en 1957 y un éxito arrollador.

La adptación al cine, salvo el inicio y final, alguna de las peleas y poco más, se hizo en estudio, unos enormes decorados fueron los que dieron localización a la mayor parte del metraje.

Así, el resultado es un gran trabajo de la maquinaria de Hollywood que engrandece aún más el toque especial de Robbins, aunque es difícil explicarse por qué se eligió a Natalie Wood y Richard Beymer como protagonistas, pues ni cantaban ni bailaban (ambos fueros doblados en las canciones). Una elaborada puesta en escena, la vibrante coreografía y la maravillosa partitura hacen que esto pase a un segundo plano, contando además con unos títulos de crédito magníficos y una secuencia inicial que (particularmente si se ve en el cine) es uno de los momentos más apasionantes e impactantes nunca vistos.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Diario de una camarera
Diario de una camarera (1964)
  • 7,2
    1.600
  • Francia Luis Buñuel
  • Jeanne Moreau, Michel Piccoli, Georges Géret, Françoise Lugagne, ...
9
La cara oculta de la burguesía
El viejo es otro de los feticihistas característicos en Buñuel, hace que Celestine le lea calzada con unos botines que él tiene guardados y pide permiso a ésta para tocarle la pierna en plena lectura, la hija es una frígida reprimida y su insatisfecho marido seduce a todas las sirvientas que se le ponen por delante. Hay también un criado y un sacristán, ambos con ideas fascistas, que planean el activismo contra los extranjeros y un bosque siniestro por donde deambula una niña como si se tratara de una desprotegida Caperucita, formando todo un variopinto microcosmos.

Celestine tiene reminiscencias de la Susana de otra obra del autor, pero si aquélla era vulgar y forzaba las situaciones instintivamente, ésta es mucho más calculadora, sibilina e impredeciible, moviéndose con cautela para manejar hábilmente las reacciones que provoca en los hombres.

Tras sus dos obras maestras anteriores, Buñuel hace una nueva versión de la novela que ya llevó al cine Jean Renoir en 1946 y por una vez el término "remake" es elevado a lo más alto, su dominio de la técnica es mayúsculo, la cámara se mueve magistralmente en un trabajo complejo, sutil y malicioso con un excelente y caústico final.
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21 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ensayo de un crimen
Ensayo de un crimen (1955)
  • 7,7
    4.426
  • México Luis Buñuel
  • Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, ...
7
Lo que mueve la fe
Archibaldo es un aburguesado fetichista que de niño se ponía prendas y zapatos de su madre o quedaba extasiado contemplando una caja de música, después vendrá su obsesión por la muerte.

Mientras todo avanza, Buñuel nos hace ver una amplia gama de piernas femeninas e incluso entra en juego un maniquí bastante logrado a imagen de una de las mujeres que aparecen.

Se adivina como una parodia de la fe y el fanatismo católico (por si fuera poco el apellido del protagoniosta es de la Cruz) con un hombre que ve realizados sus criminales pensamientos a partir del momento en que le relatan en su niñez un cuento sobre un objeto con poderes mágicos.

Buñuel narra con seriedad pero esto no es más que una pose que deja entrever un humor ácido tornado a cínico cuando se escucha decir "Decente y pobre es peor que granuja y rico" o después de la confesión, que el juez concluye dando un trascendente consejo en alusión a la colección de navajas de Archibaldo: "Rasúrese con máquina".
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22 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pasaje a la India
Pasaje a la India (1984)
  • 7,1
    3.459
  • Reino Unido David Lean
  • Judy Davis, Victor Banerjee, Peggy Ashcroft, James Fox, ...
9
¿Qué ocurrió entre Aziz y Adele?
Lean es el maestro por excelencia de la narración cinematográfica, de los posibles lugares en que se puede colocar una cámara él siempre da la sensación de que elige el mejor; sus trabajos, a partir de El puente sobre el río Kwai, son muy extensos en metraje, pero consiguen impregnar, envolver por completo al espectador.

Con un majestuoso manejo de la gran pantalla es, por contra, sutil y gusta rendir culto al detalle; es posible que ésta sea su obra en que más se aprecien dichas virtudes, nos empuja a un fascinante relato localizado en la India bajo el imperio británico, mostrando el desequilibrio que un país exótico y colorista provoca a una refinada chica inglesa, cómo un entorno nuevo saca fuera sensaciones desconocidas y genera el total desconcierto.

El choque cultural, la dominación, las diferencias étnicas, son los otros vértices de la historia y el punto álgido llega con un suceso inesperado ocurrido en unas cuevas y que Lean maneja con inteligencia, estudiada ambigüedad y un toque de misterio.
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15 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hairspray
Hairspray (2007)
  • 5,8
    18.127
  • Estados Unidos Adam Shankman
  • John Travolta, Queen Latifah, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, ...
4
Nueva mirada a los sesenta
Las canciones son las del musical de Broadway más algún añadido extra (en el original de 1987 eran temas cláscicos del twist, rock, etc.) que se suceden una tras otra con mejor factura, pero diluyendo la ironía y acidez que había en Waters, aunque sí se conserva la crítica al racismo.

Un Travolta irreconocible como mujer hace una recreación mucho más afable e ingenua que la de Divine, dándose más relevancia tanto a éste como a Christopher Walken o Michelle Pfeiffer, que realiza una buena interpretación superando a su análoga Debbie Harry. Quien pierde protagonismo ante todos ellos es el personaje de Tracy.

Hacia la mitad hay un bajón considerable de ritmo, cosa que no ocurría en la primera versión, las piezas cantadas se agolpan de manera insustancial, menos mal que posteriormente se da un brioso tirón con apoteosis musical incluída que salva algo el espectáculo.

El Hairspray de Waters era bastante mejor.
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12 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hairspray
Hairspray (1988)
  • 6,3
    2.348
  • Estados Unidos John Waters
  • Sonny Bono, Ruth Brown, Divine, Debbie Harry, ...
6
Bajo el peso de la laca
Como musical no tiene grandes números ni escenografía espectacular, pero los bailes son amenos y contagiosos a ritmo de una buena selección de canciones. Divine (que hace un doble papel) es una enorme y desastrada ama de casa que plancha sin descanso o se toma una píldora adelgazante después de comerse un pastel, cuya rechoncha hija adora el baile en un mundo dominado por chicas estilizadas.

Es una reivindicación de la talla grande pero también de la integración racial, porque el radicalismo de Pink Flamingos ha evolucionado hacia intenciones más constructivas, la provocación es ahora costumbrismo en cierta medida, aunque no falta, sin embargo, la ironía.

Debbie Harry y Sonny Bono hacen sendos papeles e incluso el mismo Waters aparece como un desquiciado psiquiatra, teniendo un protagonismo añadido aquellos peinados que se elevaban impregnados de laca y aquí llegan en algún caso a unas dimensiones impensables.
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25 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cielo negro
Cielo negro (1951)
  • 7,1
    900
  • España Manuel Mur Oti
  • Susana Canales, Fernando Rey, Luis Prendes, Teresa Casal, ...
6
Vida perra
Es un argumento folletinesco y bastante trasnochado, pero Manuel Mur Oti dirige con tanta sensibilidad que hace se sienta el sufrimiento de la chica. En los decorados se refuerza la opresión pues desde las ventanas de la casa sólo se ven tejados o estrechos patios, aunque cuando ella escribe las cartas de amor la cámara recorre la habitación con delicadeza. Susana Canales, que algunas veces se excede en sus poses dramáticas, sí refleja convincentemente en su rostro el profundo dolor del personaje.

La dirección es fluída y ofrece algunos planos y detalles de altura, pero siempre será recordado un momento memorable: ese larguísimo travelling por las calles mojadas mientras ella corre, que parece no terminar nunca y a la vez uno desea que nunca lo haga.
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12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
El bruto
El bruto (1952)
  • 7,1
    1.446
  • México Luis Buñuel
  • Pedro Armendáriz, Katy Jurado, Rosita Arenas, Andrés Soler, ...
6
Los oprimidos
Se pueden establecer dos partes diferenciadas, así en la primera abunda la ironía en la manera de presentarse la vida del interesado y manipulador casero, la mujer que vive con él y su rebelde padre o los parasitarios seres que se asoman por la casa de el Bruto. Éste encandila a las chicas por su fortaleza física, pero es manejado fácilmente a causa de sus pocas luces, convirtiéndose en un instrumento poderoso.

La segunda parte es melodramática y todo se precipita hasta el límite, el guión parece querer dar a cada uno lo que se merece sin contemplaciones y no se queda a medias, aunque se echa en falta el humor, que ha desaparecido para dar paso a las situaciones extremas.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil