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Críticas de kepamk
Críticas ordenadas por:
Detengan a esa rubia
Detengan a esa rubia (1945)
  • Estados Unidos George Marshall
  • Eddie Bracken, Veronica Lake, Albert Dekker, Frank Fenton, ...
6
No olviden a "esa rubia"
Conocida sobre todo por su contribución al cine negro emparejada con Alan Ladd (les llamaban el Bogart y la Bacall de bolsillo...) la fascinante Verónica Lake tuvo algunas oportunidades de demostrar su gran talento como actriz de comedia, siendo su extraordinaria aparición en "Me enamoré de una bruja", una deliciosa comedia del gran Rene Clair su incursión en el género más conocida.
Detengan a esa rubia, película muy difícil de ve hoy en día, nos vuelve a mostrar esa faceta de Verónica en una comedia agil, fresca y bastante divertida, realizada con ritmo y buen gusto por el prolífico George Marshall. Pues sin encontrarse entre los mejores trabajos de su realizador, este salva la realización de manera más que satisfactoria gracias sobre todo al mimo y al cuidado que pone a la hora de dirigir a la gran Verónica.
Y es que aunque la comicidad de Eddie Bracken sea más que discutible y la historia algo tópica Miss Lake logra imponerse a todo y cada secuencia en la que aparece hace remontar la película hasta unos límites realmente considerables, quizás insuficientes para convertirla en una cinta memorable, pero si para justificar su visionado para goce, disfrute y reconocimeinto de una de las figuras más magnéticas del cine de los años 40, por desgracia hoy bastante olvidada y nunca demasiado reivindicada.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Good Wife (Serie de TV)
The Good Wife (Serie de TV) (2009)
  • 7,5
    7.615
  • Estados Unidos Michelle King (Creator), Robet King (Creator), ...
  • Julianna Margulies, Christine Baranski, Matt Czuchry, Archie Panjabi, ...
9
La mejor televisión
Resulta extraño que mientras muchas series van perdiendo fuelle a medida que pasan las temporadas, The good wife consiga con el paso del tiempo ir mejorando de forma sustancial, y, conseguir el más difícil todavia de superarse de manera brillante temporada a temporada.
Ahora recien terminada de ver la quinta temporada, y echando la vista atrás a los primeros capítulos resulta dificil de creer que una serie que apuntaba maneras y ofrecia en sus primeros capítulos amplias posibilidades de mejora, haya conseguido llegar tan lejos sin necesidad de recurrir a incongruentes giros de guón, o, subtramas más o menos descabelladas para mantener la atención del público. Por que lo más curioso es que "The good wife" se pega a la actualidad de forma respetuosa, proponiendo, en la mayor parte de los casos, pequeños (o grandes según los baremos de cada espectador) dilemas que nos hacen reflexionar y que nunca caen en la complacencia fácil, el tópico esperado, ni en la resolución epatante.
Si a esto añadimos un reparto de actores, tanto principales como secundarios, en absoluto estado de gracia, una realización pausada y exquisita, un ritmo totalmente medido para dar continuidad a las tramas que van de episodio a episodio o a las que son autoconclusivas, una dirección artística cuidada hasta el más mínimo detalle,el balance final es sobresaliente, dando como resultado una de las ficciones televisivas más apasionantes de los últimos años. Un homenaje a la inteligencia del televidente que sobrepasa de manera brillante los manidos cliches de las series de abogados para ofrecer un panorama de la sociedad actual ,y sus más polémicos acontecimientos, de primera magnitud.
Solo queda desearle mucha suerte y que aún rueden bastantes temporadas pues esta serie es un oásis de inteligencia, entretenimiento y clase televisiva. Si el ritmo ascendente continúa, "The good wife" llegará con razón a convertirse en una merecida leyenda de la historia de la televisión sin necesidad de aspavientos ni retorcidas campañas de publicidad.
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10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Looking (Serie de TV)
Looking (Serie de TV) (2014)
  • 7,1
    1.304
  • Estados Unidos Michael Lannan (Creator), Andrew Haigh
  • Jonathan Groff, Frankie J. Alvarez, Murray Bartlett, Raúl Castillo, ...
8
Deseos errantes
Muchos años han pasado desde que se emitió la fabulosa "Queer as folk", ejemplo único de serie de televisión gay en la que la mezcla entre el tópico y la transgresión alcanzaban cotas más que notables, a pesar del bajón que supusieron las dos últimas de sus cinco temporadas.
Y mucho parecen haber cambiado los tiempos para que otra serie militante gay se haya vuelto a hacer un hueco importante en el panorama audiovisual, aunque sea desde unos postulados distintos, que no buscan en ningún momento la reivindicación, quízás por que, solo en teoría, no haga tanta falta. De ahí que "Looking" se fije más en los aspectos personales de tres personajes principales eludiendo el morbo, el sensacionalismo y acercándose sobre todo al sentimiento,a la incertidumbre, al deseo de alcanzar la realización personal a través de la consolidación sentimental, como una especie de ejercicio catarquico de los miedos, fobias, inseguridades y anhelos de unos seres que, casualmente, son homosexuales.
Y como ya ocurría en la extraordinaria película anterior de Andrew Haigh "Weekend", los protagonistas transcienden de manera casi espontanea su condición sexual para convertirse en simples seres humanos en los que uno puede verse reflejado, independientemente de su condición. Por que el sentido humanismo de su planteamiento, la honestidad que capítulo a capítulo va desarrollándose y un pesimismo del que todos parecen revivir en sus poco acertadas relacciones gracias a la dimensión que han ido adquieriendo, hacen de Looking un ejemplo perfecto del estado emocional de los tiempos que vivimos, de la desorientación que embarga nuestra sociedad y de lo imprevisible del rumbo que pueden tomar nuestras vidas cuando entran en juego personas y valores para las que no estamos, o no queremos estar; preparados.
Pese a algun ligero bajón en los episodios centrales al enfocar demasiado la acción en uno solo de los personajes y dejar de lado a los otros dos protagonistas, la serie levanta el vuelo al final consigueindo un final de la primera temporada de una impresionante emotividad, lo que la redimen, al igual que pasaba con "Weekend" de ciertos errores y la convierten en una serie de obligada visión para muchísimos tipos de espectadores.
Esperemos que la segunda temporada siga los mismos derroteros, por que "Looking" es sin duda alguna una de las grandes sopresas de las series televisivas de los ultimos tiempos. Decir eso en una época en que parece existir una edad de oro para las series televisivas, es mucho, y es que "Looking" partiendo de un naturalismo y sencillez que parecen pequeños consigue unos resultados, muy, muy grandes... casi enormes.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dante's Cove (Serie de TV)
Dante's Cove (Serie de TV) (2005)
  • 4,1
    55
  • Estados Unidos Michael Costanza, Sam Irvin
  • Tracy Scoggins, Charlie David, William Gregory Lee, Gregory Michael, ...
2
Si crees que ser gay es ser idiota esta es tu serie
Vaya por delante mi admiración por la osadía de crear una serie desprejuiciadamente gay, un ejemplo de normalidad que se merece sin duda al menos un cierto reconocimiento. Pero los méritos de Dante´s Cove empiezan y terminan ahí, por que por mucha buena voluntad que uno le ponga, a esta serie no hay por donde cogerla. Es mala, mala, mala...
Un guión maníqueo hasta la desesperación, un diseño de producción cutre y casposo, unas interpretaciones en las que uno solo desea que se pongan a tener sexo cuanto antes para no tener que oir las paridas que dicen con cara de petulante transcendencia unos actores que parecen salidos de un porno barato californiano descafeinado...
La lista de disparates es tan larga y descabellada que enumerarlos supondría un esfuerzo que la serie no se merece. Cualquier parecido con otras series de temática gay (la excelente y transgresora Queer as Folk, la muy interesante The L world o la fabulosa Looking) es una coincidencia, Vista así Dante´s Cove tampoco llama a la indulgencia pese a la simpatía que pueda despertar su planteamiento incial, por que comete el tremendo error de tomarse a si misma excesivamentwe en serio y pontificar sobre deterimnados temas "transcendentes"de una forma tan intelectualmente escasa que produce pavor si lo analizas seriamente, o, directamente una carcajada si tienes un día indulgente.
Desde luego como rijosa curiosidad puede llegar a tener un pase e incluso ser mínimamente recomendable. Algunas secuencias sexuales tienen cierto morbillo y son bastante explícitas, pero a no ser que uno sea un militante filogay con amplias tragaderas que odia a los heterosexuales, o un estudioso compulsivo de la mediocridad humana, acercarse a Dante´s Cove es sencillamente perder el tiempo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La máscara de Dimitrios
La máscara de Dimitrios (1944)
  • 6,8
    327
  • Estados Unidos Jean Negulesco
  • Sydney Greenstreet, Zachary Scott, Faye Emerson, Peter Lorre, ...
9
La sombre del halcón es alargada
Excelente muestra del mejor cine negro de los años 40, "La máscara de Dimitrios" es un claro ejemplo de como la presión de la industria puede dirigir el gran talento de un director hacia producciones en las que lo que menos importa es precisamente ese talento.
Despues de sumergirnos en el turbio mundo que planeta la película resulta raro comprobar como Jean Negulesco pudo hacer una obra tan soberbia en sus comienzos y acabar con sus anodinas (califiquemoslas así por ser benevolos) películas turística en rutilante technicolor. Su dominio de la profundidad de campo, su capacidad para recrear atmosferas oscuras, opresivas y asfixiantes y una forma de rodar y planificar totalmente inspirada dejan claro lo que se perdió cuando se dedico a otro tipo de producciones.
La máscara de Dimitrios, basada bastante fielmente en una obra muy entretenida de Erci Ambler, tiene todos los elementos que convierten en legendario el mejor cine negro de los 40, ambiguedad moral, retratos de personajes poco convencionales, tramas rebuscadas que acaban casando con absoluta precisión,itinerarios por imposibles ciudades de leyenda, dilemas éticos de profundo calado existencial y por encima de todo una ambiguedad moral que otorga al conjunto una densidad extraordinaria.
Si a todo esto añadimos el protagonismo de dos estratosféricos actores como Peter Lorre y Sidney Greenstreet, ambos en estado de gracia, el resultado, muy inspirado en la legendaria "El halcón Maltés", es uno de los más desconocidos e importantes films de género de su época, que solo se ve lastrado por la interpretación de un incapaz Zachary Scott que no consigue aportar la necesaria fuerza y oscuridad a su crucial personaje.
Por lo tanto una obra muy poco conocida pero casi de refencia y visión obligada para amantes del cine clásico en general y del cine negro en particular, capaz de hacerle sombra al mísmisimo "Halcón Maltés".
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los chicos de la banda
Los chicos de la banda (1970)
  • 6,8
    394
  • Estados Unidos William Friedkin
  • Kenneth Nelson, Peter White, Leonard Frey, Cliff Gorman, ...
8
Toda la banda está aquí
Basada en un obra teatral y sin pretender en momento alguno camuflar su origen e incluso potenciándolo para ayudar a definir el aspecto marginal de sus portagonistas, el gran director William Friedkin dá el primero de sus grande títulos con esta desgarradora, algo tópica, pero en general muy sentida y honesta visión del mundo gay.Los contactos con algunos puntos de la posterior y mucho más famosa, Cruising convierten a estos "Chicos de la banda" en una interesante y por momentos apasionante obra de una fuerza testimonial que la hace superar con creces sus limitaciones y la convierte en todo un icono de su época.
Pero quizás lo más soprendente es que la película sigue teniendo a día de hoy una vigencia asombrosa, ayudada por un grupo de actores excelente y tocando de forma directa algunos temas que en su momento debieron ser motivo de polémica, pero que a día de hoy todavía no han sido superados.
Lo más llamativo es que por aquellas fechas el Sida todavía no campaba por sus respetos , y seguramente por eso la pelicula parece, puntualmente, de otro tiempo, como si estuviera hablando de un mundo que ya no existe, sin embargo el gran mérito de la obra y de la excelente realización de Friedkin es dejar que las situaciones respiren, no temer al histrionismo y sobre todo no convertir a cada personaje en un simple cliché.
Resulta muy soprendente que en estos tiempos de consecución de derechos, de normalización de tantas cosa impensables con anterioridad, una película como "Los chicos de la banda" sea tan desconocida. Quizás es que incluso hoy en día su absoluta libertad, su desolador patetismo, su manera de bordear y asumir el ridículo sin pestañear, sigue siendo aún feroz y turbadora, pero debería ser mucho más promocionada aunque solo fuera en colectivos LGTB. Es evidente que siempre resulta más divertido venerar cosas como Priscilla, Brokeback Mountain o mamarrachadas como Bruno...
Los logros posteriores del gran William Friedkin dejaron claro que la valentía y los múltiples aciertos de esta gran película no fueron una simple casualidad.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paragraph 175
Paragraph 175 (2000)
  • 7,2
    200
  • Estados Unidos Rob Epstein, Jeffrey Friedman
  • Documentary
8
Víctimas olvidadas
Excelente documental realizado después del no menos recomendable "El celuloide oculto" por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, que pretende, con honestidad y sin caer en demagogia alguna, rendir homenaje a las víctimas más olvidadas del holocausto nazi, los homosexuales, que fueron brutalmente persegudios por el regimen y de cuya memoria nadie se acordó al final de la contienda.
Haciendo referencia al parrafo 175 del código penal alemán del año 1871, y que estaría en vigor hasta los años 70 del siglo XX, los autores consiguen entrevistar a varios de los supervivientes de esta barbarie (que se cebó principalmete en el género masculino) que explican sus historias y exorcizan sus recuerdos con una emotividad asombrosa y un detallismo capaz de helar la sangre al espíritu más templado.
La labor de sus directores consigue además sublimar lo anecdótico, eludir la reivindicación superficial y dotar a sus imágenes de una asombrosa fuerza que prioriza el aspecto moral de lo expuesto sin hacer apología de nada, simplemente dejando que las imágenes y los recuerdos de las personas supervivientes que quisieron aparecer, vayan reconstruyendo una realidad de pesadilla cuyo alcance por momentos es cuanto menos escalofriante.
Por todo esto, aparte de ver este gran documental como un simple homenaje o recuerdo de las vícitmas más olvidadas y maltratadas de la segunda guerra mundial, el film nos descubre sobre todo una capacidad de horror y determinados aspectos del ser humano que lo hacen superar su condición reivindicativa para convertirlo en un documento de visión obligada para cualquier espectador interesado en que algo como lo aquí reflejado no vuelva a suceder jamás.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Adiós, mi amor
Adiós, mi amor (1951)
  • 5,9
    57
  • Estados Unidos Vincent Sherman
  • Joan Crawford, Robert Young, Frank Lovejoy, Eve Arden, ...
5
Rutinas emocionales
Convencional, tópico y muy poco inspirado melodrama para el exclusivo lucimiento de Joan Crawford, que recuerda vagamente al extraordinario "Daisy Kenion" de Otto Preminger al establecer el típico dilema sobre con cual de sus amantes acabará nuestra desconsolada diva al final del metraje de la película.
Pero es evidente que Vincent Sherman no es, ni de lejos, Preminger y tan solo se limita a ilustrar con oficio y cierto buen gusto una historia sin garra, previsible y en la que una apática y rutinaria Crawford se dedica a cumplir uno por uno todos los cliches que la hicieron más o menos famosa, aunque ella parece ser la primera que no se cree absolutamente nada de lo que acontece en esta historia con pretendidos tintes feministas, que a la postre acaba siendo tremendamente convencional e incluso hasta ligeramente misógina.
Con todo, si a uno le gustan los melodramas y las llamadas "women pictures" de la época puede llegar a disfrutar algo con este título, que nada aporta al genero aunque tampoco ofenda demasiado. Por cierto que destaca en el elenco, bastante poco motivado en general, la presencia de la gran Eve Arden en su sempiterno papel de secretaria escéptica con buen corazón. Algo es algo...
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
ABBA: La Película
ABBA: La Película (1977)
  • 5,9
    93
  • Suecia Lasse Hallström
  • Documentary, Anni-Frid Lyngstad, Benny Andersson, Björn Ulvaeus, ...
7
Un clásico involuntario
Convertidos con el paso del tiempo en un grupo legendario, el cuarteto pop sueco ABBA supusieron en su momento una absoluta revolución en el mundo de la música melódica, un auténtico fenómeno sociológico y una consolidación del fenómeno fan casi desconocida hasta esas fechas.
Lo cierto es que el paso del tiempo ha jugado, y de que manera, a su favor y a día de hoy gran parte de la producción de este grupo son ya clásicos incontestables del género y nadie discute a estas alturas el gran valor de su excelente legado musical, quizás sobreexplotado pero indudablemente grandioso.
y como no podía ser de otra manera, ellos también tuvieron su propia película, la muy desconocida ABBA. The movie, que coincidiendo con la salida de su ABBA: The album, pretendía sobre todo demostrar la autenticiad del grupo mediante el seguimiento de una ya mítica gira por tierras asutralianas.
El resultado es una divertida, aunque algo insulsa película que no obstante el paso del tiempo ha revalorizado y que además viene firmada por el luego célebre Lasse Hallström que realiza un buen trabajo de dirección sobre todo en el rodaje de las actuaciones en directo del grupo, consiguiendo dejar claro que por encima de todo ABBA eran un grupo de directo y que quienes les acusaban de ser un simple y blando grupo de estudio, estaba muy equivocados.
Y si bien las peripecias del pobre periodista que intenta entrevistar al grupo resultan algo tópicas y trilladas, el resto de la cinta eleva el tono y deja claro que ABBA eran mucho más que los autores de baladas melódicas destinadas a arrasar de manera sistemática en las listas de éxitos de todo el mundo. Solo por eso la visión de la película resulta un entretenimiento de primera. Y ver a las maravillosas Frida y Agnetha encima del escenario desmelenándose como auténticas estrellas del rock con sus trajes imposibles y sus impagables looks setenteros no son, en absoluto, algo menor...
Como curiosidad destacar que esta película se estrenó en Madrid en los ya desaparecidos minicines de la calle Fuencarral, y que el día de su estreno éramos 9 las personas que estábamos en la sala... afortunadamente al ser un cine de sesión continua los 9 espectadores, y alguno que se añadió despues, nos vimos la película varias veces. Curioso el poco entusiasmo que recibió esta peli en nuestro país. Quizás es que los tiempos de "Chiquitita" no habían llegado aún...
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Weekend
Weekend (2011)
  • 7,2
    3.574
  • Reino Unido Andrew Haigh
  • Tom Cullen, Chris New, Jonathan Race, Laura Freeman, ...
8
Toda una vida en unas pocas horas
Bajo su apariencia de película sencilla Weekened esconde una aguda reflexión sobre los mecanismos del amor, la fugacidad de los sueños y la fortaleza de los sentimientos, que la engrandecen hasta convertirla en una obra digna de elogio.
La absoluta normalización del hecho homosexual, el respeto y la objetividad con que está tratado el tema y una capacidad para trascender sus líneas argumentales hacen de la visión de esta película un interesante ejercicio, no solo recomendable para gays o personas cercanas a ellos sinó para todo tipo de público, que gracias a la sagacidad y honestidad de sus director y sus extraordinarios interpretes, supera los cliches más manidos del cine homosexual para convertirse sobre todo en un reflejo de uno seres humanos mucho más ricos de lo acostumbrado en el cine miltante gay.
De visión totalmente recomendada para cualquier tipo de público con sensibilidad e inquietudes. Sin ser una obra maestra se le perdonan sus imperfecciones y alguna salida de tono un poco melodramática, así como una realización en momentos algo rutinaria,por la verdad, respeto y sensibilidad que destila todo el conjunto
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20 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dos pasiones y un amor
Dos pasiones y un amor (1956)
  • 5,2
    92
  • Estados Unidos Anthony Mann
  • Mario Lanza, Joan Fontaine, Vincent Price, Sara Montiel, ...
3
Dos bostezos y una cabezadita
Uno de los films más olvidados (con razón) y menos interesantes del maestro Anthony Mann, protagonizado por el famoso tenor Mario Lanza en horas muy, pero que muy bajas (moriría solo tres años despues), una ausente Joan Fontaine que pasaba, casualmente, por allí, una Sarita Montiel tan bella como mala actriz, pero con algunas escenas (sobre todo toreras) de verguenza ajena, y un Vincent Price infundiendo un poco de altura a tanta mediocridad.
Aderezado con famosas arias de ópera, plagada de tópicos hasta la nausea y con dos horas interminables de duración, la visión de esta peli es realmente meritoria por su aburrimiento, su previsiblidad y el evidente desinteres que su director demuestra, con una puesta en escena que en momento alguno refleja la fuerza, la tensión y el vigor característico del Sr. Mann.
Recomendada tan solo para completistas del kistch más rancio, y para fans de Sara Montiel (casualmente esposa fugaz del director) , por que de Mario Lanza, espléndida voz aparte, pocos admiradores deben quedar hoy en día.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Extraño cargamento
Extraño cargamento (1940)
  • 6,4
    195
  • Estados Unidos Frank Borzage
  • Joan Crawford, Clark Gable, Ian Hunter, Peter Lorre, ...
8
Talento y redención
Extraña y excelente película del gran director Frank Borzage que consigue mantener el equilibrio perfecto entre el drama carcelario, la película de aventuras, el melodrama más desaforado y el mensaje espiritual más o menos conservador, consiguiendo que todo case a la perfección, que ningún elemento anule a los otros y que su evidente moralismo no arruine el conjunto si no que incluso lo complemente y engrandezca.
La mítica pareja Gable/Crawford están formidables en papeles realmente difíciles y sobre todo Joan Crawford consigue hacer creible un rol alejado del habitual glamour que la caracterizaba. El resto de interpretes también brillan a gran altura, con mención especial para Albert Dekker y Peter Lorre en un nuevo villano que añadir a su memorable filmografía. Si a esto añadimos algunos apuntes de una sorprendente ambiguedad y modernidad (el agnosticismo de Gable, la amistad entre dos de los reclusos fugados, que algún personaje consiga sus fines de libertad pese a ser un terrible criminal, etc...) nos da una idea del gran interés y modernidad de esta extraordinaria película que podría haber sido una gran obra maestra de no haber intervenido la censura para suavizar algunos apuntes religiosos, éticos y morales que no sentaron nada bien en su momento.
A pesar de todo "Extraño cargamento", película rara y bastante desconocida, supone un descubrimiento reivindicable, y una nueva muestra del inmenso talento de Borzage para el cine de los sentimientos (que no de los sentimentalismos), su dominio de los recuros del melodrama y su capacidad para sacar lo mejor de sus actores.
Sin duda alguna una película más que recomendable.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
La viuda alegre
La viuda alegre (1952)
  • 5,7
    157
  • Estados Unidos Curtis Bernhardt
  • Lana Turner, Fernando Lamas, Una Merkel, Richard Haydn, ...
7
Glamour vintage
Aunque en un principio no parecía Curtis Bernhardt el director más adecuado para sacar adelante este proyecto, lo cierto es que su adaptación de la celebre opereta de Frank Lehar tiene mucho de comedia romántica, bastante de vodevil y algo menos de musical, un género para el que Mr. Bernhardt (Kurt para los amigos que lo conocieron en su interesante carrera alemana antes de"emigrar" a Estados Unidos con el comienzo de la 2ª guerra mundial) no parece estar demasiado dotado.
Y es que "La viuda alegre" es por encima de todo un colorista y adorablemente anticuado vehículo de lucimiento para la suntuosa Lana Turner que se mueve como pez en el agua entre tanto oropel de baratillo y superlujo de cartón piedra, marca indiscutible de los mejores musicales de la MGM de aquellos años. Quizás por ello se limita el alcance musical (Mrs. Turner es nula para ese género) y se potencia con acierto los elementos de comedia, dotándola de un encanto que convierte su visión en un "guilty pleasure" en todo la regla, tan irracionalmente disfrutable, que casi parece que se deben pedir sinceras disculpas por afirmar que esta película es una auténtica gozada pese a sus más que evidentes limitaciones.
Puede que comparándola con la versión del maestro Lubitsch de 1934 salga perdiendo por goleada, pero lo cierto es que ni esta versión es tan mala, ni la de Lubitsch era tan buena. Ambas eran obras muy coyunturales, pero parece que el paso del tiempo ha jugado a favor de esta versión, y que en tiempos de modas vintage, pocas actrices se merecen mejor este calificativo que la extraordinaria Lana Turner, aunque comparta cartel con el insulso machote Fernando Lamas, que al menos en comparación con Maurice Chevalier en la versón del 34 tiene la ventaja de resultar menos cargante.
Destacable la intervención de la extraodinaria Una Merkel que ya ocupaba un papel estelar similar en la versión del 34.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Destino fatal
Destino fatal (1975)
  • 5,6
    266
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Burt Reynolds, Catherine Deneuve, Ben Johnson, Paul Winfield, ...
3
Pero fatal de verdad
Decepcionante y por momentos risible policiaco que deja un poso amargo al venir firmado por el maestro Robert Aldrich, que hace lo que puede para salvar con evidente oficio un material de reciclaje, tópico de la época, lleno de todos los manidos cliches que hicieron grandes otros títulos esos años, pero que aquí apenas si tienen la menor relevancia e interés.
La película hace agua por todas partes, empezando por la inexistente química entre sus personajes principales, un insoportable Reynolds interpretándose a si mismo y una gélida Deneuve de la que no puede evitarse pensar que simplemente pasaba por allí y decidió ganarse unos dólares posando para un largo anuncio de modelitos setenteros, para mas sonrojo de pret a porter tirando a suburbial.
Por ello no es extraño que está película sea tan desconocida, y, casi nunca se mencione en las filmografías de sus participantes. Si bien algunas escenas están bien rodadas e incluso llegan a tener cierta tensión, otras (recuerdo a la pareja protagonista viendo "Un hombre y una mujer" en una sala de arte y ensayo de Los Angeles y casi me da verguenza ajena, o ese tremendo final de un moralismo tan incomprensible como trasnochado) descalifican casi por completo los escasos logros, de una historia con un interés bajo mínimos .
Es evidente que los mejores tiempos del gran Robert Aldrich ya habían pasado, y aunque todavia daría una obra tan extraordinaria como "Alerta misiles" esta película es el ejemplo de una decadencia anunciada. Nunca un título español pudo calificar tan bien una cinta. Parece como si el destino de esta obra fuera desde el principio ser simplemente ... fatal.
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7 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los nuevos españoles
Los nuevos españoles (1974)
  • 5,5
    229
  • España Roberto Bodegas
  • José Sacristán, María Luisa San José, Amparo Soler Leal, Antonio Ferrandis, ...
6
Complejos premonitorios
Vaya por delante mi admiración hacia esta curiosa y desigual película, típico ejemplo de la necesaria modernización del género en los finales del régimen franquista. Y es que vista desde una óptica actual esta obra destila mucha mas mala leche e ingenio que otros ejemplos de la época y se beneficia de un guión realmente incisivo y unos intérpretes muy sólidos que imprimen un carácter que la alejan de la mera coyunturalidad bajo la que aparentemente se realizó.
Obra mucho más de productor que de director, el reivindicable José Luis Dibildos, la dicotomía entre tradición y modernidad es tratada de manera inteligente, y aunque se caiga en tópicos y unos rasgos de humor grueso y brocha gorda un poco de mal gusto, lo cierto es que los resultados tienen una dignidad que la convierten en una de las obras de aquella época que mejor han soportado el paso del tiempo. Algo que comparádolo con productos coetáneos tiene un mérito que debe serle reconocido.
Y es que esta crítica a la resistencia hispana a la modernzación, a los cambios y a todo lo que pueda suponer alejarse de la más casposa tradición, en realidad habla en clave de humor de la muerte de un régimen y de las consecuencias que esto puede traer a la mentalidad de un pueblo poco preparado para equipararse a nuevos esquemas sobre todo sociológicos , que resulta tan premonitorio, que ver la película hoy en día nos descubre con bastante claridad lo qeu era la España de la época y sobre todo deja muy claro que por mucho que creamos nuestra forma de pensar y reaccionar tampoco ha cambiado demasiado.
Solo por eso "Los nuevos españoles" se merece tanta reivindicación como indulgencia, y debería ser considerada como uno de los primeros títulos que pretendieron, y consiguieron insuflar cierta diginidad al cine comercial de aquellos años, que huía tanto de las macarradas de Ozores y compañía como del mundo crítpico, simbólico y elitista de las producciones de Querejeta y similares.
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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una chica de pueblo
Una chica de pueblo (1953)
  • Estados Unidos László Kardos
  • Jane Powell, Farley Granger, Ann Miller, S.Z. Sakall, ...
7
Bisutería fina
Es evidente que para los amantes, como es mi caso, del cine musical clásico esta película tiene un gran valor y resulta cuanto menos recomendable. Los puntos negros viene por su tono bastante ñoño y la acumulación de tópicos que el desconocido director Laszlo Kardos no sabe sublimar (no es y ni siquiera se parece a SIdney o Minelli) y a pesar de unos números musicales antológicos, y formidablemente rodados (estando Ann Miller por allí eso no extraña en absolluto) la trama toma demasiada importancia y se ve con una mezcla de risueño escepticismo e incluso de condescendencia casi sociológica.
Con todos los pero que quiera ponérsele, se trata de un título que no se merece el olvido en que se encuentra, ya que visto sin prejuicios se disfruta y mucho como otro ejemplo señero del buen hacer de la Metro en el cine musical, que incluso cuando hacía pelis de segunda daba como resultado obras mayores.
Destaca, como siempre que aparece, la extraordinaria Ann Miller (muchos descubriran que números muy famosos de la historia del musical pertenecen a esta ignorada peli) y un excesivamente candoroso Farley Granger bastante despistadillo que no obstante aguanta muy bien el tipo ante la presencia empalagosamente inquietante de la mucho más difícil de llevar Jane Powell, y las intervenciones estelares de mitos como Nat King Cole o la olvidada y fabulosa Fay Wray.
Por todo esto y a pesar de sus limitaciones "Una chica de pueblo" es imprescindible para amantes del musical clásico y recomendable para degustadores del cine de la época .
Como pasa con muchos otros títulos de aquellos años sus buenos sentimientos, relamidos tópicos y triunfo de los valores mas superficiales del conservadurismo americano le restan fuerza, pero no impiden que sin ser una joya la peli brille en muchos momentos como si lo fuera, y de las mejores además. Que el conjunto no llegue tan lejos quizás sea una pena pero un musical tan MGM como este jamás debería pasar desapercibido.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El trío infernal
El trío infernal (1974)
  • 5,8
    92
  • Francia Francis Girod
  • Michel Piccoli, Romy Schneider, Mascha Gonska, Philippe Brizard, ...
6
Truculencias en familia
Muy curiosa aunque fallida comedia negrísima de una violencia y tremendismo abrumadores, lo que la hizo convertirse en un pequeño escándalo en el momento de su estreno. Con un extraordinario reparto y unas considerables dosis de incisiva mala leche, lo que podría haber sido una comedia eficaz acaba fagoctándose de muy mala manera y convirtiéndose en un sanguinario gran guiñol de poco alcance pero de indudable simpatía por lo extremo de sus postulados y un sentido crítico hacia los convencionalismos burguesesy familiares realmente notable.
Sin duda necesitaba detrás a un director mucho más cínico que el habitualmente demasiado discreto Francis Girod, que no obstante rueda una de sus mejores películas, lo que tampoco es decir demasiado.
Recomendable por lo tanto solo para estómagos muy curtidos (tardo mucho en estrenarse en España y cuando lo hizo fue bajo el signo de la inefable clasificación S con que se advertia en la época de la transición que podía herir la sensibilidad del espectador) y para fans de la maravillosa Romy Schneider que realiza, y, por varios motivos, una interpretación para helarte la sangre.
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12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Desesperación
Desesperación (1978)
  • 6,6
    258
  • Alemania del Oeste (RFA) Rainer Werner Fassbinder
  • Dirk Bogarde, Andréa Ferréol, Klaus Löwitsch, Volker Spengler, ...
7
Rainer contra Vladimir
Fassbinder, Nabokov, Bogarde, Stoppard.... nombres todos de gran solvencia intelectual se dan cita en una película tan confusa como incomprendida, y en la que la batuta del maestro Fassbinder, quizás confiando en exceso en la capacidad de los espectadores, es incapaz de empastar todos los elementos para conferirles una congruencia que supere el desasosiego existencial de un protagonista a quien nunca acabamos de entender del todo.
Es evidente que el director alemán se movía mucho mejor en otros terrenos y que lo que debía haber sido un proyecto que le consolidara en la industrial europea se salda con su obra más desconocida y menos apreciada por los seguidores del maestro. Y eso que el año del rodaje, 1978, es uno de sus años más productivos y en el cual rodó una de sus obras capitales, la mucho más redonda y personal "Un año con trece lunas".
A pesar de todo Desesperación es una obra de indudable interés, y las peripecias del personaje magistralmente interpretado por Dirk Bogarde, possen un hálito entre el arribismo y el nihilismo tan extraño como cautivador, pero al mismo tiempo difícil de seguir por un público mucho más acostumbrado a la linealidad narrativa o al desasosiego de la marginalidad en donde Fassbinder se mueve mucho mejor.Pero si nos enfrentamos a esta obra obviando las apariencias nos daremos cuenta de que en el fondo las semejanzas entre este hombre capaz de reiventarse a si mismo a cualquier precio y la mayor parte de los protagonistas de otras películas de Fassbinder, son muchas y deja constancia de la tremenda coherencia que esta obra olvidada y repudiada tiene para entender globalmente la obra del genio alemán, y por que se fijó en una obra de Vladimir Nabokov que no se encuentra entre lo mejor escrito por el famoso autor de "Lolita".
Por ello, y sin elevarla a la categoría de sus mejores obras, Desesperación es todo un ejercicio de cinismo, pesimismo y crítica arribista que se merece mucha más consideración de la que tiene, y cuyo redescubrimiento quizás no llegue a apasionar, por su confuso tratamiento de una historia que en realidad fijándose con detenimiento tiene muchos menos cabos sueltos de los que parenta, pero que resulta un poco farragosa, quizás por que el guión de Tom Stoppard tampoco consigue desencriptar adecuadamente la obra original literaria.
Mención especial para la intervención de Andrea Ferreol, una gran presencia del cine europeo de la época, hoy injustamente olvidada.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El celuloide oculto
El celuloide oculto (1995)
  • 7,3
    1.152
  • Estados Unidos Rob Epstein, Jeffrey Friedman
  • Documentary, Lily Tomlin, Tony Curtis, Whoopi Goldberg, ...
8
Queers like us...
Excelente película documental cuyo visionado pone de manifiesto no solo la historia de la homosexualidad en el cine americano, si no los nivles de tolerancia y los tremendos vaivenes morales que ha sufrido el siglo XX y que quedan plasmados en esta película de forma realmente notable.
Haciendo quizás un cierto ejercicio de nostalgia, dogmatismo y una reivindicación excesivamente proselitista (puede que fuese la mejor forma de acercarse a tan escondida interpretación) del tema, la obra que por momentos parece el resultado de una sesuda tesis sobre la homosexualidad en el cine más o menos clásico, se sigue con gran interés y consigue algo que parecía difícil que es captar el interés de personas que en principio no podría interesarles nada el asunto tratado o cuya sensibilidad se aleja totlamente de lo retratado en la cinta.
Por lo tanto si su visión es casi obligada para militantes gays con ciertas inquietudes intelectuales, también es muy recomendable para cualquier tipo de espectador, interesado en la historia del cine y en la evolución sociológica del pasado siglo. Lo que podría separar el panfleto o la reivindicación chapucera del rigor y la mirada humana y entrañable del tema es traspasado por los autores y da como resultado una obra tan curiosa, respetuosa,deliciosa y en determinados momentos tan intensa que no puede por menos que reivindicarse fervorosamente.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
La leyenda de Lylah Clare
La leyenda de Lylah Clare (1968)
  • 6,6
    234
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Kim Novak, Peter Finch, Ernest Borgnine, Milton Selzer, ...
7
Mitomanía de saldo
Curiosa y desopilante mezcla de géneros que el talento del gran Robert Aldrich saca adelante con bastante mérito, habida cuenta del muy resbaladizo material con el que trabajaba. Así esta mezcla de crítica del sistema hollywoodiense, con toques parapsicológicos, elementos melodramáticos casi de folletín, unas gotitas del mejor Grand Guignol (género del que Aldrich es maestro indiscutible), ciertos toques sexuales muy sesenteros y algunos efectos visuales de "pretendida" modernidad consiguen encajar y dan como resultado una película tan disfrutable por su absoluta falta de complejos como frustrante por la incapacidad de sublimar con cierta elegancia tanto error y tanto disparate.
Productores, directores, estrellas, gacetilleras, parásitos varios... todos van pareciendo en esta mórbida cara reversa de El Crepusculo de los Dioses, que fantasea sobre el negocio del cine con diálogos muy ácidos, y sobre la construcción y destrucción de los mitos que sustentan la industria del cine, sin parase en momento alguno en buscar la verosimilitud pero sin renunciar tampoco a ella plenamente lo que hace que muchos de sus personajes recuerden a otros reales (Steneberg/Dietrich sería el más fácil de reconocer) lo que supone un valor añadido patra disfrute de mitómanos morbosos y decadentes.
Sin ser una de las mejores películas de su director, este demuestra ser capaz de sacar brillo de la bella pero tremendamente inexpresiva Kim Novak, pero se muestra inflexible en hacer más simpáticos lo papeles de Peter Finch o Ernst Borgnine lo cual redunda en un resultado arisco, duro y agresivo, del cual sería perfecto ejemplo el tremebundo final que deja claro que por encima de todo Hollywood es una violenta jauria de perros siempre dispuesto a devorar las delicias que se le puedan ofrecer.
Con todo una película muy disfrutable, si se hace sin pretensiones, y uno está dispuesto a creerse a Kim Novak, de nuevo (como en Vertigo) pretendidamente poseida por el fantasma de otra mujer, en ambos casos mucho mas interesante que ella misma.
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10 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil