Maravillosa película de cine negro dentro de la serie b en la que se demuestra claramente, que con muy poco dinero y muy pocos recursos se puede hacer una gran obra, siempre claro está que haya un gran cineasta detrás de la cámara con una visión clara de lo que está haciendo, y un gran talento como el director de origen austriaco Edgar G. Ulmer. Fue ayudante de dirección de grandes maestros expresionistas como el gran Murnau, y eso se nota claramente en este film donde la puesta en escena utiliza a la perfección la técnica del claro oscuro aprendida en Alemania en la época de esplendor del expresionismo. El film es una de las grandes muestras del destino y la fatalidad tan típica en el cine noir americano, cubierta de un pesimismo atroz en todo momento en la que un hombre desgraciado y anodino se ve envuelto en un viaje en autoestop donde las casualidades del destino son crueles e irremediablemente sin salida satisfactoria. La mayoría de las secuencias son por la noche reforzando así con mucho sentido la oscuridad mental de una persona que no puede escapar de su fatal destino, e incluso al haber rodado por la falta obvia de dinero prácticamente solo planos de carretera sin mostrar escenarios, y casi siempre dentro de un vehículo o con una densa niebla, también le da a la cinta un toque de decadencia absoluta apoyada por una voz en off pesimista del protagonista en la que se convence a sí mismo de la fatalidad de su angustiosa vida. Las pobres interpretaciones de los actores van marcadas en este sentido, y no le resta credibilidad a un relato que busca esas imperfecciones de una manera evidente para darle un aire de penosidad y de desgracia. Además tiene a una de las femme fatales más extrañas y poco glamurosas del género al ser tan antipática y rudimentaria y no tener la belleza ni el carisma habitual de estas damas que arrastran siempre a los hombres hacia un trágico destino. Es uno de los viajes de costa a costa de los Estados Unidos más curiosos y emblemáticos que se hayan rodado nunca, y es sin duda una de las grandes películas de cine negro hecha con muy pocos medios de la historia del cine de Hollywood.

Gran película de la universal de su género de monstruos en la que un anfibio medio humano es el gran protagonista. Jack arnold se hizo un auténtico especialista en el cine fantástico de los cincuenta donde llegó a su cima con la maravillosa “El increíble hombre menguante”, pero antes de esta joya realizó su otra gran película dentro del género, “La mujer y el monstruo”, que aunque no sea tan redonda es fascinante. Una simple historia de unos científicos que se encuentran con una especie de anfibio medio humano de la antigüedad, se convierte en una gran película por la fuerza visual del monstruo, (con un diseño de producción excelente), y por un muy buen suspense apoyado en una gran banda sonora. Todas las apariciones del monstruo son extraordinarias, combinando a la perfección la sugerencia y el mostrarlo para ver de que es capaz, tanto en su faceta más pura de instinto animal, como en su faceta más tierna y sentimental. La música remarca siempre la misma melodía cuando el monstruo aparece en escena, siendo sencilla pero muy eficaz porque ayuda a darle tensión y suspense a todo el relato. Las relaciones entre los personajes están bastante bien, con posturas distintas de que hacer con el monstruo entres ellos, dándole así algo más de rigor al relato. También se establece una conexión medio erótica entre la chica y el monstruo en la gran secuencia de los dos en el agua. Es en definitiva una de las grandes películas de monstruos de los años cincuenta, con un buen equilibrio de terror y suspense y con un maravilloso monstruo.

Extraordinaria y legendaria obra maestra de Julien Duvivier. Es un drama criminal de la época dorada del cine poético Francés, en donde Jean Gabin encarna a un capo mafioso que escapa de Francia y se esconde en la alcazaba de Argelia que es un laberinto y ahí no lo pueden atrapar, por lo tanto la policia hará todo lo posible por sacarlo fuera de lo alcazaba para detenerlo. Con este argumento, Duvivier construye una historia dotándola de un aura mítico y de una belleza visual deslumbrante, en la que juega con el sentirse encerrado del protagonista, pues en ese laberinto de la alcazaba vivir si no puedes salir es un horror, y el amor que encuentra en una Parisina, que le hace sentirse nostálgico porque le recuerda su ansiada París. Por esto la película tiene mucha melancolía por soñar con la ilusión de volver algún dia a su París idealizado y por eso hará calquier cosa por volver. El guión es magnífico por mezclar muy bien el realismo por sentirse atrapado, y por describir con mucha eficacia lo que es vivir en un barrio así de laberíntico. La fotografía es asombrosa con esos planos oscuros y llenos de sombras que tan bien haría el cine noir americano años más tarde. La interpretación de Jean Gabin es genial por dotarla de elegancia y combinar muy bien sus estados de nostálgia con los de liderazgo de la banda. Tiene secuencias maravillosas tanto a nivel visual como de guión, que ahora describiré en la zona spoiler y el final es legendario. Es un film entrañable y por sus propios méritos una obra maestra más de la inolvidable década de los treinta del cine francés.

Espectacular película de John Woo ambientada en la China del 200 d.c, donde las batallas tienen completamente el peso narrativo de la acción. El film busca en todo momento la espectacularidad, y al no centrarse en absurdas historias paralelas innecesarias, consigue entretener al máximo en una cinta de estas características que son hechas para el gran público, o sea para las grandes masas que lo que quieren es entretenerse en el cine sin tener que pensar mucho, por eso si el film busca solo espectáculo se tiene que centrar en eso, pero a diferencia de las superproducciones actuales de Hollywood llega a un nivel de calidad bastante más alto, al no ser tan infantiloide y centrarse más en aspectos dentro de las mismas batallas como la naturaleza o el tiempo del cielo, en vez de en aspectos más de belleza de musculitos tipo Brad Pitt en “Troya”. Y así de este modo tiene mucho más sentido que este film sea tan esteticista, al centrase más en las montañas, los ríos, e incluso en las estrategias de los ejércitos que tienen mucho valor. Hay secuencias maravillosas como cuando la paloma sobrevuela los barcos del primer ministro con un genial plano aéreo, o el ataque trampa con flechas en la niebla, y además las escenas de masas de gente están hechas con infinidad de extras como en las superproducciones de antaño, sin apenas utilizar el ordenador, a diferencia de films como “El señor de los anillos” donde el diseño visual se basaba demasiado en efectos diseñados por computadoras. Hay que recordar que es el film Chino que más ha recaudado en taquilla en la historia de su país, y esto hace reflexionar que el cine palomitero con cierta calidad, no tiene por que ser malo como ven muchos espectadores modernos que apoyan solo el cine de autor sin saber bien lo que es pero queda bien decirlo en esta hipócrita sociedad, y además habiendo visto prácticamente solo cine de los noventa en adelante, pero increíblemente se ven capacitados de criticar films así cuando en realidad ni siquiera les gusta el cine como forma artística, sino que solo se fijan en lo más superficial, o sea en el argumento, en un arte que lo más importante es lógicamente las imágenes. En definitiva para criticar sobre el séptimo arte, hay que tener mucho cine a las espaldas para poder tener credibilidad sobre lo que se juzga, y el cine espectáculo si no trata al público como retrasados mentales y tiene calidad artística como es este caso, bienvenido sea.

Divertida y emotiva película del maestro nacido en Cape Elizabeth, donde su gran estilo de brillante contador de historias está ya perfectamente definido. El film cuenta la historia de un joven que ha matado en defensa propia a un muchacho y su tío el doctor John Pearly junto a su novia le intentarán defender para que no lo ahorquen. Con este sencillo argumento Ford lleva la película a su mundo, donde tendrán cabida sus típicos personajes como el doctor de medicina, el simpático compañero inmerso en el alcohol pero gran profesional, el predicador con la palabra de dios por delante, o sus característicos temas como el deber, la familia, el humanismo, o la religión, todo muy bien mezclado con su gran sentido del humor que tan bien desarrolló durante toda su carrera, y con una gran puesta en escena sencilla y eficaz, donde acompañada con su gran habilidad narrativa fueron sus rasgos más característicos, y el cual hacen que una historia aparentemente intrascendente como esta sea brillante. Hay que recordar que Ford llegó en 1914 a Hollywood gracias a su hermano Frank, y dirigió su primer film solo tres años después, esto demuestra el gran manejo del lenguaje cinematográfico que tenía en 1935, año en que realizó “Barco a la Deriva”, pues llevaba más de 20 años trabajando en una industria en la que además empezó desde abajo del todo siendo un simple empleado de atrezzo. Esto le hizo aprender toda la técnica paso por paso y por eso maneja tan bien la puesta en escena en sus films, ya sea la fotografía, los decorados, el vestuario, el manejo de la cámara, o posteriormente el sonido. Viendo una sencilla película como esta en cuestión, es fácil darse cuenta de lo que estoy contando, ya que si la hubiera realizado un director menor estaría completamente olvidada, pero al realizarla Ford se ha mantenido como un pequeño clásico de los años treinta, donde aunque esté muy lejos de sus obras maestras mantiene toda la frescura y la gracia que tuvo en su día, con grandes secuencias como la divertida carrera de barcos o la del joven tocando una bella y emotiva melodía con una sierra, y personajes inolvidables como el graciosísimo “Nuevo Moisés”.