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España España · Santander
Críticas de burton
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Críticas 311
Críticas ordenadas por utilidad
10
11 de junio de 2006
271 de 326 usuarios han encontrado esta crítica útil
Recuerdo a esta película por ser una de las pocas pelis que he visto a través de la televisión convencional, en concreto la ví a través del maravilloso y añorado programa de Jose Luis Garci "¡Qué grande es el cine!", y recuerdo además que posteriormente asistí también a aquella tertulia post-película que entablaban aquellos contertulios asiduos a aquel programa (...y sus teorías reveladoras sobre el color de los globos...).

No voy a ser reiterativo en la mayoría de las opiniones vertidas sobre este foro, y empezar a alabar los incuestionables méritos de esta cinta, tipo sus brillantes diálogos llenos de un ingenio arrebatador por momentos sutil, por momentos revestidos de un bestial sentido del humor negro..., el característico y poderoso modo de narrar las historias del brutalmente talentoso cineasta norteamericano..., su poder visual y su estética homenaje al genuino sabor setentero (como el programa de radio K-Billy y el sonido supesónico de los 70)...

Simplemente voy a tratar de enumerar sucintamente la lista de recuerdos impactantes que esta cinta dejó grabada a fuego en mi subconsciente;

La ya legendaria conversación del inicio sobre el origen de la canción "Like A Virgin" así como de "True Blue" de Madonna, entre los miembros de una banda de delicuentes a punto de cometer uno de los más renombrados atentados fallidos de robo a una joyería en la historia del celuloide.

Como poco a poco y con un admirable y portentoso sentido del ritmo narrativo Tarantino nos pone en antecedentes sobre cada uno de los coloristas protagonistas.

La ESCALOFRIANTE interpretación de un terrorífico señor Rubio (admirable Michael Madsen).

La enorme personalidad metódica de un tipo escrupulosamente frío, y tercamente obstinado (genial Steve Buscemi, alias señor rosa).

El carisma de un delincuente con agallas y madera de líder (señor blanco, fenomenal Harvey Keitel).

La genial interpretación agónica del gigante Tim Roth (señor naranja).

La fulgurante presencia en escena de un secundario de lujo, Chris Penn (Nice Guy Eddie).

Un almacén de paredes verdes, finalmente teñido de rojo masacre.

La alusión a Pam Grier, posteriormente reclutada y recuperada para la causa,en mi admirada Jackie Brown.

Y el chiste famoso chiste del miembro viril pegado al estómago.

Todo en esta película es una bocanada de aire fresco, ágil y deslizante.
PARA NO PERDERSE.
burton
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9
5 de febrero de 2007
292 de 371 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esta especie de mantra que servía de apoyo en los duros momentos de la vida a Oh Dae-su, el personaje central de esta estupenda película coreana, está extraído literalmente del comienzo del poema "Solitude" de la poetisa norteamericana Ella Wheeler Wilcox, y refleja muy bien la filosofía oriental de este personaje (una especie de Charles Bronson oriental) al que la vida trató de forma injusta sólo por hablar más de la cuenta ("Be water my friend").

Oldboy, es un thriller psicológico con evidentes toques azabaches aderezados por el manga japonés (no en vano la cinta está basada en un manga japonés epónimo), con elementos de la comedia trágica griega del Sófloces más descarnado, y autoconfesos guiños a la obra literaria decimonónica, "El Conde de Montecristo" de Alejandro Dumas padre, a la cual y dicho sea de paso, deben su existencia la mayoría de obras carcelarias (literarias o cinematográficas), recientemente popularizadas por la óptima producción norteamericana para la tv, "Prison Break".

Sería además la segunda entrega de la "trilogía sobre la venganza" de este sorprendente cineasta surcoreano admirador de Hitchcock, continuación de la iniciática "Sympathy For Mr. Vengeance (2002)" y predecesora del cierre de la saga, "Sympathy For Lady Vengeance(2005)", que ganó además el premio Grand Prix del Festival de Cannes en el 2004, no pudiéndose llevar finalmente el máximo entorchado de estos premios, la Palma de Oro, en detrimento de "Fahrenheit 9/11", y ello a pesar de los ímprobos esfuerzos en su favor del presidente del jurado en aquella edición, Quentin Tarantino.

Es evidente que el violento manga japonés del cual bebe esta cinta, es un claro indicio para presuponer escenas de inusitada violencia que muchas veces están fuera de lugar, añadiendo morbo y pretendido impacto visual, con descarados fines publicitarios (me estoy refiriendo a la escena del pulpo engullido vivo, o la escena de la lengua, por las que es injustamente comentada esta poderosa película. Evidente y pretendido ACIERTO de su director).

Como dato anecdótico, no sé si será casualidad ó no (similitud con la "Naranja mecánica" de Burguess y Kubrick), pero las muestras de ultraviolencia están también ambientadas con música clásica, en este caso substituyendo a Beethoven por el concierto para violín de "Invierno" contenido en "Las cuatro estaciones de Vivaldi".

Con un final deliberada y deliciosamente abierto...; ¿habrá habido realmente sesión de hipnosis?, ¿se habrá desdoblado correctamente el monstruo (conocedor del incestuoso secreto) del "Oh Dae-su carnal" felizmente ignorante?.

Pero... ¿y esa misteriosa sonrisa final "a lo Mona Lisa" de Oh Dae-su al abrazar a Mi-do?

Oh Dae-su significa "persona que se lleva bien con todo el mundo"...Entonces, ¿por qué su vida estaba inmersa en el caos y la violencia?.

"Quince años de prisión...cinco días para la venganza".

P O D E R O S A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
burton
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10
5 de diciembre de 2006
248 de 283 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aunque su título original iba a ser "La bella confusione(la bella confusión)" Fellini lo dejó simplemente en "8 y 1/2" simplemente porque esta película según el propio cineasta de la Romagna hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, "Bocaccio 70" fue un proyecto "sui generis" en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio...

Fellini nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original...

Películas como el "Stardust Memories" y en menor medida el "Desmontando a Harry", ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano más genial en la historia del séptimo arte...e incluso algunos opinan que la famosa escena de baile en "Pulp fiction" es también deudora de esta obra maestra...

Porque lo que sí que es evidente es que "Otto e mezzo" es una obra con claros tintes autobiográficos...Concebida por Fellini como una historia sobre el conflicto creativo de un escritor, fue sin embargo el propio Fellini quien al optar por su actor fetiche, Marcelo Mastroianni, reculó para concebir "la bella confusión" para un cineasta, dado que Mastroianni acababa de rodar de la mano de Michelangelo Antonioni "La notte(la noche)", interpretando el papel de un escritor...

Con una espléndida fotografía en blanco y negro a cargo de Gianni di Venanzo y una maravillosa banda sonora a cargo del otro gran genio italiano de las bandas sonoras junto a Ennio Morricone, Nino Rota, con algunos cortes clásicos de gente como Rossini, Tchiakovsky o Wagner, Fellini rompe con la corriente neorralista para ofrecernos esta especie de autobiografía con su Rosebud particular...aquel "ASA NISI MASA" que simbolizara los miedos primigenios de juventud...cuando su hermano le asustaba con historias de miedo sobre viejos personajes que a media noche aleteaban sus brazos espasmódicamente mientras le entregaban enigmáticos tesoros...

Y mientras el pobre Guido (Marcelo Mastroianni) buscaba inspiración en la figura de la bella Claudia (Claudia Cardinale) como símbolo de pureza y espontaneidad , ó en los espíritus animosos que su hermana Rosella (Rossella Falk) le trataba de infundir, mientras su esposa y su amante, y el público en general venían a agobiarle más y más, terminando por desistir de su proyecto cinematográfico para alborozo de su crítico y asesor, el escritor Carini (Jean Rougeul) quien aplaude la claudicación de una obra vacía ("la destrucción supera la construcción, sólo cuando ésta porta el vacío") y para desesperación de su productor, Conocchia(Mario Conocchia) quien ha invertido ingentes cantidades en el mastodóntico escenario donde tiene lugar la escena final de la marcha...


L E G E N D A R I A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
burton
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10
6 de mayo de 2006
292 de 373 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuando ví por primera vez esta película allá por 1993, en versión original, recuerdo que quedé impactado por la primera parte de la pieza, durante el cruento período de instrucción militar.

Sólamente esta primera parte valdría para que esos mismos críticos que ensalzan obras retorcidas de dudosa calidad artística, recapaciten y consideren ya sin más esta película como la mejor película sobre Vietnam que se haya rodado jamás, si exceptuamos tal vez partes concretas de la irregular Apocalypsis Now.

Kubrick nos adentra con el mismo poderío de siempre en sus historias llenas de tormento y éxtasis.

Con una arrebatadora banda sonora llena de clásicos de los sesenta y setenta, Kubrick ambienta cada magistra fotograma de la cinta con un nuevo detalle revelador de la miseria y soledad del alma humana en contacto con la lucha fraticida más inútil de siempre: la guerra.

¿Por qué demonios escucho siempre las mismas chorradas sobre que la obra es irregular y que en líneas generales decae en una obra menor?

¿¿¿Nadie ha leído jamás un libro con párrafos, renglones y capítulos...?????.

Pues de eso es precisamente de lo que va esta película....

En toda guerra, en todo debate y si me apuráis en toda actividad humana siempre hay dos capítulos; la instrucción y la realización.

En ese segundo capítulo Kubrick no se dedicó a dormirse en los laureles sino que pergeñó un plan, si queréis menos efectista que en el primer capítulo, que conmocionara al público de una manera distinta, no tan impactante como en la primera parte pero igualmente conmovedora.

Para ello Kubrick se vale de una sola historia, y no mil y una batallitas como desearían los filósofos de la ortodoxia más estricta cinematográficamente hablando, que sirviera para liar la trama y desvirtuar el próposito inicial del maestro.

Lo sencillo siempre se narra sencillo, y aquí la enseñanza es sencilla, clara y concisa: la guerra mata.

"Born to kill", nacido para matar era el lema de los jarheads de aquel entonces....pero el hombre no se creó para tamaña crueldad....¿o sí?
burton
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10
19 de mayo de 2006
228 de 248 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Alguien dijo por ahí que John Ford fue un carca dedicado al género machista del western?.

Pues bien, nos encontramos ante una de las obras más socialmente comprometidas en la historia no sólo de la literatura (gracias a la inestimable colaboración del autor de la obra epónima, John Steinbeck), sino de la cinematografía mundial, por delante o al mismo nivel de autores como Eisenstein o Visconti.

Uno de los mejores papeles encarnados por Henry Fonda sin lugar a dudas, y una de las mejores y más convincentes interpretaciones en la historia del celuloide.

Tom Joad emerge en la pantalla por los áridos desiertos de Oklahoma camino de casa, al igual que lo hiciera Travis en la obra de Wim Wenders; Paris, Texas.

La diferencia radica en que al contrario que con Travis (Harry Dean Stanton), con Tom Joad sí sabemos lo que sucede. Acaba de salir de la cárcel bajo la condicional por homicidio (prodigiosa escena inicial en la que Fonda nos brinda todo un alarde de contención interpretativa).

Como el personaje de Wayne en centauros del desierto (Ethan), Joad encuentra que en su pueblo no queda NADA ni NADIE. El tempestuoso tiempo impide las cosechas en régimen de aparcería, por lo que los verdaderos propietarios de las tierras, las sociedades cooperativas agrícolas se quedan sin financiación por parte de los bancos.

Por el camino Ford nos narra a través de su asombrosa técnica y maestría habitual y siguiendo de manera fidedigna la obra maestra de Steinbeck la penosa historia de continua lucha por la supervivencia, la identidad y la pertenencia no sólo a un lugar sino a lo material como privativo de uno mismo.

Al final, hartos de las incipientes y opresivas maneras capitalistas, nuestros protagonistas, se dan cuenta de que California no es la panacea. Recoger melocotones está bien para los que no tiene nada, pero como diría Casey (el peculiar predicador reconvertido a lider del agit pop obrero), si "unimos nuestras fuerzas haremos presión y nuestra dignidad se verá fortalecida...".

Todo se resume en las inolvidable frases que Tom Joad refiere a su madre antes de partir por última vez: "... Allí donde haya un policía pegando a un muchacho, allí donde un recién nacido llore porque tiene hambre, allí donde haya una lucha contra la sangre y el odio en el mundo, mírame allí mamá porque allí estaré.
Allí donde haya alguien luchando por asentarse en algún lugar, o por un trabajo decente o una mano amiga, allá donde haya alguien que luche por la libertad, míra en sus ojos mamá porque allí estaré yo...".

Magnífica también como siempre la fotografía del maestro Tolland.

Parece como si el espacio temporal durante el que se desarrolla la película no hubiera pasado...En pleno siglo XXI aún andamos con las mismas historias y los mismos personajes...

Inmigración, racismo, desconfianza hacia lo de fuera, precariedad en el trabajo, insolidaridad....Reflexión algo está pasando y no hemos actuado.
burton
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