Uno crece y aunque no quiera, ve cómo los años de juventud y universidad van quedando atrás. Esos amigos que eran tan cercanos empiezan a sentar la cabeza mientras tú sigues con ganas de hacer el loco, cantar, bailar, soñar despierto, hacer planes y promesas combatiendo el sueño cuando el sol ya despunta en el horizonte.

La vida no es exactamente lo que habías previsto, pero vas aprendiendo que hay que bajar al barro y luchar, dejarse la piel, equivocarse y caer, volverse a equivocar e intentar mejorar. No cejar en el empeño. Saber que otros pueden desenvolverse mejor, pero que tu fe es inquebrantable, las ganas de comerte el mundo las tienes intactas.

Y eres joven pero otros de tu entorno ya no lo son tanto, así que te encuentras en situaciones raras, ellos tienen una vida que no te encaja y eres torpe, raro, extravagante. Se miran, te miran, te disculpas, te vas. Lloras un poco pero luego te ríes, ¡qué más dará! Yo sigo luchando. Ellos puede que sean más guapos, o más ricos, o más suertudos. O quién sabe, ¡incluso más de todo! Pero tú haces de tripas corazón y sigues intentándolo.

Y así es como "Frances Ha" nos desgrana un pequeño compendio de todos estos sentimientos. A mí me encantó y no hay día que no la recuerde.

"Volver a empezar" deja cierta sensación de que podría haber dado más de sí. Su inicio es muy bueno, con Ferrandis evocando su vida de hace 40 años en Gijón y retomando el contacto con viejos conocidos. Un par de conversiones interesantes, imágenes bellas, el "Canon" bien colocadito... hacen que uno se frote las manos ante la perspectiva de que va a ver un peliculón.

Sin embargo, poco a poco la cosa se va deshinchando: las conversaciones devienen algo pretenciosas, la trama no da demasiado más de sí, los gags con el gerente del hotel resultan más casposos que divertidos... En fin, se deshincha y no remonta.

Por suerte, la aparición de José Bódalo le da un Motivo (en mayúsculas) por el que esta película tiene sentido verse.
Me refiero, cómo no, a la larga conversación entre Antonio Ferrandis y José Bodalo en que el primero desvela el motivo por el que ha vuelto a Gijón.
De una belleza impresionante, en esa secuencia Bódalo transmite millones de sensaciones sin apenas articular palabra, convierte una pantalla de cine en algo muy próximo. Tanto, que es difícil controlar el escalofrío que recorre el cuerpo de uno observando su mirada. Qué contención, pero qué grandeza a la hora de mostrar pena, amor, frustración sin pronunciar una sílaba.

Se trata, en definitiva, de uno de esos detalles que hacen que una película perdure en la memoria, cale en los huesos. Para acordarse de que el cine no sólo se ve, también se siente y se pega a uno, cual recuerdo al que volvemos de vez en cuando para que nos abrigue.

De entre el amalgama de series que van apareciendo y desapareciendo con la misma velocidad, en 1999 surgió este producto fresco y divertido que enganchó y se mantuvo en la retina de muchos.

Alrededor dos compañeros de piso totalmente distintos (Joel Joan y Jordi Sánchez), un grupo de personajes más o menos graciosos ofrecen situaciones muy cómicas y con chispa. De entre ellos, destacaría a su vecina Emma (Mònica Glaenzel), cuyas salidas absolutamente imprevisibles muchas veces me producían sonoras carcajadas.

En fin, interesante sitcom que consiguió algo no tan fácil: entretener y enganchar al espectador, haciéndole sentir (o al menos a mí) parte de ese piso de locos, cuyos enredos dejaban un buen sabor de boca.

Cola del cine, lunes por la noche: gente de unos 30 años, algo gafapasta. Yo, con mi lentilla (ojo vago detectado tardíamente). Algún grupillo, varias parejas, algún desheredado como yo sentándose en los laterales, suspirando por alguna desheredada cercana. Todos, impacientes por degustar la nueva creación del admirado Emir Kusturica.

Primer gag. Es bastante tonto pero la gente se ríe con ganas: está claro que el público está entregado. Y nada mejor que este hecho para darnos cuenta de que esta película no sirve para ganarse adeptos, persevera en la exageración visual y narrativa que tan buenos resultados dio otras veces.
La cámara, medio metro más cerca de lo normal, muestra a unos personajes grotescos, a la par que divertidos y locuelos. Es Kusturica, sí, pero no tan fresco como el de otras veces. Es la fórmula de "Gato negro, gato blanco", pero con el hándicap de repetirse y no aportar nada nuevo.

Después de dirigir "Barry Lyndon", Kubrick se adentró en otros campos. Joer, había clavado la película, no podía hacerse otra mejor de ese estilo. Kusturica, en cambio, no ha sido capaz de ofrecer nada nuevo. Que sí, te ríes, pero yo le creía capaz de algo más. Hay momentos en que llegas a pensar que más que Kusturica es Ibáñez; y los personajes, extraídos de Mortadelo y Filemón.

En fin, entretiene pero yo le pedía algo más, por mucho que al final de la película intente meter, sin demasiada convicción, alguna alegoría político-social-económica-loquesea.

¿Que por qué le pongo un 7? Pues he estado dudando, en serio. Si se pudiera, le pondría un 6,5 clavado, pues es algo más que entretenida pero no llega a ser una buena película, de las que te dejan un buen sabor de boca. Y bueno, aunque sea por los placeres pasados que le debo a Kusturica, prefiero redondear al alza.

Saludos ojovaguiles :)

Uno ve y disfruta películas de la postguerra italiana. "El limpiabotas", "Ladrón de bicicletas"... le dejan a uno clavado en la butaca. Emoción, pasión algunas veces, sangre del sur que brota y anima historias muy tristes pero a la vez cargadas de humanidad. Caras tristes, curtidas, anónimas.
Después uno se pasea por la nouvelle vague, con películas a bote pronto correosas, que da algo de pereza verlas pero que a la que uno se zambulle en ellas acaban siendo una delicia en forma de conversaciones, pensamientos, imágenes. "Mi noche con Maud", por ejemplo. O los rostros de Anna Karina y Jean Seberg.

Y en esto que uno se encuentra con "El grito" y descubre una obra de arte en la que se combinan elementos de las dos escuelas: el humanismo, los desastres de la guerra vistos a la italiana, junto con la introspección, la soledad existencial francesa.

Un hombre prácticamente echado de casa que huye, huye adelante en busca de un algo que realmente está dejando atrás. Corre, viaja, escapa, intenta amar, pero infructuosamente: su corazón, su vida, su todo, solo puede verlo por el retrovisor.

Desconozco si hay películas de trazo similar. Leo que la escuela de Antonioni no tuvo demasiados discípulos. Sea como fuere, a mí me pareció un descubrimiento delicioso en que se hermanan las dos "esperanzas blancas" del cine europeo de los cincuenta: el neorrealismo italiano y la nouvelle vague francesa.

Te la recomiendo.