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Críticas de Xiry
Críticas ordenadas por:
Black Mirror (Serie de TV)
Black Mirror (Serie de TV) (2011)
  • 8,3
    23.368
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), Owen Harris, ...
  • Rory Kinnear, Lindsay Duncan, Lydia Wilson, Tom Goodman-Hill, ...
9
Su gran acierto
Hay una cualidad de Black Mirror que es necesario destacar por encima de todas las demás. No se trata de lo imaginativo (o más bien predictivo) de sus capítulos. No se trata de esa magistral manera de poner en escena una historia completamente nueva y cerrarla perfectamente en tan solo una hora. Ni tampoco es su capacidad de enganchar al espectador a cada capítulo y entre temporadas esperando a ver qué se ofrece.
El mayor acierto de esta serie es el momento en que ha hecho aparición.

Hay muchas series en el mundo, varias incluso puede que sean mejores que ésta, pero lo que ninguna puede afirmar con más seguridad que Black Mirror es que ha llegado en la perfecta época. Ni antes ni después. Black Mirror es la serie de la década de los 2010. La década plenamente sumida en la era de la tecnología (y de la información, hola "1x01, El himno nacional"), esta era en la que ya hemos acabado de asumir nuestra dependencia de Internet, en la que se nos hace raro salir de casa sin un smartphone en el bolsillo y en la era en que tener menos de tres de estos "espejos negros" (móvil, TV y PC como mínimo) en nuestras vidas está fuera de lugar para cualquier ciudadano medio.
Estas son las circunstancias de su llegada, y la serie lo sabe. Sabe que cada capítulo nos perturbará con sus problemas porque ya estamos de camino, y los espectadores somos conscientes de ello. Estemos al principio de esa larga travesía ("1x02, 15 millones de méritos") o ya con el sendero prácticamente recorrido ("3x03, Cállate y baila"), vamos de camino, y eso nos aterra.

Sin embargo, no todo es miedo al ver esta serie. Sus capítulos nos pueden dejar también una cierta esperanza, implícita en el argumento (todos sabemos a qué capítulo me refiero, a día de hoy) o en forma de reflexión. El camino de la ciencia-ficción es un itinerario que vamos a recorrer, somos seres humanos y debemos satisfacer nuestra curiosidad y saciar nuestra sed de superioridad, pero quizá esta serie nos ayude a ver de qué formas mejor no hacer las cosas.

Quizá esta serie nunca ha pretendido ser entretenida, un divertimento. Quizá su objetivo es poner la voz de alarma. O quizá solo pretende ser una muestra de la buena televisión que se está haciendo precisamente ahora, en esta época. Quizá es simplemente una mezcla de las tres cosas lo que hace que Black Mirror sea

la perfecta serie, en el momento perfecto.
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57 de 60 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blade Runner
Blade Runner (1982)
  • 8,1
    132.887
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, ...
8
Rayos C, C de Calidad
Empezando por el ambiente, el aura de futuro triste con el que la película comienza es magistral, y lo va sosteniendo durante todo el tiempo, ¿merece la pena el haber progresado tanto si, a pesar de tener seres casi humanos trabajando en el espacio, la gente sigue subsistiendo duramente?
Otra cosa a destacar es el optimismo que teníen las películas de ciencia ficción en cuanto al año en que tienen lugar, porque tal como estamos veo complicado los avances que hay en siete años (Y, bueno, con '2001' y 'Regreso al futuro 2' me parto jeje).

Volviendo al tema, cada vez que aparece un personaje trae una sensación de desconocimiento sobre él que intriga de por sí, y más si luego no sabes que tipo de ser es alguno... Deckard aparece como un personaje típico de cine negro; paseando solitario entre la gente, pide comida, un señor pregunta por él, genial inicio; tras el sorprendente interrogatorio, claro, aunque no sé cómo es que había tan poca seguridad ahí. Cada personaje es especial, desde una replicante que no lo sabe -aunque por cómo se mueve y como se comporta se sabe hasta antes de hacerle el test-, una que no para de hacer piruetas, una bailarina, un solitario que se fabrica amigos -el personaje más triste de todos-, un policía que las mata callando o hablando demasiado enigmáticamente y así con todos; no me olvido de los más importantes, que, uno, como ya es resabido, nos demuestra que aun siendo mecánico ya querrían muchos haber vivido como él, poco pero intensísimo, y el otro, que se da cuenta que lo que persigue no le pretende mal, sino resolver injusticias hacia su grupo.
Otro hombre importante es Vangelis, que, aunque pasa desapercibido muchas veces, sin él no sería lo mismo, le da gran parte del ambiente.

El dilema es lo que hace que esta película sea lo que es: una obra de culto. Ese sueño que no sabes que significa evoluciona en uno de los más grandes giros de la historia del cine (Porque yo soy partidario de que SÍ). Por eso comprendo a los que no les gustó en su día, que la vieron con esa escena suprimida.

Y, siguiendo con genialidades, de lo que más se habla es de los diálogos (o monólogos) que saltan como perlas de la boca de cada uno [¿Este test es para saber si soy una replicante o una lesbiana?] [¿Se ha hecho el test alguna vez a sí mismo?] [Lástima que ella no pueda vivir, pero... ¿...?] o la de Roy, que si en el momento piensas en todo lo que significa hasta te pueden saltar las lágrimas de lo hondo que cala.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Réquiem por un sueño
Réquiem por un sueño (2000)
  • 7,8
    119.205
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, ...
6
No siempre hay que dar todo por lograr hacer un sueño realidad.
Estos sueños de la película necesitan un gran réquiem, porque mueren de la peor manera, con el desastre de cada uno. Que no logres tu sueño es algo bastante común hoy en día, pero lo de lograrlo o morir en el intento ha quedado atrás, porque el riesgo que se corre, al menos en casos como éste, es demasiado elevado.

Lo que nos trae este película es el horror que puede conllevar un riesgo, en este caso las drogas, que es de lo que tiene más riesgo, posiblemente esté exagerado, pero seguro que algo así le debe haber pasado a alguien y yo, la verdad, no sabría decir cuál es peor.

Acabada de empezar la película, mi madre -la vi con mis padres-, al ver una foto de Burstyn del final de la peli en un libro de cine, me dijo "¿Y ésta quien es de la peli?", cuando Burstyn ya había salido en pantalla. Entonces (yo que lo sabía), me di cuenta de lo efectiva que es y lo bien hecha que está.

Desde luego la película consigue lo que quiere, dejar destrozado al espectador, no busca dar sermones ni reñir a aquellos que se meten en asuntos de drogas, queriendo o por accidente, simplemente muestra lo que podría pasar en el peor de los casos. Y es que los cuatro casos que presenta son cercanos pero muy diferentes: Uno, el que no es adicto a matar, que ve la droga como buen mecanismo para hacer dinero, recibe el daño físico; el otro, que tampoco se pasa, si no que más bien se entera de cómo va el tema como si fueran negocios cualesquiera, es privado de la libertad; la chica, que no puede más después de entrar en la espiral en la que le ha metido su novio, recibe una gran humillación; y la madre, sin comerlo ni beberlo (metafóricamente), se encuentra metida en una incontrolable adicción por querer parecer lo que ya no puede ser.

A parte hay que mencionar la música de Clint Mansell, que eleva todas las escenas en las que aparece y, desde luego, se me queda grabada como una gran banda sonora, que cabe en casi cualquier película.

La dirección es lo que no me acaba de cuadrar, ¿Para qué mostrarme taaantas veces eso de la cámara rápida con viaje-ojo-flipación? Ya lo he pillado, y me pareció chulo la primera vez, pero acabo encontrando que se abusa de la cámara rápida y eso. De todas maneras tampoco es un peso tan grande como para que me deje de gustar, pero creo que de otra manera me hubiera gustado MUCHO.

En fin, buena película que me lo hace pasar muy puta, así que ya está bien.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Trainspotting
Trainspotting (1996)
  • 8,1
    134.750
  • Reino Unido Danny Boyle
  • Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, ...
6
Transfucking
A mí me ha parecido que flojea bastante en cuanto a guión y que no atina al querer juntar diversos géneros (el robo del final, por ejemplo, desentona, a mí me parece).
Lo mejor de la película es sin duda el discurso inicial y también las actuaciones, destacando McGregor y Carlyle, bastante sobreactuado el último, pero vaya, que mola su personaje. Spud y Sick-boy también tienen su personalidad bastante bien representada.
Lo que no me gusta es la historia de Tommy, demasiado esquemática para la película, un film con demasiado espíritu libre y ganas de romper las reglas para sacar según que tópicos -aunque vayan encubirtos en el mundo de las drogas-, algunas escenas que se salen de madre (Desintoxicación en casa) o algún momento reptitivo, y el gran fallo es el poco interés de la película en Diane, cuando sale es cuando la película se alza, ofreciendo algo a parte de las drogas y, al final, nada. Además de que sale en el póster más famoso y parece que tendrá más protagonismo, así que claro, el espectador se queda con las ganas.
Raramente me atrae cuando aparece el tema de drogas explícitamente, pero en esta película las escenas sobre ello estaban muy bien llevadas así que me enganchó, simplemente es que las vueltas que da la película no me encajan, así que no la puedo seguir del todo interesado.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paradise Now
Paradise Now (2005)
  • 7,2
    11.812
  • Palestina Hany Abu-Assad
  • Kais Nashef, Ali Suliman, Lubna Azabal, Amer Hlehel, ...
7
Ni now ni never.
Lo mejor de la película es, sin duda para mí, el ver los cambios en el pensamiento de Said, el prota, quién en un principio trata de convencer con dudas a su compañero, luego va a acabar lo empezado cuando no ha salido bien, se echa atrás de nuevo (Cuando no entra en el bus), se lo sigue pensando largo rato mientras deambula y acaba como acaba.

Se ven muy pocas películas palestinas, lo normal, así que cuando sale alguna lo suyo es que trate lo suyo mismo, que nos den su visión de lo que pasa y no estemos condicionados por las películas americanas o las israelíes. Ésta desde luego lo consigue. Entre sus virtudes se cuenta la contraposición a esa especie de fobia que algunos tienen/tenemos a ver películas así por miedo a que sea un rollazo que solo intente contarnos su historia, pero en este caso no es así, surge una película entretenida a la vez que transmisora así que sale jugada redonda.

La parte que más, diremos, "aburre" es a partir de cuando él regresa y se pierde para los demás buscando a no sabe ni él quién. La chica tampoco es que me encaje demasiado pero no le hago ascos en vista que tiene un papel fundamental que es de hacer cambiar de opinión al compi de juergas, y alguien así hace falta en el film.

En resumen, la otra visión del conflicto que no entra en sensiblerías ni ñoñeces y, además, no aburre.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Teniente corrupto
Teniente corrupto (1992)
  • 7,0
    7.839
  • Estados Unidos Abel Ferrara
  • Harvey Keitel, Victor Argo, Frankie Thorn, Paul Hipp, ...
5
A ver tú, enséñame cómo la chupas.
Será que soy reticente a estas cosas, pero que el principio parezca un documental sobre como pillar droga y los distintos tipos que hay (cuento al menos 4 en la peli) más algún rato de porno que no sé a qué viene ni de dónde sale, como es el sitio dónde sale en bolas; pues como que no me atrae lo más mínimo como comienzo.
A partir de ahí ya conozco al prota, a Keitel sí que no le tengo que reprochar nada, y espero a ver si aparece un caso. El que aparece es bastante vergonzoso, así que se consigue lo que se quería, bien por ahí. Todo lo que tiene relación es bastante decente, lo de que la monja perdone y él no se lo pueda creer; pero el final también me viene muy de sopetón [Sigue en Spoiler]

Lo de las apuestas también es algo cansino, se repite tres o cuatro veces y ya nos queda claro, además le vemos las mismas veces oyendo el partido, seguro que contado en minutos le presta más atención a eso que al caso.

Mención especial merecen las dos guarrillas del coche jajaja no sé si es buena escena, pero desde luego no se me va a olvidar . "A ver cómo la chupas".

En resumen, la he encontrado bastante irreverente y con muchas escenas prescindibles, tantas que la película quedaría en mediometraje, y esto no es nada bueno para durar casi cien minutos.
Poco la he la he disfrutado.
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1 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cadenas rotas
Cadenas rotas (1946)
  • 7,5
    2.191
  • Reino Unido David Lean
  • John Mills, Valerie Hobson, Martita Hunt, Alec Guinness, ...
8
Broken Chains o, como diría en castellano, Grandes esperanzas.
Grandes esperanzas (De su título original, mucho más acorde con la idea), viene de la mano de un David Lean ya famoso, con su Breve encuentro, y que inicia una nueva etapa, después de trabajar adaptando obras de Nöel Coward bajo su supervisión, bastante corta, de dos películas, que consiste en adaptar obras de Charles Dickens.

Great expectations no es lo primero que pensamos al oír Dickens, pues se nos viene a la cabeza Oliver Twist (La otra película suya de Lean), Cuento de navidad, o David Copperfield, pero eso no es problema para que se convierta la novela en un éxito en pantalla, para muchos la mejor adaptación de una obra del escritor inglés.

Tengo que admitir, muy a mi pesar, que, al acabar de verla no me dejó tan buena sensación como suponía que me iba a dejar en un principio, y así al acabar la cosa olía a muy ligera decepción, pero escribiendo esto y recordándola, como pasa con las películas merecedoras y buenas de verdad, ha subido mucho mi idea sobre ella. de hecho, no se me ocurre nada malo, la sensación que me dejó al acabar de que esperaba algo más (No mucho, quiero resaltar; que no parezca que ha sido un desastre, ya se ve en mis palabras; que tenía muy muy altas expectativas para la que pensaba que iba a ser la gran sorpresa de la filmografía de Lean, y lo ha sido) ya casi ni está patente.

La película comienza perfectamente, un inicio prácticamente ideal. Un niño, nuestro Pip, pasea por un cementerio, ambiente gótico, aparece un hombre (Menuda aparición)... Y es que es un escenón, en gran parte culpa de la fantástica ambientación, fascinante en toda la peli, especialmente en cierta mansión, ambiente formado por una fotografía y una dirección artística ganadoras del Oscar ese año. A eso le añadimos el vestuario y diferentes accesorios, que hacen los personajes cada uno más pintoresco que el anterior, con sus vestidos barrocos, sombreros de copa, bastón y pajarita gigante, al más puro siglo XIX. La música acompaña correctamente también, menos no se podía pedir.
A partir de ese comienzo, la película se vuelve un seguido de sucesos que irán cambiando la vida de nuestro particular protagonista, que, a través de diferentes golpes de suerte, consigue una buena posición social.

De mayor este chico es interpretado por John Mills, en el que, me atrevo a decir, es el papel más importante de su carrera y bien logrado dicho sea paso. Le acompañarán en su historia personajes muy carismáticos y pintorescos, perfectamente representados y muy icónicos, muy "dickensianos" llamémoslo.

Sigo abajo sin spoilers, falta de espacio.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pura formalidad
Pura formalidad (1994)
  • 7,3
    2.190
  • Italia Giuseppe Tornatore
  • Gérard Depardieu, Roman Polanski, Sergio Rubini, Nicola di Pinto, ...
7
La confusión de Onof
No sabía muy bien lo que me iba a encontrar cuando se me recomendó esta película, a simple vista tiene pinta de película policíaca, tal vez de drama judicial o una reflexión de estas tan de moda para intelectuales. Nada, no sé en qué demonios pensaba, porque si acaso se asemeja más a la primera suposición. En realidad se trata de un duelo entre personajes para ver quien lleva razón, o ver quien consigue antes razón.

Y, claro, ¿donde se ha visto un duelo sin dos interpretaciones a la altura?, nunca, y está claro que ésta no será la excepción, pues Depardieu, ya famoso por su nominación al oscar poco antes por Cyrano y por interpretar a Colón con Ridley Scott, y Polanski, quien no aparecía en una película en condiciones desde su conocido Quimérico inquilino, se superan a cada momento, intentando cada uno quedar mejor que el otro en la anterior escena, lo que se convierte en un festín interpretativo prácticamente perfecto.

Giuseppe Tornatore, quien nos deleitaría no mucho tiempo atrás con su Cinema Paradiso, lleva la película por donde hace falta, desde un inicio desorientador, pasando por el desarrollo en comisaría, con unos diálogos maravillosos entre escritor y comisario admirador, y con secundaros breves pero muy importantes, como el escribano o el tío de la leche.

Está plagada de grandes momentos, casi toda la película va seguida de buenas escenas, parecidas, pero todas geniales. Por destacar algunos, nombraré las discusiones primeras, sobre su identidad y sus obras o el intento de escape, sin olvidar, por supuesto, el descubrimiento final, un pelo efectista pero de buena gana disfrutable.

Si de algo me debo quejar será de la excesiva muestra de las piezas sueltas en su emoria, en forma de puzzle; quiero decir que sale demasiadas veces, se puede recortar parte.
Algo a destacar también es el ambiente gótico que rodea la comisaría, con algunos personajes que rozan la irracionalidad (Como cuando intentan secar el suelo con toallas y está encharcado) y que junto con la fotografía oscura te meten en la película a la primera.

Así que desde ahora por mi parte se vuelve una película muy recomendable, abierta a debate, y que dará la sorpresa a los más confiados y hará disfrutar a todo aquel que se meta en la historia.
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18 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
Breve encuentro
Breve encuentro (1945)
  • 8,1
    10.368
  • Reino Unido David Lean
  • Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey, ...
7
¡Cállate, zorra!
Ésta es la cuarta y última película en colaboración con Nöel Coward, del que extrae la idea de la obra, la razón parece clara, el exitazo que tuvo: Supuso una catapulta a la fama para Lean, quien obtuvo nominaciones a director y guionista en los Oscar y ganó la Palma de Oro en Cannes, es considerada una de las mejores películas británicas de todos los tiempos y uno de los mayores exponentes del drama romántico.
A partir de aquí, a Lean ya no le hace falta más nombre que el suyo para ganar fama y respeto absolutos.

Aparecen en la película dos repetidores en el cine de Lean, la protagonista, Celia Johnson, que también obtuvo nominción, y Stanley Holloway, el mejor secundario, el policía del andén, los dos aparecidos ya en La vida manda, ella también en Sangre, sudor y lágrimas.
Acompaña la película una perfecta música de Rachmaninov (Piano Concerto nº 2) y una magnífica fotografía de Robert Krasker.

Poco hay que comentar que no salte a la vista, Lean trata la película, la relación, el sentimiento de estos personajes con una delicadeza excepcional, cada mirada nostálgica de Laura es como una puñalada, cada gesto frío de Alec cuando no tiene más remedio es agobiante como unas cadenas irrompibles, todo hace ver mal las imposiciones sociales, a que te mirarán de otra manera si haces lo que quieres hacer, lo que te pide el corazón, parece que la vida de Laura sea inamovible e intocable, que desde la sociedad no pueda haber otra manera de ser para ella. todo eso es desgarrador a más no poder. Esa mano...

El principio es confuso, no sabes a qué viene todo eso, y cuando lo sabes, hubieras querido no saberlo. Toda la parte final me parece excelente.

Solo afloja un poco en torno a la mitad y algo del principio, que no es malo ni justo en absoluto, pero parecía tan genial que algo sí que falla para el total.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sargento negro
El sargento negro (1960)
  • 7,5
    4.696
  • Estados Unidos John Ford
  • Woody Strode, Jeffrey Hunter, Constance Towers, Billie Burke, ...
8
Algún día.
El sargento negro. Podemos analizar que es lo que viene siendo esta película de John Ford. Vayamos objetivamente comentando sus cualidades. En la interpretación no hay nada que achacarle, tanto Woody Strode -véase el interrogatoria a él- como Jeffrey Hunter -véase tomado por la ira al final- están geniales en sus papeles protagonistas, pero tiene unos secundarios tremendos, tanto en la parte más dramática, la jover que testifica, los soldados negros o el fiscal como en la comedia que suele acompañar a John Ford en sus películas, para aligerar tensiones, el jurado, el juez y su mujer. Sigamos con la ambientación, que si bien fijándonos mucho, tiquismiquiseando prácticamente, podemos fijarnos en que escenas como las de la casa de las vías son escenarios, no nos podemos quejar (¿Qué digo quejar? eso no se puede pensar) de los maravillosos paisajes del oeste ya bien vistos, pero maravillosos de todas maneras, o la cantidad de trajes militares o de época, de los que me llamaron la atención las señoras del juicio, tan barrocas. Buf, si nos metemos en la dirección ya está todo resabido con Ford como jefe; la música queda muy bien, con sus clásicas canciones del inicio y el final; y un guión sólido e impresionante como los que más.

Entonces, ya queda claro que está hecha genialmente, pero sigamos. Habrá muchas visiones de la película, y no es que te haga pensar ni reflexionar sobre el sentido de la vida, sobre la brevedad del tiempo o sobre la corrupción del mundo, me refiero a destejer la maraña de composiciones del Sargento negro.

¿Es un western, El sargento negro? Creo que queda bastante claro que sí, tanto su ambientación en su época del oeste, con la que debería ya bastar, como por la música y otros factores que saltan a la vista es definitivo que es un western. Pero no es solo un lugar cualquiera en la que desarrollar una acción cualquiera, aunque dicha acción aquí podría dar pie a pensarlo. Es un western también por el comportamiento de sus personajes, el sentido caballeroso de los hombres que reprimen sus emociones, la violencia que requiere un encontronazo fortuito con indios o semejantes, o el ¿desprecio? hacia personajes femeninos (Lo pongo entre interrogantes porque se les desprecia en cuanto a su importancia y a su peso en la película, que es más bien liviano, no porque se las trate mal).



Sigo aquí abajo, que no hay sitio.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un espíritu burlón
Un espíritu burlón (1945)
  • 6,5
    1.257
  • Reino Unido David Lean
  • Rex Harrison, Constance Cummings, Kay Hammond, Margaret Rutherford, ...
6
El fantasma cachondo de la mujer tocapelotas.
Tercera película dirigida por David Lean y sigue apareciendo en el cartel el nombre destacado de Nöel Coward. Y es que las obras novelísticas y teatrales de éste seguían aún muy por encima del éxito conematográfico de Lean. Aunque no nos vamos a quejar, porque los dos siguen de la mano, y donde uno pone la inventiva y crea una historia, el otro pone la cámara y nos siguen ofreciendo buenas películas. Como he dicho, ésta es la tercera y, de nuevo, cae un cambio de registro, se pasó anteriormente por el género bélico, el drama familiar y aquí paramos en la comedia, para seguir después, con bastante más éxito ya, con la cuarta -y definitiva- Breve encuentro, un drama romántico.

Esta película es de lo más simple, y creo que incluso puede serlo demasiado. Se trata de un escritor que quiere documentarse, para escribir una novela, sobre invocaciones del más allá, y, para eso, organiza una pequeña cena con unos amigos y la anciana/loca/bruja del pueblo. Ahí la han liado, porque la que viene no es ni más ni menos que la ex-mujer, por error, Dios nos libre. Y desde aquí ya no contaré más, pero es que tampoco pasa mucho más, en una hora que le queda parece que se queda como algo muy diluido; evidentemente sí que pasan cosas, algunas bastante divertidas, pero da esa impresión.

En cuanto al tipo de comedia, he de decir que esperaba reírme más, pero de todas maneras me pude adaptar a lo que ofrecía la película y lo pasé bien. Que nadie espere soltar carcajada tras otra que irá muy equivocado, es más tirando hacia una comedia sofisticada con ese toque de fantasía. Y, pensándolo bien, tampoco tiene muchos puntos medios, la mayoría del tiempo o es algo plano o aparecen unos puntazos que recogen otra vez las ganas de verla que se podrían ir desvaneciendo. He de destacar, en Spoiler, eso sí, el último minuto.

Ese final me hizo que acabara con la risa en la cara, que siempre sube puntos en la sensación del acabar. Así que, con todo, lo dejaremos con el calificativo de "Agradable comedia", donde es probable el reír mucho, de calidad, no de cantidad, pues hay pocos chistes en verdad, pero la sonrisa y esa sensación agradable mientras la ves es difícil de quitarsete.

Rex Harrison lleva muy bien su papel de personaje de altas esferas, muy elegante, como suele hacer. Las dos mujeres hacer muy bien su interpretación, cada una por su lado, bastante diferentes, pero se nota en sus bromas/discusiones matrimoniales. Pero la jefa de la película es Margaret Rutherford, en su papelazo de vieja de la ouija que va en bici a todas partes y entra en trance en sus invocaciones, sin duda el punto fuerte entre personajes.

Sigo abajo, los dos primeros párrafos no son spoiler.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Frank Stein (C)
Frank Stein (C) (1972)
  • 4,1
    336
  • España Iván Zulueta
  • Boris Karloff
1
Razones por las que usted (no) tiene ganas que ver esto.
Hay diversas razones por las que alguien querría perder/"usar" si tiempo en ver esta mierda.

1º. Usted sabe de que va y en lo que consiste y es retrasado. Por lo tanto, lo ve.
2º. A usted le da pereza ver La película 'El Doctor Frankenstein' (1931) y quiere resumírsela. Muy hábil, no sabe lo que se pierde.
3º. A usted le gusta comerse Spoilers antes de ver una película. Y aquí lo va a gozar en ese sentido.
4º. Usted no sabe de qué va esto, lo ha visto por ahí y se ha decidido a meterle una hojeada.

Explicaré que es: Es una birria de cámara rápida a toda la película de verdad de 'El Doctor Frankenstein', o sea, menuda tontería. Es como si le das al x30 en el mando (O al equivalente que toque, no me pondré a hacer cálculos). Encima si no la has visto y no sabes la historia te comes Spoilers guapos.

Mi caso ha sido el 4º y vean por mi nota el resultado. No les quiero influir en su decisión de verla, pero si después de saber de qué va siguen teniendo ganas, es que su caso no es el 4º, y en cualquiera de los 3 les compadezco. Si son el 1º no hay nada que hacer, lo siento, tío. Si son el 2º más tontos son por no querer ver la gran película que es la que toca, la de verdad. Si son el 3º allá ustedes, pero manda huevos.
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18 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Kerity, la casa de los cuentos
Kerity, la casa de los cuentos (2009)
  • 6,1
    457
  • Francia Dominique Monfery
  • Animation
5
Esa biblioteca no cabía en la casa.
Podemos coger una poco de Alicia en el país de las maravillas, con una pizca de Toy Story, un ratito de historia de los diminutos, y seguro que un montón de cuentos más, meterlos en la batidora y sacar esta película.

No iba con ganas de verla, la verdad, estaba aprovechando la oferta de los 2€ y era la única tan corta como para empalmar con la siguiente, pero tengo que decir que me entretuvo, lo justo, pero por lo que me ha costado no me voy a quejar.

Kerity, la casa de los cuentos es una película que a priori parece bastante infantil, y, no voy a engañara a nadie, lo es. Hay momentos en los que parece que si no vas a verla en familia con chavalines pequeños te entra un poco de vergüenza por estar viéndola. Sin embargo, esa infantilidad se puede sobrellevar al pasar los momentos puntuales en que aparece, se puede dejar atrás y seguir con la historia, que, no queriendo admitirlo, nos está atrayendo, y lo hace con una historieta que conocemos bien, pues como digo es un batiburrillo de otros cuentos que se prestan a la predicción de lo pasará en la siguiente escena.

Y, como consecuencia de eso, de todo eso, es decir, lo de ser poco original, predecible e infantil, causa el acer en una espiral de tópicos que es inevitable no encontrarse en algo como Kerity, la casa de los cuentos. Es por eso que a muchos, los que valoran por encima de todo originalidad ante entretenimiento, se sentirán bastante asqueados, si bien no se pueden quedar encandilados con la gran maestría del dibujo, porque no la hay, es una animación correcta, sin alardes, un tanto original en este sentido -al menos yo no había visto esta animación antes- y bastante plana. De la música tampoco hay qué decir, la del cuentecito de turno, que ni recuerdo.

Así que queda claro, entretiene su aventura, algunas escenas son hasta disfrutables (Algunos chistes fáciles con los que me reí o bien el final, que era predecible, claro, pero tiene un factor que sí me pilló por sorpresa, que está en el spoiler) y en comienzo es algo tierno, recordando a las series de la infancia y tal. Pero vamos, que si no se busca nada más que eso que no se pida, porque no se dará.
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7 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
La vida manda
La vida manda (1944)
  • 6,9
    544
  • Reino Unido David Lean
  • Robert Newton, Celia Johnson, Stanley Holloway, John Mills, ...
6
La familia en su esplendor.
Estamos ante la segunda película de David Lean, quién continúa en compañía de Nöel Coward, con quién compartiría dos películas más, en la producción y en la historia, pues es el autor de la obra de teatro. Pero esta vez Lean trabaja con más libertad, no es como en el primer trabajo, Sangre, sudor y lágrimas, en el cual Coward era la voz cantante; aquí nuestro ya casi amigo David da algo de rienda suelta al talento que poco a poco iremos apreciando. Pero aquí tampoco demasiado, aún. Hablemos ya de la película.

No se trata de una historia de amor, sino de unas cuantas, no se trata tampoco de una historia política, sino de más de un conflicto de ideales, ni es sobre el retorno de un soldado de la guerra, sino sobre una familia a la cual llega un soldado de la guerra. En definitiva, y como reza la película nada más empezar, La vida manda trata sobre la transición de una guerra a otra, años 20 y años 30, desde el punto de vista de una familia. Padre, madre, hijo y dos hijas forman la simple familia Gibbons, unida a un vecino y su hijo y las respectivas parejas de cada uno de los pimpollos. Como son 20 años, muchas cosas pueden pasar, y se juntan todo tipo de asuntos que pueden concernir a cualquier familia de clase media británica.

Tengo que destacar algunas actuaciones, entre los padres, que diríamos que son los más "protagonistas", que lo hacen genial, la hija rubia (Kay Walsh) también está muy bien, pero destaco y, me quedo ya con él, para vigilarlo mucho, y por suerte me lo encontraré en este ciclo Lean: John Mills, que es el hijo del vecino, y como todo hijo de vecino sirve a la patria con mucha honra esperando a su amada; lo borda. Pero vamos, en general el trabajo interpretativo está bastante logrado. Luego viene el guión, que nos suelta grandes duetos de diálogo cuando hay discusión de pareja o entre amigos, las escenas corales no son el fuerte, aunque la película procure tener el sustento ahí; el fuerte es lo dicho, los enfrentamientos de tú a tú, prácticamente todos.

También debo hacer referencia al hecho de que casi toda la acción sucede en la casa, dando énfasis a la situación familiar. La película se abre con la puerta y se cierra con ella, pasando 20 años con sus idas y venidas, pero la casa lo ha visto todo, creo que es otro punto a favor.

Veamos, sin ser una muy buena película, solo tratando de mostrar ese cambio de ideales (Bien representados en cada hermano), historietas amorosas dignas de buen culebrón -me quedo, con la de Mills-, amistad post-guerra con el vecino, otro apartado que me gusta bastante, este film es digno de ver, ya no diré de disfrutar, porqué no sé hasta que punto será posible, pues la he visto más como algo para ver, apreciar y admirar como buena obra que es, que para llegar a emocionar, pero vamos que si ocurre bienvenido sea.
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sangre, sudor y lágrimas
Sangre, sudor y lágrimas (1942)
  • 6,3
    493
  • Reino Unido David Lean, Noël Coward
  • Noël Coward, John Mills, Bernard Miles, Celia Johnson, ...
5
Verla para empezar un ciclo lean y ver que...
No, que la cabeza de ésta película no es Lean, sino Nöel Coward, quién también produce, escribe, dirige la música y protagoniza; a lo más Chaplin. Esto se debe, claramente a un potente anuncio de propaganda en pleno año 42, donde no sobran películas como ésta.
Coward fue un renombrado dramaturgo, y ya vemos que si le apetecía sacarse una película de la manga por la patria, dicho y hecho, cojamos a un director novel que, sin embargo, tenga experiencia en el cine editando películas medianamente famosas o bastante, como Pigmalyon, por ejemplo, y pongámonos manos a la obra.

No sé decir de quién se nota la mano, un Lean novato, nada que ver con lo que llevo yo visto de momento (veremos si más adelante podré opinar) y Coward, que, bueno, ya he dicho que tuvo el antojo de una película y no tiene más. De todas maneras poco importa, la dirección es floja, no mala pero tiene fallos que comentaré más adelante, pero, vale, no sale del todo mal el experimento. Lo que pasa es que sale algo irregular, no sabes cuando te cansas de la película porque en un momento te vuelve a llamar la atención y en otro la pierdes o la aflojas de nuevo. Los trabajos actorales están bastante variados, Coward se defiende justo, pero los que se salen son John Mills (Colaborador frecuente de Lean) y una breve aparición de Richard Attenborough. Y el guión es una cosa bastante, -no sé como decirlo, mm- rebuscada, hay un planteamiento con sus, después, vistas de las vidas anteriores de los personajes que acontecen ese comienzo, que se entrecruzan, algo que ahora se usa mucho, pero parece como si entonces no lograran captar el hacerlo correctamente. Pero bueno, tampoco es un desastre.

"Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor" fue lo que Winston Churchill contestó a la pregunta de qué iba a hacer con respecto a la guerra [Sólo puedo prometer sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor], aunque se dice incorrectamente Sangre, sudor y lágrimas, y por eso ha quedado así; aunque la traducción literal del título viene siendo 'En lo que servimos'. Y creo que esta vez me quedo con el doblado, pues es lo que trata de, y consigue de vez en cuando, transmitir la película. Busca de forma seria que veamos una propaganda hacia a la guerra, pero que en según qué escenas se nota la tristeza también, lo que descoloca después de ver las ganas que parecía que quería inculcar.

Sigo abajo.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Oliver
Oliver (1968)
  • 7,3
    4.923
  • Reino Unido Carol Reed
  • Mark Lester, Ron Moody, Shani Wallis, Oliver Reed, ...
7
Oliver! Oliver! Never before has a boy wanted more!
Quien más quien menos conoce la historia de Dickens, Oliver Twist, y la cosa es que no sabemos si va a dar para un musical o si va a dar para unas dos horas y media de película. Pues yo diría que sí, que estar plagada de canciones no es ningún lastre.
Muchas veces, a mucha gente, el convertir clásicas obras en musicales le huele mal, o, simplemente, los musicales huelen mal a diversa gente. A esto último no se le puede combatir tan fácilmente, pero tal vez puedo decir en favor de la película, que a otros puede que tampoco les vuelva a hacer gracia esto, y es que podría ser perfectamente un musical de disney. La historia es típica de disney: lo que le sucede a un niño huérfano. Las canciones son también muy disney. Los personajes, lo mismo.

Ah! a los personajes quería yo llegar, son muy exagerados todos, o sea, muy para niños, disfrutable para todos evidentemente. El personaje de Oliver Twist hace función de dvd, vamos, que nos lleva por las diversas escenas, canciones y personajes como si fuera un narrador. Tiene importancia él mismo, claro, como no, pero lo mejor es ver como nos pasea por las vivencias de su amigo de ciudad, Dodger, el chorizillo gamberrete enamoradizo y con gracia, Fagin, el mejor de la película sin duda, encarnado por Ron Moody magníficamente; sus canciones son de las mejores y sus coreografías son grandiosas, y es que además su personalidad es bastante única en la película; tenemos a Bill Sikes (Oliver Reed, prácticamente el único que siguió haciendo mucho cine), un personaje que da verdadero miedo a niños y asco a mayores; y para redondear tenemos a la chica de la película, que sin ser tampoco un bellezón, es muy dulce, aunque posee las canciones más olvidadizas.
Obtuvo seis Oscars, nada más y nada menos que a película y director, a banda sonora está bastante claro, sonido y dirección artística, gracias a un decorado de el Londres del siglo XIX muy conseguido. El sexto fue un honorífico para la coreografía, sin duda logrado, como, por ejemplo, podemos ver en canciones como 'Be back soon' o 'Consider yourself'. Y bueno, nominada estuvo también a actor para Moody, que, como digo, está tremendo y para Jack Wild en el papel de Dodger como actor de reparto.
Vamos a las canciones, que es practicamente lo más importante. Bueno, sin prácticamente, seguro, porque de las dos horas y media podría asegurar que una y media sí son de música. Y de todo eso, lo mismo tedian unos veinte minutos, que de tantas canciones no se puede pedir tanto. No me podría quedar con una, 'Oliver', 'Consider yourself' con fantástica coreografía y acento de Dodger, 'Pick a pocket or two', 'I do anything', también muy buen Dodger o la chica, con el coche imaginario, 'Be back soon', 'Who will buy', larga pero entrañabilísima, y 'Reviewing the situation', de nuevo con Fagin fascinante.

Nada, sí que puede cansar un rato, que es mucho tiempo de canciones, sí, pero por las que lo valen, la película lo vale también.
Canciones subtituladas, por supuesto.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La princesa Mononoke
La princesa Mononoke (1997)
  • 8,0
    64.045
  • Japón Hayao Miyazaki
  • Animation
8
Magia, esencia y sentimiento.
Es una premisa más que utilizada en cine de aventuras, aunque esté encubierta, por todo los malos son los que tiene armas más poderosas, y los buenos los que viven de la naturaleza (El señor de los anillos, puede ser un ejemplo de esos); y es que aquí hay otro tema que confunde la premisa, ¿quién es realmente el malo? todos se comportan según su carácter. Podemos suponer que como se titula así y el protagonista se enamora de ella, Mononoke deba ser la heroína, nadie dice que no lo sea, pero se comporta según su ser, también quiere matar por venganza sin piedad; hay otros a los que podríamos considerar malos (los que quieren la cabeza del espíritu) pero también se comportan a su manera, no son malvados en sí. Y hasta aquí uno de los puntos que hacen de 'La princesa Mononoke' una gran película, el comportamiento de los diferentes personajes, redondos, por supuesto, a cada uno muy diferente a otro semblante.

Pero no, no es último, acabamos de empezar. Es ya casi banal comentar sobre el mundo que crea Miyazaki, pero seremos pesados y haremos hincapié. Todas y cada una de las bestias -y otros no bestias- que aparecen tienen su particularidad, lobos, jabalíes (de diversos tipos y, repito, diversa personalidad), humanos, ciervos y entes extraños de toda clase tan particulares del mundo del director japonés. Aquí aún con más poderío visual si cabe, se funde toda imagen para formar el nuevo personaje de la película: la naturaleza como ser, con sus espíritus y monigotes. Fundiéndose además ahí la fantástica música (pocas veces no lo es) de Hisashi, con temas exactos para la película, temas de aventura, pelea y de amor.

'La princesa Mononoke' es presentada, y así se pensó en muchos países, como una película ecologista, se entiende por qué, y, siendo mucho más que eso, no se limita solo a lo que a naturaleza se refiere, si no que posee una historia de guerra, de amor y de venganza. A causa, en gran parte, de eso, esta película es la más violenta y adulta del director, sigue siendo para todos los públicos, pero no es una historia infantil, es una guerra con miembros cortados, mucha sangre (no, no es gore ni mucho menos, pero hay más rojo de lo que nos tiene acostumbrados) y maldiciones que dan un poco de grima por momentos. Por no hablar de los monstruos que podrían causar pesadillas a los más pequeños, el jabalí maldito es un ejemplo.

Y ya entrando más en lo que son escenas concretas que llamen la atención, está plagado de ellas:
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuenta conmigo
Cuenta conmigo (1986)
  • 7,3
    29.122
  • Estados Unidos Rob Reiner
  • Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O'Connell, ...
7
Nunca he vuelto a tener amigos como los que tuve cuando tenía doce años. Dios mío, ¿los tiene alguien?
Cuenta conmigo es la aventura que todos hemos querido vivir, no muy lejos de la realidad. Es la vivencia de 4 amigos en busca de lo que esperan ver, un hombre muerto. Ganas no les faltan, los medios son suficientes y tienen tiempo de sobra en un verano de esos en los que en la primera mitad das gracias por el descanso del estudio y en la segunda suspiras por volver a estar ocupado. Así que sin ataduras, sin restricciones por donde pueden ir, donde pueden acampar, ni de qué hablar; sentirse libres, una sensación que ansiamos muchas veces experimentar pero pocas veces surge al completo; emprenden su viaje. No es un viaje largo, ni complicado (en cierta medida), ni tampoco peligroso. Es tan solo un viaje de entretenimiento, de emociones, de placer, como he dicho, de libertad.
Menudo rollo que suelto, si solo es una excursión de nada, se puede pensar. Yo no lo veo así, me ha parecido exactamente el rollo que he soltado en el primer párrafo, es una excursión, pero más especial.

¿Por qué es tan especial -a parte del hecho de que están buscando a un muerto-? Lo debería ser si se nos presenta al principio a Richard Dreyfuss observando un periódico entristecido y entonces empieza a contar la historia, puede serlo también por la profundidad de cada uno de los personajes; por los sucesos, desde los que tienen que ver con Kiefer Shuterland hasta los mismos retos que plantea la excursión en sí (La escena entera del pantano es demasiado); o incluso lo sería por lo que transmite, al menos a mí, de volver a esa edad, llamar a los amiguetes, coger mochila y comenzar a andar por la montaña hasta caer rendido, montar una hoguerita y comentar la jugada hasta que entre el sueño.

Aquí abajo viene lo bueno, sin spoilers duros (La película no tiene nada que no se pueda contar puniblemente), es por espacio.
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13 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
La isla desnuda
La isla desnuda (1960)
  • 7,5
    775
  • Japón Kaneto Shindô
  • Taiji Tonoyama, Nobuko Otowa, Shinji Tanaka, Masanori Horimoto
7
Hasta las entrañas.
Al leer esa sinopsis lo normal es esperar ver a una familia y su vida en la isla, y no pienso engañar a nadie, es exactamente eso lo que ocurre. Cuando uno se decide por ver esta, o este tipo de películas lo suyo es, como digo yo, ponerse el "chip" adecuado. No se puede esperar más de lo que da, así que lo que hay que hacer es proponerse ver la película, sin querer nada especial, solo lo que dice la sinopsis. Pero, ¿como decirlo? eso es simplemente lo que la hace especial. Fui a verla pensando en un rollo potencial o tal vez algo sobrellevadero que poder comentar haber visto al finalizar y me dio mucho más.

Empieza con una presentación de lo que es la película, pero, ¡espera! si casi toda la película va a ser así. Eso no es una presentación normal, la película ya ha empezado, ya puedes ver como coge forma ella sola. Miras los personajes que salen, miras la isla (que es una birria), miras el mar, miras la costa y no hay más para ver. Aunque eso sí, te queda observar, dejar de mirar solo con un movimiento vacío de ojos y empezar a sentir con la vista y con los oídos; con estos más ligeramente, recordando que la película es sin diálogos, sólo unas palabras sueltas de niños en una escuela o gritos y risas.
Estos personajes que aparecen transportan alimento a su isla, tarea de la que no hay preocupación al perderse algo, pues es repetida varias veces y, extraña pero mágicamente, sin llegar a cansar. Ese es el medio de vida, coger la barcucha y trasladarse de la isla más grande, ya con un pueblo, a su islote, donde habita nuestra familia, con a penas una casa, pero eso sí, bien aprovechada en cuanto a conreo. En nuestra familia (nuestra por llamarlos cariñosamente) encontramos a un padre y una madre encargados de la mayoría de quehaceres y unos chiquillos de apenas digamos 6 y 8 años, tan serviciales y eficientes personajes como los que más.

Y la película sigue y sigue mostrándonos sus vidas, o más bien su vida, ya que existen prácticamente al unísono, con sus idas y venidas, sus tratos con el pueblo y su convivencia, divertida a ratos, más dura a otros; sin mediar palabra, ¿para qué? ya se ve todo, no le tiene que decir al hijo si ha ido bien la búsqueda de agua porque lo ve al venir. Eso me ha abierto otro punto: el llevar el agua puede convertirse en una tarea de tensión absoluta a manos del director Kaneto Shindô, pues el subir hasta su casa con los barriles, uno a cada lado, llenos de agua, resulta un conjunto de escenas largas e increíblemente llamativas, estremecedoras al saber que si se derrama, habrá que volver a la isla grande a por más.


Sigo en Spoiler por falta de espacio, no hay peligro.
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tesoro de Sierra Madre
El tesoro de Sierra Madre (1948)
  • 8,1
    13.997
  • Estados Unidos John Huston
  • Humphrey Bogart, Walter Huston, Tim Holt, Bruce Bennett, ...
7
Sierra el tesoro de la Madre del film.
La película nos atrapa desde el momento en que vemos al pobre Boghart de vagabundo pidiendo limosna (que por cierto, al que se la pide es el propio John Huston), y sigue con la presentación de los tres personajes principales, cada cual interpretado perfectamente, hasta el jovencito, al que no se le tiene tan en cuenta al estar rodeado de quién lo está, lo hace genial, y si hablamos de Huston padre, no entiendo del todo como le dieron a 'Actor de reparto', si su personaje es el que da más personalidad al film (y en tiempo tampoco es superado por mucho por Humphrey).

La parte de antes de salir se me hizo un pelín larga, pero nada de importancia. Cuando salen y empiezan el trabajo es de lo que más me ha gustado, esos dos atontados que no tienen ni idea, pensando que tendrían que cargar con el viejo, tirando agua a lo que es una ilusión y sin idea de como pinta el oro. Luego el montar todo el asunto es algo que también me ha llamado mucho la atención. Después se lió un poco la cosa, siguiendo a buen nivel, claro está, llega gente nueva para animar la fiesta, el primero me gustó y los bandidos también, pero ya lo del niño ahogado me sacó momentáneamente de la película, tal vez por ser un poco larga, pero no me encajaba en lo que era la esencia que llevaba la película. Pero no problemo, porque en un momento me vuelve a enganchar, a partir de ahí vemos como evoluciona lo que nos quería enseñar en un principio la película, el corrompimiento del hombre ante la riqueza, que es posible que me haya desfasado un poco el que a uno le afecte taanto y al otro nada, pero como no me he visto ni he presenciado situación como esa, no juzgo.
Pasamos ya de eso al final, entre medias todo muy bueno, Boghart lo borda en toda esa parte (fuerte es que no fuera nominado ese año) y se hace el rey de la escena. El final no me lo esperaba, un giro de guión pensaba que saldría de un momento a otro (Comento en spoiler).

Así que, por el gran entretenimiento, la lección de cine; cine clásico, dos cosas a valorar, más ver a grandes en acción y vivir una nueva aventura, opuesto de no muy grandes contras, incongruencias como las comentadas, que se dejan pasar en estas aventuras y algún pequeño altibajo, que seguro se pasará por alto en un tiempo también, es una película de lo más recomendable.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil