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España España · Madrid
Críticas de Eugenio
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Críticas 8
Críticas ordenadas por utilidad
Your Name.
Japón2016
7,8
27.478
Animación
10
11 de febrero de 2017
10 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Your name -Kimi no Namae Wa- es una película poética que mima su mensaje tras un cuidado impecable -casi divino- de su animación.

Con unos personajes tan cercanos -pese a la distancia cultural- que pretende hacernos creer que estamos soñando en ella.

Tocará especialmente a las personas que no conocieron a alguien, sino que tuvieron la suerte de poder reconocer por primera vez.

Se trata de otro ejemplo de la cinematografía japonesa con un tempo especial, con un cuidado de los detalles y los símbolos que la falta de sutileza comercial de occidente parece haber olvidado.
Eugenio
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1
12 de junio de 2011
3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Almas Condenadas está sacada del fondo de armario del conocido Wes Craven. Se compone de ideas apolilladas y fórmulas que innovaron en el cine de terror de los ochenta y noventa. Pero no ahora. Éste infortuito trabajo no es propicio de un director con tanta rodadura. Resulta ser un popurrí descuidado lleno de parches sacados de ideas procedentes de sus anteriores películas y además, mal disimulados. Parece que Craven estaba más pendiente de Scream4 que dirigiría al año siguiente que de ésta empresa. A diferencia de proyectos similares, se estrenará en la pantalla grande porque tiene un público fiel. Aun así, lo adelanto con convicción, su público se verá defraudado.

Las planificaciones de realización resultan poco cuidadas. El manejo del suspense es irregular o nulo ya que tiene prisa por asustar con artimañas visuales y los bombazos del Dolby más que con el buen uso del tempo. Me pareció más una TV movie regular que una obra cinematográfica.

El guión flaquea con agujeros por todas partes. Como si Freddy Krueger lo hubiera revisado para dar la luz verde. Las situaciones son incomprensibles. La premisa forzada. El desenlace sólo sorprende por su falta de sorpresa. Los personajes flojos, unos adolescentes que no molan ni para los adolescentes. Si algo de verdad me rechina es el ambiente escolar: una exageración de “malotes” y “pringaos” patética por ambos lados. Además, se trata el sexo fuera de contexto.

Pretende hacer un homenaje a Hitchcock con referencias a Los Pájaros lo que genera un contraste bochornoso. Entre los fetiches destaca un cóndor que al igual que los buitres, se alimenta de carroña.
Eugenio
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5
12 de abril de 2017
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Redención (Southpaw)

La mediocridad de la película hace que se pueda ver. Siempre queda el consuelo de que no es muy mala. Es básicamente lo que uno espera ver cuando va a ver una película de boxeo. Con el siguiente argumento tantas veces tratado: ¡Alerta! ¿espoiler?

-Boxeador famoso lo pierde todo, encuentra a un maestro ‘sensei’ y recupera su dignidad de nuevo a través del boxeo enfrentándose a sus miedos en un combate final en el rin.- Vamos, que no es espoiler ni nada. Que ya lo sabemos antes de ir al cine.

Como sabéis es la típica línea argumental que maneja este tipo de películas de microgénero. Es una lástima que se hayan quedado en una película superficial cuyos momentos dramáticos muchas veces se asemejaban más al género de la telenovela. Quiero decir que los sentimientos se gritan como verdades y el subtexto del guión destaca por su ausencia. Desarrollo esta crítica:

Lo que más rabia me dio de esta película es que aun con una premisa tan manida pudo aprovechar muchísimo la supuesta riqueza de los personajes secundarios. Podría haber empleado el uso del flashback no sólo para recuerdos que los espectadores ya habíamos visto en el transcurso del metraje sino, más bien, para profundizar en las relaciones y en las vidas de secundarios. La película da mucho por supuesto y quiere afectar a los sentimientos con la repetición y escenas demasiado largas -como si así se generaran los sentimientos en las personas a base de repetir y mostrar-. En vez de eso, podrían haber recurrido a infinitos recursos cinematográficos de esos que con una mirada o una canción pegadiza te hacen llorar a mares. Pues nada. Sólo siento rabia por lo que se pudo haber hecho.

Pero bueno, sales de la sala con ganas de repartir puñetazos y buen sabor de boca. Pero con furia interior por las oportunidades perdidas.
Eugenio
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9
21 de mayo de 2011
3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Bosque (The Village) atrapa todos tus sentidos desde ya los títulos de crédito. Los retiene entre las ramas de los árboles de un modo simbólico y característico del gusto del director. Además, presenta la magnífica banda sonora que acompañará el discurso visual de la historia.

El sentido de la vista: Si “The Village” fuera un ser narsicista, podría recrearse en su belleza pictórica. Roger Deakins, Director de Fotografía de los Cohen, realiza un gran trabajo de la mano de Shyamalan que busca la expresión en la dirección de arte y en la composición de la imagen más que en técnicas expresivas de realización. Por eso el montaje no está picado y los planos son largos porque se aguantan debido a su belleza y significado.

El sentido del olfato: Está muy bien enmascarado el climax y el guión fluye con buenas sorpresas ocultas. Es una historia que no deja oler las sorpresas hasta que es demasiado tarde.

Oído: Sin duda, el sonido y la banda sonora son protagonistas convirtiéndose en el vehículo de la existencia del mal que acecha. En coherencia con la elegancia del montaje, la música y el sonido juegan un papel fundamental para impresionar en los sustos. Y ¡no sólo eso! Además, se emplea como modo de identificación del espectador con la protagonista de una manera muy eficaz. Aporta así, el punto de vista desde el cual se debe percibir gran parte de la historia. En definitiva, resulta ser un vehículo de expresión muy bien utilizado en ésta obra de Shyamalan.

Gusto: La película deja ciertos tintes agridulces. Ésto es achacable a la manera de pensar de Shyamalan que presenta un mundo hostil y unos pocos buenos solitarios. La parte dulce la aporta una historia de amor entre dos grandes personas muy sensibles y muy ricas.

Tacto: La protagonista Ivy Walker -Bryce Dallas Howard que lleva a cabo una gran labor con ese papel tan arriesgado-, deja sentir el mundo que le rodea convirtiéndose en la suavidad de la inocencia. Resulta simplemente conmovedora en muchos aspectos.

El sexto sentido: Y, ya mencionados cinco sentidos digamos que le sigue el sexto sentido como tal. Éste hace que una gran obra se convierta -para los ojos palomiteros- en un robo o un fiasco. Parecerá lenta y anticuada. Será el fracaso de Shyamalan. Otros, muy machos, dirán a voces: “¡pero si no da miedo!”...

Pues bien, para disfrutar de esta película hay que saber de cine y hay que aprender a abstraerse. Pero sobre todo, hay que descubrir que el sexto sentido como tal: no existe.

Está llena de riqueza visual y probablemente sea el ensayo definitivo de Shyamalan como artista. Quizá merezca una actitud del público desde la humildad. Para que puedan disfrutar de ésta maravilla antropológica de gran belleza artística.
Eugenio
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7
17 de mayo de 2011
3 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sin Identidad tiene un título estándar que, una vez más, al traducirse al español, se hace incluso anodino. Y puede gustar más o menos, pero es indudable que la nueva película del director español Jaume Collet-Serra tiene personalidad y vigor. Lo logra gracias a un atractivo reparto internacional y un diseño de producción muy norteamericano pero aplicado a unas localizaciones europeas, con Berlín como ciudad bien conocida por el cine, especialmente después de la célebre película de Wenders fotografiada por el gran Alekan.

Sin identidad podría ser una película del montón y la habilidad de Collet-Serra está en lo que podríamos llamar el valor añadido que aporta a la película: la voluntad de estilo, la apelación a los clásicos y a títulos recientes que el espectador tiene en la memoria reciente, como la saga Bourne.

Liam Neeson triunfó en Estados Unidos y luego en la taquilla internacional con Venganza (Taken) y, a película vista, es difícil ver que tiene esa película para haber funcionado tan bien. Taken se construía sobre una trama antigua y eficaz: padre, hija raptada, “os vais a enterar”… Sin identidad es una historia más enrevesada, que juega con la siempre incómoda sensación de que lo que se percibe no es lo que parece. Y de nuevo, la interpretación de Liam Nelson se siente cómoda en éste terreno cinematográfico.

La historia original procede de una novela de Didier Van Cauwelaert, que ya vio cómo se llevaba al cine otra obra suya, La educación de las hadas. Gracias a esta adaptación los múltiples interrogantes de la trama se sostienen de un modo verosímil salvando los agujeros narrativos de los que suelen pecar películas de este tipo.

Collet- Serra dispone bien las piezas en el tablero y la partida tiene emoción y espectacularidad, con secuencias de acción muy bien rodadas. El relato entretiene, en gran medida, porque el director sabe en todo momento que está haciendo cine de género y que debe someterse a sus reglas para dar al público lo que espera.

Eugenio Domenech
Eugenio
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