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Críticas de Alejandro
Críticas ordenadas por:
La seducción
La seducción (2017)
  • 6,1
    3.416
  • Estados Unidos Sofia Coppola
  • Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, ...
6
Flojo y apastelado remake
Película más reciente de la directora Sofia Coppola, quien a la vez dirigió y adaptó el guión de la novela de Thomas Cullinan. Novela que ya había sido adaptada con éxito al cine en el año de 1971 por el director Don Siegel, y con un reparto de lujo encabezado por Clint Eastwood y Geraldine Page. Sofía Coppola también armó un elenco de lujo, con Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst y Elle Fanning. La historia es ambientada en el año de 1864 en Virginia durante la guerra civil norteamericana, donde un día a una escuela de señoritas del Sur llega un soldado yanqui malherido, a quien acogen mientras se recupera. En ese tiempo, el cabo McBurney simpatizará con la mayoría de las mujeres de la escuela, despertando pasiones ocultas y reprimidas por la guerra. Me es imposible hablar de la nueva adaptación o reinterpretación de Sofia Coppola sobre la novela, sin remitirme al clásico de Don Siegel, que en mi opinión es estupendo. En varias conferencias de prensa, Sofia Coppola en Cannes dijo que intentó hacer una versión vista desde una perspectiva femenina, y no puedo estar más desconcertado luego de terminar la película. Si bien, la película está completamente adaptada a su estilo, un gran diseño de producción, excelente fotografía, una atmósfera que recordaba a sus Vírgenes suicidas, y en general el aspecto visual es alucinante, en la parte del argumento, la edición, no entendí por qué omitió muchas cosas, características y escenas importantes de sus personajes femeninos, que para mí hubiesen reforzado esa visión femenina que intentó reflejar. La novela y la película de los 70 de Siegel es sórdida, atrevida y erótica, y explora con mayor profundidad esa vendaval de emociones a las que se enfrentar este grupo de mujeres, con sexualidad reprimida por la época y por los tiempos de guerra. En cambio, Sofia, omite muchas cosas, y ni siquiera las sugiere, sino que sus personajes se pasean sin despeinarse en una estética preciosista, logrando que se opaque ese universo interno que no alcanza a reflejar. En realidad la película no me pareció mala, y si intentó olvidar la versión del 71, creo que puede quedar una producción igualmente aceptable pero sin alma. Pero si recuerdo la versión del 71, no puedo más que sentirme decepcionado, por lo desaprovechado de todos los elementos a favor que tenía, la posibilidad de hacer una versión que emulara a su predecesora, por los elementos se producción, visuales y estéticos que tan bien maneja Coppola, y el estupendo elenco que tenía. Las actrices y el actor hacen lo que pueden con el material que tenían, pero no logran alcanzar la profundidad que pudieron haber alcanzado. Creo que por su profundidad y nivel de perversidad y sordidez, quizás no era el proyecto para Coppola, quien siguió una línea muy plana y escaza de matices, por lo que recomiendo enormemente ver la versión de Don Siegel, si quieren ver la profundidad y la exploración que se propone en la novela, porque en esta versión lamentablemente nos quedamos en la superficie, con una versión más conservadora. Todos los actores cumplen con su papel, con las limitaciones de cada uno, pero es una lástima no haberlos vistos llegando a las grandes posibilidades que cada uno tenía.

Frases y diálogos de la película:
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Blade Runner 2049
Blade Runner 2049 (2017)
  • 7,3
    13.662
  • Estados Unidos Denis Villeneuve
  • Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, ...
7
Gran homenaje y digna secuela del clásico
La esperada continuación del clásico de ciencia ficción: Blade Runner, llega de la mano de su director original, Ridley Scott, que es el productor ejecutivo, y delega la dirección a uno de los mejores y más virtuosos directores contemporáneos, Denis Villeneuve (Arrival, Sicario, Prisioneros, Enemy), especialista en crear atmósferas únicas. La película se ubica treinta años después de los eventos del primer filme, con un nuevo Blade Runner, llamado K (Ryan Gosling), que se encuentra con un secreto que puede hacer tambalear los cimientos de la sociedad, y que tiene que ver con los replicantes. K se sumerge en la búsqueda del ex Blade Runner, Rick Deckard (Harrison Ford), el protagonista de la primera parte, para aclarar algunos puntos sobre su descubrimiento. La película me ha agradado, creo que cuando después de 30 años hacen la continuación de una película como Blade Runner, lo único que esperas es que no decepcione. Y Blade Runner 2049, no decepciona, al contrario, me parece que mantiene el nivel de la original, con mucho respeto, con coherencia en la historia, y explota todos los recursos disponibles actualmente para crear un mundo y un espacio increíble. Visualmente, técnicamente, estéticamente, la película es soberbia y alucinante, tiene una estupenda fotografía del gran Roger Deakins, un diseño de producción y arte realmente increíbles, y la banda sonora de Hans Zimmer refuerza cada momento. La película mantiene la naturaleza y la esencia de la historia, como es la línea que separa a los humanos de los replicantes, al hombre de la máquina y la inteligencia artificial. También mantiene la gran incógnita sobre su protagonista original, y su naturaleza de humano o replicante, que ayuda a la reflexión que plantea la historia; y a la vez, nos cuenta parte de lo que ha pasado en esos 30 años, y nos deja distintas posibilidades para las secuelas. Además del espíritu premonitorio y apocalíptico que siempre ha tenido la historia, con una proyección crítica del futuro, tanto en el aspecto ambiental como en la condición del ser humano, y la desigualdad entre los de distinta clase, que en esta oportunidad son seres creados, que llegan a ser y sentir como humanos. La película puede parecer muy lenta a algunos, pero es en realidad muy detallista, en el espacio y en la composición de los planos, tanto del espacio como de sus personajes, y su respectiva interacción. Así que su ritmo pausado es llevado por su estética visual, y su metraje, que casi supera las tres horas, también se condensa en esta historia, que tiene una estructura que lleva al espectador por distintos caminos, incluso lo engaña y finalmente lo sorprende, sin dejar de develar todos los detalles. En general, una experiencia cinematográfica muy disfrutable, que no gustará a todos, pero que me parece que cumple y supera la expectativas, y continúa con dignidad el clásico original.
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Ethel & Ernest
Ethel & Ernest (2017)
  • 6,8
    78
  • Reino Unido Roger Mainwood
  • Animation
8
La historia de una vida... normal. Excelente
Una verdadera joya de película, y una de las mejores pelis que vi en lo que va del año. La película compitió en el Festival Annecy 2017, el más prestigioso en cuanto a animación. "Ethel & Ernest" es una adaptación de la novela gráfica de Raymond Briggs, quien contó en esa novela la historia de sus padres. Dirige el animador Roger Mainwood, quien además adaptó el guión. La peli me parece una joya. Muchas pelis tratan de contar historias de toda una vida, pero pocas lo hacen con tanta precisión, acierto o un buen enfoque en la línea narrativa. Acá se cuenta la historia de esta bella pareja, en la Londres de los años 20, desde que se conocen y se enamoran, y como en el desarrollo de su historia íntima, a la vez se nos va presentando de forma sutil y circunstancial los eventos importantes de la historia de Londres y mundial durante gran parte del siglo XX. Y el enfoque, a partir de esta bella relación, de dos personas de clase trabajadora sin educación formal, que salen adelante con su trabajo, y vemos los adelantos sociales, científicos, y el contraste al que se enfrentan por la sociedad, su hijo y todo su entorno. La narrativa me encantó, tiene muchos detalles, y presenta un estudio social, cultural y político a través de una bella, muy sencilla e íntima historia. Que aunque es muy británica, tiene detalles muy generales y universales sobre la construcción del núcleo familiar. Aparentemente sencilla, pero muy profunda y conmovedora, sin detenerse ni alargar momentos innecesarios. Las voces de la pareja protagonista, la hacen dos grandes monumentos británicos: Jim Broadbent y Brenda Blethyn. Una de las joyas animadas y no animadas que veo del cine en el 2017.

Frases y diálogos de la película:
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Voyage of Time: Life’s Journey
Voyage of Time: Life’s Journey (2016)
  • 5,6
    298
  • Estados Unidos Terrence Malick
  • Documentary, Cate Blanchett
8
Malick nos muestra la vida
Finalmente he podido ver el esperado documental del gran Terrence Malick, que le ha llevado años de producción y realización, y que de hecho sirvió de insumo para su gran obra maestra “El Árbol de la Vida”. Y en efecto, este documental es una obra hermana de The Tree of Life, y que a la vez creo que cierra un ciclo exploratorio y experimental de Malick en las incursiones a los orígenes de la vida, del amor, y dentro de este gran ciclo, su trilogía sobre las relaciones amorosas, que también terminó hace poco.
El documental nos confirma y a la vez verifica muchas de las concepciones asertivas y equivocadas que se tenían con El Árbol de la Vida. Nunca fue una parábola religiosa como muchos afirmaban. Malick es un poeta y un filósofo, y sus fuentes de inspiración más fidedignas son Walt Whitman, Soren Kierkegaard, Arthur Schopenhauer, Friedrich Nietzsche, hasta el mismo Darwin, el panteísmo y el naturalismo.
El documental que también podría llamarse, “Mother” (Madre), porque es la palabra más repetida, ya que corresponde a los cuestionamientos que se hace en el metraje, con la voz de la gran Cate Blanchett. En esta oportunidad, no es Dios a quien están dirigidas las plegarias, las preguntas y los cuestionamientos. En el Árbol de la Vida, la gracia, que personificaba a la madre, Jessica Chastain, era quien cuestionaba a Dios, debido a sus propias creencias. Pero en esta ocasión, no hay una historia intermedia de una familia, no hay un filtro, sino que nos encontramos con el todo, por eso la Madre reemplaza a Dios, y asume su papel, la gracia, la naturaleza, la diosa, la dadora de vida.
Voyage of Time, en efecto, nos relata la historia de la vida, la parte general de ese Árbol de la Vida, de esa magistral secuencia de la obra maestra del 2011, amplificada y en su concepción general. Y claramente Malick se decanta por una teoría, y es realmente notable como configuró las teorías de la evolución para plasmarlas en imágenes cinematográficas. El espectador va mirando y descubriendo con curiosidad el desarrollo de los eventos, mientras que se deleita, se pregunta, se cuestiona y reflexiona sobre la veracidad de esa cronología, de ese relato, y trata por un momento de plantearse esa situación, y todo lo que implica su aceptación.
Además de un documental, o más que un documental, me parece un ensayo filosofófico y poético, que el texto no es sólo lo que esboza la voz de Cate Blanchett, sino toda la configuración de las imágenes, su secuencia y su revelación.
Dentro de las secuencias, de vez en cuando se añaden escenas de gente común, de personas en distintas partes del mundo, de mujeres, de madres, de niños, de hombres, que representan parte de la finalidad de ese proceso. Mientras que comportamientos comunes son contrastados: la fricción, la reacción natural, de conflicto, de efecto, que va de una partícula, de la mezcla de los elementos de la naturaleza, de los animales, hasta la de los mismos humanos. Se presentan como procesos naturales, inherentes y necesarios para la vida.
Quizás en algunas escenas se nos saltan parte del proceso, como el mismo proceso que decanta en el ser humano, aunque se nos sugiere, supongo que incluso hay procesos muy misteriosos y complejos de copiar de la misma naturaleza, que sin dudas es la gran protagonista del documental, la que se desnuda al espectador, la que desde sus entrañas sirve de lienzo para contar la gran historia de la humanidad, y la que recibe todos los clamores de sus hijos. Y al llegar al punto crucial de nuestros ancestros más comunes, y como enfrentaban el mundo que existía, cómo aprendían, y como se desarrollaban junto a su madre, que proporcionaba todo a su alcance.
En general, las imágenes son bellísimas, en todas sus ópticas y perspectivas. No debemos confundirlo como un documental informativo de la naturaleza y el origen de las especies, porque quien quiera encontrar eso se va a decepcionar. Es un ensayo filosófico y poético, apoyando en imágenes poderosas, un poco más en la línea de esos grandes documentales ilustrativos, como Samsara o Baraka, pero en este Malick tiene un punto muy ambicioso y específico en desarrollar y plasmar. Y es más fascinante para los admiradores de The Tree of Life, porque tenemos un acercamiento directo con la fuente de inspiración, desarrollo y trabajo, que terminó en aquella, una de las mejores películas de la historia del cine.
Si bien, el documental no me parece una obra maestra, me parece un gran trabajo, lo he disfrutado mucho. Y lo veo más como una síntesis, una depuración, detrás del trabajo de un gran creador. Y me parece un dato curioso que el documental tenga un nombre similar a aquel documental del gran Andrei Tarkovsky, "Tempo di viaggio" (Voyage in Time), sobre el rodaje de su película "Nostalgia", y que representa también una reflexión sobre su cine. Tarkovsky es otro o el poeta original del cine, conocido por el uso de los símbolos y los elementos de la naturaleza en su cine, además de la filosofía. Y la poesía de Malick, tan bien llamado el gran poeta del cine, no es sólo en sus imágenes poéticas, sino en sus mismos textos, que como siempre he mencionado en las reseñas que hago de sus películas, hay una influencia del gran Walt Whitman, y sus Hojas de Hierba.

Reseña en:
http://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2017/09/critica-documental-voyage-of-time-lifes-journey-terrence-malick.html
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A Ghost Story
A Ghost Story (2017)
  • 6,5
    1.127
  • Estados Unidos David Lowery
  • Rooney Mara, Casey Affleck, Rob Zabrecky, Will Oldham, ...
8
Rara, misteriosa y luminosa joya
"A Ghost Story" es la más reciente película del interesante director David Lowery (Ain't them bodies saints), que se estrenó en Sundance a inicios del año. La película es una rara, misteriosa y luminosa joya. Cuenta inicialmente la historia de una joven pareja (Rooney Mara y Casey Affleck), y el momento en que el joven músico muere en un accidente y vuelve a su casa en forma de un fantasma. Es increíble como teniendo tantos elementos en contra para caer en el ridículo o lo absurdo, el vestuario del fantasma, la trama, etc, poco a poco la historia va cogiendo un ritmo y va recorriendo caminos muy curiosos, que te llevan a una total experiencia auténtica y original, en un relato sobre el duelo, la perdida, el apego, el amor y el paso del tiempo. El formato de la imagen de la película es de 1:33:1, lo que le da un aspecto de estar viendo una película de fotos viejas, un álbum de recuerdos. Es muy minimalista, pero extremadamente cuidada y pulcra en su puesta en escena, su fotografía y su banda sonora ayuda a trasmitir esa atmósfera melancólica y lúgubre. Y dentro del argumento principal, que aparenta ser el duelo, también hay un componente filosófico, científico y místico, sobre el tiempo, la permanencia de la materia en cierto espacio, y la convivencia de los planos. La película además te muestra una curiosa incursión al tema de las casas encantadas y un coqueteo al cine de terror, pero dejando caer todos los grandes misterios sobre posibles maldiciones, y al contrario enternecer y conmover al espectador. Una película bella, tierna, profunda dentro de su sencillez y original. Y un aplauso al Lowery por este bello logro. Quien no entre en el encanto y la experiencia propuesta puede llegar a odiarla jeje.

Frases y Diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2017/09/frases-pelicula-a-ghost-story-david-lowery.html
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Madre!
Madre! (2017)
  • 6,6
    5.825
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, ...
3
A la madre de todos: Relato sencillo disfrazado de complejidad y excesos
No soy de los que dicen tan fácilmente que una película es una mierda, un bodrio o un desastre, pero era lo que pensaba al finalizar Mother, que es interminable. Por eso, a continuación sustento. Como la película ha venido tomando un aura de incomprendida, divisoria e visionaria obra maestra desde su estreno en Venecia, me apena disentir y seré un poco más duro de lo habitual, precisamente por los elogios exacerbados de cierto círculo postmoderno y vende humo. Inicialmente, una sinopsis sería confusa, una pareja vive en una casa apartada, y un día llegan dos visitantes que remueven su vida, su hogar y su casa. Al comentario de que es original e innovadora, no nada, me parece un refrito de refritos. Y con un regodeo interminable. Puede parecer interesante un momento, pude percibir una idea de trasfondo interesante para abordar, pero después el director coge vuelo y no se detiene a la perdición. Mezcla todos sus obsesiones: Religión, misticismo, psicología, etc jeje y la verdad su argumento no es muy difícil y complejo, y le puse mucha atención. Es críptico pero elemental por sus símbolos y figuras recurrentes, pero él lo envuelve y enreda todo para hacerse el moderno, el visionario y transgresor.
Al final cansa, y no perturba sino que mancilla violentamente la vista del espectador. Lo grotesco tiene poesía, pero Aronofsky queda lejos de Sade o Baudelaire, y queda más cerca a Michael Bay con pretensiones autorales. Yo siempre trato de buscar algo salvable de las películas aunque no me gusten mucho. Acá no puedo rescatar mucho. Una idea recóndita quizás que nunca sale a flote y se ahoga en acciones y escenas sin sentido y orden, que reiteran y reiteran en una idea. Algunos la compararán con el eterno retorno de Nietzsche, al que quizás apelará el director. Pero su argumento aparenta ser confuso, y su planteamiento visual apunta a todo y nada. Las referencias son reconocibles y puedes atisbar la desafortunada mezcla, Bebé de Rosemary, El ángel exterminador, La fuente de la vida, la Biblia, el Génesis, y los libros de Stephen King: La ventana secreta y Misery, sobre escritores atormentados, y sus fans enloquecidos etc.
Se explora la figura del creador, del proceso de creación universal, emparentado con Dios, el artista (escritor), y la Madre, la depositora, la herramienta, el sufrimiento, la entrega, la inspiración... ese intermedio entre el acto de creación y el creador. Y en otra línea aparecen los "invitados" al paraíso, sus hijos y los seguidores, los fans, el pueblo, que exige sin saciarse al creador (al final dejaré un enlace a la reseña completa en mi blog donde hago un análisis más general).
Sinceramente no sé cómo logró que Paramount patrocinara semejante producto, aunque hayan salido a defenderlo por su originalidad, y su visión; se nota que los productores no han visto películas que merezcan esos adjetivos y se dejaron llevar por el nombre del director, y el de su novia, Jennifer Lawrence. Porque esos adjetivos para mi no pertenecen a este engendro. Intenta ser mucho, y lo aparenta, pero viéndola bien no hay mucho fondo.

Reseña y análisis de la película:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2017/09/critica-pelicula-mother-madre-de-darren-aronofsky.html
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7 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Felices sueños
Felices sueños (2016)
  • 6,2
    529
  • Italia Marco Bellocchio
  • Valerio Mastandrea, Bérénice Bejo, Fabrizio Gifuni, Guido Caprino, ...
8
Bello retrato del amor maternal y las ausencias
“Fai bei sogni” (Felices sueños) es la película más reciente del reconocido director y guionista italiano Marco Bellocchio (Bella addormentata, Sangre de mi sangre). En esta oportunidad adaptando la novela de Massimo Gramellini. La película cuenta la historia de Massimo, un niño de 9 años que vive feliz con sus padres, especialmente con su madre, quien a la vez es inestable emocionalmente, pero su hijo la adora y desarrolla una relación edípica. Su madre muere, y Massimo contrariado y abatido, por no conocer la razones de su muerte, y la distancia con su padre, crece como un conocido periodista pero con muchos traumas. La película es muy bella, Bellocchio tiene una sensibilidad especial para estos dramas íntimos, familiares y humanos. La forma en que entreteje y estructura la narración es muy virtuosa, puede ser de la novela, y permite que vayamos poco a poco explorando y descubriendo las pérdidas de Massimo. Porque en efecto, es una historia sobre las pérdidas, y la ausencia... de la madre, de la verdad, de la infancia, de la esperanza... sobre cómo condicionamos nuestra mente desde pequeños para no sufrir, obviando detalles, sobre las mentiras que nos cuentan y nos contamos a nosotros mismos. La ambientación y la fotografía es muy apropiada y trasmite la atmósfera nostálgica, tanto en el presente como en los flashbacks. También es una historia de amor, a nosotros, a las personas y a nuestros padres... al afecto, al cariño, aquel que a veces no se hace presente en la infancia, o no lo percibimos. Ya que también nos habla de los recuerdos, y como estos son selectivos de acuerdo a nuestras mismas emociones. En fin, una joya bella, triste, humana y luminosa.

Frases y diálogos de la película:
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It
It (2017)
  • 6,7
    11.666
  • Estados Unidos Andrés Muschietti
  • Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, ...
7
Regreso triunfal de Pennywise
"It", el esperado estreno de la nueva adaptación al cine del libro de Stephen King, que creo que es uno de los mejores libros que ha escrito, llegó a carteleras de cine. Dirigida por el director argentino Andrés Muschietti (Mama). La película me ha agradado, y ha superado mis expectativas. De niño vi la primera adaptación pero honestamente no la recuerdo muy bien, sólo recuerdo al payaso. En esta oportunidad, creo que supera con creces a su antecesora en muchos aspecto. "It" es un ente, un payaso, que tiene la característica de asumir la forma de los mayores miedos de los niños, de lo que también se alimenta. Rescata y aprovecha las virtudes del libro, el miedo como el gran potenciador del mal, pero el mal también es mostrado en distintos aspectos, no solamente proveniente del #PayasoPennywise sino desde la misma familia, de los padres, como alimentan el miedo y la tristeza de sus hijos. Así que es cierto, #It siempe ha sido una historia de superación, del mal, de los miedos, de madurez. Por eso me pareció importante ese necesario enfoque en la vida de los niños, un grupo de #losers que son más vulnerables precisamente por el constante acoso de compañeros y padres, y que poco a poco gracias a la amistad se van fortaleciendo y superando sus temores. Hay un bello retrato de la infancia/adolescencia, tratado con humor, fragilidad y belleza. Para luego contrastar a la amenaza de It. El casting de los pequeños es excelente, aunque hay actores de Strangers Things #strangersthings se nota su influencia en la película, el tono ochentero y diversos enfoques, detalles que también bebió la serie de Netflix del libro de King. Técnicamente es muy buena, tiene una buena dirección, y un guión que se amolda a la propuesta, que es fiel y a la vez se da afortunadas licencias, adaptado por Chase Palmer y Gary Dauberman, quienes heredaron el trabajo que empezó haciendo el también director Cary Joji Fukunaga, pero al final no se tuvo en cuenta todo ese guión, porque Fukunga había incluido escenas muy fuertes del libro. Es curioso que la película haya pasado a categoría de mayores de 18 años, y no se hayan permitido explotar el material oscuro de la novela, aunque trate se sugerirlas muy pero muy sutilmente en esta versión. Aún así, Es cine de entretenimiento hecho con calidad y detalle, no un simple producto de comercio, se nota un trabajo cuidado detrás. Y no se esperen el gran terror, porque aunque no son tan potentes y excesivas las escenas de sustos, juega con el elemento del miedo y del mal de forma que puede ser incluso más tenebrosa. Varias escenas me sorprendieron por lo bellas, sobre todo cuando se enfoca en la vida de los chicos, mucho más que la de los sustos y el terror del payaso... porque eso es It, un elemento, nada determinado, que adquiere poder y forma por los estímulos recibidos de forma externa... como todos los monstruos. Y la película nos deja abierta la puerta para el segundo capítulo, donde seguro incluirán la otra parte del libro, que es cuando los niños son adultos. Creo que aún así, ninguna de las dos películas alcanzan a ser tan tórridas, duras y sórdidas como el libro lo alcanza a ser… y donde el terror y la maldad humana es mucho más fuerte.

Frases y diálogos de la película:
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Churchill
Churchill (2017)
  • 5,4
    355
  • Reino Unido Jonathan Teplitzky
  • Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, James Purefoy, ...
6
Churchill a medio gas
Interesante biopic, que sabiamente elige un momento en la vida del personaje, específicamente 2 o 3 en los que tomaba la decisión de una de las operaciones más importantes de la 2da Guerra Mundial. Me gustó el retrato de Churchill, como el hombre de gran trayectoria y nombre que debe echarse a un lado y perseguido por sus fantasmas, y la actuación de Brian Cox. Aunque en general la película se queda a medias.
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Baby Driver
Baby Driver (2017)
  • 6,8
    9.227
  • Reino Unido Edgar Wright
  • Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, ...
6
Drive con calorías
La más recuente película del director Edgar Wright (Scott Pilgrim Vs the World), es uno de los estrenos esta semana en Colombia. Desde sus primeras escenas, e incluso al leer su sinopsis me recordó inmediatamente a esa excelente película del 2011, "Drive" de Nicolas Winding Refn (creo que la única que me gusta del director). Esa película con esencia ochentera, con una gran dirección, fotografía, y una estupenda banda sonora, sumado al protagonista (Ryan Gosling) un personaje ido, solitario, con una gran habilidad en el volante, y con trabajo dudoso. En "Baby Driver", Wright nos presenta a un joven con un gran talento en el volante, también de pocas palabras e ido, este tiene un trauma auditivo, que le hace siempre estar escuchando música para evitar el zumbido agudo de rezago al accidente que tuvo de niño. También tiene un trabajo dudoso al volante, un jefe letal, y Baby se maneja también con una interesante banda sonora, que cumple un papel importante, así como en Drive. Además de esa notable inspiración en Drive, Wright, como es común en su cine, lo llena de referencias a otras películas, y si en Drive teníamos banda sonora y esencia ochentera, en Baby Driver tenemos una mezcla más variada de rock, pop, etc. Teniendo en forma general un estilo y una estructura más pop (tipo art pop), un collage de estilos y de elementos, que dan como resultado un producto entretenido, vistoso y muy bien llevado. Wright sabe dirigir, y logra muy buenas escenas en sus composiciones, desde las secuencias con música, hasta las escenas de acción. Por momentos es imprescindible, a pesar de las referencias, pero al final cae un poco en unos elementos muy clichés, que le restan un poco a esta propuesta con cierta originalidad. Aunque parte de su cierre se compone, no te deja el argumento mocho o sin lógica. Al final, creo que es un producto vistoso, entretenido y con una propuesta y elementos artísticos de valor. Pero me quedo con Drive.

Frases y diálogos de la película:
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Amazona
Amazona (2016)
  • 6,9
    54
  • Colombia Clare Weiskopf, Nicolas van Hemelryck
  • Documentary
7
Documental honesto, bello y crudo
Amazona, es un documental muy bello y a la vez muy fuerte, que nos muestra la relación de una madre y su hija. La hija es Clare, la directora del filme. Quien de forma muy valiente deja al espectador entrar en su intimidad, y en su viaje en busca de respuestas, al analizar la vida de su madre, una mujer que decidió vivir su vida y ser feliz ella misma por encima de todo lo demás, incluso sus hijos. Y aunque constantemente cuestiona a su madre, la directora también le hace un bello homenaje, a su estilo de vida, su forma de pensar y su forma de vivir. Es un documental muy bello, intimista, duro e incómodo, que llevará al espectador a analizar su propia vida.
Val, es la madre. Una mujer que tras la muerte de su hija mayor decide viajar al Amazonas para realizar su duelo personal y encontrarse a sí misma, dejando atrás a sus hijos y su familia. Clare, la hija y directora del documental, junto con su esposo, se encuentra embarazada y decide realizar este documental para conocer y entender la figura y las decisiones de su madre. Y escarbar en las heridas del pasado, de ella, su hermano y su familia en general.
Recuerdo que en la proyección de la película en el FICCI en el teatro, estaba Val y su hija presentes, y al finalizar la película, muchas personas se sentían contrariadas, y cuando Val salió al escenario, no sabían si aplaudirla o insultarla por mala madre. Y es esa rica ambigüedad la que logra el documental, porque como en pocas ocasiones se trata el tema de la maternidad con tan poco edulcoramiento. El documental te permiten ponerte en el lugar de Clare, la hija que busca respuesta, que hace reproches, que busca motivos, que busca entender y comprender el papel de una madre, pero a la vez de la admiración que a pesar de todo tiene por su madre y su estilo de vida. De igual forma no deja de ser un documental que se admira con cierta incomodidad, pero que como en la vida, nos lleva por un viaje escabroso pero luminoso al tiempo. Muy recomendable.

https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2017/08/critica-documental-amazona-clare-weiskopf-nicolas-van-hemelryck.html
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Death Note
Death Note (2017)
  • 3,6
    5.341
  • Estados Unidos Adam Wingard
  • Nat Wolff, Keith Stanfield, Margaret Qualley, Shea Whigham, ...
1
Engendro maldito
Se ha estrenado en Netflix la adaptación del excelente manga Death Note, dirigida por Adam Wingard. No hay mucho que decir de este engendro maldito que jamás debió haberse realizado. Trata de resumirse toda la serie en una película, y el resultado es espantoso. Los personajes tan ricos de L y Light totalmente desdibujados y mancillados sin clemencia. El guión igual, se pierde absolutamente todo en un experimento que pierde la agudeza, la profundidad de la serie y el manga original. Visualmente tiene escenas interesantes, pero en general es un total fallo. No sé si quizás las personas que nunca se han acercado al material original podrán disfrutarla, pero recomendaría no ver esto, sino la serie original en animación. La sufrí de principio a fin.
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Apuntes sobre la ceguera
Apuntes sobre la ceguera (2016)
  • 6,8
    94
  • Reino Unido Pete Middleton, James Spinney
  • Documentary, John M. Hull, Dan Renton Skinner, Simone Kirby
8
Bello y duro retrato de la ceguera
"Notes on Blindness" (Apuntes sobre la ceguera) es un bello y estupendo documental, dirigido y editado por Pete Middleton y James Spinney, quienes utilizaron las cintas de audio que grabó John Hull, un escritor, teólogo y profesor de la Universidad de Birmingham que quedó ciego. En esas cintas, John se cuestiona, se pregunta e indaga sobre su condición, dando como resultado uno de los retratos más bellos, duros y reales sobre el mundo interior de la ceguera. En el documental se utilizan las mismas grabaciones, pero crean un relato visual también, donde los actores siguen las narraciones de los audios originales. Es una joya que nadie debería perderse para saber y conocer un poco más sobre esta condición. El documental es una de las mejores películas que veo en el año. Un must see.

Frases y diálogos del documental:
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Una voz silenciosa
Una voz silenciosa (2016)
  • 7,4
    676
  • Japón Naoko Yamada
  • Animation
8
Cine de animación con compromiso
Otra joya animada recién salida del horno, compitió en la más reciente edición del Festival de Annecy, el más importante del mundo en cine de animación. "Koe no katachi" (A Silent Voice) de Naoko Yamada, el animador japonés, director de la bella "Tamako Love Story". En esta ocasión adapta un manga, con una historia aparentemente sencilla, pero que es increíblemente dura y con un tema difícil, tratado de una forma muy honesta y realista. Aunque el póster indique que es una historia de amor, quizás si haya algo de romance, pero narra la historia de Shouko, una joven sorda que llega nueva a un instituto, y como sus compañeros inician a hacerle bullying, especialmente Shouya, un chico de la clase, que posteriormente sufre de lo mismo. Se encuentran años después e intentan sanar heridas, no sólo ellos sino los otros amigos alrededor que se vieron afectados. Es muy dura, incómoda y por momentos desesperante y asfixiante porque retrata el peso de la culpa de forma muy real y fiel, y de cómo la consciencia siempre persigue, sino es la de nosotros, la de los otros. Es interesante la forma y algunos detalles, como los elementos utilizados que acompañan la narración. Figuras y símbolos que representan la marginación, el desapego o la indiferencia ante la realidad. Al final es una bella, dura, dolorosa pero finalmente luminosa historia, que trata de forma valiente un tema, que no siempre es tratado con los matices y sin los sesgos que aquí se trata. Este año pinta bien para la animación.

Frases y diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2017/08/frases-pelicula-koe-no-katachi-a-silent-voice-naoko-yamada.html
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
This Is Us (Serie de TV)
This Is Us (Serie de TV) (2016)
  • 7,5
    972
  • Estados Unidos Glenn Ficarra, John Requa, ...
  • Mandy Moore, Milo Ventimiglia, Chrissy Metz, Justin Hartley, ...
8
Una joya de serie en cada episodio. Humanidad a flor de piel
Finalmente he terminado la primera temporada de una de las series revelación de finales del 2016, y que ha cosechado un gran número de nominaciones en los próximos Premios Emmy. Desde que vi su episodio piloto me ha resultado todo un descubrimiento. Me gustó mucho su planteamiento. Al inicio ves historias separadas, con personas con la particularidad de que nacieron el mismo día. Pero luego te vas dando cuenta que además es atemporal, no todo ocurre en la misma época, pero los tiempos y los personajes cambian, se mezclan y están estrechamente unidos. Y esta conexión está hecha y labrada con sencillez, con frescura, con humanidad, y con personajes muy bien dibujados e interpretados.
Una de las cosas que más me encantó, ha sido su guión, porque precisamente, a pesar de estar estructurada de forma atemporal, está tan bien diseñado, poco a poco vas descubriendo comportamientos actuales de los personajes debido a eventos del pasado, y la edición está hecha con tanto detalles y cuidado, que simplemente te sorprende y te emociona cuando descubres algo especial de la familia. El guión tiene además pequeñas joyas, y mezcla el drama con el humor constantemente, una tragicomedia al fin y al cabo, pero muy bella y luminosa.
Hay algo especial que me ha pasado, y es que de esos 18 estupendos episodios, he llorado creo que en 18.5 jejejejeje. Algo muy extraño que me pase con las series, es que encuentre que todos los episodios son joyas o simplemente buenos. En This is Us, todos sus episodios son joyas, todos importan, todos te tienen guardado algo especial y significativo, si de pronto notas que hay 2 o 3 quizás no tan buenos como los otros, pero la mayoría son excelentes. Y en sus episodios finales de la primera temporada, simplemente no podía parar de llorar. Pero es curioso porque también era un llanto variado, a veces triste, otras veces acompañado de risas, toda una terapia, toda una maravilla. Su segunda temporada se estrena en Septiembre de este año, y la esperaré con muchas ansias.
Sus personajes son geniales, pero sus actores les hacen mucha justicia, con menciones especiales para Milo Ventimiglia (Jack Pearson), su papel como el padre mítico, casi perfecto, pero que carga con un pasado familiar doloroso que trata de no repetir con su familia. La actuación de Milo es tremenda. Sterling K. Brown (Randall Pearson), es otro que se merece todos los elogios, Randall es el hijo adoptado afroamericano, siempre buscando ser perfecto desde pequeño para encajar en su familia blanca, y siempre buscando pistas de su identidad. Creo que es una de las historias más bellas y muy bien planteadas, y la actuación de Brown es estupenda. Y la última mención especial es para Chrissy Metz (Kate Pearson), la única chica entre los hijos, y que tiene problemas de sobrepeso, tiene también una historia bella y dura, y Metz interpreta muy bien a su personaje. El resto del elenco es excelente, pero destaco especialmente a estos tres.
Me gustó mucho los caminos que sigue y explora de la sociedad y de la familia, de una manera que me gusta, me enternece y me hace conectar con facilidad, en el análisis y estudio que hace de los comportamientos humanos. Como es una familia tan variada y con problemas particulares, aborda tantos temas, y tan bien tratados, por ejemplo, las decisiones de tener familia, el matrimonio, la adopción, los momentos en que el pequeño Randall busca su identidad como afroamericano dentro de una familia blanca es simplemente genial y muy real, el sobrepeso, la autoestima, los miedos, en fin, como es la vida todo un manojo de dramas, de tristezas, de dolor, pero de momentos bellos y luminosos. Una serie muy humana, que realmente recomiendo que vean, y ojalá puedan descubrir su belleza. Yo quedé enamorado de ella.

Reseña completa en:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2017/08/critica-serie-this-is-us-tv-nbc-season-1.html
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Homecoming (2017)
  • 6,5
    10.344
  • Estados Unidos Jon Watts
  • Tom Holland, Robert Downey Jr., Michael Keaton, Marisa Tomei, ...
6
Refrescante nueva adaptación
Refrescante nueva adaptación del famoso súper héroe de Marvel. Como parte del gran ensamblaje de la saga de Los Vengadores, mantiene el espíritu que ha mantenido esa serie de películas y que ha explotado tan exitosamente. En esta ocasión, con la exploración a un Spider Man más joven, y que está intentando ganarse su puesto dentro del grupo de vengadores. Hay una gran influencia de su proyector Tony Stark, y en general resulta una película entretenida, y yo lo veo como esas películas de transición, que hacen parte importante para la construcción de un universo más grande. Me gusta que haya esa sincronización entre personajes, ideas e historias. La película cumple con sus objetivos, y nos muestra un simpático héroe, muy bien interpretado por Tom Holland. En cuanto al villano, y la batalla, si muy bajo el nivel, pero como he dicho, funciona como película de transición, pero individualmente, además de los puntos positivos que he mencionado, es un poco floja.

Frases y diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2017/08/frases-pelicula-spider-man-homecoming-jon-watts.html
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La guerra del planeta de los simios
La guerra del planeta de los simios (2017)
  • 6,6
    9.034
  • Estados Unidos Matt Reeves
  • Andy Serkis, Woody Harrelson, Amiah Miller, Gabriel Chavarria, ...
7
Gran cierre, notable trilogía
Luego de dos sobresalientes películas de la renovación de la clásica saga de El Planeta de los Simios, Matt Reeves toma nuevamente la dirección y la adaptación del guión, luego del excelente trabajo en la segunda parte, El amanecer del planeta de los simios. Y firma una excelente conclusión de la trilogía. Mantiene la esencia de sus antecesoras, una gran producción de impecable factura y técnica, con un guión sólido y coherente, y el excelente trabajo de Andy Serkis como el gran simio líder, César. En esta parte, se sitúa en un entorno donde los humanos sobrevivientes del virus propiciado por los simios, planean un exterminio total de la especie. En una guerra por seleccionar a la especie que al fin de cuentas dominará el planeta, en caso de perder los humanos, sería un Planeta de Simios. Bajo esa base transcurre la historia, una lucha que al inicio parece desigual, con un César herido debido a un suceso traumático que lo llena de odio. Pero poco a poco la trama se va aclarando, y con verdadera lógica y coherencia teje un guión que pone una guinda a una excelente saga. Como lo dice en su póster, sobre la libertad, la familia, el planeta, y la permanencia de la especie. Altamente emotiva, emocionante y con buen ritmo. Los personajes tienen sus conflictos y dilemas internos, y de ambos bandos son mostrados en su vulnerabilidad y dudas, en fin una interesante inspección a la naturaleza humana y del ser vivo. Un excelente cierre para una saga que fue aumentando su calidad, y que representa el ejemplo de cine de entretenimiento de calidad, tanto en producción como en historia y guión. Muy recomendada, la saga completa. El 3D no molesta.

Frases y diálogos de la película:
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La defensa del dragón
La defensa del dragón (2017)
  • 6,3
    36
  • Colombia Natalia Santa
  • Gonzalo de Sagarminaga, Hernan Méndez, Manuel Navarro
7
Vidas en cuadros
Uno de los buenos estrenos de esta semana en carteleras de Colombia. Película colombiana y ópera prima de la joven directora Natalia Santa, estuvo en competencia en la sección Quinzena de Realizadores del Festival de Cannes 2017. La película me ha gustado, cuenta la historia de 3 hombres y amigos, quienes se encuentran en una etapa de sus vidas donde sienten que ya todo lo bueno pasó, y siguen una rutina que les permite alejarse de sus fracasos y recuerdos del pasado, en una mejor época. Somos testigos de su cotidianeidad, y vemos como poco a poco cada uno de ellos van experimentando una serie de eventos de forma particular y personal, que les hace replantear su vida.
Lo primero que llama la atención de la película es su estética, la directora usa en su totalidad planos y enfoques fijos en cada escena, como si estuviésemos viendo una serie de fotografías en movimiento, pero en un mismo espacio, la cámara se mueve muy poco o prácticamente nada. Quizás tenga que ver por la influencia de la idea de la película, que según la directora fueron una serie de viejas fotografías que mostraban los viejos hábitos, lugares, espacios y personajes de la ciudad, que luchaban por no desaparecer en el mundo moderno. Quizás quiso emular y dar vida a una serie de imágenes estáticas.
El efecto es positivo, especialmente porque cada plano está construido con mucho cuidado y detalle. Muy buenos personajes y actores, un maestro de ajedrez, el dueño de una compraventa y un español con adicción a la marihuana y juegos de azar. Cada uno de ellos luchan por sobrevivir al tiempo, y el espacio que no desean que cambie. De ahí el nombre de la película, “la defensa del dragón”, un movimiento de ajedrez en defensa del rey... de las tradiciones.
Requiere paciencia y entrar en el juego y la propuesta de la película, sino se puede aburrir o pensar que no pasa nada. A mi me ha agradado, me encantó su puesta en escena y lenguaje, lo único que me dejó esperando un poco más fue el final y el desarrollo de algunas historias, me faltó un equilibrio en las fuerzas narrativas, porque quedas esperando algo que no llega... pero aún así, la sensación de que hubo un pequeño quiebre interior de los personajes, puede aclarar más el panorama, pero para mi no fue suficiente. Un impacto o una muestra de delicadeza. Aún así tiene el aire y la esencia de las mejores películas del cine indie universal, pequeñas joyas valiosas que importan, y que son muy poderosas en su propuesta sencilla y sutil. No se la pierdan.

Reseña en:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2017/07/critica-pelicula-la-defensa-del-dragon-natalia-santa.html
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dunkerque
Dunkerque (2017)
  • 7,4
    20.753
  • Estados Unidos Christopher Nolan
  • Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, ...
7
La guerra desde tierra, mar y aire
Finalmente ha llegado a salas la nueva película de Christopher Nolan, que tan bien recibida ha sido por la crítica. La película es un prodigio técnicamente, y es cine de entretenimiento de calidad, la fotografía, la edición de sonido, todo funciona. Es el retrato de Nolan de la guerra, una proclama anti bélica que se centra específicamente en la angustia de la guerra, en la desesperanza, la ansiedad, en el miedo de unos jóvenes que aún no han vivido lo que deberían vivir. Precisamente utiliza las herramientas técnicas para ahondar de forma incisiva en las emociones de sus personajes. Recrea los hechos históricos que ocurrieron en las costas de Dunkerque (Francia), donde los ingleses y aliados fueron acorralados por las tropas alemanas, quienes tenían de única posibilidad salir por el mar hacía su hogar. La película está estructurada desde tres perspectivas: Aire (Fuerza aérea), Tierra (Tropas atrapadas) y Mar (Embarcaciones civiles), en cada una de ellas con variantes, e incluso Nolan se permite contar una misma escena desde los 3 distintos puntos, y con ello aludiendo a su manía de jugar con el tiempo. Pero no se asusten, la trama es realmente muy sencilla y fácil de entender. Es un drama existencial complejo, que mezcla con excelentes escenas aéreas, y de ataques sobre mar. Pero el cruce de fuego no es lo importante, la cámara siempre se centra en los rostros de los soldados. Desde todo el aspecto técnico me parece impecable, y algunos conflictos con dilemas morales dan un condimento adicional pero no se ahonda en ellos, hasta ese final previsiblemente emotivo y triunfalista, con la banda sonora rechinando hasta el cansancio. Aunque la mezcla de sonidos y todos los efectos sonoros dentro del filme son muy bien logrados. En fin, Dunkirk apunta a varias partes, pero no deja de ser otra gran producción de entretenimiento de calidad, pensaba compararla quizás con el impacto de “Mad Max” de hace unos años, pero esa película fue fiel a sí misma y no apuntaba a tanto ni a tanta trascendencia... Nolan intenta hacer algunas reflexiones, contraponer puntos, y afortunadamente lo hace sin diálogos insufribles, buscando dar un toque autoral, que en realidad nunca ha tenido, o quizás en sus inicios, pero la película está lejos de ser una obra maestra y de sus mejores trabajos. Eso sí, es un producto de entretenimiento de calidad, muy bien hecho. Y aunque tiene escenas fuertes, no es tan oscura como pudo ser, ni poética, sino que se queda en la superficie, a pesar de conectar con el sufrimiento y la angustia de los hombres en batalla, y en la reafirmación de solidaridad del pueblo inglés, al ir en la búsqueda de sus soldados e hijos al campo de batalla. Recomendada para disfrutar de su despliegue técnico y conocer un evento histórico, de ahí nada más.

Frases y diálogos de la película:
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sing Street
Sing Street (2016)
  • 7,2
    9.248
  • Irlanda John Carney
  • Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Aidan Gillen, ...
7
Clásico musical instantáneo
La película del director irlandés John Carney, estrenada el año pasado, en el 2016, en poco tiempo se convirtió en un pequeño clásico del subgénero musical de adolescentes que crean una banda. Desde que la vi el año pasado, y entró en mi lista de lo mejor del cine del 2016, no la he podido olvidar fácilmente, y varias escenas o algunas canciones siempre se me vienen a la cabeza. De hecho tengo varias en mi mp3. La película es muy fresca, auténtica, y aunque de trasfondo toca temas dramáticos, como la crisis económica, la violencia familiar y escolar, los sortea de muy buena forma, y los mezcla con momentos y diálogos muy cómicos, con aquello que nunca falta en la juventud: el amor y el romance, y todo el repertorio musical, que es muy bueno. Son varios elementos que funcionan, y poco a poco van esculpiendo una obra difícil de olvidar, y que te llega de muchas maneras. Muy recomendada.

Frases y Diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2017/07/frases-pelicula-sing-street-john-carney.html
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