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Críticas de Alejandro
Críticas ordenadas por:
Verano 1993
Verano 1993 (2017)
  • 6,9
    11.160
  • España Carla Simón
  • Laia Artigas, Bruna Cusí, David Verdaguer, María Paula Robles, ...
8
Bello, duro y sutil retrato del dolor en la infancia
Ópera prima de la directora Carla Simón, donde recuerda y se inspira en su propia infancia. El verano del 93 cuando perdió a su madre. Es una bella película. Sencilla, minimalista y muy bien medida en su realización, casi impecable. Hay una gran contención en todo el filme y el final es muy bello, descorazonador y perfecto. Cuenta como una niña, Frida, debe mudarse con su tío y su familia, por haber perdido a sus padres, quienes murieron a causa del virus del Sida. Aunque eso nunca se nos dice directamente, la directora escoge narrar desde la perspectiva de la niña, por lo que a veces sólo sabemos lo que ella sabe, lo que ella percibe, pero la directora también sugiere mucha información en sus escenas, desde susurros y gestos. Rodada con gran pulso, gran sensibilidad, delicadeza, y a la vez crudeza, por lo que vemos que a pesar del tema nunca cae en sentimentalismos baratos y facilistas, y se siente el corazón, la nostalgia, y la humanidad con la que fue concebida. Una bella y dura introspección a la niñez, a la infancia, al duelo y a la crueldad. Tiene momentos incómodos, que seguramente no gustará a los muy conservadores, pero se agradece su sinceridad y compromiso en abordar la historia. La niña protagonista, Paila Artigas, es estupenda, y resiste el peso de la película. Un gran debut, y fue la película escogida por España para los Premios Oscar.

Frases y diálogos de la película:
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Season of the Devil
Season of the Devil (2018)
  • Filipinas Lav Diaz
  • Piolo Pascual, Shaina Magdayao, Pinky Amador, Bituin Escalante, ...
8
Ópera antimusical del dolor y el terror
Película más reciente del reconocido director y autor filipino, Lav Diaz, multipremiado y alabado en todos los festivales. La película fue un estreno iberoamericano, ya que se había estrenado mundialmente días antes en el Festival de Berlín 2018.

Diaz, quien también es muy prolijo, es conocido por sus obras profundamente humanas, sociales, psicológicas, y extensas en duración. De hecho, se podría decir que “Season of the Devil” es de sus obras más cortas, con “solo” 4 horas de duración. La película también despertaba mucha expectativa, porque es un musical. Y se promocionaba como un “anti-musical, una ópera rock que se adentra en la mitología”.

La película me gustó mucho, me parece brutal, con planos estupendos en una estética de contrastes, sombras y en un impecable uso del blanco y negro, como es habitual en el director. El texto de las canciones son muy buenos también, y toda esa gama de personajes en las que ahonda, y vuelve a retomar. La película se ambienta en Filipinas, cuando se proclama la ley marcial, que facultó al presidente (Ferdinand Marcos), que en la película llaman Narciso (y tiene dos caras), a tener plenos poderes durante 9 largos años que duró. No es la primera vez que Díaz aborda el tema de la ley marcial en Filipinas, ya lo había hecho anteriormente con “From What Is Before” (2014), que es incluso más larga que “Season of the Devil”, donde se centra especialmente en los dos años antes de la implementación de dicha ley, y aborda de forma minuciosa la psique de una comunidad, sus individuos, y como van reaccionando a los cambios. Díaz filma en tiempo real, filma la vida, quizás por eso siempre es necesario que sus películas duren tanto.

La película realiza un homenaje a las víctimas y victimarios, quienes interactúan y se comunican a través de canciones sin fondo musical. Hay escenas duras, otras muy bellas, los actores en general tienen buenas voces, pocos parecen recitados. Incluso hay algunos que cantan muy bien, sobre todo algunas mujeres, que parece que estuviésemos viendo un musical tradicional de desamor y pérdida. Hay varios personajes, y durante el metraje, los vamos visitando uno a uno, y volvemos nuevamente a ellos. Creo que el único problema que tengo con la película, como tengo con algunas del director, es que pudo ser más corta. Porque aunque hay escenas que se repiten, otras se dilatan, personajes que retomamos y visitamos uno por uno, no se puede negar la forma brillante en que están rodadas, y atisbar tras el eterno retorno, el cuadro eterno del dolor y del mal que el director plasma con tanta maestría. El espectador terminara repitiendo mentalmente, luego de salir de verla: “La la la la, la la la la, la la la……”

Reseña completa en:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2018/04/critica-pelicula-season-of-devil-ang-panahon-ng-halimaw-lav-diaz.html
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Con amor, Simon
Con amor, Simon (2018)
  • 6,8
    142
  • Estados Unidos Greg Berlanti
  • Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel, Katherine Langford, ...
6
Una película importante y de celebrar
La película que han vendido como la primera comedia romántica producida por un gran estudio (Fox 2000 Pictures) con un protagonista gay, es una película que cumple con sus objetivos. Adaptación de la novela de Becky Albertalli, cuenta la historia de Simon Spier, un joven de 16 años que no se atreve a revelar su homosexualidad, y vive en constante miedo y angustia, aunque aparente estar bien. Hasta que uno de sus correos electrónicos llega a manos equivocadas, haciendo que la aparente tranquilidad de Simon se complique. La película tiene el formato de cualquier comedia romántica tradicional, pero tiene unos bellos detalles y la forma en que trata con tanto cuidado todos los aspectos a los que se enfrenta un joven ante semejante situación. Es importante la existencia de esta película porque por primera vez muchos jóvenes de igual condición se podrán ver reflejados por primera vez en una película, que no representa un cine de autor o historias con desenlaces trágicos, sino que ven reflejada su realidad con normalidad, sin dramas adicionales, y en forma de un cuento ideal con final feliz. Y simplemente ese detalle, aunque parezca insignificante, es de mucho valor. Y se puede comprobar, cuando vayan a la sala de cine. La película está lejos de ser una gran película, y puede que tenga algunos detalles para discutir, como todas las comedias románticas clichés. Pero celebremos su existencia, por todo lo que significa y representa.

Frases y diálogos de la película:
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Ready Player One
Ready Player One (2018)
  • 7,1
    9.520
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, ...
7
Vuelve el Spielberg de Aventuras clásicas y nostálgicas con toque moderno
La película más reciente del Rey Midas de Hollywood ha sido una grata sorpresa. La calidad y el lugar en la historia del cine de Spielberg es indiscutible, a pesar de algunos títulos más tibios e intrascendentes. Su filmografía abarca el drama humano, el bélico, el histórico, político, la animación, el thriller, fantasía, suspenso, la ciencia ficción, las aventuras, entre otras. Su gran maestría y casi de forma impecable siempre la he identificado en su cine de aventuras, con el que puede mezclar el thriller o la ciencia ficción. Las emociones, la nostalgia, y el niño interior también está presente en gran parte de su cine. En esta adaptación de la novela de Ernest Cline, Spielberg ha vuelto a demostrar que está en completo dominio de su genio. La película, ambientada en el año 2045, cuenta la historia de Wade Watts, un adolescente, quien como todos los de su mundo escapan de la realidad a través de un juego de realidad virtual llamado "Oasis", creado por un programador que se volvió millonario. Al morir, ofrece su fortuna y el destino de su empresa al ganador de una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Esa es la base de la historia, la película es una excelente aventuras en un mundo distópico, plagada de homenajes, referencias y auto referencias a la cultura pop, y cine y la cultura de los años 80 en adelante. Porque el inventor de Oasis, lo construye a través de su juventud y memorias juveniles en los 80, con las referencias a vídeo juegos, películas, bandas, etc. Es un cóctel de nostalgia y memoria, tan bien hilado y estilizado, no queda más opción que disfrutar. El ritmo, la banda sonora, las actuaciones, donde brilla nuevamente el joven Tye Sheridan. Me encantaron varias referencias, especialmente la del Resplandor de Kubrick. Spielberg siempre ha sido admirador de Kubrick. Es cierto, cae en ciertos tópicos tradicionales en este tipo de historias, pero cuando te lo cuentan de esta forma, esos detalles pierden importancia. Una vuelta al Spielberg de grandes aventuras y que tan bien maneja las emociones del público.

Frases y diálogos de la película:
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El otro lado de la esperanza
El otro lado de la esperanza (2017)
  • 6,9
    3.185
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Sakari Kuosmanen, Sherwan Haji, Kati Outinen, Tommi Korpela, ...
8
La inmigración y la humanidad
El gran director finlandés, el maestro Kaurismäki regresa como siempre, muy fiel a su inconfundible estilo, con otra bella, minimalista, nostálgica y dura historia sobre los desfavorecidos. Los pobres, los inmigrantes, los marginales, y en esta ocasión, los refugiados, son siempre los protagonistas de sus historias. Pero él nunca explota su condición, sino que la expone con su particular estilo, un estilo teatral, minimalista, realista, que me recuerda a una mezcla entre el maestro sueco Roy Andersson y el maestro británico Ken Loach, porque aunque hay austeridad de elementos, todo su puesta en escena es impecable, y cada encuadre está tan bien construido, y su fotografía acentúa junto con el trabajo de los actores todo lo que el director quiere lograr. Es una fábula sin moralina, un joven llega en un barco proveniente de Siria a Finlandia, y su solicitud de asilo es rechazada. Logra escapar y encuentra refugio en el naciente negocio en decadencia de Wikström, un hombre que busca cambiar su vida. Una historia, y un cine que sobre todo rebosa humanidad. Hace parte de esas bellas y luminosas tragicomedias del cine, y un gran regreso del maestro Kaurismäki desde su anterior Le Havre. De lo mejor del 2017.

Frases y diálogos de la película:
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Matar a Jesús
Matar a Jesús (2017)
  • 7,1
    154
  • Colombia Laura Mora Ortega
  • Natasha Jaramillo, Giovanni Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio, ...
7
"Yo maté a tu padre... me llamo Jesús"
“Matar a Jesús” es la película de la joven directora colombiana Laura Mora Ortega, que ha trabajado antes en cortometraje y en la televisión, en seriados como “Escobar, el patrón del mal”. La película fue toda una sorpresa y me impresionó gratamente. Cuenta la historia de Laura, una joven de 22 años que presencia el asesinato de su padre por un joven sicario en la ciudad de Medellín. La familia se enfrenta al dolor y a la indiferencia de la policía que parece dejar el caso impune, además de los problemas internos en el núcleo familar debido a este suceso.
Hasta que Laura se encuentra en una fiesta con el joven sicario, que se llama Jesús.
La película tiene muy buen ritmo, está muy bien estructurada y dirigida. Se nota el oficio, el detalle y la exploración de alternativas narrativas poco utilizadas en la cinematografía colombiana. Es una historia fuerte, pero cargada de sensibilidad y humanismo. Hay escenas de mucha tensión, y otras muy bellas, como esas escenas en motocicleta o las de bicicleta, acompañadas de buena música, que simplemente muestran momentos de humanidad en los aparentes antagonistas de la historia.
En la película no existe la figura del malvado, pero tampoco la directora intenta hacer apología o los beatifica, simplemente expone una cruel realidad social, arrastrada por la pobreza, la falta de oportunidades, la indiferencia y cómo algunas personas instrumentalizan a jóvenes para llevar a cabo sus sucios trabajos.
La película tiene muy buen tono, hay mucha tensión, y creo que resuelve muy bien la trama. Fue interesante escuchar a la directora al final, cuando dijo que la historia la toca particularmente porque se inspiró en un hecho personal, cuando mataron a su padre; y sobre todo, como ella empezó a concebir “Matar a Jesús” a través de un sueño que tuvo, donde un hombre la detenía y le decía: “Yo maté a tu padre, me llamo Jesús”. En fin, una película que no deben dejar de ver, no porque es colombiana, o porque la directora es una mujer… sino porque es muy buena.

Reseña en:
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Historia de una pasión
Historia de una pasión (2016)
  • 6,4
    1.363
  • Reino Unido Terence Davies
  • Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, ...
8
Estupendo retrato de Emily Dickinson
“Historia de una pasión”, es la película más reciente y otro impecable trabajo del maestro Terence Davies. Uno de mis directores favoritos, que en esta oportunidad da una nueva lección de cine sobre cómo hacer un excelente biopic. Y como personaje central, la estupenda poeta Emily Dickinson, a quien Davies realiza un bello, duro y poético homenaje. Nos cuenta detalles de su historia, desde joven rebelde, a la adulta brillante y atormentada, que nunca salió de su casa. Pero la historia está muy bien hilada, con un excelente guión, escrito por el propio Davies, y por la poesía de la misma Dickinson. Es brillante, bella, dura, dramática, ambigua, como la misma vida de la poeta, quien se adelantó a su época, y resistió, enfrentó y sufrió los embates de ésta. La dirección de Davies es genial, como siempre, cuidado en el detalle y en la composición de los planos y en la fotografía. Y las actuaciones son estupendas, con mención especial para la Emily Dickinson que compone la magistral Cynthia Nixon. Una de las mejores películas sobre escritores/poetas que he visto. Y de lo mejor del 2017.

Frases y Diálogos de la película:
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120 pulsaciones por minuto
120 pulsaciones por minuto (2017)
  • 7,1
    1.516
  • Francia Robin Campillo
  • Nahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois, ...
7
La lucha, el cuerpo, el amor, el dolor
Gran ganadora de los Premios César del Cine Francés. Ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2017, y distintos premios como la mejor película extranjera del año. Es el más reciente trabajo del director francés Robin Campillo, donde cuenta una historia, ambientada en París, a principios de los años 90. Donde un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Es una película con una factura impecable, con estilo, bellamente filmada, y llena de pasión, política, sexo, dolor, compromiso y amor. Es una película muy física, donde el cuerpo es otro protagonista, como objeto de placer, de expresión, de rebelión y de resistencia.

Frases y Diálogos de la película:
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The Florida Project
The Florida Project (2017)
  • 7,3
    5.313
  • Estados Unidos Sean Baker
  • Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, ...
9
Baker, maestro de lo cotidiano y poeta de la américa profunda
Película más reciente del director, productor, guionista, editor y cinematógrafo, Sean Baker (Starlet, Tangerine). Baker sigue puliéndose como maestro de lo cotidiano y poeta de la américa profunda. Con “The Florida Project”, nos cuenta otra historia que rebasa humanidad, naturalismo, la oscuridad y dureza de la realidad; y al tiempo, la luminosidad de la mirada infantil, y de los momentos de la vida. Un grupo de familias pasan el verano en un pequeño motel muy cercano a Disneyworld, en precarias condiciones, pero los niños disfrutan de los encantos del paisaje y la amistad. La mirada de Baker es humanista, y en esta película especialmente, al abordarla netamente desde la mirada y perspectivas de los niños. Baker narra y filma la infancia con maestría, la composición de los planos, la fotografía y el diseño de producción lleno de colores bonitos, y artificiales al tiempo, sirven de reflejo a la cruel realidad que se asoma de fondo. Los niños actores brillan, especialmente Brooklynn Prince, y por supuesto, el nominado al oscar (injusta única nominación de la película) Willem Dafoe, compone uno de sus personajes más sensibles y humanos. Delicada, detallista, hermosa, triste y muy conmovedora. Sin dudas, de las mejores películas que se vieron en el 2017. Y Baker, otro hit. Y esa escena final, que Baker grabó con celular dentro de Disneyworld, porque no se le permitió grabar adentro del parque, también tiene un gran mensaje que acompaña la película… esas imágenes borrosas y difuminadas.

Frases y Diálogos de la película:
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hilo invisible
El hilo invisible (2017)
  • 7,0
    6.831
  • Estados Unidos Paul Thomas Anderson
  • Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Richard Graham, ...
9
El Oficio. La Infancia. La Comida. La Familia. La Madre.
Anderson vuelve a sorprender. Lo hizo, nuevamente. Y como dije en el caso de un director ruso: este es un director! Cuando vemos la sinopsis y la clasificación de la película "El hilo invisible" (en español), vemos romance, drama y moda. Nos imaginamos cualquier clase de dramón, pero con Anderson, conociendo su cine, sus inquietudes y obsesiones, no podríamos esperar una película fácil y tradicional. La película, ambientada en los años 50, presenta a un reconocido modisto que viste a las mujeres más exclusivas de la época en Londres, quien trabaja y vive con su hermana, hasta que Reynolds se enamora de una joven, que se convierte en su musa y llega a cambiar su vida. También esa descripción parece muy tradicional, pero la película no lo es. Filmada con una estética y elegancia impecable, es una película de amor, pero un amor que se construye, que se cimenta, y en ocasiones se ayuda, así sea con mecanismos poco ortodoxos y éticos. También es una película que habla del oficio, lo que escogemos hacer, de los traumas, de la infancia y la familia. Pero algo particular en el cine de Anderson con esta película, es que a pesar de que el protagonista es un hombre, hay una gran fuerza y peso femenino en su historia. Una película exquisita, detallista, incisiva, profunda, introspectiva e incluso psicológica, con una excelente dirección, un notable guión y edición, y una bella y acorde banda sonora de Jonny Greenwood. Y sus actores, impecables, Daniel Day Lewis, en el último papel de su carrera, excelente. Y las dos mujeres, Lesley Manville y Vicky Krieps, estupendas. Fiel a su estilo, aunque realiza distintos guiños y homenajes a otros clásicos del cine. Una película magistral, bella, elegante, impecable, oscura, compleja y humana. Y Anderson sigue dando lecciones de cine, y en esta ocasión, además de dirigir y escribir el guión, se encarga de la fotografía, y todos los aspectos son impecables. Entra a amenazar mi top final de lo mejor del 2017.

Frases y Diálogos de la película:
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Panther
Black Panther (2018)
  • 6,3
    7.228
  • Estados Unidos Ryan Coogler
  • Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong'o, Danai Gurira, ...
7
Marvel, más política, más identidad, más humanidad
Antes de comentar la película me gustaría decir algo. Desde hace ya un tiempo se viene hablando de los efectos de lo “políticamente correcto”, yo mismo compartí un mensaje de un crítico de cine, donde decía que “lo políticamente correcto estaba acabando con el cine”. Y sigo creyendo que es cierto, PERO, hay que saber comparar, diferencias y depurar los conceptos sobre lo que es, y donde se representa y en qué medida tal concepto. Porque recordemos que los extremos no son buenos, y he visto a muchos que ya se les volvió moda criticar todo lo que tenga asomo de ser políticamente correcto, demostrando una postura tan radical y peligrosa como el otro caso, en muchas ocasiones se ha convertido disfraz del discriminador latente. Ahora sí, celebro proyectos como estos, “Black Panther”, porque sí, ya era necesaria una película de un gran estudio dedicada a personajes negros (y lo digo así, para no caer en lo políticamente correcto de decir, “de color” o “afro….), y celebro todas las historias que aún faltan por contar. Sobre todo, es tan importante, teniendo en cuenta los desafortunados comentarios racistas que se pueden escuchar en los cines al ir a ver la película, que además he escuchado de otros amigos que también lo experimentaron. Pero para ir al grano, la película me gustó, me llamaba la atención desde su promoción, con tantas personas talentosas involucradas, el director Ryan Coogler (Fruitvale Station, Creed), asumió el reto de dirigir y escribir el guión de esta adaptación del cómic de Marvel, y se nota que le dieron cierta libertad creativa para dotar la historia de gran fuerza e identidad. Aunque tiene su componente de fantasía y del universo de superhéroes, mostrando a una nación ubicada en el continente africano, Wakanda, que se encuentra apartada e invisible al resto de la humanidad, donde han desarrollado una sociedad muy avanzada tecnológicamente, que a la vez guarda los poderes y tradiciones de sus antepasados. También la película nos muestra una parte más realista, que se centra en los Estados Unidos, donde uno de los personajes, perteneciente a esa generación de africanos que emigraron a los Estados Unidos como esclavos en la Gran Migración Negra, y que posteriormente, tras un largo periodo de dolor y segregación se ubicaron en regiones del sur de USA, y posteriormente a algunos de los barrios de grandes ciudades, claramente marginales, y que en los 80 sufrieron el problemas de las drogas y los abusos de la policía. En ese ambiente crece otro de los personajes, alejados de su tierra, y en un entorno sin esperanza. Por lo que la película, en forma general nos está contando parte de la historia de la población africana, y de esa población que llegó a los Estados Unidos posteriormente. Lo que nos deja una de las películas, quizás mejor planteadas y enfocadas de la serie Marvel, con un alto contenido crítico, social y político, incluso en estos momentos, sin perder la calidad del entretenimiento y la acción, e incluso, aunque menos que en otra, su infaltable toque cómico. Estéticamente y visualmente es muy bien lograda, desde los espacios visuales hasta los trajes y toda la indumentaria de la cultura africana. Creo que las partes que más aburrieron, fueron los de la parte política fuera de África, con uno de los villanos y otro personaje. Personalmente, me interesaba más lo que se desarrollaba en Wakanda o en los barrios marginales de USA, donde tiene sus mejores momentos la película. Coogler me parece que hizo un trabajo destacable. Su elenco está muy bien, Chadwick Boseman, Lupita Nyong'o, Michael B. Jordan (que ha aparecido en todas las películas de Coogler, y tremendo actor que es), Andy Serkis, Angela Bassett, Forest Whitaker, Daniel Kaluuya, Florence Kasumba, Letitia Wright, y me encantó ver a Sterling K. Brown, en un pequeño papel, pero que se luce en sus pequeños momentos. Todos hacen un trabajo destacable, y la música de Kendrick Lamar, en fin, un gran equipo y se nota el corazón que le metieron a la película. Recomendada, una buena propuesta, distinta y arriesgada en algunos aspectos a las otras películas, pero que sigue manteniendo la esencia de las películas de Marvel, y por supuesto, hace parte de las piezas para esa gran película que tienen pensado estrenar este año, como la final de los Vengadores, Infinity War. Película sobre los héroes, sobre la raza, sobre la identidad, sobre el perdón y sobre la redención.

Frases y Diálogos de la película:
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1 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Square
The Square (2017)
  • 6,6
    4.484
  • Suecia Ruben Östlund
  • Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, ...
6
Patética Palma de Oro
Patética Palma de Oro del pasado festival de Cannes. Me gustó la propuesta del director en "Fuerza mayor", con su siempre sentido cómico y satírico, pero en The Square pretende hacer y narrar muchas cosas sin centrarse en algo específico, en un filme de 2 horas y media, innecesarias y tan banales y superficiales como lo que crítica. ¿Una crítica al mundo del arte contemporáneo? ¿Sátira de la sociedad hipócrita contemporánea que promueve hacer el bien cuando es incapaz de hacerlo? ¿A la libertad de expresión? ¿A lo políticamente correcto? ¿A la animalidad? Bla bla… Es de todo eso (y más) y nada al mismo tiempo. Gags autorales, provocación gratuita y vacía. Definitivamente hizo una obra dentro de otra obra en la misma línea de lo que crítica, quizás de forma intencional o de burla… pero no he empatizado con su propuesta, aunque tenga momentos estéticamente interesantes. Tiene escenas afortunadas, sólo eso, y su actor principal, Claes Bang, hace un excelente trabajo. La Palma de Oro debió ser para la película rusa “Loveless”.

Frases y diálogos de la película:
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13 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sacrificio de un ciervo sagrado
El sacrificio de un ciervo sagrado (2017)
  • 6,7
    7.568
  • Reino Unido Yorgos Lanthimos
  • Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, ...
8
Lanthimos, a lo tragedia griega y a lo Kubrick
The Killing of a Sacred Deer o El sacrificio de un ciervo sagrado del siempre inquietante director griego Yorgos Lanthimos, creador de universos distópicos como en sus alabadas obras "Canino", "Alps" o su reciente "The Lobster". En esta nueva película, que ganó el premio a Mejor Guión en Cannes 2017, vuelve a sumergirnos en una historia retorcida, con tintes de tragedia griega moderna y del más inquietante thriller psicológico. La película tiene un despliegue artístico y técnico impecable, como siempre los travelings, los close up, las tomas panorámicas y estáticas, y una sugerente e inquietante banda sonora. Una familia ve afectada su tranquilidad cuando aparece un joven, hijo de un antiguo paciente del padre (cirujano), a quien culpa de la muerte de su padre, por lo que busca venganza y justicia. Lanthimos es un autor, por lo que siempre los actores para él son piezas de engranaje de su máquina cinematográfica, pero acá su reparto brilla mucho, desde los niños, Colin Farrell, pero especialmente Nicole Kidman, que está simplemente brillante en su papel, y Lanthimos la aprovecha al máximo, especialmente para los pequeños guiños que hace al gran Stanley Kubrick, al poner en algunas escenas a Nicole, de forma parecida a como ella sale en “Eyes Wide Shut”, la película de Nicole con Kubrick. Es una película que contiene lo mejor del cine clásico del suspense, Hitchcock, lo mejor del aspecto visual de Kubrick, su siempre inspiración en el estilo frío y maquiavélico de Haneke, y su propio universo siniestro y atípico. Es una experiencia tensionante y de mucho nervio de principio a fin, aunque me esperaba un mejor final, o una mejor conclusión y más significativo o contundente. Aún así, toda una experiencia cinematográfica.

Frases y Diálogos de la película:
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La forma del agua
La forma del agua (2017)
  • 6,6
    26.032
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, ...
8
LA FORMA DEL AGUA DE GUILLERMO DEL TORO Y EL YACURUNA AMAZÓNICO
La forma del agua, el más reciente trabajo del excelente y visionario director, guionista y productor mexicano, Guillermo del Toro, es un cuento, una fábula, y una bella historia de amor que mezcla la realidad con lo fantástico. Ambientada en plena Guerra Fría en 1963, Elisa es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio, donde se enamorará de un hombre anfibio, raptado desde el Amazonas, que se encuentra ahí recluido con fines experimentales.
Cuando mencionaron al monstruo, como una criatura recogida en el río Amazonas, a quienes los indígenas le rendían tributo como un dios, me acordé inmediatamente de Yacuruna. Hace como dos años viajé al Amazonas con unos amigos, y una de las cosas que me compré fue un libro de Mitos y Leyendas del Amazonas. En este libro aparece de forma muy destacada, Yacuruna, que si leemos sobre él y su descripción, nos damos cuenta que fue la inspiración de Guillermo del Toro para crear a su nuevo monstruo. El libro lo describe como: “Según la leyenda vive en las profundidades del río Amazonas, en ciudades sumergidas con las mujeres que roban de las comunidades indígenas. Considerado símbolo de vida y de fecundidad. Yacuruna u Hombre de Agua, tiene un cuerpo atlético y con escamas por todas partes. Lleva como sombrero un pez raya, de cinturón una enorme boa, de zapatos dos peces cuchas, en el brazo derecho un venenoso alacrán, lo acompaña siempre una charapa gigante y su arma de protección es un arpón. Posee poderes sobrenaturales”.
Por lo que Guillermo del Toro, también ha recreado un mito, y se ha anotado un indudable clásico. La película posee una historia sencilla, pero lo que sorprende y maravilla, es la “forma” en que la cuenta, la narra y la ambienta. Es una fábula, porque contiene un bello mensaje sobre los marginados, los desfavorecidos, ya sea por un defecto físico o alguna otra característica. También la relación entre Elisa, la chica muda, magistralmente interpretada por Sally Hawkins, y el Yacuruna, es una historia de descubrimiento, de los instintos, de las pasiones, de la fragilidad y del amor. La oscuridad, como en todos los buenos cuentos, y en las fábulas, y en las películas de Del Toro, está presente, no sólo en los “villanos”, como la historia clásica que es, sino en la oscuridad, o me gustaría decir mejor, complejidad de sus personajes.
El Yacuruna, con su instinto animal, salvaje, instintivo, pero a la vez mágico e iluminador. La dirección de Del Toro brilla, su fotografía, su escenografía, los sonidos, y las escenas más mágicas y oníricas son simplemente increíbles. Del Toro crea sueños, pesadillas, las realiza y las comparte con su público. Según, una película de 20 millones de dólares, que por su estética parece de 100. Pero es una muestra de ingenio y maestría de este emblemático director mexicano, que siempre nos sorprende. A pesar de las Pacific Rim que hace para poder financiar sus proyectos más personales e íntimos. Aún así, gran película, y una brillante joya. Ganadora del León de Oro a Mejor Película en el Festival de Venecia, y ha venido arrasando en distintos premios, directo a los Premios Oscar.

Reseña de la película:
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Tres anuncios en las afueras
Tres anuncios en las afueras (2017)
  • 7,7
    27.294
  • Reino Unido Martin McDonagh
  • Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, John Hawkes, ...
9
Impecable y negrísima comedia, a lo Flannery O'Connor
Una de las cosas que llamó mi atención inmediatamente en las primeras escenas de esta película, es cuando Mildred Hayes se dirige hacia la empresa de publicidad, responsable de las vallas a las afueras de Ebbing, y su director, Red Welby se encuentra leyendo un libro muy interesante. "A Good Man Is Hard to Find" de Flannery O'Connor, una de las escritoras y damas del sur de la literatura norteamericana más brillantes y mordaces. Y ese relato es uno de sus más emblemáticos y despiadados, y nos devela un adelanto de la película que empezamos a ver. La película más reciente del director, gramaturgo y guionista Martin McDonagh, es precisamente como el relato de O'Connor, una película mordaz, una “comedia” dramática negrísima, que tiene el ambiente y los personajes característicos de la literatura de O'Connor y de otra gran dama del sur, como Carson MacCullers, y que también es el estilo que el mismo director y dramaturgo se ha ido creando, y con esta película ha alcanzado su punto cumbre. La película cuenta la historia de Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, por lo que decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia, por lo que instala en tres grandes vallas a las afueras de la ciudad, una serie de frases que perturban a la policía local. Si tengo que resaltar algo, tendría que ser TODO. Su dirección, su fotografía, su ambientación, su GUIÓN es inmenso, perfectamente estructurado, impecable y detallista. Y mención aparte para sus actores, quienes todos están brillantes, destacando a Peter Dinklage, John Hawkes, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, y especialmente a tres gigantes actores, Woody Harrelson, Sam Rockwell y Frances McDormand. Se apropian de sus papeles, de sus diálogos, y absolutamente todo funciona. Es humana, es trágica, es violenta, es sarcástica, es crítica e impecablemente realizada. Entró en mi Top 10 de lo mejor del 2017. Y es una de esas películas que cuando terminé de verla, en la oscuridad de mi cuarto, no me pude contener en aplaudir. Acaba de ganar el Globo de Oro a Mejor Película Drama, y es fuerte candidata al Oscar. Y me encanta que sea una película con tanto interés en el texto y en la literatura.

Y a propósito del cuento de Flannery O'Connor, dejo dos frases para que se animen a leerlo. Es de mis favoritos:

—Habría sido una buena mujer —dijo el Desequilibrado— si hubiera tenío a alguien cerca que le disparara cada minuto de su vida.

—Cállate, Bobby Lee —dijo el Desequilibrado—. No hay verdadero placer en la vida.

(A Good Man Is Hard to Find, de Flannery O'Connor)


Frases y Diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2018/01/frases-pelicula-three-billboards-outside-ebbing-missouri-martin-mcdonagh.html
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5 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Mirror: Black Museum (TV)
Black Mirror: Black Museum (TV) (2017)
  • 7,0
    8.833
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), Colm McCarthy
  • Douglas Hodge, Letitia Wright, Daniel Lapaine, Aldis Hodge, ...
6
Museo negro, con un punto negro
Con Black Museum me pasa algo curioso, este es el otro capítulo donde hay muchas referencias a San Junipero, y a otros capítulos de Black Mirror, pero en especial a San Junipero, pero no en su estructura y esencia, sino menciones directas al universo de San Junipero y a la empresa encargada de almacenar las almas de las personas. Pero bueno, para calificar a Black Museum tengo que hacerlo por partes, porque hay tres historias, más la principal. La primera historia del museo me pareció aburrida y muy floja, pero con las otras dos se recompone la cosa, y encuentro la esencia de ese Black Mirror más oscuro que me gusta y que consolidó a la serie desde sus inicios. Una joven descubre en plena autopista abandonada un museo que contiene objetos criminológicos supuestamente auténticos. Cada uno tiene una historia, que el encargado del museo se encarga en contar. Es interesante, pero tiene el punto negro de esa primera historia, que no es terrible pero si un poco flojo.

Reseña de la 4ta temporada:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2018/01/especial-asb-black-mirror-season-4-netflix.html
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0 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Mirror: Cabeza de metal (TV)
Black Mirror: Cabeza de metal (TV) (2017)
  • 5,6
    8.634
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), David Slade
  • Maxine Peake, Jake Davies, Clint Dyer
5
Vacío y pretencioso
Bueno, la satisfacción no duró mucho, llegó otro episodio flojo. Cabeza de metal nos traslada a un mundo post apocalíptico, donde hay pocos humanos, y estos son cazados por una especie de perro robots. Además está presentado con un pretencioso blanco y negro que me parece innecesario, al menos que quisieran dar más fuerza a la atmósfera de abandono y soledad. Que sería justificable si hubiesen trabajado un poco más en la historia. Siguen las buenas intenciones en los aspectos técnicos, la fotografía y detalles de dirección, pero las historias flaquean. La actriz también hace un buen trabajo.

Reseña de la 4ta temporada:
https://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2018/01/especial-asb-black-mirror-season-4-netflix.html
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1 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Mirror: Hang the DJ (TV)
Black Mirror: Hang the DJ (TV) (2017)
  • 7,5
    11.301
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), Timothy Van Patten
  • Georgina Campbell, Joe Cole, Gina Bramhill, George Blagden, ...
7
El hit de la 4ta temporada
Cuando me quejaba de que los tres primeros capítulos me habían parecido flojos y repetitivos, aparece Hang the DJ. Antes de hablar del episodio en sí, me gustaría mencionar que el capítulo de la temporada anterior “San Junipero” claramente tuvo una gran influencia en este y otro de los capítulos de la temporada. El toque humanista y relativamente positivo pero ambiguo de ese capítulo, que fue mi favorito de la temporada pasada y creo que de toda la serie, se encuentra en este capítulo. Incluso el nombre del capítulo, que hace referencia al estribillo de una canción de The Smiths, “Panic”, me recuerda al éxito que tuvo la canción “Heaven is a place on earth” de San Junipero. Pero entrando al episodio en sí, que me gustó, cuenta la historia de Frank y Amy, una pareja que se conoce en un programa de citas que tiene la particularidad que pone fecha de caducidad a las relaciones de acuerdo a los datos que acumula el sistema sobre cada persona, hasta que cada uno encuentre a su persona ideal, basados en porcentaje y estadísticas. En su primer encuentro, a Frank y Amy le dan unas pocas horas, pero tiene una química instantánea, lo que los hace poco a poco plantearse la lógica del sistema. Me gusta porque el argumento está bien tratado y llevado, y en su argumento hace analogía a esos apps de relaciones y citas actuales como Tinder, Badoo, etc. Y como siempre, se extrapola la realidad y se exagera un poco, mientras realizamos varias reflexiones sobre la tecnología, sobre las relaciones, sobre el amor, sobre el sexo, el matrimonio, la pareja, la sociedad y las dinámicas sociales. Y en su arco final, mantiene el interés, y nos tiene una pequeña sorpresa reservada al final, que apela a una teoría de la “realidad simulada”, además de ofrecer un marco completamente distinto a todo lo que acabamos de ver. Me gustó mucho por todos esos aspectos, y porque pasa casi lo mismo como en San Junipero, en historias más humanas con el mismo trasfondo y esencia de la serie, que nos deja preguntas en el aire, y nos lleva a plantear nuestra propia realidad.

Reseña de la 4ta temporada:
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Mirror: Cocodrilo (TV)
Black Mirror: Cocodrilo (TV) (2017)
  • 6,1
    9.735
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), John Hillcoat
  • Andrea Riseborough, Andrew Gower, Kiran Sonia Sawar, Anthony Welsh, ...
4
Flojo y repetitivo
Llegamos a uno de los que menos me ha gustado. Y en este momento, al ver el tercer episodio, estaba muy decepcionado, de que ninguno de los tres primeros me hubiese gustado mucho. Con Cocodrilo llegamos a un punto muy bajo, nos cuenta una premisa que ya la serie ha tratado como unas 2 o 3 veces antes en otras temporadas, en donde los recuerdos personales no son privados sino que se puedes proyectar y tener acceso por medio de algún artefacto por otra persona. Cocodrilo me ha parecido el peor, porque además de ser flojo en su tratamiento, no tiene lo que tenían al menos los otros dos, que eran planteamientos interesantes y ligeramente distintos. Sino que cogieron una idea vieja y le añadieron muchos más homicidios. Si he de destacar algo, es la actuación de Andrea Riseborough. Nada más.

Reseña de la 4ta temporada:
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Black Mirror: Arkangel (TV)
Black Mirror: Arkangel (TV) (2017)
  • 6,4
    10.768
  • Reino Unido Charlie Brooker (Creator), Jodie Foster
  • Rosemarie Dewitt, Brenna Harding, Owen Teague, Angela Vint, ...
6
Omnipresente
Arkangel es otro ejemplo de una historia con concepto interesante que termina en una historia fallida. Una madre obsesionada por proteger a su pequeña hija se inscribe en el programa Arkangel, para insertar un chip en la cabeza de su hija para monitorearla e incluso poder censurar su visión. La niña crece y la mamá sigue con ese control. Entonces nos encontramos con el drama de la adolescencia, la sobreprotección, planteado de forma interesante, pero a medida que se acerca a su final la trama de acelera, pierde fuerza, y lo peor, es predecible. Termina en otra buena intención.

Reseña de la 4ta temporada:
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil