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Críticas de Luisito
Críticas ordenadas por:
Samurai Banners
Samurai Banners (1969)
  • 6,8
    51
  • Japón Hiroshi Inagaki
  • Toshirô Mifune, Yoshiko Sakuma, Kinnosuke Nakamura, Yûjirô Ishihara, ...
8
Inagaki y Mifune
Se hablará siempre de la productiva relación entre Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, pero quienes rasquen un poco en la cinematografía japonesa observarán que muchas de las películas de Hiroshi Inagaki (y la mayoría muy buenas) también están protagonizadas por Mifune que, dicho sea de paso y para empezar a hablar de "Samurai Banners", demuestra ser aquí una vez más un coloso de la interpretación. Estamos en el Japón feudal y vamos a ser testigos de la expansión territorial de uno de los clanes durante más de dos décadas, siempre bajo el mando del señor feudal de turno pero gracias al liderazgo militar y a la personalidad del personaje que interpreta Mifune, que es además el hilo narrador de la historia y alrededor de quien tiene lugar los hechos más importantes.

Cine épico entonces, con sus más de dos horas no tiene nada que envidiar a los grandes títulos de Kurosawa tipo "Kagemusha" o "Ran". De hecho, la impresión transcurrida la primera hora es que no vamos a ver el espectáculo y colorido de ese tipo de cine, con grandes batallas en espacios abiertos. Pasada esa primera hora en la que el interés se centra en saber valorar las estrategias de salón, asistimos a verdaderas orquestas corales de acción bélica de tal manera que queda demostrado que Inagaki posee la misma destreza para rodar en interiores que en exteriores.

Sabemos a lo que aspira Mifune, sus sueños a las órdenes de su Señor, sabemos que es fiel y que no le teme a la muerte y por supuesto, a través de sus actos, descubrimos cómo funciona el sistema de pensamiento de un samurái y por extensión algo de la ética japonesa. Todo cabe en "Samurai Banners", una película imprescindible para aquellos que aprecian este tipo de cine. Inagaki ya llevaba unos cuantos títulos a sus espaldas, no tantos como Mifune desde luego, pero en todo caso de la unión del talento de ambos el resultado es una película muy especial.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Accattone
Accattone (1961)
  • 7,7
    2.511
  • Italia Pier Paolo Pasolini
  • Franco Citti, Silvana Corsini, Franca Pasut, Paola Guidi, ...
7
Pier Paolo da su primer golpe
Si una vez finiquitado "Accattone", y sin consultar su filmografía, sin saberlo, me aseguran que es su opera prima, seguramente no me lo creería. Es cierto que no es perfecta, pero no sé cuántos directores han sido capaces de firmar su primera película con la determinación que intuimos en Pasolini. Estamos obligados a etiquetar "Accattone" como neorrealista porque lo es de la cabeza a los pies, porque estamos en los suburbios de Roma y a nuestro alrededor sólo hay marginados que intentan sobrevivir rodeados de pobreza. Los años cincuenta han pasado, pero que nadie diga que lo que vemos no es consecuencia aún de la desolación de una guerra.

No es fácil abstraerse y no pensar que Pasolini fue más que un director de cine, que era un pensador, poeta, una figura de la vanguardia cultural y que murió asesinado todavía hoy sin saber cómo ni por qué. Todos subrayan que era comunista y que reconocerlo y defenderlo era peligroso. Mientras veía "Accattone" pensaba más que lo que veía lo había filmado alguien que defendía los ideales del Marxismo que no en otra cosa. Ni por asomo pensaba que era su primera película.

Supongo que todavía hoy el comunista vive de la energía que le da luchar contra el opresor, contra su contrario. En una situación de extrema pobreza como la que vive nuestro protagonista ni siquiera lucha contra nadie, se adapta fatalmente para no trabajar y es capaz de robarle una cadena a su propio hijo de unos pocos años. Siempre echaré en falta que la mala leche del neorrealismo por ofrecer historias duras no lo canalice en nada más, qué se yo, ofrecer una solución, una salida, algo de esperanza. La diferencia, lo que hace especial a "Accattone" es que su protagonista es un parásito que sólo se queja si tiene el estómago vacío. Es capaz de lo peor.

Lo de Pier Paolo es para estudiarlo, ofrece al espectador una muerte existencial en un sueño pero se queda igual que el resto, lejos de escapar de la descripción de una historia triste ya vista de otras maneras otras veces. Pero insisto, menuda opera prima....
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Matinee
Matinee (1993)
  • 5,9
    1.463
  • Estados Unidos Joe Dante
  • John Goodman, Cathy Moriarty, Simon Fenton, Omri Katz, ...
6
Homenajes que el cine siempre necesita
Diferente de otras películas que celebran la existencia del cine, "Matinee" pasó inadvertida en su momento y es muy buena idea rescatarla de ese olvido en el que permanece. Lejos de fijar la mirada hacia el cine con la habitual nostalgia, aquí asistimos a una gran fiesta en la que triunfa el buen humor y la comedia de buen gusto. Unos chavales crecen con su adolescencia a rastras mientras se mezclan los hechos que suceden en la vida real (tensión por la Guerra Fría) con el interés por la llegada del nuevo título de ciencia ficción que se estrena en el teatro.

No es fácil rendir homenajes así, con la clara intención de alejarse de la lágrima por el tiempo pasado, y salir airoso. "Matinee" triunfa en un subgénero que parece agenciado al drama melancólico. ¿Qué sucede si creamos un único monstruo mezclando una hormiga con un ser humano?; fácil, una hombriga!!! (Mant en inglés): y es tan cierto como cutre, porque era así, ese cine hecho con cuatro duros y escasos recursos se hacía tal cual. Ahora no es difícil encontrar esas películas de serie B para comprobar que posiblemente eran tan malas que hoy nos pueden dar ganas de llorar. Pero mucho cine de antes era así, ciencia ficción hecha a base de argumentos delirantes y sin esperanzas de alcanzar la gloria y la fama.

El cine necesita homenajearse y los cinéfilos deberíamos celebrarlo de forma más sonora cuando se hace bien como en esta película de Joe Dante. Hay mucha ternura, desde luego, pero desde el humor y la sonrisa.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Kicking and Screaming
Kicking and Screaming (1995)
  • 6,2
    363
  • Estados Unidos Noah Baumbach
  • Eric Stoltz, Josh Hamilton, Catherine Kellner, Olivia d'Abo, ...
3
Gente que aburre
Te rodeas de gente aburrida sin ser como ellos hasta que un buen día, sumergido en la perpetua ignorancia, te conviertes en uno de ellos. Las cosas van mal si es divertido preguntar quién se ha masturbado hoy, hay que levantar la mano admitiendo ese cinco contra uno para seguir hablando de cosas aburridas con apenas veinte años. La película es un buen ejemplo de chavales aburridos de clase media estadounidense que han superado sus estudios universitarios y siguen siendo amigos, tal vez condenados a serlo como se intuye en una de sus últimas conversaciones, anclados a sus propias costumbres y de verdad, de verlos juntos en la vida real, para salir corriendo.

No todas las películas de universitarios tienen que basarse en el tipo de cine derivado de las juergas, las fraternidades y las tías buenas. Pero esto es otro extremo, son chavales que recién han roto el cascarón y apenas tienen sangre en las venas. Una fiesta toga es mejor que un club de lectura y siempre, siempre, cualquier concurso de beber alcohol será más humano que pretender escribir una novela con veintipocos.

Supongo que el que firma la película, Noah Baumbach, quiso autoreferenciarse en cada uno de los numerosos personajes que aparecen ante la pantalla, dándose el homenaje que todos mereceríamos si fuéramos cineastas. No se trata sólo de que esté bien hecha o no, esto va de divertir o ser interesante, de ambas cosas o de ninguna. A mí, las conversaciones de estos medio hombres me parecen irreales por su tedio.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Solo contra todos
Solo contra todos (1998)
  • 7,2
    3.164
  • Francia Gaspar Noé
  • Philippe Nahon, Blandine Lenoir, Frankie Pain, Martine Audrain, ...
7
El asco bien filmado
El desgraciado protagonista de esta película lo tiene todo. Si algún día me encontrara por mi barrio a Gaspar Noé le haría algunas preguntas, pero principalmente le felicitaría por haber sido valiente al retratar tan bien la vida de un personaje tan desquiciado usando al límite todos los recursos a su alcance. Ese carnicero no tiene perdón, la descripción de su sistema de pensamiento a través de esa excelente voz en off nos muestra a alguien alienado, egoísta, racista, homófobo, violento y evidentemente psicótico. Es un perdedor que se ha vuelto tóxico, lo tiene todo. ¿Alguien más se había atrevido con algo así?; el espectador va a sentir incomodidad permanente, asco, repulsión y por supuesto, tal es mi caso, que se haga justicia (un concepto que junto con el de moral casualmente se usa desde el principio y durante toda la película) y alguien le pegue un bofetón tras otro. Estamos a punto de ver que lo ajustician vía escopeta pero no tenemos esa suerte...

No hay nada que lo pueda sacar de esa espiral maligna que pervierte el concepto de moral hasta que aparece físicamente su hija, que tanto se menciona, en forma de posible salvavidas. O eso creíamos. Cuando en esos carteles se anuncia que el espectador tiene una cantidad de segundos para abandonar la proyección porque lo que va a venir puede ser duro he comprendido que Gaspar Noé va más allá de la provocación y que, efectivamente, nadie ha hecho nada parecido. Bravo entonces, aunque nos haya jodido. El trabajo bien hecho ahí queda; habrá directores especializados en hacer reír, los hay que filman a la perfección secuencias de acción. Gaspar Noé es bueno provocando malestar.

Me ha hecho gracia que el encargado de una tienda en la que podría haber trabajado le pidiera sonreír a la clientela. ¿Sonreír?; y ahí va una de las claves de que algo así funcione, más allá de la voz en off y las palabras, la cara que pone el actor protagonista constantemente, de perro rabioso, es un diez.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los amantes
Los amantes (1958)
  • 7,0
    1.319
  • Francia Louis Malle
  • Jeanne Moreau, Alain Cuny, Jean-Marc Bory, Judith Magre, ...
6
Con una última media hora excepcional
Para lo mejor y para lo peor, Louis Malle. En mi opinión, toda la sustancia que le falta a la primera hora de película queda condensada afortunadamente en el tramo final. Cuando todo parecía abocado a acabar siendo un ejercicio descriptivo de la vida de la clase acomodada, cuando todo parecía fútil y aburrido, un golpe de timón inesperado consigue llevarnos a buen puerto. Parece como si hubiéramos perdido el tiempo, o peor, como si para obtener la recompensa final tuviéramos que pagar un peaje, con lo desagradable que siempre suele ser eso.

¿Vale la pena el castigo de esa plomiza primera hora de película?; mi respuesta es contundente, mi respuesta es sí. Nos va a tocar sufrir la frivolidad de una amiga exageradamente superficial, un marido desquiciado y un playboy ridículo que se autointerpreta. No parecía que hubiera salida entrando en un callejón así, apenas la fotografía entrañable de la Francia rural de la época me ha parecido destacable. Es por ese panorama que toparse con un encuentro tan casual y decisivo en la noche menos inesperada cobra mayor valor, por eso encuentro más justificación a las notas elevadas. Llegar al final y disfrutar de la poesía que desprende ese claro de luna es un premio que cualquier cinéfilo se merece, es un regalo para los ojos, filmado con tanta delicadeza que sólo es posible rendirse para disfrutar. Es el amor puesto en imágenes, la rendición total, digno de muy pocos.

Louis Malle era alguien (capaz de lo peor también, como todo genio) que cuando se desataba podía transmitir más en unas pocas imágenes que la mayoría en toda su carrera. Lo que vemos en ojos de Jeanne Moreau en el tramo final, sus palabras, sus movimientos... Cine de muchos quilates.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Yellow Sea
The Yellow Sea (2010)
  • 6,7
    5.007
  • Corea del Sur Na Hong-jin
  • Ha Jung-woo, Kim Yoon-seok, Jo Seong-ha, Lee Cheol-min, ...
3
No lo pillo
Las cosas se pueden hacer mucho mejor. A estas alturas me considero un buen aficionado al cine oriental y dada mi experiencia no dudo al afirmar que por norma general hay más probabilidad de encontrar más satisfacción cinéfila en películas que se han realizado en oriente. Aunque en algunos casos sea cine semejante al de Hollywood ellos siempre hacen su propio camino. Sin embargo aquí, desde luego, hay poca complacencia, y por mucho interés que se le ponga es muy fácil acabar disgustado porque para empezar, a la media hora, lo más normal es ya haberse perdido tanto como para no estar seguro de dónde vienen los tiros, navajazos, hachazos o cualquiera que sea el instrumento que se use para usar la violencia.

No se trata de que sea inverosímil, eso ya nos da igual a los críticos, se trata de que "Yellow sea" podría y debería estar mejor hecha, mejor contada y no depender de las escenas de acción que además, esto es muy personal, no aportan nada nuevo e incluso me atrevo a poner en duda su calidad. Hoy en día parece que el recurso lamentable del temblor de cámara sea un imperativo estilístico sin el cual no vas por el camino correcto. En esta película la cámara tiembla incluso cuando la escena de acción que sea finaliza, tenemos un plano que debería ser sosegado del protagonista y el temblor no cesa. Exactamente eso es a lo que yo llamaría no ir por el camino correcto.

Una lástima, dos horas de las cuales al menos la segunda mitad en mi caso la pereza me ha invadido totalmente. Mi interés por retomar el hilo ha desaparecido y ya me daba igual si estaban en China o en una de las dos Coreas. Incluso el invulnerable protagonista ha perdido toda su gracia para mí. No lo pillo, no, no entiendo quiénes se meten de leches, por qué lo hacen, dónde están y lo que es peor, ha pasado una semana desde que la vi y no sabría decir de qué va salvo que hay un fulano que está desesperado y él sí pilla por todos lados. Eso sí, parece que ni le hace falta descansar, ni comer, ni beber. Casi inmortal.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El pecado de Cluny Brown
El pecado de Cluny Brown (1946)
  • 7,6
    1.521
  • Estados Unidos Ernst Lubitsch
  • Charles Boyer, Jennifer Jones, Peter Lawford, Helen Walker, ...
6
Mucho me temo que no es el mejor Lubitsch
Los primeros diez minutos de película son la mejor muestra del talento que fue capaz de desarrollar el maestro Lubitsch. Durante ese casual encuentro entre Boyer y Jones quedan presentados dos protagonistas que están condenados a llevarse bien, se trata de una coincidencia feliz en la que el humor flota en el aire, humor inteligente desde luego, aquí no hay lugar para volteretas, persecuciones y exhibiciones de saltimbanquis. Pero vaya, precisamente pasados esos diez minutos, siempre bajo mi punto de vista, la historia flojea y la propia sombra del propio maestro le hace un flaco favor. A la hora de valorar una película así, malditas estrellitas de FA, es imposible hacerlo a la misma altura de otras.

No es que aburra, no es que no sea elocuente, no es que no sea inteligente. Lo es como en otras ocasiones, pero a mí no me ha gustado tanto. Incluso es tan crítico con la estupidez de las clases sociales británicas que eso la hace especial. Pero se queda lejos de otras ocasiones. Es una película meritoria que recomendaría a cualquiera que quiera conocer algo sobre el director. Pero no es la mejor.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Love & Honor
Love & Honor (2006)
  • 7,3
    1.427
  • Japón Yôji Yamada
  • Takuya Kimura, Rei Dan, Takashi Sasano, Nenji Kobayashi, ...
8
Mucho amor y mucho honor
Es una verdadera suerte que occidente esté tan alejado culturalmente de oriente. No tengo ninguna duda que ellos tienen más capacidad de fascinarnos a nosotros que al revés y, al menos en lo que nos interesa aquí que es el cine, y en concreto "Love and honor" de Yoji Yamada, tampoco hay duda que se trata de un cautivador ejemplo. La historia se presenta simple e incluso previsible, pero allí donde alguno puede tener mala vista y ver atrezzo y superficialidad yo veo poesía y por supuesto, una muestra de ética japonesa que merece toda nuestra atención.

No es fácil ofrecer tan claramente el camino correcto en imágenes, a través de una historia que merezca la pena. Como en todos los sitios, dentro del cine japonés hay cosas buenas y cosas malas. Aquí hay calidad, esto es cine bueno. La principal razón es que queda bien subrayado ese código correcto que todo japonés, en parte aferrados de forma lamentable a las castas, acepta desde que tiene consciencia y lleva hasta el límite el sometimiento a esa ética que a nosotros nos parecerá tan extraña.

"Love and honor" presenta algunas variables de ese código en los tres personajes principales: el protagonista, su mujer y el sirviente. No le quito importancia a ninguno, los tres presentan conductas fascinantes aunque, por supuesto, nuestro protagonista es quien más atención se lleva. No es fácil de olvidar sentencias tan sugerentes como las que se repiten antes de enfrentarse a su rival para reponer su honor. Y de qué manera. Pero lo que más me convence es que tras una actitud así podría derivarse un resultado solemne, un final hermético. Pues no, porque también hay amor, de manera que finalmente me rindo y declaro que esta película demuestra una originalidad notable.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tres hermanos
Tres hermanos (1981)
  • 6,5
    191
  • Italia Francesco Rosi
  • Philippe Noiret, Michele Placido, Vittorio Mezzogiorno, Andrea Ferréol, ...
5
También puede aburrirte un rato
Si no está considerada una de las mejores películas italianas, ni siquiera de las mejores de su director, es por algo. ¿Pasable?; sí, pero poco más. Como cine político desde luego se queda bastante lejos de lo que exigiría un buen seguidor del subgénero. En este sentido le falta caña, le falta la típica metralleta de diálogos profundos y por supuesto, existe una ausencia de mensaje y una total indefinición del posicionamiento del director. De los tres hermanos podríamos descartar a uno, que apenas interviene, mientras que los dos que chocan, cuando lo hacen, el resultado que se obtiene es bien poca cosa. Diría que se desaprovecha claramente la oportunidad de enfrentar dos visiones opuestas de la sociedad que, aunque sea la Italia de los ochenta, bien puede interesar a cualquiera.

Pues no, ese enfrentamiento es más bien frugal, son tres hermanos distintos y no saltan chispas, es más bien la vida aburrida de unos italianos que viajan al sur del que emigraron para reencontrarse con un padre que, eso sí, clava la interpretación de ser humano machacado por la tristeza y el dolor. Las semejanzas con una España meridional anclada en la religión ahí queda, en mi opinión hay mucho parecido entre el norte de una península y otra. Pero jugar a establecer analogías entre los dos países es apretar demasiado para tratar de encontrar el interés de una película que creo que aburriría a la mayoría.
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Carta de amor de un asesino
Carta de amor de un asesino (1972)
  • 5,8
    363
  • España Francisco Regueiro
  • Rosa María Mateo, José Luis López Vázquez, Marisa Porcel, José Calvo, ...
4
Serena Vergano es la protagonista
[Algo tenía que decir sobre la posición número ocho de la protagonista en la lista de actores que intervienen en esta película. Seguramente no es el sitio, pero me arriesgo porque seré breve y es importante: la verdadera protagonista de "Carta de amor de un asesino" es la italiana Vergano, que aparece de cabo a rabo, cuestión que no puede pasar por alto si tenemos en cuenta el equívoco de encontrar a Rosa María Mateo en primer lugar... Al acabar la película duele los ojos ver que la protagonista está ninguneada así en la ficha]

"Carta de amor de un asesino" es raruna, viejuna y muy especial. Uno mira el cine que se hacía en España en 1972 y da miedo pensar que alguien se atreviera a hacer algo tan diferente. La película es mala si somos exagerados y muy críticos y muy buena si somos muy exagerados y clementes. Los diálogos son una risa, creo que pretenden ser trascendentes en cada momento y se quedan lejos de tener el peso que creo que pretende darles Regueiro. La protagonista italiana lo intenta y no lo hace mal, no es culpa suya, como tampoco el director, que en mi opinión se queda lejos de lo que pretende y hay momentos en los que no se entiende nada de lo que vemos. Y de la carta de amor mejor no hablar, la voz en off de López Vázquez parecerá un regalo para algunos, yo más bien pienso que la idea es buena pero el resultado es fallido, como toda la película realmente.

Una lástima porque la idea (o lo que me parece a mí la idea) no es mala, pero carece de una explicación exacta y naufraga en escenas a medio camino entre lo onírico y lo surrealista. Muchas situaciones no sabemos si son pensamientos o si son reales, seguramente porque es más importante lo que se sugiere. Aunque parezca grotesco, como me soplan por la oreja, se hace raro que no haya ni rastro de la Guardia Civil. Seguramente si fuera francesa, sería una película de culto con todas las letras.
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Recuerdos del ayer
Recuerdos del ayer (1991)
  • 7,2
    2.217
  • Japón Isao Takahata
  • Animation
7
Me rindo ante algo tan bonito
Volver para atrás y mirar nuestra infancia es a menudo la mejor manera de dejar de lado los problemas cotidianos, viajar al pasado, al colegio tal vez, aquel lugar en el que la felicidad nos invadía sin saberlo. Me rindo, ante una película que es capaz de ofrecer en imágenes un proceso tan habitual y cotidiano en el ser humano como es recordar pero que a la vez es tan complicado de transmitir. No hay nada más bonito y a la vez, creo que debido a que es algo tan personal e íntimo, puede que sea una de las cosas más complicadas sobre las que escribir, hablar o en este caso filmar. Nos pasamos la vida recordando, pero hacerlo ver... no creo que haya muchas cosas más complicadas.

Precisamente por esa dualidad, su incuestionable poesía siendo un proceso tan complejo, la película brilla por la facilidad con la que fluye. Tomando a una mujer adulta en apariencia hecha y derecha nos trasladamos a su infancia con una normalidad precisa y preciosa. Ella aparenta ser alguien con las cosas muy claras hasta que llegamos al tramo final de la película en el que como colofón se nos insinúa un futuro sentimental que empieza precisamente cuando acaba la película. Para entonces ya tenemos clara la bondad de todos, conocemos la vida en el campo, lo que significa la naturaleza... y gracias a los recuerdos muchas más cosas que harán que aparezca una sonrisa incluso para los que no somos muy seguidores del género. Yo me he tenido que rendir...

Y sí, es lenta, no aparecen fantasmas, animales del bosque que hablan y se transforman, no hay acción y sigue siendo de la misma productora japonesa... Y es buena...
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Deuda de honor
Deuda de honor (2014)
  • 6,3
    4.765
  • Estados Unidos Tommy Lee Jones
  • Hilary Swank, Tommy Lee Jones, Grace Gummer, Miranda Otto, ...
7
Esa mujer merecía más respeto
Un western realizado en el actual siglo es un buen regalo. Vaya, me estoy repitiendo, tal vez como si no fuera el primero que veo hoy. En todo caso, "Deuda de honor" es un regalo para aquellos que sean seguidores del género, porque aunque estemos acostumbrados a otra textura, a otro estilo, lo que aquí vemos en parte podría haberse rodado hace muchas décadas en plena época dorada del western.

Hasta que aparece Tommy Lee Jones, en un papel hecho a su medida, que para eso dirige, la película no parece que trate demasiado bien a la protagonista. Pues vaya, tras la contratación eventual del sinvergüenza en cuestión, la cosa no mejora demasiado. La dureza del territorio que pisan, la dureza del trabajo que tienen que realizar, la dureza del clima, de las condiciones del viaje y finalmente la dureza del trato que recibe constantemente nuestra protagonista: definitivamente ella merecía mejores cosas, mejor vida.

De algo así cualquier espectador defendería su posición exigiendo gotas de humor, algo de dignidad humana, de esperanza. Y no, lo que tenemos ante nosotros es una bofetada de realismo que no a todos tiene por qué gustar. En pleno S.XIX la mortalidad infantil estaba por las nubes, las hambrunas a la vuelta de la esquina, la violencia debía ser la primera moneda de uso en cualquier conflicto y los tentáculos de la religión eran tan largos hasta alcanzar lugares tan inhóspitos en aquella época como Nebraska o las Dakotas. Y por seguir con la lista de crueldades, cualquier árbol era bueno para practicar el suicidio.

Dicho esto me planto, no sin citar a un buen amigo que señala que la última escena la podría haber filmado Eastwood perfectamente, con un Lee Jones desatado, pegando tiros, cantando, bailando y seguramente convencido que esa mujer merecía más respeto, mejores cosas. Cualquier cosa menos ser llamada fea, tan fea como un cubo de hojalata. Qué triste...
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Comanchería
Comanchería (2016)
  • 7,1
    23.793
  • Estados Unidos David Mackenzie
  • Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, ...
8
Hipoteca inversa y western
Proponer un western bien entrados en el actual siglo es, para empezar, un regalo insólito. Se atreven muy pocos a hacerlo, muchos menos si además sucede como aquí en "Comanchería" cuyo contexto es el presente actual, lejos, muy lejos de lo habitual en el género clásico. Estamos en Texas, eso sí, pero rodeados de campos de petróleo y de pobreza. Como bien apunta un personaje que aparece por la pantalla, lo que nosotros robamos a los indios ahora nos lo roban los bancos. Los numerosos guiños al género seguramente es la mejor idea que se pudo tener para redondear la historia: siglo actual, sí, pero no pueden faltar indios, tragos de Whisky, vaqueros, tiroteos y por supuesto, un sheriff con personalidad.

Para mí, la decisión de hacer un western en plena crisis económica actual es un acierto mayúsculo y el resultado es puro espectáculo. Las hipotecas inversas, por ejemplo, un producto poco habitual en algunos países europeos, es un recurso irrechazable para asegurar una vida digna a aquellos llegan a la recta final de su existencia de forma precaria. Pero los bancos, ya se sabe, siempre ganan, los descendientes de quienes firmaron en este caso o se quedan sin herencia o en el caso de reclamarla es con unos intereses abusivos. No se profundiza mucho en este concepto en la película porque no hace falta, lo que nos interesa es que el heredero tiene que afrontar un pago en un límite determinado y zas!!! ya tenemos la mecha encendida.

Lo que sigue es mediocridad por muchas partes, violencia, amor de hermanos, la conocida hipocresía en la política bancaria y un final con las cartas encima de la mesa que sirve de excelente remate. Película redonda, con buenas dosis de locura debido a la desesperación y una gran crítica a la voracidad capitalista que en última instancia produce una desolación social de la que nadie escapa.
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The Man from the Future
The Man from the Future (2011)
  • 5,5
    158
  • Brasil Cláudio Torres
  • Wagner Moura, Aline Moraes, Maria Luísa Mendonça, Fernando Ceylão, ...
7
Ciencia ficción brasileña con mucho encanto
Si el espectador se enfrenta a la lógica de cualquier película de ciencia ficción usando el bisturí crítico de la razón pura, todo es perder. Hay que pasar por alto sí o sí ciertas cosas que de otra manera pueden impedir que veamos la misma película con los mismos ojos que si se tratara de otro género. Personalmente me quejo de esas quejas, porque si partimos de la base que los viajes en el tiempo son posibles todo es más sencillo, aquí y en la de Michael J. Fox. Una vez con el semáforo en verde ya dependerá del uso que se le dé a la imaginación, en mi opinión más importante que los efectos especiales y el virtuosismo detrás de la cámara. Lo importante es, sin duda, la mente (o mentes) que crean la historia o el guión.

Esta reflexión inicial es clave para entender por qué en a juicio "O Homem do Futuro" es más buena de lo que parece según las votaciones aquí dadas e incluso mejor que la votación que le doy yo mismo como usuario de FA. Es buena porque es una ida y venida en el tiempo con la base de la comedia, con una fiesta de disfraces memorable, es buena por la genial interpretación de Wagner Moura y sobre todo porque detrás de este largometraje se nota que hay un equipo de seres humanos que han usado sus neuronas diría que 'n' veces más que los que andan detrás de cualquier producción estadounidense con 'n' veces más presupuesto.

¿Esto es serie B brasileña?: ni idea, no puedo afirmar algo así porque desconozco el nivel presupuestario del cine brasileño y no puedo comparar (aunque me creería más al que me dijera que esto no es serie B brasileña), lo que tengo claro es que la historia que se plantea está sembrada en detalles que uno no puede dejar pasar por alto, se trata de una película que crece poco a poco en complejidad y, por lo tanto, eso es algo que a cierto público no gustará. Vale la pena buscarla, vale la pena 'n' veces más que "Elysium" por decir algo, aunque mucho me temo que a parte del público brasileño a pocos más les interesará. De hecho, encontrar una película así no es fácil. No importa, es buen cine, y arrancará seguro más de una sonrisa a quien la aprecie justamente.
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¿Dónde están los sueños de mi juventud?
¿Dónde están los sueños de mi juventud? (1932)
  • 6,9
    84
  • Japón Yasujirō Ozu
  • Ureo Egawa, Kinuyo Tanaka, Tatsuo Saito, Haruo Takeda, ...
6
El Ozu joven (28 años) que movía la cámara
No es la mejor película del gran maestro Yasujiro, de hecho creo que cualquiera que conozca un poco su filmografía jamás recomendaría ninguna película de su etapa muda. No es que no tenga interés, pero está claro que Ozu destaca por sus historias contadas con sonido, con la cámara inmóvil y por supuesto, en relación a la realización de esta película, bastantes más años tras la finalización de la IIªGM.

Aquí, en "¿Dónde están los sueños de mi juventud?", Ozu mueve la cámara más en la primera media hora que en toda su posterior carrera como cineasta. Es un supuesto, no es una realidad que pueda sostener con datos y hechos, pero no creo que esté lejos de la verdad. La reflexión cinéfila inmediata ha de responder a la pregunta: ¿qué habría sido de Ozu si además de añadirle sonido hubiera seguido moviendo la cámara?; porque la realidad es otra, ya lo sabemos, aquí tenemos a un jovenzuelo que no llega a la treintena y que demuestra grandes dotes para dirigir. Seguramente ni él mismo sabía que acabaría de perfilar su propio estilo con el paso de los años convirtiéndose en uno de los más grandes y renombrados de la historia del Cine japonés. Ahí queda la reflexión, sólo apta para quienes han visto la mayor parte de su filmografía sonora.

"¿Dónde están los sueños de mi juventud?" cuenta con una historia de amistad ejemplar, Ozu pone a sus protagonistas ante dilemas de moral de difícil solución. El amor se cruza con la verdadera amistad y uno de los amigos acaba recibiendo una cantidad de bofetadas que hay que verlo para creérselo, bofetadas que sanan y que parece que son excesivas, bofetadas necesarias ante un error grave, porque lo que uno hace por un amigo, ética japonesa por delante, es equiparable al sentido del deber con la familia. Renunciar al amor por un trabajo está mal, ahí lo dejo.

Lo importante, con lo que me quedo, es que gracias al amor por el cine uno es capaz de ver una película muda de Yasujiro Ozu, realizada hace 85 años, y sentirse feliz por la coherencia que ello implica.
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La llegada
La llegada (2016)
  • 7,3
    54.799
  • Estados Unidos Denis Villeneuve
  • Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, ...
6
La soledad de la ciencia ficción
Según qué películas es mejor saltarse la crítica 'sin spoilers' y pasar a la zona oculta en la que se desvelan partes importantes de la trama. "La llegada" se lo juega todo en el desenlace de un aspecto crucial que se planea en el inicio y que lógicamente no se desvela al final: la situación es la que es, aparecen unos extraterrestres y hay que desvelar los motivos de su llegada. La película, sí o sí, será más o menos buena en función de esa respuesta...
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Asalto a la comisaría del distrito 13
Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976)
  • 6,9
    6.296
  • Estados Unidos John Carpenter
  • Austin Stoker, Darwin Joston, Laurie Zimmer, Martin West, ...
6
Buena cosecha la de 1976
Carpenter saca la escopeta, mezcla negros con blancos, pone la música que le da la gana, una buena dosis de violencia y que brote todo lo que sea necesario el líquido rojo. Por lo visto, la receta funciona incluso más de cuarenta años después. Si alguien se acerca a verla tanto tiempo después notará muchas, demasiadas diferencias respecto al cine actual. Esta serie B de Carpenter es tan bruta que en muchas ocasiones existe una desconexión exagerada entre una escena y otra. Por poner sólo un ejemplo sin que sea spoiler de tarjeta roja, los asaltantes de esa comisaría en principio caben un coche y al poco, sin explicación alguna, llenarían varios autobuses.

A Carpenter no le hacen falta demasiados trucos, la brutalidad con la que da picotazos le sirve para clavar al espectador a la pantalla. Habrá quien encuentre más satisfacción que otros, siempre habrá discrepancias sobre los gustos, pero lo que es incuestionable es que en "Asalto a la comisaría del distrito 13" tiene un estilo propio. Esos picotazos de violencia, muertes inesperadas y asombrosos diálogos, destacan por encima de una incoherencia innecesaria en el modus operandi de los asaltantes (tal vez se trate de algo premeditado por el director y no una chapuza, cosas que se ven en una película que alguien como yo no entiende y posiblemente su intencionalidad sea necesaria por algo que se me escapa): en todo caso, sabemos más de los atacados que de los atacantes y sobre todo, lo más importante, de ese enfrentamiento aparece una película singular. Para la mayoría es mejor que para mí.
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Elysium
Elysium (2013)
  • 5,7
    44.111
  • Estados Unidos Neill Blomkamp
  • Matt Damon, Jodie Foster, Sharlto Copley, Alice Braga, ...
3
Qué pereza de cine...
La introducción inicial de la película es el primer síntoma de lo que nos vamos a encontrar en los siguientes minutos: ¿es necesario, salvo para quienes les guste que le mastiquen la comida, explicar que la sociedad está dividida en unos pocos privilegiados que viven en una fastuosa nave espacial que orbita alrededor de la Tierra y la inmensa mayoría que malvive en un densamente poblado planeta?; no me creo que sea necesario señalar con el dedo a la Luna para hacer ver que está allí arriba, ya la vemos... Pues no, aquí, como en casi todo cine espectáculo orientado a quienes no necesitan darle muchas vueltas a las cosas, lo que se nos ofrece no es nada especial, es un producto para la masa media sin pretensiones así que afirmo llanamente que padece del peor mal: es estúpidamente predecible.

No me creo a Jodie Foster accediendo a rodar esta película salvo por razones económicas, porque el mensaje que tal vez existe de denuncia por los desequilibrios actuales producidos por el capitalismo más salvaje es una excusa para acabar ofreciendo un espectáculo que también nos vemos obligados a llamar cine. No creo que no puedan invertir más en buenos guionistas: lo que creo que es que no quieren porque es más importante el 3D y las escenas de acción con las últimas novedades en efectos especiales.

Todo lo que hace Matt Damon es estúpidamente predecible, estamos tan acostumbrados a la incoherencia de tantos productos comerciales que es lamentablemente predecible. Puede que alguna escena de acción sea llamativa, pero es que hasta la lucha de machos no deja de caer en la ridiculez. Para mí, pereza absoluta.
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Réquiem por un campeón
Réquiem por un campeón (1962)
  • 7,3
    451
  • Estados Unidos Ralph Nelson
  • Anthony Quinn, Jackie Gleason, Mickey Rooney, Julie Harris, ...
7
Un achuchón al campeón
Aquí tenemos un ejemplo de argumento de aquellos que sabes que van a estirar hasta el máximo para sacar toda la tristeza a un personaje caído en desgracia. ¿Funciona?; sí, rotundamente sí, antes de dar las explicaciones ya doy por confesado mi crimen, porque normalmente detesto este tipo de cine (es algo personal) al que se le ve venir de lejos. Lo digo de forma retroactiva, "de lejos" significa la primera escena, momento en el cual Quinn pierde su último combate, desde el momento en el que le dicen que está acabado y que tiene que retirarse, en el vestuario, con su manager y su ayudante, ya sabemos que vamos a ser testigos de los peores momentos en u vida. ¿Podría ser peor?; sí, sin duda también podría irle peor (caer en el alcohol, en la cárcel, y un largo etcétera), pero no creo que a nadie le sorprenda que tras ese combate empieza una película que ya sabemos de qué va.

Sin embargo la película funciona, el patetismo y la hipocresía del que están hechos el boxeo de élite de esa época sale a relucir y eso siempre es bueno. Las apuestas empujan a un ninguneo sistemático del deportista y pocos oasis Quinn puede encontrar en un mundo en el que ya no eres ni el quinto del ranking: por suerte para él en una corriente oficina de empleo encontrará el lado humano que le hace falta. Pero ni así, su apodo de "Montaña" se vuelve más patético a medida que avanzan los minutos. Y todo ello gracias a la interpretación portentosa del protagonista. Imprescindible verla en VOSE, la voz de Quinn es un drama, por su limitación verbal, por su entonación, qué sé yo, pero funciona.

Así que requiem, si es que ya hasta lo señala el título de la película. No nos engañan, el final es la cosa más lamentable que podíamos presenciar... Y trágico... y funesto.. .. y desolador... Se me acaban las palabras, porque es predecible, eso ya lo había dicho, no creo que nadie estuviera esperando un 'happy end' en el último momento... Hay que verlo para darse cuenta que la película, siendo consecuente y plana, predecible porque "se le ve venir de lejos", tiene la suerte de contar con un gigante, una montaña, llamado Antthony Quinn.
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