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Críticas de Luisito
Críticas ordenadas por:
Un mono en invierno
Un mono en invierno (1962)
  • 6,7
    73
  • Francia Henri Verneuil
  • Jean Gabin, Jean-Paul Belmondo, Suzanne Flon, Gabrielle Dorziat, ...
10
Mano a mano, dos de los más grandes
Hay dos buenas razones para ver "Un mono en invierno", sus dos protagonistas son dos de los más grandes actores franceses y no es mal punto de partida el de descubrir si va a funcionar un cara a cara tan prometedor. Jean Gabin y Belmodo coinciden en un punto de inflexión muy particular en las carreras de ambos, uno lo había hecho casi todo, aunque aún le quedaba, y el otro había empezado hacía unos años y por supuesto aún le quedaba muchísimo. Por lo visto, no van a coincidir más, y es una pena porque la química existente entre ambos es espectacular.

El título de la película puede que no sea el mejor anzuelo, incluso la explicación que da el veterano Gabin sobre esos monos que andan perdidos al principio del invierno en el lejano oriente no convence. Palabras y palabras de unos borrachos cuyos caminos se cruzan en un pueblo costero de Normandía, eso es lo que parecerá, diabluras de dos pasados de rosca, que hablan y hablan y tienen más o menos gracia según el día que los veas. Yo he encontrado fascinante su comunicación, se entienden porque ambos son capaces de viajar a través del alcohol, que les hace daño en parte pero que también usan como vehículo imprescindible para llegar a esos lugares que de otra manera serían inaccesibles. Para recordar el Yag Tse o la plaza de toros de Madrid, no importa, ellos saben lo que significa beber y recordar, recordar y volver a vivir. Y se encuentran y se entienden. Y yo los entiendo y los envidio porque compañeros así hay muy pocos.

Podría no tener gracia y volverse un drama, pero Henri Verneuil, que para el que escribe es uno de los grandes también, opta por la diversión y el buen humor, por desdramatizar y volvernos locos con las locuras de Belmondo cuando está solo. ¿Y cuando por fin se unen los dos en una noche que nadie olvidará? Desdramatizar el alcohol también, de otra manera el pueblo no hubiera disfrutado de una noche como aquella, con unos fuegos artificiales que sólo unos locos se hubieran atrevido a encender.

Así que perfecta de principio a fin, con una presentación maravillosa en plena guerra que nos pone en contexto y un desarrollo tras la llegada de Belmondo a ese pueblo que acaba en puro lujo. No será para la crítica la mejor película francesa de su historia, ni se encontrará en el top 50 o top 100... me da igual, para mí sí es una de las mejores.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La gata sobre el tejado de zinc
La gata sobre el tejado de zinc (1958)
  • 8,0
    19.476
  • Estados Unidos Richard Brooks
  • Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, ...
4
La familia de los histéricos
De todo lo que he leído sobre esta película lo que me ha parecido más interesante es el análisis de la familia protagonista a través de los pisos de su mansión, empezando con lo superficial y falso en el primer piso, la codicia y hasta la violencia en la planta principal y finalmente el sótano, donde aflora la verdad y los sentimientos más importantes para la historia. Abundan más las valoraciones de "La gata sobre el tejado de zinc" haciendo alusión a la belleza de Paul Newman y de la gata Taylor, pero no como algo más que se suma a la película, es como si la película realmente fuera buena porque aparecen estos dos grandes nombres propios de la historia del Cine. Y eso no debería ser todo.

A mí este drama sureño me ha parecido excesivamente teatral, con todo lo negativo que algo así supone. En especial creo que las interpretaciones son muy exageradas. Es posible que las cosas no puedan ser de otra manera, pero mis quejas van más allá. Especialmente molesto me parece el machismo que impera desde el primer minuto, que nace y se expande desde el patriarca cada vez que habla. Lo de los sirvientes negros ya incluso es lo de menos, no puede ser de otra manera, pero en general creo que la película es más vieja de lo que todos creen.

Newman muy guapo, sí. ¿Y? Todos chillan y gritan, todos esconden cosas, todos son unos hipócritas y nadie es trigo limpio. Y son unos pesados, sus vidas con sus problemas me producen una enorme indiferencia. Apenas me hace gracia la nuera del patriarca con su rabia desatada y esos hijos cuellicortos que desfilan con bandera confederada y todo.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cartas de un hombre muerto
Cartas de un hombre muerto (1986)
  • 7,0
    819
  • Unión Soviética (URSS) Konstantin Lopushansky
  • Rolan Bykov, Iosif Ryklin, Viktor Mikhaylov, Aleksandr Sabinin, ...
6
De un muerto a otro muerto
Siempre es interesante saber cómo se enfrentaba el ser humano ante la cierta posibilidad de un holocausto nuclear que de forma global finiquitara cualquier registro de vida en el planeta. Puede que no sea original el punto de partida, porque se ha visto de mil maneas distintas antes, pero sigue siendo bajo mi punto de vista uno de los temas más interesantes que puede parir el cine. El escenario de la muerte absoluta, la devastación, el final catastrófico de la especie humana. Y en este caso desde el otro lado del telón de acero nada menos, aunque la película podría haber nacido en territorio capitalista, da lo mismo porque el resultado debería ser idéntico.

La narración y la fotografía son especiales, son cosas que su director escoge para darle a su realización el toque tenebroso necesario, incluso diría que es absoluto terror. Y lo consigue en gran medida. Otra cosa es que pese a sus poco más de ochenta minutos este paseo por la muerte y la destrucción sea un aburrimiento debido al escaso ritmo, a la pausa innecesaria, heredada de Andrei Arsenevich, cuya sombra es fácil adivinar en cada fotograma. Y mira por dónde, lo que no se señala como de Tarkovsky es lo que más me gusta a mí.

Así que correcta y poco más, la idea de la que parte es siempre sugestiva pero pocas veces va más allá. En este caso el discurso es reiterativo, necesariamente reiterativo, y como en el caso del pastor religioso que hace su última intervención, realmente es brillante. No es poca cosa decir que soy un muerto y que me dirijo a vosotros que también lo sois...
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La vida de Calabacín
La vida de Calabacín (2016)
  • 7,3
    4.530
  • Suiza Claude Barras
  • Animation
7
Calabacín es feo por algo
De todo lo que leo lo más importante es que la historia que nos cuenta esta película es sobre todo bonita, no encaja mejor otro adjetivo. Hay más, claro, Calabacín es feo, algo que evidentemente está hecho con toda la intención. Si fuera un niño hermoso las cosas serían diferentes. Además, que la película sea de un tipo de animación especial, hace que la miremos con ojos distintos y que posiblemente todos la sobrevaloremos. Incluido yo, por supuesto.

No hay nada original en la historia, no son cosas que no se hayan visto antes de una manera u otra. Lo que es especial es que es Stop Motion lo que tenemos delante, y no quiero ni imaginarme la de trabajo que hay detrás del resultado final, que es una hora de película que los espectadores consumimos rápidamente. Así pues, seguramente vale más la pena porque es Stop Motion que por la historia. Sí, es una infancia robada, son niños abandonados que se merecen que las cosas les salgan mejor. Hay mucha maldad en el planeta, y por suerte hay mucha bondad que acaba compensando el resultado. Hay ternura, hay amistad, hay buenas intenciones.

Y Calabacín es feo, sé que está hecho así porque de otra manera no podría ser, porque no sólo él es feo, los demás niños y los adultos también. Pero él es el protagonista, nuestras miradas se centran en él, en su mala suerte y en la incertidumbre del presente que le ha tocado vivir.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cara a cara
Cara a cara (1976)
  • 7,4
    1.406
  • Suecia Ingmar Bergman
  • Liv Ullmann, Erland Josephson, Aino Taube, Gunnar Björnstrand, ...
5
Para bien o para mal, el mismo Bergman de siempre
Me uno al grupo que ya ha visto esta película de Bergman en otras películas suyas. No estaría nada mal para el que sea fan del director sueco, mientras que a los que sólo vemos películas suyas por completar su filmografía sin sentir mucha afinidad general por su cine nos tenemos que quedar con la excepcional interpretación de Liv Ullmann, que ofrece un recital de escándalo, las cosas como son, y poco más, porque todo lo que hay en "Cara a cara" ya se ha visto antes en muchas otras películas de Bergman. La fotografía es excelente y sabemos que Bergman sabe hacer las cosas, pero yo estoy muy lejos de ser un adicto al sufrimiento. Porque sus películas son para sufrir...

Queda claro cuáles eran las obsesiones de Bergman, sabemos que le va la marcha, que sus personajes son unos inútiles en todo lo que trata la vida, en concreto nuestra psiquiatra muestra graves trastornos sexuales y creo que por ahí empieza todo. Si uno no hace el amor a gusto, lo demás ya es una extensión de esa perturbación, o una consecuencia. No me extraña que sea fría en la cama y atraviese una depresión de caballo, que sienta resquemor hacia sus padres, su abuela y que su hija no se sienta querida. ¿Transmite bien la película toda esa alteración psicológica? Sí, desde luego, Bergman y su actriz lo hacen de maravilla, y a mí como espectador neutral me obligan a quedarme en ese punto intermedio de cinco estrellitas porque como cinéfilo creo que es un trabajo bien hecho pero está muy lejos de mis gustos personales.

Dicho de otra manera: es una película que jamás veré una segunda vez.

Más aún: los suecos que nos enseña Bergman en sus películas son todos unos insatisfechos, unos tarados, marcados por una infancia traumática, incapaces de ser felices y unos negados en el plano sexual. Y luego está cómo lo explica, con ese aire intelectual pesado y cansino...
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Crisantemos tardíos
Crisantemos tardíos (1954)
  • 7,1
    81
  • Japón Mikio Naruse
  • Haruko Sugimura, Sadako Sawamura, Chikako Hosokawa, Yûko Mochizuki, ...
10
Hermosa y triste obra maestra de Naruse
Naruse es capaz de componer una película perfecta a partir de tres historias de tres mujeres que luchan ante el desencanto vital que las tiene presas ya entradas en la madurez. No se echa de menos nada en "Bangiku", todo está tan compensado y tan bien puesto que es difícil, conociendo un poco el cine del director japonés, no llegar a la conclusión que tal vez sea su mejor película. La angustia que transmiten las tres mujeres protagonistas es universal, de tal manera que a nosotros, humanos occidentales anclados en otro siglo, podemos y debemos captar la tristeza que padecen, la belleza de su lucha diaria también, porque la vida es igual de dura para ellas pobres ex-geishas ya muy maduras que para cualquier otro.

Tienen sus problemas, con el dinero que les falta a dos de ellas y que sí tiene una tercera, no se puede comprar la compañía de un hijo; por muchos problemas que puedan dar los hijos, la soledad tal vez sea peor. Naruse escarba en el alma de estas tres mujeres, que miran al pasado a menudo evocando mejores momentos. Sólo conociendo un poco de la cultura japonesa y de su manera de pensar sería suficiente para entender la belleza que hay en esa tristeza. También es cierto que sin saber nada de Japón se puede apreciar que detrás de las cámaras hay quien sabe hacer las cosas.

Los cinéfilos raritos que decidan ir más allá de otros nombres clásicos del cine japonés han de toparse con Mikio Naruse sí o sí, y una vez dentro de su filmografía "Bangiku" no destaca por ser su realización más conocida. Y sin embargo, tal vez sea la más precisa y la más hermosa. Tres vidas entrelazadas en una película completa sin fisuras que destila un lirismo de altura, al nivel que cualquier otro poeta del celuloide. Cine clásico japonés imprescindible.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Silencio
Silencio (2016)
  • 6,3
    11.717
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, ...
6
Un drama religioso apto para todos
Puedes ser ateo y que te guste el cine de Scorsese, se puede ser cristiano de misa los domingos a las doce y que te guste igualmente, incluso los abstemios que no saben lo que creen y los mentirosos que nunca dicen lo que sienten, también les puede gustar su cine. ¿Y "Silencio"?; ¿qué pasa con los que están etiquetados de una manera u otra en referencia a las creencias religiosas? Cuando nuestros jesuitas aparcan la barca en la playa y se adentran en territorio hostil, se miran y llegan a la conclusión que han hecho bien pase lo que pase, en ese momento todos deberíamos olvidarnos de las etiquetas, la aventura es la aventura y el cine es lo que es.

Scorsese tiene más de setenta años y no quiere dejarse nada en el tintero, de ahí que se alargue demasiado porque le da la gana, porque ya a estas alturas hace lo que le da la gana. La duración de su película es sin duda el argumento que más usan los críticos, algo que va acompañado de un ritmo a menudo demasiado pausado. La religiosidad o no del espectador está claro que es lo de menos. Es un dramón religioso, sí, pero es una de aventuras, de terror incluso, en el que vamos a gozar de una fotografía excelente. Las interpretaciones no tanto. Para mi gusto, el personaje del inquisidor japonés es el mejor y está un tanto desaprovechado.

No es su mejor película pero no es ningún desastre. Una cosa queda clara, apostatar en Japón en el S.XVII era pan comido, hacerlo ahora en España es casi misión imposible.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Llega un jinete libre y salvaje
Llega un jinete libre y salvaje (1978)
  • 6,1
    473
  • Estados Unidos Alan J. Pakula
  • Jane Fonda, Jason Robards, James Caan, Richard Farnsworth, ...
4
Western moderno y bastante flojo
Hacer una del oeste en los setenta era toda una aventura. Todo (o casi todo) lo bueno ya se había hecho, de manera que no era fácil darle un bocado original al género. Supongo que intentar ofrecer algo diferente es la mejor actitud, así que esos vaqueros modernos que si hace falta se mueven con coches a motor van muy bien para que nada más empezar sepamos que estamos en otro siglo y que no vamos a encontrar mucho de lo que del género ortodoxo se ha visto siempre. Las plantaciones petrolíferas son la cerecita del pastel.

Pero su principal problema es que los dos protagonistas me han aburrido mucho, lamento decir que sin química no hay amor y que estos dos son la pareja más previsible que he visto en mucho tiempo. Ellos no lo hacen mal como actor y actriz, el problema para un servidor es que la previsibilidad de sus movimientos y de todo lo que sucede en la película hace que llegar al final sea inevitablemente un alivio. Creo que nada de lo que sucede es interesante, así de sencillo. ¿La fotografía?; una maravilla, ¿la profesionalidad de los de delante y los de detrás de la cámara?; incuestionable; pero la película falla. Es un largometraje cansino, una historia sin interés. Menos el malo, es verdad, lo más destacable. Le hace falta aparecer muy poco para dejar claro que es lo mejor.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El viejo y el mar
El viejo y el mar (1958)
  • 6,7
    1.668
  • Estados Unidos John Sturges
  • Spencer Tracy, Felipe Pazos, Harry Bellaver, Don Diamond
6
Me gustaría volver a La Habana
Una película como "El viejo y el mar" tiene muchos atractivos, varios nombres propios que por separado ya son un anzuelo al que es difícil decir no. Ernest Heminway el primero, pero ya centrados en lo que es cine los nombres del director y de su protagonista deberían bastar para que cualquier tipo de cinéfilo se detenga la menos de hora y media que dura la película. Necesariamente minimalista, creo que los fotogramas ofrecen el mensaje que el escritor pretendía con sus palabras. Hay mucho jugo exprimido, mucha reflexión.

El viejo no se ha rendido nunca en el pasado y no lo hará pase lo que pase en el presente que le toca vivir. Puede sentirse invadido por la desdicha, atrapado por la mala suerte, abandonado en alta mar y maldecirá mil veces su infortunio. La ternura que supone soñar con leones que juguetean en una pradera no se la quita nadie. Y esa voz en off que a mí me parece maravillosa y que se confiesa fatigado, dolorido, echando de menos su cabaña, echando de menos La Habana. Todos echamos de menos la ciudad cubana, incluso los que no han estado nunca allí tienen todo el derecho a extrañarla.

La película no sólo es breve, es pequeña. Además es bonita y es triste, el viejo está solo y nos hace sentir mal. Su indudable lirismo hace posible pasar por alto su inevitable lentitud.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Apuestas contra el mañana
Apuestas contra el mañana (1959)
  • 6,8
    516
  • Estados Unidos Robert Wise
  • Harry Belafonte, Robert Ryan, Shelley Winters, Ed Begley, ...
8
Nadie apostaría por ellos
Es muy interesante esta vez tener en cuenta cómo va a mover los hilos el director cuando el planteamiento de la película empuja inevitablemente al trío protagonista a la perdición. Son los tres unos perdedores de la cabeza a los pies, no hay lugar para las sorpresas y por ello la gracia está en tener la paciencia suficiente para observar los detalles que Robert Wise introduce y así lograr disfrutar de una historia de cine negro que en realidad, como historia tal cual, se ha visto antes muchas veces.

Su atractivo está en las caracterizaciones de los tres protagonistas, especialmente en Ryan y el cantante Belafonte, que chocan de forma inevitable puesto que ambos son racistas. Les une la pequeña esperanza de dar un único golpe que les saque de situaciones parecidas, acosados por una vida mediocre, hundidos en una existencia lamentable. Es triste, desde luego, se trata de tres hombres que se ven empujados a hacer lo que hacen sin ser profesionales del gremio criminal. Por ello Robert Wise suma acierto tras acierto cada vez que toca una tecla, ya sea la fotografía, detalles del guión, el ritmo y el final, que aunque todos podemos intuir hace falta llegar con todos los sentidos puestos en los fotogramas para disfrutarlo.

Cine negro para sibaritas, no defraudará al más exigente. Grandes golpes todos estamos hartos de que se planteen delante de nosotros, pero lo de este trío es especial.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La torre de Londres
La torre de Londres (1962)
  • 6,1
    237
  • Estados Unidos Roger Corman
  • Vincent Price, Michael Pate, Joan Freeman, Robert Brown, ...
6
Vincent Price
Roger Corman acude a uno de esos relatos históricos que le viene como anillo al dedo para adaptarlo a su manera, introduciendo elementos de terror sobrenatural y sobre todo, dando todo el protagonismo a Vincent Price y haciendo recaer en él todo el peso interpretativo que un personaje como el que encarna supone. ¿Está a la altura el gran Price?, en mi opinión sí, contundentemente sí, se trata de lo mejor de la película, pero debo confesar que lo he visto mejor en otros títulos, algunos de ellos firmados por el mismo director. Como se apunta por ahí, el B/N esta vez juega en contra de la película, seguramente unos escenarios que en su mayoría son de interior merecían una fotografía en color. Sus ojos azules merecían ser vistos como eran en realidad.

Pese a ello, por su brevedad y porque realmente Corman era y es un maestro a la hora de darle vueltas y vueltas a un tema sin hacerse cansino, "La torre de Londres" me parece que es un largometraje a la altura de su filmografía, es decir, una película que entretiene y a la que no se le puede pedir más, porque no hay más ni falta que hace, así ya está bien y es más que suficiente. Puede que de serie B, puede que no, con un Vincent Price que siempre atrae a quienes valoramos el buen hacer delante de la cámara, un profesional del séptimo arte que merece mayor reconocimiento. Una película más de un tándem que no deberían perderse sus seguidores.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
1492: La conquista del paraíso
1492: La conquista del paraíso (1992)
  • 5,8
    8.483
  • Reino Unido Ridley Scott
  • Gérard Depardieu, Armand Assante, Sigourney Weaver, Loren Dean, ...
6
Conquistador pero idealista...
Parece que ni siquiera veinticinco años son suficientes para que esta película adquiera el valor que para una minoría tiene. Llegar tan tarde a una fiesta siempre proporciona un punto de vista especial, alejado de las luchas entre críticos y defensores, y lo que se me ocurre en primer lugar es destacar sus virtudes, que las tiene y muchas. Gérard Depardieu el primero, con esa melenita, con esos ojillos, le da un aire a Don Cristóbal Colón que cualquier romántico quedará enamorado de él. Detrás la impecable banda sonora de Vangelis, un tanto desaprovechada. Pero no es poca cosa destacar que son más de dos horas de buena aventura colonial.

Luego está lo que apuntan los libros de Historia oficial, la postura rancia española que machaca la película porque es inglesa y no subraya lo suficiente que esa conquista fue española, que no se quemaban a seres vivos en las plazas en nombre de la religión (o sí), problemas a la hora de valorar si Don Cristóbal era un aprovechado, un déspota, un pirata sin dientes que quería más la plata que el reconocimiento. Meterse en esas batallas es olvidarse de la película, que está bien hecha y que tiene momentos muy buenos. De acuerdo, no es una obra maestra, pero al neutral, al que pasa de las banderitas, le queda un entretenimiento más que correcto.

Y eso de que si alguna vez nos nombran a nosotros en el futuro será gracias a él, o aquello que ven tus ojos lo han construido personas como yo, no como tú... en fin, ese idealismo que Gérard Depardieu transmite, el personaje de Colón, con sus dos o tres buenos hachazos, es suficiente veinticinco años después como para valorarla con seis estrellitas y observar que eso es colocarse por encima de la media.
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El emperador del norte
El emperador del norte (1973)
  • 7,2
    1.546
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Lee Marvin, Ernest Borgnine, Keith Carradine, Charles Tyner, ...
7
Un enfrentamiento colosal
Ambientada en un contexto muy especial, en unos años muy duros para los EUA, "El emperador del norte" enfrenta a dos visiones opuestas de la existencia, dos colosos que chocan porque la posición que ocupan en la sociedad les empuja a un enfrentamiento inevitable. El personaje que recrea Borgnine caerá mal y todas las simpatías se las llevará el vagabundo Marvin, pero ambos son necesarios para que la película funcione y sin la presencia de uno no se puede explicar la conducta del otro. Puede que el revisor del tren se exceda en su trabajo y ese celo lo trasforme en un perro de la clase alta de la sociedad, pero también es cierto que el idealista y romántico vagabundo seguramente va más allá de lo que necesita. Bien, si Marvin es el Nº 1, nadie podrá decir que Borgnine es igual de bueno en lo suyo.

Aldrich gana la película desde el tren, cuando coloca la cámara en el techo de los vagones y cuando se agacha para filmar los raíles. La emoción y la gracia está en ese tren que se convierte en verdadero protagonista. Pocas películas sobre trenes deben haber como "El emperador del norte". A Marvin le toca soltar las frases más bonitas, aquello de las estrellas y el corazón sólo las puede decir alguien grande. En constante contraposición durante la película, a Borgnine le basta su martillo para hablar. Por eso la conclusión es que si uno es grande es porque se apoya en el otro y así quien gana es el espectador, al menos yo acabo con la sensación de haber visto una película cuyo entretenimiento es indiscutible. Y parida en los años setenta, ahí queda eso.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi cena con André
Mi cena con André (1981)
  • 7,4
    1.169
  • Estados Unidos Louis Malle
  • Wallace Shawn, André Gregory, Jean Lenauer, Roy Butler
2
Otra de Luisito Malle
Es muy fácil hacer críticas cuando la película le parece a uno mala, floja, aburrida y absolutamente prescindible. El problema es escribir rajando cuando se siente admiración sincera por un determinado director, entonces ya no mola tanto decir que es un despropósito, que me he dormido mil veces por minuto, que he perdido el tiempo y toda esa serie recursos descriptivos con mala leche. Me sabe mal porque Louis Malle es para mí un director que admiro de verdad, pero esta cena es un ladrillo (otro recurso negativo de esos facilones) y me duelen los dedos cuando tecleo diciendo que es una decepción. Y van dos, porque aquella de "El unicornio" es otro latigazo de película.

No quiero extenderme mucho porque duele hablar mal de Malle. Pero me he aburrido, me parece una pérdida de tiempo y creo que es inevitable y profundamente anticuada. La propuesta es arriesgada porque es eso, una cena entre dos colegas, es la suma de lo que dicen con el cómo lo dicen. Y para mí es un ladrillo, no me interesa nada de lo que dicen, no descubren nada que ya sabíamos y me parecen dos tipos con los que no me tomaría ni una cerveza. Son dos fulanos muy aburridos. Hubiera preferido ver de qué charlan dos obreros de la construcción mientras se comen su bocata. Por poner un ejemplo de los miles que me se me ocurren.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hit and Run
Hit and Run (1966)
  • 7,6
    67
  • Japón Mikio Naruse
  • Hideko Takamine, Yôko Tsukasa, Eitarô Ozawa, Daisuke Katô, ...
9
El cine negro de Naruse
Descubrir el cine de Mikio Naruse es una gozada. Una película como "Hikinige" tiene todo lo que hace falta para quedarse clavado al sofá, para no pestañear viendo una historia de fatalismo repleta de buenas ideas. Como cualquier otra muestra de buen cine negro, hecho con inteligencia, con un guión excepcional, el maestro japonés sabe dónde colocar un giro en la narración, sabe parar el ritmo, acelerar, abofetear al espectador cuando toca y mantener el interés hasta el final.

La gloria y el reconocimiento en occidente no fueron para él. No haría falta decir que Ozu, Mizoguchi y Kurosawa son los que se nombran allá donde sea que se menciona la Historia del Cine japonés, pero lo haré, los menciono y los señalo porque cada vez que veo una película de Naruse me parece más bueno. Hago lo que lo que nunca hay que hacer, que es compararlos, y me quedo con Naruse y su musa Hideko Takamine.

La vida es incierta para el que firma esta gran obra de cine negro, seguramente que como para cualquier otro director de cine que toque el género, lo que sucede es que esto es Japón, se bebe sake y su comportamiento se fundamenta en una ética muy particular. Pero es cine negro, y ahí está la gracia, todo lo que sucede delante de nosotros es de fácil comprensión: la venganza es igual allí que aquí. Y la frustración y el dolor. La vida y el tiempo son inciertos. Pobre Takamine, ella puede hablar por propia experiencia de la aleatoriedad del tiempo mejor que nadie.

"Hikinige" es una más de las muy buenas películas que hizo Naruse, abrazando el cine negro con tanta intensidad que llega a ahogar. Para no perdérsela, aunque sea más difícil de encontrar que la mencionada trilogía de nombres propios. Vale la pena buscar si es para encontrarse con cosas tan bien hechas.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El unicornio
El unicornio (1975)
  • 6,1
    931
  • Francia Louis Malle
  • Therese Giehse, Cathryn Harrison, Joe Dallesandro, Alexandra Stewart
1
Luisito Malle
Supongo que todos tenemos derecho a protestar y a hacerlo de la manera que creamos que conviene según el momento. Supongo que siendo director de cine y habiendo llegado a un momento de tu carrera profesional en el que sientes haberlo hecho todo o casi todo, te puedes decidir por fin a tirarte de la moto sin casco porque ya te da igual lo que piensen de ti. Yo a Louis Malle no le protesto esa actitud de hacer lo que le apetece, me parece estupendo, pero "El unicornio" (claro que sí, traducirlo de nuevo como sea) es una castaña que no tiene ni pies ni cabeza y claro, muchos dicen que ahí está la gracia, que impacta porque nada de lo que vemos tiene sentido y hay que interpretarlo, importan tanto las imágenes por ellas mismas como por lo que simbolizan. Bravo, maravilloso, así que al acabar de ver la película tengo que irme al manual de crítico entendido para que me explique lo que he visto. Pues no. No lo hago, no me interesa ni siquiera lo que quería decirme Luisito Malle sin decírmelo directamente.

La he visto de cabo a rabo, desde ese prometedor inicio de una guerra entre sexos. Todo lo demás, me ha parecido una pérdida de tiempo absoluta. Una gran decepción. Imposible no quejarse si has visto más de una y más de dos buenas películas de este gran director. Todos tienen derecho a meter la pata, vaya que sí.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El héroe sacrílego
El héroe sacrílego (1955)
  • 7,3
    212
  • Japón Kenji Mizoguchi
  • Narutoshi Hayashi, Raizô Ichikawa, Tatsuya Ishiguro, Michiyo Kogure, ...
8
Monje, samurái o emperador
Lo mejor que le puede pasar a cualquiera que llegue aquí es obviar todo lo anterior que se haya visto de Mizoguchi, lo digo porque "El héroe sacrílego" es una de sus últimas películas y lo normal es haber visto dramas más populares relacionados con la mujer, la prostitución, amores que duelen y matan y sobre todo, en fotografía en B/N. En lo personal, por lo que he visto hasta hoy, no me he encontrado con nada parecido en su filmografía. Los críticos profesionales hablarán con mayores argumentos, pero lo que yo me he encontrado en este largometraje es a un Mizoguchi extraordinario. Quien esté acostumbrado al cine clásico japonés no debería perderse esta película.

Todo lo que se haya visto antes sobre el honor del samurái, el Japón feudal y la administración del territorio, los cortesanos que pululan alrededor del poder y esa maravillosa estética, está aquí, con la grandeza que es Mizoguchi el que cuida cada plano, cada secuencia y además nos lo ofrece todo en color. Aquí el héroe se enfrenta con su arco y cuatro colegas muertos de hambre como él (es verídico, no es una mala manera de decir las cosas, pasan hambre de verdad) a todo un regimiento de monjes enfadados.

Ese chaval que desconoce su pasado supone el foco de atención máximo y su grandeza se debe a que nos topamos de golpe con tres grandes ejes de la historia feudal japonesa, que son los que convergen en un momento de duda clave: ¿lleva sangre de samurái, de un clérigo asalta camas o la del mismísimo emperador? La historia aquí queda. Para mí se trata de una de las mejores muestras del cine de este gran director japonés.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cleopatra Jones
Cleopatra Jones (1973)
  • 5,1
    169
  • Estados Unidos Jack Starrett
  • Tamara Dobson, Bernie Casey, Brenda Sykes, Antonio Fargas, ...
7
Un cañonazo de mujer
Le buscaron un nombre que impactara y le pusieron Cleopatra. Necesitaba un coche a su altura y le dieron un Corvette. El vestuario adecuado para alguien como ella, que se pasea por el barrio negro sabiendo que llama la atención. No importa, la película va de ella, alguien que además es invencible en el mano a mano, invencible cuando le disparan y negra, que no se nos olvide mencionarlo aunque esto sea Blaxpoitation y se dé por sentado. Los malos además de tontos son blancos, que trafican con la droga que acaba en manos de los negros.

Una película como "Cleopatra Jones" debería tener mayor reconocimiento, forma parte de un episodio del cine estadounidense muy especial. Su trama es de lo más sencilla y muchos opinarían que su calidad es ínfima. Pero no tendrán en cuenta que entretiene millones de veces más que cualquier película escogida al azar del actual siglo que supere las dos horas. No es una obra maestra, ni la de Cleopatra ni las de Pam Grier, ni falta que hace. Son películas sencillas hechas a todo ritmo, como si rodando una escena no hiciera falta repetirla para mejorarla. Son películas brutas y toscas, un cine que no engaña a nadie porque va a lo que va. Y el que quiera saber más que se ponga a ver lo que hace Cleopatra al final de su película en el desguace de coches. Es único, ella es única. Palabra.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuatro de infantería (Westfront 1918)
Cuatro de infantería (Westfront 1918) (1930)
  • 7,0
    218
  • Alemania Georg Wilhelm Pabst
  • Fritz Kampers, Gustav Diessl, Hans-Joachim Moebis, Claus Clausen, ...
7
Bélica, prebélica y tristemente olvidada
Es curioso observar que en 1930, año de realización de esta gran película, Alemania (y prácticamente el resto del mundo) tenía tan lejos por detrás la denominada entonces Gran Guerra como la venidera, que de forma lamentable ya se vieron obligados a enumerar. No soy capaz de asegurar que sea cine de denuncia o pacifista, lo que está claro es que no es propagandístico y que por su momento histórico es prebélico, aunque nosotros que estamos en su futuro lo sabemos y ellos lo desconocían.

Pabst, un hombre que no tiene el reconocimiento que hay quien asegura que merece, mira para atrás y señala con el dedo la tristeza de la guerra, que es muy perra, tanto en el frente como en la retaguardia. Si la película es buena es porque retrata con dureza y realismo las consecuencias del conflicto bélico que asoló Europa, Pabst tiene en cuenta todas las aristas y los grandes temas que con el tiempo el cine desarrollará con mayor profundidad. La guerra es una locura, para el civil y para el soldado, para el que sobrevive en las trincheras y para el que muere detrás de ellas. Es un trabajo bien hecho, con escenas bélicas muy interesantes, movimientos de cámara en las trincheras maravillosos, ataques con granadas, tiroteos y todo aquello que el seguidor del género busca.

Puede que se vea demasiado lastrada porque prácticamente es el año cero del sonoro y eso siempre se nota. Hay algún número musical que no encaja bien. Sin embargo, es un placer descubrir este tipo de cine olvidado. En este caso más que eso, se trata de una película ninguneada.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La organización criminal
La organización criminal (1973)
  • 6,5
    177
  • Estados Unidos John Flynn
  • Robert Duvall, Karen Black, Joe Don Baker, Robert Ryan, ...
9
Los buenos siempre ganan!!!
No es cierto que siempre ganen los buenos, e incluso es muy dudoso que ese calificativo encaje del todo con Robert Duvall y su colega, pero qué oportuno y que buena manera de cerrar la película con esa exclamación. A menudo las buenas historias carecen de buenos finales, cosa que por fortuna en "La organización criminal" no sucede, de manera que a un inicio prometedor le sigue una oleada de cine de acción bien desarrollado acabando con un clímax que hace que piense que se trata de una joya que al menos para mí ha permanecido escondida en esos mal vistos años setenta.

Bien es cierto que todos los personajes que se mueven por venganza gozan de buenos ojos en cualquier película, pero Robert Duvall ofrece un recital. Lo que más me gusta es que pese a sus motivaciones personales sus movimientos tienen más que ver con la sangre fría y la inteligencia que con una ira descontrolada y destructiva. Este hombre es esencialmente un profesional del crimen y sabe lo que hace. Por eso sí es cierto que ganen los buenos, porque en su oficio él es bueno. Y por supuesto, si se desata a base de ostias o de tiros, no hay muchos que le puedan hacer frente. Ni siquiera Robert Ryan.

Así que enhorabuena a los que lleguen aquí, van a encontrar buen cine de acción, robos y atracos, personajes con personalidad que usan tanto la violencia como el cerebro. Una historia común tal vez, pero con un entretenimiento mayúsculo.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil