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Críticas de M_Pelegri
Críticas ordenadas por:
Los hermanos Sisters
Los hermanos Sisters (2018)
  • 7,0
    3.351
  • Francia Jacques Audiard
  • Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, ...
8
El western està vivo
En el año 1992 con el estreno de "Sin perdón" nos dijeron que era un magistral epitafio del western. A partir de entonces esta mítica etiqueta se ha puesto pocas veces con un recuerdo especial para "Slow west", "Los odiosos ocho" o la reciente "El renacido". Con los "Hermanos Sisters" podemos afirmar que curiosamente y gracias a un director francés y un rodaje en la península el género se mantiene con una mala salud de hierro.
Eli y Charlie además de hermanos son dos auténticos sicarios sin ningún tipo de escrúpulo a las órdenes de un comodoro. Con su último encargo para liquidar un buscador de oro iniciarán un largo viaje de Oregón hasta California que se transformará en una búsqueda abrupta e íntima de sus anhelos personales más allá de su macabra "profesión".
Del director Jacques Audiard debo mencionar mi admiración por la sobrecogedora "De óxido y hueso" y su habilidad para cambiar de registro y atreverse con un género muy bregado. En mi opinión consigue mantener el aspecto exterior de western impecable e ir más allá de los tópicos en torno a la venganza y la lucha del bien contra el mal desviando toda la trama hacia la capacidad de los dos protagonistas para cambiarse a sí mismos y conseguir superar el destino trágico de su niñez. Un núcleo argumental con el que conviven perfectamente otros como pueden ser el de la fortaleza del vínculo fraternal que se acaba convirtiendo en un sincero homenaje, el choque entre razón e impulsividad o la relatividad de los sueños preñados de avaricia. La desmitificación del género se consigue plenamente al abandonar los perfiles de los personajes rudos o superficiales y plantearnos la complejidad intimista de dos hermanos que desde su maldad extrema también son capaces de rebuscar en su interior para reinventarse y terminar en un final de emotiva evocación a una de las más grandes: "Centauros del desierto".
La propuesta está cargada de un realismo violento por su densidad y su crudeza despiadada que consigue romper la identidad más profunda de dos almas heridas unidas por un indestructible vínculo y magníficamente interpretados por dos actores en estado de gracia
http://bit.ly/2VWVRSn
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gracias a Dios
Gracias a Dios (2019)
  • 6,7
    461
  • Francia François Ozon
  • Melvil Poupaud, Denis Menochet, Swann Arlaud, Eric Caravaca, ...
8
La palabra contenida
Salgo de la sala con un sentimiento de admiración y rabia contenida a la vez. Admiración para el tratamiento del tema y el enfoque que se hace en torno a las víctimas de un cura pederasta de Lyon con el encubrimiento incluido de su diócesis. Hechos conocidos que se narran a partir de los testigos principales de cuatro de las víctimas sin caer en ningún momento en un sensacionalismo gratuito y ciñéndose de forma escrupulosa a unos hechos contrastados y con la aprobación de todo el grupo de víctimas con sus familiares apoyándolos. Esta contención a la hora de no buscar la emotividad gratuita podría haberse torcido en contra y quedarse en una especie de docuficción sosa. No es el caso y podemos afirmar que no hay ninguna ornamentación para apelar a una justa emotividad que se acerca a una mezcla de solidaridad e indignación. El único añadido cinematográfico que utiliza F. Ozon son varias retrospectivas de la infancia de los protagonistas junto al pederasta sin entrar en ningún momento en escenas escabrosas.
La rabia contenida es inevitable si se hace una mínima asociación con los numerosos casos que han salido y salen dentro de la institución eclesiástica y especialmente en sus centros educativos concertados con evidencias claras de encubrimiento. La tarea de la administración educativa y de justicia debe ser decidida para compensar a las víctimas, castigar a los culpables y establecer mecanismos de prevención para evitar este tipo de abusos dentro cualquier organismo con trato y atención a la infancia sin olvidar el trabajo de divulgación y empoderamiento que hacen diferentes organizaciones y medios de comunicación. El papel de la misma iglesia, por el bien de la misma institución tal y como plantean claramente algunos de los protagonistas, debería cambiar en dirección a una auténtica asunción del problema con las culpabilidades incluidas y establecer mecanismos de prevención eficientes. Por pedir que no quede ...
No se trata de un "Spotlight" francés aunque estamos ante el mismo asunto. La mirada sincera y clara del director está centrada en este caso en las vivencias de varias víctimas, su camino hasta constituirse en asociación y su proceso íntimo de liberación. Una mirada que no es una crónica periodística sino una búsqueda valiente y decidida dentro de sus amargos silencios para acabar dando valor, ahora más que nunca, a unas palabras de redención auténtica. (8/10)
http://bit.ly/2ZjTbgC
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dolor y gloria
Dolor y gloria (2019)
  • 7,4
    6.903
  • España Pedro Almodóvar
  • Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, ...
8
Evocando y encarando la vida
Entro en la sala con expectativas altas aunque desde "La piel que habito" el director Manchego no era santo de mi devoción. Salgo de la sala con un "sí, mucho" después de la amistosa pregunta "¿te ha gustado?". A ver si consigo explicar el porqué.
"Dolor y gloria" es un retrato desnudo y franco del mismo director basado en una nostalgia sincera y sin afán de exhibicionismo a partir de un alter ego llamado Salvador que abre la caja negra de sus recuerdos con una especial atención a su madre .
La nostalgia y la memoria se fundamentan en emotivos reencuentros reales con el amigo y actor protagonista de su primer largometraje y con el que no se habla desde hace treinta años, con su primer compañero con el que exploraron todos los rincones del deseo y en los no menos emotivos reencuentros imaginados con su madre y su infancia. Momentos de "gloria" abordados desde un presente inundado de un "dolor" físico y psicológico que lo mantiene aprisionado en una parálisis que no le deja ni salir de casa. Almodóvar se abre en canal para mostrar sus entrañas sin pedir ni comprensión ni ningún tipo de compasión victimista para emocionarnos con un perfil humanista férreo. Una vida condensada en una película o una película con varios recortes evocadores que "son" vida. Unos reencuentros que, después de los entrañables recuerdos, se transforman en un nuevo episodio vital que merecen ser vividos por sí mismos. Una soledad y un dolor que se debe afrontar de cara y sin subterfugios escapistas. Unas personas que acompañan y respetan una voluntad aplacada y abocada a repetir errores. Unas sensibilidades diversas e individuales que luchan para sobrevivir y encararse a un destino donde la decadencia física es omnipresente. Unas historias que contienen episodios entrelazados para conformar un monumento intenso y equilibrado sobre todo aquello que significa el cine. Unas escenas cargadas de simbolismo de un universo almodovariano identificable y propio para terminar en un final memorable en el que queda resumido la esencia de todo.
Podríamos hablar de la figura de la madre y de la mujer como el elemento capital en toda su filmografía, de la estética colorista y singular, de las magníficas interpretaciones de todo el plantel (hace mucho tiempo que no veía a un Banderas tan pletórico), de un montaje especialmente difícil y perfectamente resuelto o de una sinceridad que se cuela en cada minuto.
Almodóvar construye un férreo edificio dedicado a rememorar abiertamente su vida a la vez que hace una llamada a afrontar de forma serena y decidida una existencia finalista donde se mezclan de forma ingrata un sufrimiento siempre excesivo y el placer de estar presente. (8,5 / 10)
http://bit.ly/2FnPu0a
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mula
Mula (2018)
  • 6,7
    9.770
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Clint Eastwood, Bradley Cooper, Dianne Wiest, Michael Peña, ...
6
La sencillez hecha cine
Parece probable que Clint Eastwood haya hecho su interpretación póstuma en esta película. Es una interpretación de una persona de 88 años que rechaza voluntariamente cualquier adorno o aspaviento. El gesto y la palabra justas que acaban conformando una actuación con una carga de veracidad que sólo la experiencia puede conseguir. Mi deseo sería que hiciera una de estas una vez al año como mínimo. Esperamos que como director aún le quede un largo recorrido.
La propuesta de "Mula" está basada en hechos reales a partir de una noticia de la condena a una persona mayor que se dedica a hacer de transporte de drogas por un grupo mafioso después de haber cerrado el negocio de flores por ruina. Una trama sencilla y sin ninguna complicación. Un personaje que afronta la parte final de su existencia descubriendo que llevaba una enorme carga de errores y enfrentamientos familiares que quizás hay que rectificar. Un personaje particular, con tics racistas y machistas que se nos muestra sin complejos, con un realismo entrañable y que se acerca peligrosamente a lo que podríamos llamar "políticamente incorrecto". En este sentido el abuelo Earl Stone se acaba convirtiendo en otro buen estereotipo de la factoría Eastwood heredero directo del controvertido protagonista de "Gran Torino".
El director no esconde su conservadurismo y nos muestra un retrato verosímil centrado en un personaje, su soledad y sus angustias ante un mundo con permanentes y acelerados cambios sustanciales y con muy pocos refugios en los que protegerse. Con un relato ortodoxo, fluido y sin artificios se conforma una visión mítica de un individualismo crepuscular y decadente que acaba marginado y totalmente descolocado en esta posmodernidad líquida y sin alma. Un perfil díscolo, libre y solitario que, como las propias flores de la película, consigue florecer sólo por unos pocos días después de laboriosos trabajos de cultivo y cuidado para terminar sus días "protegido" y liberado de culpa dentro de los muros de una prisión. Quizá estemos ante una reflexión autobiográfica y redentora en primera persona?
Desde una sencillez aparente y con un guión de una profesionalidad admirable podemos disfrutar de una propuesta sincera y directa de un cine tradicional en las formas y que demuestra que todavía puede tener su espacio dentro de la tormenta. (6,5 / 10)
http://bit.ly/2F7zK1q
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La mujer de la montaña
La mujer de la montaña (2018)
  • 7,2
    837
  • Islandia Benedikt Erlingsson
  • Halldóra Geirharðsdóttir, Jóhann Sigurðarson, Juan Camilo Roman Estrada, Jörundur Ragnarsson
6
Salven el planeta... con un arco y una flecha
Halla es una profesora de canto en Reikiavik que acaba de superar la barrera de los cincuenta. Su conciencia ecológica la impulsa a una guerra en solitario contra la industria del aluminio de su país. Cuando está en el momento más álgido de su particular batalla y con la policía haciendo indagaciones y estrechando el círculo recibe la noticia de una adopción que había pedido cuatro años atrás.
Desde el principio la protagonista nos atrapa con su simpatía y su excelente interpretación. Una mujer independiente con una vida plena consigue meter contra las cuerdas con iniciativa y mucho ingenio a toda una industria que, por supuesto sin que nadie lo discuta, es muy contaminante y responsable del calentamiento global del planeta. Una heroína noble y solidaria con sendos retratos de activistas mundiales de derechos humanos en las paredes de su casa con los que todos conectamos sin discusiones.
El giro dramático se produce cuando debe decidir continuar adelante con la "peligrosa" lucha o centrarse en su adopción de una niña Ucraniana. En este momento aparecerá la figura de su hermana, interpretada por la misma actriz, que ayuda a dar aire a la trama y ser una pieza clave en la resolución de todo.
Se consigue dar un tono entrañable, simpático y poético a un argumento bastante sencillo con la ayuda de un paisaje majestuoso y la inserción en muchas escenas de un trío de músicos islandeses y un coro de tres mujeres ucranianas. Con estos dos elementos se supera con creces el listón de lo que podría haber sido una película más de denuncia ecológica y social.
La combinación de cine intimista, la tensión policial y la misma comedia dramática acaba ofreciéndonos un cóctel bien particular que se queda un poco soso y que no se atreve en ningún momento a ir más allá con algunos toques de ingredientes más contundentes. Sin la pretensión de agradar a todo el mundo y quedarse en el discurso dicotómico de buenos y malos estamos ante una película agradable, bucólica y perfectamente resuelta a nivel de interpretación y ritmo. (6,5 / 10)
http://bit.ly/2TFNXvA
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Un asunto de familia
Un asunto de familia (2018)
  • 7,5
    4.585
  • Japón Hirokazu Koreeda
  • Kirin Kiki, Sôsuke Ikematsu, Lily Franky, Moemi Katayama, ...
8
Vínculos sinceros
El maestro Koreeda insiste en sus incertidumbres. Esta vez nos muestra un grupo familiar que viven juntos en una situación precaria con trabajos mal pagados y una vivienda minúscula. En esta dura realidad un cuantos pequeños hurtos ayudan a complementar ingresos. Aún así viven en armonía y con un lazos afectivos profundos y sinceros. Las cosas empiezan a cambiar en cuanto el padre Osamu y su hijo encuentran una niña sola y preocupada a la que acogen fraternalmente.
El director nos plantea de forma magistral toda una serie de dilemas en torno a los vínculos familiares a partir de una serie de personajes poniendo el foco de atención principal en el dúo padre-hijo. En este sentido nos puede recordar perfectamente a la disyuntiva que ya se planteó en "De tal padre, tal hijo" sobre la fortaleza del afecto ante el determinismo de la genética aunque en esta ocasión va mucho más allá al introducir el tercer personaje de la niña y abrir la problemática del aprendizaje como elemento causal de nuestro futuro. En paralelo nos acompañará por un camino fronterizo entre las convenciones legales y sociales por un lado y el lazos de afecto entre el grupo por otro con la duda irritante de su veracidad.
En ningún momento tenemos la sensación de que nos están aleccionando. Por el contrario, una de las grandes conquistas de la obra es mostrar de forma rica, poética y compleja todos los ángulos que conforman una situación de crudo realismo dentro de un núcleo familiar muy lejos de los tópicos estáticos y estéticos de otras realizaciones japonesas. Incluso podemos decir que se introduce en este dinamismo dramático la tensión y las dudas propios de un thriller que acaba encajando dejándonos, finalmente, totalmente huérfanos en el terreno de una líquida incertidumbre.
Debemos acercarnos a la sala para contemplar una película desgarradora y perturbadora, con unas interpretaciones muy destacadas (los niños y la abuela están formidables) e impregnada de una magia entrañable y sincera. (8,5 / 10).
http://bit.ly/2EHvo2b
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0 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cafarnaúm
Cafarnaúm (2018)
  • 7,7
    2.084
  • Líbano Nadine Labaki
  • Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad, ...
7
Visión inclemente de la pobreza
Zain es un niño de 12 años nacido en una de las barriadas más pobres de Beirut que se presenta ante el juez para denunciar a sus padres por haberlo engendrado. A partir de este momento se inicia una serie de retrospectivas que dan respuesta a las diferentes preguntas y motivaciones que le han llevado hasta el estrado.
La mirada que nos propone esta obra es de una desolación y un realismo crudo que te revuelve las entrañas sin contemplaciones. Algunos escritos hablan de estar muy cerca de una "pornografía de la miseria" que quizás consideran innecesaria. No es la opinión del que teclea estas. La pobreza, la miseria y la desigualdad extremas está en un momento de cronificación que las miradas sin filtros y desnudas se hacen cada vez más necesarias para compensar una visión complaciente alrededor de los números al por mayor que pueden mostrar un "progreso material evidente" . Dicho esto, hay que dejar claro que se debe estar preparado para abrir los ojos a unas condiciones de vida deplorables que en boca del mismo protagonista "no merecen ser vividas". Unas relaciones humanas basadas en la supervivencia extrema donde afloran todas las formas de violencia y explotación en base a la ley del más fuerte.
A pesar de todo lo comentado no estamos ante un panfleto populista. La directora Nadine Labaki tiene la habilidad de mantener una tensión narrativa notable, con una dirección del actor protagonista colosal (un Zain Al Rafee no profesional que fascina con su trabajo), una cámara que sabe captar los momentos más emotivos y casi mágicos de los intérpretes y una música que también ayuda a reforzar sin magnificar. Aunque la visión que se muestra es dura y terrible también hay lugar en pequeñas dosis bien distribuidas a la ternura, la solidaridad fraterna o un humor inocente que casi tienes que esforzarse para apreciarlo. Mientras la reciente y destacada "Un asunto de familia" nos mostraba la miseria a partir de un grupo familiar particular la película que nos ocupa está centrada en la visión profunda, emotiva y desnuda de un niño con una sinceridad que te revela por dentro. (7,5 / 10)
http://bit.ly/2H4whmQ
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Carmen y Lola
Carmen y Lola (2018)
  • 6,9
    6.314
  • España Arantxa Echevarria
  • Zaira Morales, Rosy Rodriguez, Moreno Borja, Carolina Yuste, ...
8
Emotiva veracidad
Carmen y Lola son dos gitanas adolescentes que viven en el extrarradio de Madrid. Se conocen y aparece el amor. Son dos personas muy diferentes que deberán enfrentarse a los prejuicios sociales y familiares para sacar adelante su proyecto de vida en común.
Escuché al Aranxa Etxevarria en la radio explicando los dos años que ha tardado en acabar la película, sus deseos y dificultades con especial énfasis en su opción de trabajar con actrices y actores no profesionales. Me despertó la curiosidad y estoy seguro que ha valido la pena.
Conseguir que una película costumbrista del mundo caló que además trate la adolescencia no caiga en unas rancias buenas intenciones o la superficialidad para no molestar a nadie es muy complicado. En "Carmen y Lola" se consigue plenamente, se evitan acertadamente los tópicos que siempre caen en una falta de respeto y de profundidad mientras se transmite a partes iguales sinceras emociones y una naturalidad cargada de veracidad sobrecogedora. En concreto quisiera destacar una memorable y tensa conversación en la parte final entre madre e hija. Una escena que por sí misma ya vale entrar en la sala.
El dramatismo de toda la trama va fluyendo con una eficacia notable, un colorismo simbólico y una calidez que no esconde en ningún momento la intransigencia machista y el horror a las habladurías mal intencionadas de la comunidad.
Mantener este equilibrio entre un hedonismo esperanzador y una crítica bastante intensa sin llegar a ser demoledora es una de las conquistas más destacables a la vez que mantiene una empatía llena de ternura hacia la mayoría de personajes, sin caer en el maniqueísmo de señalar buenos y malos .
La película consigue a partir de unos ingredientes explosivos, un suculento cóctel con un sabor bien definido de esperanza en un mundo más fraterno, comprensivo y acogedor a pesar del desconsuelo y la angustia que provoca la intolerancia. (7,5 / 10)
http://bit.ly/2MzwNID
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las distancias
Las distancias (2018)
  • 6,0
    2.616
  • España Elena Trapé
  • Alexandra Jiménez, Miki Esparbé, Isak Férriz, Bruno Sevilla, ...
8
Desengaño generacional
Un grupo de cuatro jóvenes viaja a Berlín para felicitarle por sorpresa en su 35º aniversario en Alex y conseguir así un deseado, al tiempo que un poco forzado, reencuentro de viejos amigos de estudios universitarios.
Un inicio aparente de reunión feliz, donde la conversación fluye y las sonrisas abundan da paso enseguida a una progresiva atmósfera opresiva ubicada entre el thriller y el drama, en una ambiente gris y frío muy propio de la ciudad para desplegar un nudo y un desenlace crudo , directo y sin sutilezas donde los silencios a veces hablan más que los diálogos.
Las interpretaciones nos muestran de forma acertada un malestar interior profundo y escondido a punto de reventar. La distancia y el desarraigo ayudan a que aparezcan aquellas chispas que provocarán el estallido anímico sucesivo de este grupo que se había mantenido "unido" a base de alimentar unas apariencias de "buen rollo juvenil". Un grupo que tiene que madurar aunque sea a base de sacudidas y desengaños dolorosos.
Aunque el papel de Olivia con una Alexandra Jiménez impactante sea la que se reafirme como líder y protagonista, la prometedora directora Elena Trapé acierta en perfilar perfectamente el resto de personajes consiguiendo un conjunto diverso y bien matizado para esbozar un buen grupo de seres heridos, con las ilusiones generacionales desvencijadas y con la urgente evidencia de que el tiempo se escapa en direcciones muy diferentes.
Un cine que transmite de forma ejemplar y contundente un universo angustioso y que reduce la esperanza a las cenizas que quedan en unos pocos segundos en forma de mensajes de voz. (8/10)
http://bit.ly/2QelRTL
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
La gaviota
La gaviota (2018)
  • 6,0
    517
  • Estados Unidos Michael Mayer
  • Annette Bening, Saoirse Ronan, Corey Stoll, Elisabeth Moss, ...
6
El teatro de la vida
Irina es una diva del teatro ruso de finales del siglo XIX que pasa el verano ocioso en la casa de campo de su hermano acompañada de su amante (un escritor de éxito), su hijo apasionado y otros personajes que completan un grupo bastante curioso y diverso.
Un viaje muy interesante a las profundidades del alma humana y sus pasiones. El amor no correspondido y el desamor extremados en su romanticismo también dejará lugar a la idolatría y la pasión filtrado todo con una visión, tal y como se corresponde a la época y la obra de A. Chéjov, decantada a la fantasía y, incluso, a la sensiblería.

La aportación del grupo actoral y la diversidad del conjunto de perfiles que conviven dentro de la casa es la clave por la que la película se merece nuestra atención. Una protagonista impecable (Annette Bening que recuerdo gratamente a "Los chicos están bien") hace honor al papel de diva teatral mientras también deja espacio al resto con una especial mención a una Elisabeth Moss en estado de gracia que consigue destacar en un papel totalmente secundario. Por otra parte, sería muy injusto si no mencionara a una Saoirse Ronan ("Lady Bird", "En la playa de Chesil") que raya la perfección.
Estamos ante una propuesta a contracorriente, cine basado en el texto, la interpretación, un tratamiento impecable de la luz y la fotografía, un montaje ajustadísimo completado todo ello con una cámara discreta pero a la vez creativa en las formas. Cine que recurre a los clásicos para descubrir los rincones más oscuros y venenosos del alma a la vez que nos muestra con un drama contundente que el veneno de la vida nos la tenemos que tomar en pequeñas dosis distribuidas con inteligencia. (6,5 / 10)
http://bit.ly/2M7hyGG
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un sol interior
Un sol interior (2017)
  • 5,5
    1.214
  • Francia Claire Denis
  • Juliette Binoche, Gérard Depardieu, Nicolas Duvauchelle, Josiane Balasko, ...
8
Deslumbrante
Antes de empezar a escribir algo razonable sobre la película debo confesar mi admiración incondicional por la actriz Juliette Binoche. A pesar de este prejuicio benévolo creo que de todas las interpretaciones que la he visto (y son abundantes) estamos ante una de las mejores. El protagonismo absoluto que dispone lo aprovecha para dar vida propia y pletórica al personaje de Isabelle en un perfil complejo y contradictorio en la búsqueda de un amor que no acaba de encontrar. Múltiples e intensas relaciones que finalizarán en una secuencia memorable entre dos monstruos (Depardieu-Binoche) que las escuelas de cine podrán utilizar dentro de su instrucción. Un diálogo circular y absurdo que se carga de significación como conclusión de una obra que la podemos calificar entre extraña y curiosa.
De la directora Claire Denis recuerdo con admiración a una relegada "Una mujer en África", de una crudeza sin contemplaciones. En "Un solo interior" cambia totalmente de registro para presentarnos una comedia romántica que se decanta hacia el drama. Y lo hará con contundencia sino prestamos atención a las ironías y desproporciones de unas relaciones que se encaran con una pasión sin complejos pero desde una situación de vulnerabilidad extrema. Se trata de un registro humorístico que necesita unos segundos para terminar de cuajar y poder expresar una risa entre miedosa e insegura. Si es eso lo que quería transmitir la directora puedo confirmar que lo ha conseguido. La personalidad de la protagonista se contagia con esas sonrisas algo asustadas pero que también te empapan de una madura fortaleza emocional.
Diálogos filmados con una coreografía expresiva y situaciones entre irónicas y absurdas que se alejan de la ortodoxia narrativa para acercarse de forma contundente a conversaciones reales, circulares y repetitivas que pueden imitar perfectamente a las reales ya que la obsesión y la inseguridad también campan en nuestras personalidades. ¿O no es así?
Una extraña mezcla que a partir de la duda y la inseguridad se acaba convirtiendo en una propuesta inteligente y madura en torno a la búsqueda del amor, la aceptación del fracaso o el paso del tiempo. (7,5 / 10)

http://bit.ly/2HkS2vY
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
En cuerpo y alma
En cuerpo y alma (2017)
  • 6,8
    2.866
  • Hungría Ildikó Enyedi
  • Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, ...
7
Sueños, soledad y amor
María y Endre trabajan en un matadero de toros. Ella acaba de llegar para hacer de supervisora. Es metódica y nada sociable. Él es el jefe de personal con una madurez vital llena de experiencia y fracasos. Él tiene un brazo totalmente paralizado y ella tiene una variante de lo que parece síndrome de Asperger. Ambos viven solos, están literalmente conectados por sus sueños y lo descubren casualmente con la visita de una psicóloga en la empresa. A partir de esta situación realmente sorprendente su vida tomará un rumbo que les invitará a aprovechar esta fascinante coincidencia.

"Una historia de amor como cualquier" podrá pensar de primeras. "Dos almas perdidas que conectan de una forma más o menos estrafalaria y listos". Efectivamente se podría haber convertido en un producto insulso y tópico si no fuera por la maestría y la forma con la que se nos presenta todo esto.

De entrada todo sucede en un entorno donde prevalece la razón mecanicista e higienista. Un matadero donde todo está perfectamente diseñado para asistir a la muerte animal y su descuartizamiento. Cuerpos sangrientos que emplean a un conjunto de personas que nos van mostrando lo más profundo de su alma. Acompañando la trama principal en la que se mezclan de forma genial la sosa vida diaria del dos protagonistas con sus sueños conectados y luminosos se nos presentan también las caras oscuras y escondidas del hipócrita, el corrupto (en todas partes hay un corrupto!) o el pijo. Nadie es lo que aparenta. O dicho de otra forma: todo el mundo esconde otra realidad detrás de un estereotipo.

Nuestros dos protagonistas deben luchar "para que sus sueños se hagan realidad" y literalmente dejen de soñar. Ante una realidad aséptica y carente de mágica fascinación emergen dos personajes que conectan a pesar estén situados en el límite de la tragedia y la soledad enfermiza.

La sobriedad de las imágenes y los diálogos contrastan con la aparición con esfuerzo y sufrimiento de un amor que no se puede ignorar de ninguna manera. Un contraste que puede parecer incluso gélido pero que consigue capturar momentos y experiencias realmente fascinantes en cuanto se llega a dar sentido a todo. Realismo mágico de un cine cargado de un romanticismo fantasioso que conecta con el universo emotivo del espectador. Bueno, en mi caso ha sido así y lo disfruté intensamente. Me podéis llamar inocente si os parece. (7/10)
http://bit.ly/2AqQjlG
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1 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blade Runner 2049
Blade Runner 2049 (2017)
  • 7,1
    35.804
  • Estados Unidos Denis Villeneuve
  • Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, ...
8
Digna y impactante
Vaya por delante que la primera "Blade Runner" es una película matrícula de honor. Es normal que con 35 años nadie se haya atrevido a hacer una secuela porque el listón era casi insuperable.
Denis Villenueve (con las destacadas "La llegada" y "Prisoners") supera la prueba con una valentía previa reconocida y con un resultado final cargado de elegancia y marca propia. El reto no era fácil para la sistemática comparativa que de forma inevitable tenía que soportar.

Vayamos por partes. El guión y la trama tienen su parte sorpresiva pero tampoco estamos ante diálogos ingeniosos o complejos. No hay en ningún momento enigmas indescifrables que nos obliguen a estrujar el cerebro. Con personajes que hablan más a través de los silencios y actitudes que con la conversación se muestra todo el entramado sin subterfugios ni engaños. La intención va más encaminada a mostrar ambientaciones densas y opresivas en un futuro distópico al tiempo que, de forma bien sugerida, se nos van presentando aquellas preguntas existenciales en torno a los recuerdos, lo que nos diferencia como humanos de unos androides que están fabricados y no nacidos, la conciencia de finitud o la complejidad de las emociones. Una intención que se consigue con creces y que supera con nota el obstáculo de tener una duración desmedida. Efectivamente, en algún momento parece que se atasca todo, pero siempre nos sale a socorrer una fotografía espléndida en unos entornos enigmáticos y llenos de detalles que, además, se configuran como un universo particular huyendo de una estricta imitación de la primera parte .

De todas formas he echado de menos el atrevimiento y la capacidad de seducción de los personajes secundarios además de la música singular de Vangelis sin desmerecer un Hans Zimmer que, cuando aparece, cumple perfectamente la función de inquietar poderosamente.

Ante la pregunta si es necesario ver la primera parte para aquel que todavía no lo haya hecho la respuesta es un si contundente en el caso de que queramos disfrutar de todos los espejos y homenajes que podremos encontrar en la película que nos ocupa.

Dos horas y cuarenta minutos que merecen pasar por taquilla para dejarnos inundar de un cine meritorio por su espectacularidad, su capacidad de transmitir trascendencia sin agobiar a pesar de que la lucha por superar el original ya estuviera perdida de entrada. (8,5/10)
http://bit.ly/2y6qmbX
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13 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Detroit
Detroit (2017)
  • 6,9
    9.074
  • Estados Unidos Kathryn Bigelow
  • John Boyega, Algee Smith, Will Poulter, Jack Reynor, ...
8
Racismo rasgando tu piel
Las dos últimas realizaciones de la directora Kathryn Bigelow ( "La noche más oscura" y "En tierra hostil") me empujan a sentarse en el sillón un poco preocupado por la duración de más de dos horas y la posibilidad de entrar en algún momento en la fase bostezo. A la salida la preocupación se ha convertido en satisfación por la experiencia vivida.
En primer término hay que aclarar que la cinta no quiere ser una narración neutra en torno a los hechos. Y desde ese momento no se puede criticar su falta de visión histórica contextualizada y global. La directora ha dejado muy claro que su intención, además de captar la atención, pasa por provocar vivencias similares a las vividas en un episodio racista concreto dentro de las revueltas en Detroit de hace 50 años. Entiendo que el propósito se cumple y todo ello nos permite disfrutar de una vivencia muy física alrededor de unos personajes reales que protagonizaron unos hechos en los que el abuso de poder policial se desmadra en un contexto abonado por una segregación racista implacable y del todo injusta.
La cinta comienza con una primera parte introductoria donde se nos presenta la situación histórica de forma muy breve y se van dando a conocer los personajes uno por uno. La parte central se ubica dentro del Motel Alsier con un fuerza que te impregna de una tensión y un horror propios de una película de miedo. En la parte final podemos ver un desenlace centrado en el juicio a los tres policías implicados y la enorme indignación de la comunidad negra. Tres bloques diferenciados que permiten una mezcla de estilos y también de géneros que van hurgando continuamente en la herida abierta de la indignación y la injusticia llegando a un terror claustrofóbico que no te deja ni respirar.
Además, y como culminación meritoria, la directora consigue situarnos ante un espejo ya sea de forma personal e intima o de forma colectiva por la similitud con sucesos recientes alrededor de abusos policiales y de carácter racista. Un mérito cargado de un mensaje poderoso que penetra más a través del desasosiego que por el lado más racional.
"Detroit" consigue llegar a nuestra conciencia por el canal de las emociones con una propuesta cargada de dinamismo, contundencia y excelente realización para mostrarnos un actos monstruosos, inquietantes y desechables. (8/10)
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dunkerque
Dunkerque (2017)
  • 7,1
    44.411
  • Estados Unidos Christopher Nolan
  • Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, ...
9
Desesperación vivenciada
El cine está claro que evoluciona desde la visión más externa de tercera persona y de una narrativa clásica hacia un cine de emociones intensas y el máximo de cercanas a la realidad vivida. Christopher Nolan lo consigue con una narrativa discontinua en el tiempo pero muy bien enlazada con diferentes puntos de vista de la misma escena, con una cámara y una edición ajustadísimos y con la ayuda indispensable de la música de un Hans Zimmer impactante y magnético. Resulta curiosa la sensación del final de la película en la que la banda sonora se convierte en un silencio previo a la finalización. Un silencio te deja huérfano de algo que te ha acompañado durante todo el metraje. Podríamos decir sin exagerar que ella sola se convierte con un protagonista destacado de todo el memorable conjunto.
Estamos ante una obra singular en la que se narran un hechos suficientemente conocidos de la retirada de la playa de Dunkerque sin el protagonismo de un personaje o un grupo en concreto y con la pretensión de que todo el peso se traslade a las angustias e inquietudes vividas por tierra, mar y aire (también añadiría el fuego) de unos cuantos personajes con una realismo cercano e intenso. En este punto quizás se debe recriminar el hecho de que no participe ninguna mujer en casi toda la trama. Un aspecto que no habría costado nada tener en cuenta.
Cine de sensaciones epidérmicas, de tensión psicológica que te transporta hasta la angustia vital y profunda de cada uno de los protagonistas. Los héroes lo son casi de forma involuntaria y abunda el miedo, las trampas para sobrevivir y el sálvese quien pueda más salvaje. Situaciones límite donde la voluntad empequeñece hasta desaparecer.
Salgo de la sala con la impresión de haber vivido algo más que un experiencia cinematográfica. Creo que el impacto se acerca "peligrosamente" a todo aquello que puede haber percibido un soldado en una episodio como este. Desde el pánico hasta el alivio, desde la angustia hasta la cobardía más despreciable, desde la dignidad solidaria hasta la mezquina exclusión del diferente, desde la locura por haber tocado la muerte hasta la valentía para afrontarla ... y podría continuar. En todo caso se deja muy claro en todo momento que tú no eliges y que podrías estar en cualquiera de los dos lados atendiendo a un instinto de supervivencia que no tiene nada de racional ni de heroico.
Una cinta que desde la evocación intensa de un episodio bélico se convierte, a la vez que una experiencia angustiosa y profunda, en un canto a la paz y la solidaridad. Decir que es imprescindible es quedarse corto. (9/10)
http://bit.ly/2vsrrHI
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10 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Su mejor historia
Su mejor historia (2016)
  • 6,2
    1.972
  • Reino Unido Lone Scherfig
  • Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston, Bill Nighy, ...
7
Ficción para tiempo difíciles
En el Londres de la Segunda Guerra Mundial se pone en funcionamiento un departamento de propaganda especialmente dirigido a destacar heroicidades bien elegidas. Estos tiempos de guerra significan una oportunidad para que las mujeres se puedan incorporar al mundo laboral y empoderarse de sus trabajos por méritos propios. Catrin es una de esas que a partir de la redacción de "monsergas" llega a ser guionista de una producción destinada a subir los ánimos de una población intimidada por las bombas. Una oportunidad que no desaprovecha aunque tenga que lidiar una auténtica "guerra" con sus compañeros varones.

La directora Lone Scherfig no me acabó de convencer a "An Education" pese sí lo hizo su tono y sus maneras que apuntaban. Animado por esto y por alguna recomendación entro en la sala para disfrutar de una producción inglesa fiel a sus estándares de equilibrio y buen oficio. La directora es de origen sueco y esto le da una mirada externa que le ayuda a convertir una historia clásica en una mezcla interesante de drama, comedia, talento y ternura. Todo es muy previsible dentro de la línea narrativa pero ... ¡qué habilidad para abordar el cómo se desarrolla todo !. Los excesos se destierran acertadamente para centrarnos en el día a día de un grupo de personajes que luchan por unos ideales a la vez que intentan que su convivencia sea lo más agradable posible. Y aquí entra en juego el ingenio, la cordialidad y la actitud juguetona de gestos y palabras para que la amargura sólo aparezca puntualmente. Y para transmitir todo esto, aparte de un buen guión que lo permite, nos encontramos un grupo interpretativo que consigue hacer de la sutileza y el detalle una virtud incontestable. Con una notable Gemma Artenton como protagonista quisiera destacar al veterano incombustible Bill Nighy. Hay una larga escena de llanto y consuelo entre ambos al final de la película que se podría poner como ejemplo a seguir a cualquier escuela dramática.

Otro aspecto que añade interés es la visión del mundo del cine como una maquinaria para crear sueños con una realidad interna muy característica y peculiar. Una forma acertada --con una escena final conmovedora y eloqüent-- para hacernos llegar un mensaje claro en torno a los límites entre realidad y ficción con la imperiosa necesidad de edulcorar un poco la primera con todo lo que está en nuestras manos mucho más allá de considerar el cine sólo como una evasión o una fuga cobarde.

Una peculiar british film que se convierte en un apasionado homenaje al mundo del cine, a un feminismo sin militancia, a la ingeniosa cordialidad en tiempo amargos y a los héroes cotidianos alejados de las estridencias. (7/10)
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Júlia ist
Júlia ist (2017)
  • 6,3
    1.323
  • España Elena Martin
  • Elena Martin, Oriol Puig, Laura Weissmahr, Jakob Daprile, ...
7
La naturalidad filmada
Esta cinta nos deja claro que cuando queremos expresar emociones lo mejor que se puede hacer es empezar por uno mismo con la sinceridad por bandera.
La directora Elena Martín (la actriz protagonista de "las amigas de Ágata") consigue transmitir perfectamente su universo interior a partir de una vivencia especial y iniciática en la que ella madura como persona y rompe mínimamente con su entorno acomodado de familia y pareja. Un Erasmus cualquiera de un curso de duración se nos presenta con una mirada íntima y sincera con un estilismo indie que nos transporta perfectamente dentro unas percepciones convulsas que se afrontan, ¿porque no decirlo?, de una forma bien egoísta. Una adolescente entrada en edad que quiere descubrir algo más allá de lo que ha tenido generosamente a su alcance. Una actitud que tiene su precio y que se materializa claramente en la última escena de la película.
Elena no pretende en ningún momento, y hace muy bien, aleccionarnos sobre los caminos adecuados o no. Nos muestra en su plenitud y de forma autobiográfica el conflicto vital que nos impulsa a buscar más allá, de explorar por uno mismo y de forma autónoma el mundo dentro del cual no dispone de la protección blindada de mi entorno. Podemos confirmar que este tipo de experiencia es la ceremonia iniciática de un sector social que, todavía lejos de poder emanciparse, necesita autoafirmarse a la vez que encuentra su identidad. La protagonista no es perfecta ni pretende serlo, está cargada de dudas y acierta plenamente al dejarlas emerger sidemasiada autocensura.
¿Y cómo se consigue transmitir todo ello sin correr el peligro de caer en ese tópico de ser una cinta donde "no pasa nada" y nos deje indiferentes porque "no hemos entrado" ?. Pues con una cámara que evoca lo que necesita el momento: desenfoca con la ansiedad, se mueve cuando hay inquietud y busca a la protagonista de forma compulsiva. También ayuda un guión y un montaje bien estructurados y con un trabajo inmenso detrás. La música entra en los momentos álgidos para enfatizar en la emoción. Y, finalmente, una interpretación de una naturalidad creíble que nos engancha aún más al personaje de Julia.
Una película que se mueve entre la espontaneidad y la vivencia con una veracidad cercana a un diario íntimo cinematográfico a partir de una estudiante de Erasmus en conflicto. (7/10)
http://bit.ly/1bTcqzG
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paraíso
Paraíso (2016)
  • 6,6
    924
  • Rusia Andrei Konchalovsky
  • Yuliya Vysotskaya, Christian Clauss, Philippe Duquesne, Peter Kurth, ...
8
Las bases de la barbarie
Con el consejo acertado de un amigo y después de saber que el director ruso Andrei Konchalovsky es lo mismo que la magnífica "El cartero de las noches blancas" hago una ventana en la agenda.

Más de dos horas de proyección en un blanco y negro excelente y en un formato 4:3 que a mí particularmente me provoca (también me pasó con "El hijo de Saul") que busques y te imagines lo que no se ve y está fuera de cuadro. Los sonidos y lo que sólo se intuye hacen volar la imaginación de una forma muy intensa. La cámara no muestra lo que quieres, te entran ganas de cogerla y moverla hacia otro lado.

Todo gira en torno a la Olga, el Jules y el Helmut que nos van contando en formato de entrevista de cara al público su versión de los hechos y sus motivaciones vitales y profundas. Olga, una aristócrata rusa residente en Paris, es arrestada por Jules por ocultar niños judíos. Consigue rebajar su castigo a cambio de favores sexuales. Ya en un campo de concertación se reencuentra con Helmut, un oficial alemán que había conocido intensamente en Italia durante los felices años antes de la guerra. Ambos vivirán un extraño reencuentro en medio de la barbarie.

La enésima película sobre el holocausto puede parecer reiterativa y ya muy explotada. ¿Qué nos aporta de nuevo"Paraiso" ?. En mi opinión una visión profundamente humana y diversa del perfil psicológico de los tres protagonistas como buenos estereotipos en representación de lo que sería el sustrato anímico de la barbarie. Olga sería una víctima que pasa de una élite acomodada a ser una fugitiva permanente que debe sobrevivir y mantener una dignidad mínima. Jules es un comisario padre de familia que no duda en convertirse en colaboracionista para mantener su estatus aunque sea a base de autoengaños gigantescos. Finalmente Helmunt sería el joven arrogante y pretencioso que realmente cree en el paraíso germánico y es capaz de hacer cualquier cosa para conseguirlo. Un monstruo gélido que es capaz de asumir su propia muerte aunque también tiene sus momentos de dudas.

La gran fortaleza de esta cinta se encuentra precisamente en impactarnos con unos modelos humanos más que mostrarnos imágenes de la crudeza hiperrealista de todo lo que pasó. Modelos que se acercan peligrosamente a los actuales y, aquí nos entra el miedo, a las propias motivaciones. Jules encarna los que van en busca del estatus y el poder a través del cinismo, Helmut aquellos que creen ciegamente en la utopía y el paraíso y, afortunadamente, Olga que cree en la dignidad y la esperanza de la persona aunque tenga que pagar un precio desorbitado.

Salir de la sala con la pregunta recurrente si todo ello está muy lejos del momento actual de la postverdad/basura, la peligrosa megalomanía con una multitud permisiva y aplacada es una de las conquistas de la cinta: conseguir recuperar la memoria histórica a la vez que escarba intensamente la conciencia adormecida. Se trata ya de una de las películas imprescindibles del año. (8.5/10)

http://bit.ly/2s2nMCr
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
No sé decir adiós
No sé decir adiós (2017)
  • 6,1
    1.677
  • España Lino Escalera
  • Nathalie Poza, Juan Diego, Lola Dueñas, Pau Durà, ...
7
Espectros fugitivos y miedosos
Entraba en la sala con ganas de ver cine pero con el cuerpo cansado y con dudas sobre si aguantaría lúcido toda la película. Finalmente quedo atrapado, con un cuerpo que no tiene otra opción que estar en tensión ante un drama familiar que te golpea.
Carla (una Nathalie Poza magnífica) vive en Barcelona, ​​tiene una vida profesional de éxito y recibe la llamada de su hermana Blanca (una Lola Dueñas de altura) que vive en Almería. Su padre está enfermo terminal. El reencuentro de la familia después de una larga ausencia y en estas circunstancias provocará que se exterioricen los mundos interiores de los tres personajes. Hay que decir que sólo por sus interpretaciones, con un Juan Diego magistral, vale la pena pasar por taquilla.
De entrada parece que el director novel Lino Escalera nos hablará de la muerte y la forma de afrontarla. Acertadamente va más allá y nos dibuja un triángulo de personalidades ligadas a un pasado que se intuye, aunque no se explicita en ningún momento, tenebroso y conflictivo. Tres vidas que más bien son espectros que "van tirando" sin demasiado sentido ni voluntad de vivir en plenitud. Todo nos apunta que están los tres en una aburrida inercia y con una enigmática rabia contenida.
La soledad, la incomunicación y la insatisfacción absoluta se van mostrando en situaciones bien ordinarias y domésticas. Conversaciones dentro el coche, silencios ante una TV que abruma al padre o discusiones cortas e intensas donde la razón no aparece en ningún momento. Lo que más llega a inquietar es hasta qué punto aquella sonrisa contenida no evidencia la proximidad personal y peligrosa a una forma de vida apagada y cargada de una amargura muy propia de la contemporaneidad. Técnicamente se transmite este desasosiego con cortes inesperados y fundidas a un negro perturbador.
En cierto modo todas y todos somos fugitivos y miedosos. Que levante la mano quien no. Lo que ocurre en esta obra es que los tres personajes no tienen otro registro y esconden bajo una apariencia de normalidad toda una serie de frustraciones enquistadas que explotan en una carrera de despropósitos y excesos contradictorios. La película es una magnífica exageración que llega a dar miedo cuando algunas situaciones se acercan demasiado a la propia cotidianidad. ¡No, no!, seguro que no es el caso pero lo que sí que se consigue es sembrar la duda.
(7,5 / 10)
http://bit.ly/2rTI0Of
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rosalie Blum
Rosalie Blum (2015)
  • 6,5
    1.394
  • Francia Julien Rappeneau
  • Noémie Lvovsky, Kyan Khojandi, Alice Isaaz, Anémone, ...
7
Buena comedia sugestiva y melancólica
Quien más quien menos es o ha sido fugitivo en esta vida. Los hay que lo son a la fuerza para encontrarse a uno mismo. La juventud parece el momento propicio. Los hay que huyen de un pasado convulso y muy doloroso. Los hay que están cómodamente instalados y no saben que lo son. Esta es una película de vidas banales que se entrelazan en su huida personal.
La vida tranquila con su madre y su negocio de peluquería de Vicente en una población rural de Francia se ve alterada por un minúsculo deja vú que desencadenará toda la trama. Está convencido de que la mujer que acaba de conocer ya la ha visto antes y comenzará una pequeña investigación que lo sacará de la monotonía cotidiana. Según dicen los datos, más del 70% de la población ha tenido en algún momento esa sensación de haber experimentado previamente una vivencia nueva. A pesar de ello nuestro protagonista se empeña en saber más de Rosalie mientras en paralelo aparece Aude para acabar de completar este fantasioso triángulo.
El valor de esta película y ópera prima de Julien Rappeneau es que huye de las trilladas comedias francesas "de éxito rotundo de recaudación" y se decanta hacia una opción más cercana a la magia de los detalles cotidianos dentro de vidas insustanciales. El director acierta plenamente en un humor sin estridencias que se acerca al absurdo y que se muestra con una actitud juguetona admirable. Con un guión que encaja perfectamente y desde una sencillez exquisita todo fluye en un vitalismo ordinario y contundente a la vez. Algunos aspectos resolutivos pueden parecer forzados y otros algo exagerados si lo analizamos con una mirada racionalista que no corresponde. No deje que la corteza cerebral lógica le domine.
Sencilla, humilde y mágica. Una experiencia íntima que a mí personalmente me ha secuestrado con una propuesta peculiar y con la que me he identificado en multitud de situaciones.
¿Será que también soy un fugitivo perseguido por fantasmas impertinentes? (7,5 / 10)
http://bit.ly/2pp0ZhX
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil