Un duro y atractivo drama que hace que se mezcle la ficción con la realidad con mucha naturalidad. Adultos torturados y torturadores vistos a través de la mirada de un niño de 8 años.
Un niño acosado por el mal que lo rodea en un mundo desesperado que no puede entender (o no quiere...). El único que parece guardar algo de alegría en su interior de entre todos los personajes de la cinta, constantemente de mala leche o haciendo frente a circunstancias desagradables. Poco a poco ve como las desgracias se suceden a su alrededor pasandolas a través del prisma mágico de su imaginación.


Ambientada en un pequeño pueblo de la américa profunda de los años 50 nos recuerda a David Lynch. Fotografía genial que queda encajada perfectamente en los planos con la banda sonora, Un ambiente maravillosamente agobiante y enrarecido de principio a fin.
Quizás uno de sus puntos flojos sea ese final tan cortante dejando muchos cabos sueltos de la historia, o quizá otro de sus encantos...

— Parece un plato roto.
— Es cubismo.
— Como un bodegón.
— Baratijas... Estaba bromeando.
— Por supuesto.
— No todos podemos ser cultos.
— No todos podemos ser infantiles, tampoco.
— ¡Escucha, los "infantiles" como yo os salvamos a la gente como tú de la invasión!
— ¿A qué viene eso? No tiene nada que ver. Nadie cuestiona tu valor. Sólo tu mente.
— ¿Mi mente? ¡No le pasa nada a mi mente! "¡FUBAR!"
— ¿Qué quieres decir con eso?
— Tú eres la inteligente. Averígualo.
— ¿Qué diablos significa?
— Absolutamente jodido (Fucked Up, Beyond All Recognition)
— ¿A dónde vas?
— ¡A ver los impresionistas!

Este diálogo podría resumir la película. ¿Es la misma historia de siempre? Sí y no. Es un argumento que hemos visto muchas veces (mujer joven casada con marido mayor lo abandona por un joven), pero aquí lo importante no es simplemente el argumento, sino la forma de mostrarlo y el trasfondo de los personajes.
Al dejar al marido e irse con el joven podría parecer que comienza un largo idilio, pero en apenas diez meses las cosas ya no son lo que en un principio parecía.
Ella es el cubismo, él el impresionismo. Ella vive el presente, él se ha quedado anclado en su pasado como soldado durante la Segunda Guerra Mundial. Ella muestra todas sus caras, es pasional, espontánea. Él es la impresión de lo que deja ver, pero no muestra su interior. Es por eso que a ella se nos la presenta en un plano frontal enmarcada por una ventana y con un fundido encadenado pasamos al mismo plano pero desde el interior de ese cubo que es la vivienda. Es por ello también que muchas veces en los planos sale su imagen directa y la reflejada en un espejo al mismo tiempo y siempre en tonos apagados; recuerda al intento de los cubistas de plasmar las tres dimensiones en el plano. A él en cambio se nos lo presenta con mucha luz de fondo que resalta el grano de la película y le da ese aspecto de cuadro impresionista.
Sin embargo en la única escena de cama que hay en la película (atracción física a la que el marido llamaba primitivismo) Terence Davies lo filma de una forma que resalta las torsiones de los cuerpos entre sí y que nos remite a los bajorrelieves de Miguel Ángel, un estilo artístico todavía anterior.
Se aman pero a la vez se hacen daño. Los malentendidos, la diferente forma de pensar y actuar, los lleva a un callejón sin salida del que sólo podrán salir analizándose a sí mismos y al otro, tomando una cierta distancia. Y es cuando ella se distancia emocionalmente de él, como ante un cuadro impresionista, cuando parece que vamos a ver los verdaderos sentimientos de él, por un momento creemos verlos, pero es el fin ya, la distancia es demasiado grande y él se ha dado la vuelta para marcharse definitivamente sin que veamos derramarse esas lágrimas que por primera vez amenazaban con desbordar sus párpados.
Es el fin, pero es esperanzador, pues todo fin es un nuevo comienzo. Y para ella será reinventándose quizás en un nuevo estilo de arte, pues como decía Stefan Zweig: "Vivir es crear".

"Costa da Morte"; funesto nombre sobre el que hablan dos pescadores. Puede que aquí se venga a morir (esos naufragios causa de la denominación), sin embargo aquí la vida se abre paso vigorosamente ya sea en forma de paisaje natural o con la presencia humana. Quizás lo que más le achaco a la película es la falta de la presencia animal. No es que no aparezcan, pero las pocas veces que aparecen son totalmente a merced del ser humano (caza de zorros, rapa das bestas...). Aunque visto en cierto modo puede tener más sentido así (¿dónde está esa población de conejos que recuerdan los mayores de las aldeas?, ¿cuándo vemos un zorro si no es atropellado en una carretera comarcal?)

Lois Patiño (junto con Carla Andrade) viajó durante varios meses por la Costa da Morte en su furgoneta, con una cámara, buscando planos, momentos (paisajes nebulosos, el viento, un incendio...). A veces rodaba en la distancia a unos personajes y luego se acercaba a conversar con ellos para grabar los diálogos. Y es que el sonido de la película fue prácticamente en su totalidad creado en posproducción estableciendo una contraposición entre los grandes planos generales con los personajes alejados y el sonido de estos en primer plano.

El resultado es un cruce entre la observación pura y el costumbrismo galaico con más sentido del humor (¿"Koyanisqatsi" y "Mareas vivas"?). La interacción del hombre con el medio es el tema principal de la película; a veces es sutil y a veces salvaje. En los diálogos de los personajes (que son los que aportan el punto humorístico) se adivina un deseo (involuntario) de indagar en la huella genética legendaria de esta zona como una especie de trasunto de lo que hacía Lorca en su Romancero gitano (salvando las distancias) aunque a quien parafrasea es a Castelao: 'Nun entrar do home na paisaxe e da paisaxe no home creouse a vida eterna de Galiza'.

Así, la película de Lois Patiño es un interesante camino para el cine gallego que parece tener cierto éxito en los certámenes internacionales con este tipo de propuestas ("Arraianos" de Eloi Enciso también fue una película laureada en el circuito de festivales) ya que en lo que respecta al "cine comercial" seguimos con el mismo estancamiento de siempre.

Da-reun na-ra-e-suh (In Another Country) es la última película, hasta la fecha, de Hong Sang-Soo. Desconozco el resto del cine de Sang-Soo así que no puedo valorar su obra en conjunto, pero si puedo decir que en esta película se ve el interés del director por los mecanismos de la representación y la creación de ficción.

La película trata de una chica que decide escribir un guión sobre varias mujeres extranjeras que viajan a Corea por diferentes motivos. Isabelle Huppert interpreta a las tres extranjeras y las historias se desarroyan todas en los mismos escenarios. El resultado final puede suscitar críticas por lo artificial de las situaciones e interpretaciones, pero significa no haberla entendido. Lo que algunos pueden interpretar como cosas negativas es lo que a mi me resulta verdaderamente interesante de ella.

El film, en realidad, versa sobre la chica que escribe el guión; en los tres diferenciados relatos que hay dentro de él, se destila la búsqueda de la naturalidad en la ficción, los bosquejos de guión que se escriben antes de llegar a un resultado satisfactorio. Las películas que hay dentro de la película tratan sobre la película de la que forman parte, sobre lo que hay en la mente de la joven escritora, sus personajes estereotipados infantiles y las situaciones con verdaderamente poco sentido.

Todo esto, plasmado en la pantalla por otro director podría convertirse en una orgía para la vista, pero Sang-Soo opta por una planificación bastante sencilla; no mueve la cámara nunca del sitio y sólo usa el zoom en algunas escenas para reencuadrar. Ya desde los títulos de crédito del principio se sugiere el aire infantil del relato (usando una caligrafía que recuerda a la de un niño). Es de suponer que el director ha querido "crear" lo menos posible en una cinta que trata sobre eso mismo, limitándose a "estar ahí". Así, la película se desarroya de una forma bastante ingenua, casi como una película de dibujos animados.

Es, en suma, uno de los ejercicios de metaficción más elaborados y más simples (estos dos conceptos no tienen por qué ser incompatibles) de los últimos años. La escritora se dedica a la búsqueda de las palabras, con mayor o menor acierto, así como en la película Isabelle Huppert busca por el pueblo un faro. Y es que, al fin y al cabo, crear literatura es como una búsqueda de las palabras entre la niebla: la mayor parte del tiempo infructuosa, pero a veces iluminada por la luz de la inspiración. Casi una cuestión de fe.

En un escenario post-11S no es de extrañar que en Hollywood pronto apareciesen películas que diseccionasen la nueva situación del país y, por tanto, del mundo. Lo que sí puede parecer raro es que fuesen críticas con el gobierno en un temprano 2004, aunque en este caso de forma muy sutil.

Tras los fatídicos atentados del World Trade Center el discurso político norteamericano se empapó del asunto sobre la necesidad de atacar antes de ser atacado; las llamadas guerras preventivas. En los medios se sembró el miedo, cosa que claro, no fué demasiado complicada después de las imágenes retransmitidas en directo en todo el mundo el 11 de Septiembre de 2001.

En esta película se nos presenta una pequeña aldea de aspecto decimonónico cuyos habitantes viven aterrados por las criaturas que pueblan los bosques que la rodean. Están dominados por el terror y deben seguir unas pautas de comportamiento con relación a ello.

Esta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. Y como tal no tenemos que compartir el miedo de los personajes, sino simplemente comprenderlo. Es por ello que los momentos en los que los personajes están más aterrados son, al mismo tiempo, los que se impregnan de más romanticismo. Basta recordar la escena en la cual los seres del bosque llegan al pueblo y todos deben refugiarse en sus casas lo antes posible. Esa escena en la que la protagonista femenina desafía lo establecido y mientras le ordenan que cierre la puerta ella espera con el brazo extendido hasta que llegue su amado.