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Críticas de Miquel
Críticas ordenadas por:
Subida al cielo
Subida al cielo (1951)
  • 6,6
    574
  • México Luis Buñuel
  • Lilia Prado, Carmelita González, Esteban Márquez, Luis Aceves Castañeda, ...
7
Viaje al cielo
Comedia dramática realizada por Luis Buñuel (1900-1983) a partir de un guión escrito por Manuel Altolaguirre, Juan de la Cabada y Luis Buñuel, que desarrolla un argumento de Manuel Altolaguirre y Manuel Reachi, con diálogos de Juan de la Cabada y Lilia Solano Galeana. Se rueda en escenarios reales de la costa del Pacífico del estado de Guerrero (Méjico) y en los platós de los Estudios Cinematográficos Tepeyac (Méjico), con un bajo presupuesto y un programa acelerado de rodaje. El film es nominado a la Palma de oro (mejor película) del Festival de Cannes (Francia). Producido por manuel Altolaguirre y María Luisa Gómez Mena para Producciones Cinematográficas Isla, se estrena el 26-VI-1952 (Méjico).

La acción dramática tiene lugar en la localidad costeña de Sanjeronimito, en la población de Petatlán (capital del municipio del mismo nombre) y en el trayecto por carretera entre ambas, a lo largo de tres o cuatro días. Oliverio Grajales (Márquez), tras casarse según las costumbres del lugar con Albina (González), se va a Petatlán (Guerrero) en autobús para requerir los servicios profesionales del notario que reclama su madre, doña Esther. El relato se desarrolla con la ayuda de la voz en “off” de un narrador y aborda, entre otros, el tema de las tentaciones que Eva plantea a Adán en el Paraíso, el viaje en busca de la salvación (versión del viaje a la Tierra Prometida) y el del mito de Eros y Tánatos o, lo que es lo mismo, entre el amor y la muerte. El relato se asienta sobre una estructura itinerante que permite encadenar con naturalidad lances diversos, situaciones diferentes e imprevistos.

Es una de las películas propias por las que Buñuel siente especial cariño, posiblemente por el peso que en ella tienen los aspectos populares. Los personajes son seres reales, sencillos y corrientes, extraídos de una región profunda y aislada de Méjico, se comportan con espontaneidad e ingenuidad, hacen uso de un lenguaje rico en expresiones coloquiales y localismos, se muestran tal como son sin pretensiones y sin artificios. Buñuel se lo pasa muy bien dirigiendo la obra e improvisando sobre la marcha la supresión de algunas escenas del guión por falta de presupuesto y sustituyéndolas por otras mucho más sencillas y más próximas a su mundo interior, como la de la niña que viaja en el autocar.

La obra contiene las escenas oníricas de rigor, propias de un Buñuel en un momento de espléndida madurez y plenitud de facultades creativas. En una de ellas pone en relación la manzana de Eva, la madre, la esposa y la amante, en el marco de una visión de gran interés y de notable penetración psicológica. Por lo demás, no falta la presencia de un número elevado de animales, exponentes de la irracionalidad que puebla el universo de los seres humanos. Se ven ovejas, cabras, bueyes, gallinas, etc.
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13 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Olimpiada
Olimpiada (1938)
  • 7,9
    1.872
  • Alemania Leni Riefenstahl
  • Documentary
9
Los Juegos Olímpicos del 36
Largometraje documental sobre los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 realizado por la alemana Leni (Helena) Riefenstahl (1902-2003) (“El triunfo de la voluntad”, 1935). Se rueda en la Acrópolis (Atenas, Grecia), el Estadio Olímpico de Berlín, Berlín y en los platós de los estudios de Olympia Film, por encargo del Comité Olímpico Internacional. Se produjeron casi 250 horas de filmación, con la ayuda de más de 30 cámaras, la construcción de numerosas torres de acero, el montaje de plataformas y raíles y el concurso de más de un centenar de colaboradores. El montaje final deja el metraje en 118 minutos (1ª parte) y 107 minutos (2ª parte). Obtiene el premio al mejor film del Festival de Venecia (1938) y la medalla de Oro del Comité Olímpico Internacional (COI). Producido por Leni Riefenstahl para Olympia Film, Tobis Filmkunst y el Comité Olímpico Internacional (no acreditado), se proyecta por primera vez en público el 20-III-1938 (Berlín), tras 2 años de montaje.

Es el primer documental que trata de unos Juegos Olímpicos. Exalta el deporte, el esfuerzo físico, la competitividad, el espíritu olímpico, el deporte en grupo, la superación personal, el valor del triunfo y del premio, etc. Se complace en mostrar la plasticidad del cuerpo humano en movimiento, la complementariedad que se da entre el deporte y la naturaleza, la fascinación que Riefenstahl siente por la gimnasia y los grandes cuadros gimnásticos geométricos. No oculta la admiración que suscitan en ella los atletas que considera los más completos (ganadores de la decatlón).

Se detiene con especial delectación en la contemplación de lo que más le gusta: las evoluciones de los números de gimnasia individual y los saltos del trampolín. Les dedica encuadres a cámara lenta, compone tomas desde ángulos y alturas diferentes, recorta las siluetas sobre la inmensidad del cielo y presenta los atletas enfrentados a ellos mismos, aislados del público, las banderas, los escudos y el sonido ambiente. A través de series de imágenes (arquitecturas, esculturas…) confiesa su admiración por el mundo clásico de la antigua Grecia que impulsó y prestigió la práctica del deporte con la creación de los antiguos juegos olímpicos, de los que los actuales son continuación. Viejos y nuevos juegos olímpicos comparten un mismo espíritu, objetivos similares y modalidades deportivas comunes como el lanzamiento de disco, peso, martillo, etc.

Por lo que respecta a la creación de imágenes, la realizadora en esta ocasión va algo más allá de lo que había conseguido en “El triunfo de la voluntad”. Incrementa la longitud y variedad de los travellings, hace uso de la cámara lenta (gimnasia) y de la cámara acelerada (caballos), incorpora composiciones esteticistas (reflejos en el agua), construye la continuidad del movimiento mediante tomas filmadas siempre desde el mismo lado y con ángulos similares. (...)
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12 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
El triunfo de la voluntad
El triunfo de la voluntad (1935)
  • 7,5
    4.731
  • Alemania Leni Riefenstahl
  • Documentary
8
La belleza y la mentira
Largometraje de propaganda política realizado por la directora alemana Leni Riefenstahl (1902-2003) (“Olympia”, 1938) por encargo de Hitler. El guión, de L. Riefenstahl y Walter Ruthmann, resume los actos, desfiles, parlamentos y demostraciones que rodearon la celebración en Nuremberg (Bavaria, Alemania) del VI Congreso del Partido Nacionalsocialista en septiembre de 1935. Producido por Leni Riefensatahl para Leni Riefenstahl-Produktion, se estrena el 28-III-1935 (Alemania).

La acción tiene lugar en Nuremberg del 5 al 10 de septiembre de 1934. El protagonista principal es Adolf Hitler. Otros protagonistas son los altos jerarcas nazis: Martin Bormann, Josef Gobbels, Herman Goering, Rudolf Hess, Heinrich Himmler, etc. También son protagonistas los 52.000 militantes del partido nazi que participan en las manifestaciones con uniformes paramilitares y la población civil de Nuremberg, que asiste en las calles o desde las ventanas a los desfiles, paradas militares y demás actos públicos que tienen lugar en las calles de la ciudad.

El film constituye un discurso de exaltación de Hitler, la ideología nazi, el militarismo y los gobiernos totalitarios. Lo hace con la ayuda de los artificios de sonido, iluminación, composición, perspectiva, filmación y montaje que la realizadora tiene a su disposición. Cuenta con un equipo profesional de 120 técnicos, 30 cámaras, numerosas grúas, raíles y juegos de cables elevados que permiten tomas a 40 m de altura. Con estos medios y gracias a su trabajo, preparación y talento, la realizadora compone una narración visual que avanza a un ritmo intenso, similar al de los himnos patrióticos que se cantan, con una combinación muy imaginativa y fresca de travellings de avance, retroceso y laterales, lentos y rápidos, barridos, contraluces, planos generales, tomas cenitales, filmaciones circulares en torno al personaje central, fundidos, imágenes subjetivas, planos inferiores, superposición de imágenes, etc. No solo hay riqueza de medios y soluciones técnicas, la obra desborda imaginación, inventiva y talento. Sobre esta base la cinta constituye un recital variado y muy dinámico de imágenes seductoras que solo decae hacia el final a causa de la fatiga que producen las reiteraciones del desfile ante un Hitler que es canciller desde enero de 1933 y presidente de Alemania con el título de Führer desde el reciente fallecimiento (2-VIII-1934) del presidente alemán, Paul von Hindenburg (1847-1934).

Los desfiles y paradas de los miembros del partido nazi no son militares, sino paramilitares. Los que desfilan no llevan armas, sino solo mochilas, picos, palas, etc. La manera de sostener los picos y las palas recuerda, y a la vez evoca, los fusiles ausentes. No es casual la inclusión de un cañón de salvas. Las imágenes del águila corresponden al símbolo imperial de Alemania, no son un símbolo nazi. Los actuales euros alemanes reproducen en su anverso el águila imperial.
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20 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
La ley del hampa
La ley del hampa (1927)
  • 7,2
    535
  • Estados Unidos Josef von Sternberg
  • George Bancroft, Evelyn Brent, Clive Brook, Fred Kohler, ...
8
El abogado del gángster
Largometraje mudo realizado por el director americano de origen austriaco Josef von Sternberg (1894-1969) (“El ángel azul”, 1930). El guión, de Ben Hecht y Charles Furthman, se basa en hechos reales y en la figura del gángster Jim Colosimo (1878-1920). Se rueda en los platós de Paramount Studios (Hollywood, L.A., CA) y obtiene el Oscar al mejor guión original (Ben Hecht). Producido por Ben Schulberg y Héctor Turnbull para Paramount Pictures, se estrena el 20-VIII-1927 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC (NY) en 1926/27. “Bull” Weed (Bancrof) es un gángster especializado en asaltar bancos y joyerías. “Rolls Royce” Wensel (Brooks) es un abogado alcoholizado con el que Bull se asocia para ayudarle a superar su adicción. “Feather” McCoy (Brent) es la novia de Bull, pero se siente atraída por el refinamiento y la inteligencia de Rolls Royce. “Buck” Mulligan (Kohler), provocador e impertinente, es el gángster rival de Bull. Este, que se distingue por su coraje, es vulgar e irascible. Rolls Royce es elegante, irónico, tiene sentido del humor y sabe callar. Su apodo responde al hecho de ser tan silencioso como un Rolls Royce. Feather es lista, siente una extraña e incomprensible pasión por las plumas y es seductoramente hermosa.

El film se caracteriza por su ritmo intenso y sostenido, la acción constante, los toques de fino erotismo y el cuidadoso estudio de los caracteres protagonistas. Incluye imágenes y situaciones que anticipan elementos de “Scarface” (Hawks, 1932), con la que comparte como guionista al escritor y periodista Ben Hecht. Como otros trabajos de Sternberg, el presente despliega una excelente puesta en escena y una exquisita dirección de actores. Por lo demás, exalta la amistad masculina, la lealtad y la rebeldía del individuo contra la sociedad que le oprime. Muchos son los que consideran que inicia el subgénero del cine de gángsters, que tuvo un gran desarrollo en los años 30 y se vio engrandecido en los años 70 por el éxito de “El padrino” (Coppola, 1972).


Es interesante observar cómo el realizador desgrana la narración y define los medios que emplea al respecto. Como buen naturalista enemigo del realismo, se sirve del recurso al artificio para dar a los elementos que integran el film el sentido que desea. La ciudad en la que tiene lugar la acción (NYC), la describe como un espacio frío y distante, en el que predominan los edificios de dimensiones sobrehumanas, los suelos áridos de asfalto, los gélidos muros de cemento, los subterráneos opresivos, los clubs ilegales, etc. Las imágenes muestran la ciudad como un universo de sombras fantasmales, desorden y caos.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cantor de Jazz
El cantor de Jazz (1927)
  • 6,2
    1.277
  • Estados Unidos Alan Crosland
  • Al Jolson, May McAvoy, Warner Oland, Eugenie Besserer, ...
6
El cantante
Primer largometraje que incorpora el sonoro, si bien lo hace de modo parcial ya que solo incluye el sonido en la interpretación de las canciones y en unas pocas palabras que pone en boca del protagonista. El realizador es Alan Crosland (1894-1936) (“Don Juan”, 1928). El guión, de Alfred A. Cohn, con títulos de Jack Jamunth, adapta el relato breve “The Day of Atonement” (1922), basado en la vida de Al Jolson, y la obra de teatro “The Jazz Singer” (1925), de Samson Raphaelson. Se rueda en escenarios naturales de NY, San Francisco, Chastswort (L.A.) e Iverson Ranch (Hollywood) y en los platós de KTLA Studios (Hollywood) y Warner Bros. Studios (Hollywood, L.A., CA), con un presupuesto de 422.000 USD. Obtiene un Oscar honorífico en reconocimiento de la aportación del film al cine y una nominación al Oscar al mejor guión adaptado. En 1996 es distinguido con el premio de preservación por el Nacional Film Registry. Producido por Warner Bros. y The Vitaphone Corporation para Warner Pictures, se proyecta por primera vez en público el 6-X-1927 en sesión de preestreno (NYC, NY).

La acción dramática tiene lugar en NYC (NY), Londres y Chicago entre 1907/08 y 1927. El cantante de jazz Jack Robin/Jackie Rabinowitz (Jolson) es hijo único del cantor Rabinowitz (Oland) de himnos y plegarias de la sinagoga del barrio judío de NYC. Heredó la ocupación de su padre y este del suyo hasta cinco generaciones. Sara Rabinowitz (Besserer) es la madre sacrificada y afectuosa, que mantiene con el hijo una intensa relación de amor materno-filial. Moisha Yudelson (Lederer) es el mejor amigo del padre. Mary Dale (McAvoy) es una joven bailarina clásica que actúa en el mundo del espectáculo y que consigue triunfar en Broadway. Una de las chicas del coro es Myrna Loy. Jack/Jackie, nacido en 1897/98, sensible y frágil, tiene grandes aptitudes para el canto y desde los 10/11 años siente gran afición al jazz y al ragtime. En el momento actual (1927) tiene 30 años.

La obra desarrolla la historia de una familia judía muy apegada a sus tradiciones ancestrales en tiempos de grandes cambios impuestos por el paso del tiempo, la emergencia de nuevas costumbres, el avance en el ejercicio de las libertades individuales y la mejora de los niveles de instrucción e información de la población. Las viejas costumbres endogámicas y cerradas no se sostienen en un mundo abierto, plural, libre y metropolitano como el de Nueva York. Los antiguos planteamientos se han de modificar y se han de adaptar a nuevas formas y nuevos estilos despojados de rigorismos e inmovilismos inconvenientes e innecesarios. En este orden de cosas, el film aporta elementos de juicio que invitan a una reflexión válida para muchos.
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
La última orden
La última orden (1928)
  • 7,8
    631
  • Estados Unidos Josef von Sternberg
  • Emil Jannings, Evelyn Brent, William Powell, Jack Raymond, ...
8
El general
Largometraje mudo realizado por Josef von Sternberg (1894-1969) (“Los muelles de Nueva York”, 1928). El guión, de John F. Goodrich, desarrolla un argumento de Lajos Biro y Josef von Sternberg, basado parcialmente en hechos reales protagonizados por el militar zarista residente en Hollywood general Theodore A. Lodijensky. Se rueda en 5 semanas en los platós de Paramount Studios (Hollywood, L.A, CA). En la primera gala de los premios de la Academia de Cine obtiene el Oscar al mejor actor (Jannings). Producido por Adolph Zukor, Jesse L. Lansky y B. P. Schulberg para Paramount Pictures, se estrena el 22-I-1928 (NYC, NY).

La acción dramática tiene lugar en Hollywood en 1927 y en Rusia en 1917. El general zarista Sergius Alexander Delgorucke (Jannings), en posesión del título nobiliario de Gran Duque, es primo del zar y jefe del Ejército. Al triunfar la revolución rusa de 1917, huye del país y se exilia en Hollywood, donde trabaja como extra. En Rusia conoce a Lev Andreyev (Powell), director del teatro imperial de Kiev, y a Natalia Dobrova (Brent), renombrada revolucionaria. El general es ambicioso, presumido y de buen corazón. Lev es hábil, inteligente y vengativo. Natalia es extremista, enamoradiza y maestra en el arte de fingir.

El realizador desarrolla una narración sorprendente, rica en figuras narrativas. Observa la realidad para huir de ella con el propósito de transformarla de acuerdo con sus postulados naturalistas y sus preferencias. A Sternberg no le interesa el realismo, sino la transformación de la realidad, que acota a su conveniencia, estiliza según sus necesidades narrativas y simplifica para extraer de ella belleza y emoción estética. Los medios de trabajo que utiliza en la obra que comentamos son el recuerdo, la evocación y otros. El concurso de estos elementos convierte la realidad en una instancia con una fuerte carga de fantasía y ficción.

El discurso narrativo del film se despliega en diversos planos paralelos, hace uso de comparaciones y paralelismos, se sirve de espejos que duplican imágenes, enfrenta visiones subjetivas contrapuestas, muestra espejos que generan ensueños, presenta objetos cuya visión confunde a los personajes, etc. Sternberg justifica de este modo la irrupción del ensueño y la quimera en el relato, que de ese modo moldea a placer. Por lo demás, algunos personajes actúan fingiendo para conseguir objetivos distintos de los aparentes a ojos del espectador o de otros personajes de la escena. Adviértase la importancia que tienen la medalla y otros objetos. Préstese atención al juego de apariencias que se da en varias escenas del film.
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18 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yanqui Dandy
Yanqui Dandy (1942)
  • 6,7
    872
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • James Cagney, Joan Leslie, Walter Huston, Rosemary de Camp, ...
7
Doodle Dandy
Film realizado por el director nacido en Hungría Michael Curtiz (1886-1962) (“Casablanca”, 1942). El guión, escrito por Robert Buckner y Edmund Joseph con la colaboración de Julius J. y Philip G. Epstein, desarrolla un argumento de Robert Buckner. Se rueda en platós de Warner Studios (Burbank, CA) y se añaden algunas tomas directas de escenarios reales (Washington DC y NYC). Nominado a 8 Oscar, gana 3 (actor principal, sonido y banda sonora). Producido por Hal B. Wallis, William Cagney y Jack L. Warner para Warner Bros. Pictures, se proyecta por primera vez en público el 29-V-1942 (NYC, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Washington, NYC (NY) y otras localidades de los EEUU entre 1878 y 1942. George M. “Geo” Cohan (Cagney) es hijo de Jerry Cohan (Huston) y Nellie (Camp), actores de variedades, y hermano de Jesie (Jeanne Cagney). Los cuatro forman el grupo “The Four Cohan”. George se asocia con el productor Sam Harris (Whorf) y se relaciona con Mary (Leslie), aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de variedades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de Yankee Doodle Dandy. Jerry, de ascendencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Nellie es la espina dorsal de la familia, apoya al marido y a los hijos y garantiza la unidad del grupo artístico que forman los cuatro. Mary deja que Geo ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto.

Michael Curtiz se encarga de realizar la película inmediatamente antes de iniciar los trabajos de rodaje de “Casablanca”, su obra más conocida y relevante. Desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, crea una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

El film destila alegría, jovialidad y optimismo. De ese modo crea el marco adecuado para trasmitir sentimientos de cohesión social y de exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se había visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del país en la IIGM. La obra forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto y del esfuerzo colectivo que la guerra exigía. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador del Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del país.
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9 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
El viento
El viento (1928)
  • 8,1
    2.005
  • Estados Unidos Victor Sjöström
  • Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming, ...
9
Viento y arena
Película muda dirigida por el realizador sueco Victor Sjöström (1879-1960). El guión, de Frances Marion, se basa libremente en la novela “The Wind” (1925), de Dorothy Scarborough. Se rueda en California (Bakersfield, Mojave Dessert …). Producido por Victor Sjöström para MGM, se estrena el 23-XI-1928 (EEUU).

La acción dramática, que en la novela tiene lugar en 1880, la película la traslada a la época actual (1927-1928). En la novela y en la película los hechos suceden en el rancho imaginario Sweet Water de Texas y alrededores. Letty Mason (Gisch) es una muchacha de Virginia que al quedar sola en la vida se traslada a vivir en el rancho de su primo Beverly (Earle), casado con Cora (Cumming) y padre de 3 hijos. Lige Hightower (Hanson) reside en el rancho vecino al de Beverly y se dedica a la captura de caballos salvajes. En el tren que la lleva a Texas Letty conoce a Wirt Roddy (Love). Letty es joven, atractiva, ingenua, delicada y luchadora. Lige es fuerte y rudo. Wirt es violento y mujeriego.

El film pertenece al grupo de obras (literarias, plásticas, cinematográficas, etc.) que se inspiran en concepciones que consideran la naturaleza como fuente de fuerzas hostiles, opresivas y destructivas. En los años 20 proliferaron concepciones de este tipo, que hallaron en el movimiento modernista un espacio de acogida, apoyo y afirmación. La película que comentamos constituye un ejemplo elocuente de una visión inhóspita y trágica de la naturaleza, de su influencia sobre la psicología, el carácter y la conducta de las personas y de los extremos a los que pueden llegar sus fuerzas devastadoras y ciegas. Por otro lado, la obra constituye también un exponente de las concepciones que postulan la belleza de los aspectos más duros y perturbadores de la realidad que rodea al ser humano. El film se esmera en jugar con delicadeza y sumo cuidado con la ambigüedad de un viento enfurecido, capaz de crear adicción y de aportar, a la vez, cosas buenas y malas, problemas y soluciones, penas y alegrías.

El viento, incesante y agobiante, que envuelve la acción se comporta como un elemento que el realizador emplea para crear atmósferas y para reflejar estados de ánimo. En el film el viento cumple varias funciones a la vez y todas las cumple de un modo que en mi opinión es impecable y soberbio.

En línea con otras obras de la época (últimas manifestaciones del cine mudo), el film aporta un conjunto de sugestiones sonoras que sorprenden al espectador. Sustituye en ocasiones la ausencia de sonido mediante la visión gráfica de sus efectos sobre las personas y su entorno. Por otro lado, el realizador, para resaltar los aspectos inquietantes y perturbadores, hace uso de toques de dulzura, candidez, ternura, etc. También recurre al humor, un humor sencillo y obvio, socarrón e irónico, fresco y directo. Al respecto el realizador se muestra ocurrente y eficaz.
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16 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ciudad de conquista
Ciudad de conquista (1940)
  • 7,0
    259
  • Estados Unidos Anatole Litvak
  • James Cagney, Ann Sheridan, Anthony Quinn, Frank Craven, ...
7
La ciudad
Film realizado por Anatole Litvak (1902-1974) (“Nido de víboras”, 1948) con la colaboración de Jean Negulesco. El guión, escrito por John Wexley, se basa en la novela “City for Conquest” (1935), de Aben Kandel. Se rueda en los platós de Warner Bros. Studios (Burbank, CA). Producido por el propio Anatole Litvak y James Cagney para Warner Bros. Pictures, se estrena el 21-IX-1940 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la ciudad de Nueva York en 1930 (prólogo) y en 1940. Danny Kenny (Cagney), de unos 20 años, es un joven chofer de camiones hasta que las circunstancias le llevan a dedicarse al boxeo con el apodo de Young Samson. Peggy Nash (Sheridan) es una muchacha de unos 18 años, que tiene grandes aptitudes para el baile y desea triunfar como bailarina. Eddie Kenny (Kennedy), hermano de Danny, es músico y compositor. Murray Barns (Quinn) es un muchacho de 20 años al que le gusta participar en concursos de baile y que ambiciona dedicarse a la danza. Los protagonistas son naturales del East West Side de NYC y se conocen desde la infancia. Danny es sencillo, sincero y generoso. Murray es presumido, egoísta y autoritario. Peggy es guapa, atractiva y soñadora.

La obra exalta la ciudad de Nueva York, su arquitectura imponente y grandiosa, sus calles y sus gentes. A estas las muestra jóvenes, soñadoras, ambiciosas e inmersas en un universo de oportunidades y riesgos, alicientes y peligros, éxitos y fracasos, que se han de asumir y afrontar con iniciativa, competencia y espíritu de lucha. Por lo demás, la urbe es vista como un crisol de culturas, etnias, creencias y tipos individuales diversos y contrapuestos. Los personajes, que se presentan bien definidos, son entrañables, cercanos y creíbles.

La exposición se apoya en un narrador (Frank Craven), que permite al espectador contemplar la realidad abigarrada y compleja de la metrópoli desde una perspectiva distanciada de los hechos concretos. Este recurso contribuye a dar cohesión a la sucesión de hechos que conforman el relato. La diversidad de los mismos y los giros que las circunstancias imponen a lo largo del tiempo, aportan factores que enriquecen la historia y la hacen interesante y atractiva. Con todo, deficiencias del guión, algunas inconsistencias y otros factores, hacen que la obra presente algunos altibajos y discontinuidades. El ritmo narrativo es intenso y sostenido en el tiempo. Otra característica del film viene dada por la mezcla de géneros con la que juega (melodrama, boxeo, cine negro, musical …).

Las interpretaciones de Cagney, Sheridan y Crisp respiran naturalidad y acierto. Se dan acompañadas del debú en cine de Arthur Kennedy y Anthony Quinn y de la curiosa presencia de un joven Elia Kazan, que trabajó como actor antes de dedicarse a la dirección.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los muelles de Nueva York
Los muelles de Nueva York (1928)
  • 7,3
    631
  • Estados Unidos Josef von Sternberg
  • George Bancroft, Betty Compson, Olga Baclanova, Clyde Cook, ...
9
Una delicia muda
Séptimo largometraje del realizador Josef von Sternberg (1894-1969) (“El ángel azul”, 1930). El guión, del acreditado Jules Furthman, adapta el relato “The Dock Walloper”, de John Monk Saunders. Se rueda en los platós de Paramount Studios (Hollywood, L.A, CA), donde se montan cuatro escenarios: la bodega de un barco, un bar del puerto (el Sandbar), la habitación de una pensión y los muelles de NY. Añade unas pocas tomas exteriores. En 1999 el film es seleccionado para ser preservado por el Nacional Film Registry. Producido por Josef von Sternberg, Jesse L. Lasky y J. G. Bachmann para Paramount Pictures, se estrena el 16-IX-1928 (NYC).

La acción dramática tiene lugar durante unas 15 horas de un día de 1928 en el puerto de NY. Bill Roberts (Bancroft), fogonero de un barco mercante que llega a los muelles de NY, obtiene licencia para permanecer en tierra hasta la mañana del día siguiente. Obtienen un permiso similar su jefe, el tercer oficial Andy (Lewis), y su compañero “Sugar” Steve (Cook). Se relacionan con Mae (Compson) y Lou (Baclanova). Bill es un hombre alto, fuerte, rudo, malhumorado, individualista y violento. Mae es una chica joven, dulce, encantadora y frágil, que carece de recursos para mantenerse, adquirir la ropa que necesita y pagar la habitación que ocupa. Lou es una mujer romántica, frustrada, abandonada por el marido hace tres años y maltratada por la vida. Mae y Lou se dedican a la prostitución. “Sugar” es borrachín, leal y gran amigo de Bill. Andy se siente atraído por Mae, es violento, egoísta y desconsiderado.

El relato desarrolla una historia sencilla y asequible, protagonizada por personajes modestos, maltratados por la vida y mal pagados, que ocupan espacios marginales dentro de la sociedad y viven agitados por el crimen, la mala vida, el paro, la miseria, la explotación y la ausencia de expectativas de mejora. Este universo es el preferido del realizador, que vivió una infancia menesterosa y difícil. Sternberg describe este mundo con comprensión, simpatía y un enorme cariño. Lo muestra bullicioso, ruidoso, abigarrado. Poblado de personas de diferentes edades y distinta condición, lo contempla con benevolencia, dispuesto siempre a la disculpa y la redención. Las imágenes del bar, saturado de gente, humo, música estrepitosa, conversaciones en voz alta y ebriedad, muestran un universo que trata de olvidar su desventura y su desesperanza.

La vida del grupo sirve a Sternberg para extraer del mismo los personajes individuales: una pareja protagonista y varios personajes adicionales que complementan la historia principal. Estos personajes son tratados de un modo enternecedor, que conmueve y cautiva el ánimo del espectador. Desgracia y bondad, explotación e ingenuidad, desesperación y esperanza, son algunas de las combinaciones de opuestos a partir de las que el film crea poesía y motivos de fascinación.
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20 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una pistola al amanecer
Una pistola al amanecer (1956)
  • 6,7
    528
  • Estados Unidos Jacques Tourneur
  • Virginia Mayo, Robert Stack, Ruth Roman, Alex Nicol, ...
7
Ciudad sin ley
Quinto y último western del realizador Jacques Tourneur (1904-1977) (“Retorno al pasado”, 1947). El guión, de Lesser Samuels, adapta la novela “Great Day in the Morning” (1950), de Robert Hardy Andrews. Se rueda en escenarios exteriores y en los platós de RKO Studios (Hollywood, CA). Producido por Edmund Grainger para RKO Pictures y Edmund Grainger Productions, se estrena el 16-V-1956 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en tierras del actual territorio de Colorado y en Denver, en unos días de los primeros meses de 1861. El pistolero Owen Pentecost (Stack), natural de Carolina del Norte, llega a Denver huyendo de oscuros problemas y en busca de fortuna. A las cartas gana la propiedad de un hotel, un bazar, un circo y un saloon. Denver es en aquellos momentos una pequeña población de mineros movidos por la fiebre del oro. El origen irlandés de muchos de ellos explica que la iglesia local esté dedicada al culto católico a cargo del padre Murphy (Toomey). Owen se relaciona con Boston Grant (Roman), empleada del saloon, y con Ann Merry Alaine (Mayo), recién llegada a la localidad con el propósito de montar una tienda de ropa y confección. Su rápido ascenso social le enfrenta a Jumbo Means (Burr) y su amistad con Alaine le indispone con Stephen Kirby (Nicol). La acción se desarrolla a lo largo de unos pocos días de acción vertiginosa. Owen es egoísta, individualista, insolidario, codicioso y solitario. Boston es hermosa, apasionada, morena y seductora. Alaine encarna a una mujer emprendedora, autónoma, independiente, rubia y sensual. Jumbo es el villano del lugar. Stephen es observador, reservado y misterioso.

El realizador, haciendo uso de sus habilidades y de su condición de buen artesano, muestra a Denver como un escenario inquietante y turbulento, en el que reinan el desorden, los conflictos personales y colectivos, la injusticia, la inseguridad, la corrupción y el mal en general. Así se deduce de la presencia mayoritaria de codiciosos y desesperados buscadores de oro, oportunistas a la caza de fortunas rápidas, jugadores de cartas muy poco fiables, mujeres de vida airada que ansían liberarse, comerciantes ventajistas y sin escrúpulos, etc. La vida social se presenta dominada por un torbellino de pasiones alimentadas por impulsos primarios de venganza, odio, celos, codicia, etc. Los personajes viven agitados por contradicciones, la búsqueda ansiosa de segundas oportunidades y tensiones derivadas de situaciones límite impuestas por la inminencia de una guerra fratricida. Con los elementos indicados y otros, el film construye un emocionante, hermoso y atractivo relato, que funciona como una reflexión sobre los males derivados de la violencia, la intolerancia y el individualismo. Compone mediante trazos leves y rápidos, recios y nada piadosos, una apuesta a favor del diálogo, la solidaridad y el imperio de la ley.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Apuestas contra el mañana
Apuestas contra el mañana (1959)
  • 6,8
    496
  • Estados Unidos Robert Wise
  • Harry Belafonte, Robert Ryan, Shelley Winters, Ed Begley, ...
8
La charca
Notable drama de crimen y cine negro realizado por Robert Wise (1914-2005) (“West Side Story”, 1961) sobre un guión de Abraham Polonsky y Nelson Giddins, que adapta la novela “Odds Against Tomorrow” (1957), de William P. McGivern. Se rueda en escenarios exteriores de NY (Central Park, Hudson …) y en los platós de Gold Medal Studios (NYC) con un bajo presupuesto. Producido por Robert Wise y Harry Bellafonte para Har Bel Productions, se estrena el 15-X-1959 (NYC).

La acción dramática se desarrolla en NY y en la localidad de Milton, situada a 160 Km. de NYC, junto al río Hudson, durante unas pocas semanas del invierno de 1959. Dave Burke (Begley), un antiguo policía, de unos 60 años, recluta a dos colaboradores, Earl Slater (Ryan) y Johnny Ingram (Bellafonte), para cometer el último atraco de sus vidas. Slater es un maduro ex convicto, desocupado, frustrado y amargado, que vive mantenido por su compañera Larry (Winters). Ingram canta y toca música de jazz en un bar de los bajos fondos neoyorquinos, está separado de la mujer y es adicto a las apuestas. Burke es un antiguo oficial de policía al que la vida ha tratado mal, vive solo en la habitación de un hotel, es aficionado a las apuestas y necesita dinero para salir de un apuro. Los tres protagonistas masculinos constituyen tres imágenes diferentes y a la vez complementarias del arquetipo del perdedor.

El film presta mucha atención a la definición de los caracteres principales, a la que dedica casi la mitad del metraje. De ese modo consigue poner el desarrollo de la acción en manos de unos personajes que el espectador conoce con un nivel de detalle y de profundidad poco habituales en cine. La caracterización de los mismos pone de manifiesto sus puntos comunes y sus diferencias de idiosincrasia y carácter. Estas referencias aportan pistas que fundamentan y explican la orientación y el desarrollo de la acción. Así mismo, otorgan verosimilitud y credibilidad a la evolución de los hechos y a las incidencias que se registran a medida que avanza la acción, condicionada y al mismo tiempo impulsada por factores psicológicos, prejuicios, fobias y filias, diferencias personales de edad y de criterio, etc.

La obra incorpora un interesante alegato contra el racismo y los prejuicios que lo sustentan. La exposición se refuerza con la caracterización sumamente antipática del personaje que los encarna. Utiliza además abundantes imágenes de humedad, charcas de agua, fango y suciedad, que se desgranan en paralelo al curso de las manifestaciones racistas.
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16 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
El forajido
El forajido (1943)
  • 5,7
    652
  • Estados Unidos Howard Hughes
  • Jane Russell, Jack Buetel, Thomas Mitchell, Walter Huston, ...
6
La bella Río
Segundo y último largometraje realizado por Howard Hughes (1905-1976) (“Ángeles del infierno”, 1930), empresario, productor de cine (“Scarface”, Hawks, 1932), ingeniero y aviador. El guión, de Jules Furthman (“Tener y no tener”, Hawks, 1944), Howard Hawks y Ben Hecht, desarrolla una historia de ficción inspirada en referencias históricas y legendarias de William Boney (“Billy el niño”) y sus amigos. El rodaje se inicia como un mano a mano entre Hughes y su amigo Howard Hawks, pero trascurridos unos 10 días se disgustan y Hawks abandona el proyecto. Poco después Hughes sustituye al director de fotografía y a otros técnicos de producción. Se rueda en escenarios naturales de California (Red Rock Canyon State Park), Arizona (Tuba City y Yuma) y Nuevo Méjico (Socorro) y en los platós de General Service Studios (Hollywood, CA) y de The Lot Studios (Hollywood). Producido por Howard Hughes y Howard Hawks para Howard Hughes Productions, los trabajos concluyen en febrero de 1941, pero por problemas con la censura la obra no se estrena hasta 1943. La primera proyección pública, en sesión de preestreno, tiene lugar el 5-II-1943 (San Francisco, CA). En España no se estrenó en el circuito de salas comerciales.

La acción dramática se desarrolla en la localidad de Lincoln (Nuevo Méjico) a lo largo de varios meses de 1880. William Boney (Beutel) entabla amistad con Doc Holliday (Huston), mientras ambos viajan a caballo hacia Fort Summer, huyendo del sheriff de Lincoln, Pat Garret (Mitchell). Doc y Billy se relacionan con Río McDonald (Russell). Billy, presumido y altanero, es joven, encantador, tiene aspecto de niño, es buen tirador y gusta a las mujeres. Doc es experto, afectuoso y de trato repetuoso. Pat es celoso, susceptible y vengativo. Río es guapa, muy atractiva y está dotada de una perturbadora sensualidad.

El relato desarrolla una historia de amistad masculina focalizada en los tres protagonistas. El punto de vista de la narración se presenta saturado de misoginia. Los personajes principales se enfrentan reiteradamente por un caballo, pero no lo hacen por la mujer, que emplean como moneda de cambio cuando les conviene. A la misoginia de los protagonistas se añaden toques reiterados de unas orientaciones sexuales ambiguas, tratadas siempre con respeto. Un humor abundante salpica los diálogos y la acción con referencias burlonas y de aguda socarronería. El humor sirve como medio para aligerar los diálogos prolongados y como instancia que ayuda a reforzar las manifestaciones de amistad de los personajes. Admirada por Sergio Leone, éste se inspira en la escena del tiroteo presidido por un reloj de cuco para la construcción de una escena similar en una de sus obras.
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16 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blackthorn. Sin destino
Blackthorn. Sin destino (2011)
  • 6,4
    9.528
  • España Mateo Gil
  • Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Nikolaj Coster-Waldau, ...
7
El regreso
Western realizado por Mateo Gil (Las Palmas, 1972) (“Nadie conoce a nadie”, 1999). Escrito por Miguel Barros, desarrolla una historia original referida al atracador de bancos norteamericano Butch Cassidy, al que supone que sobrevivió al tiroteo que en 1908 le costó la vida a él y a su compañero de fechorías, Sundance Kid, en un enfrentamiento con el Ejército boliviano. Se rueda íntegramente en escenarios naturales de Bolivia (Potosí, La Paz…). Nominado a 11 premios Goya, gana cuatro (supervisión de producción, diseño de vestuario, fotografía y dirección artística). Producido por Ibón Cormenzana y Andrés Santana para Ariane Mararía Films, se proyecta por primera vez en público el 1-IV-2011 (Las Palmas Film Festival).

La acción dramática tiene lugar en Bolivia en 1927, casi 20 años después de la desaparición de Butch Cassidy. El film supone que sobrevivió al enfrentamiento armado de 1908 en San Vicente (Bolivia). Butch vive bajo el nombre ficticio de Blackthorn en una localidad apartada y solitaria, dedicado a la cría y doma de caballos. Ocasionalmente visita Potosí para vender caballos de cría e ingresar los excedentes en el banco. Cansado y ya sexagenario decide regresar a EEUU. En el camino se topa con un joven que se presenta como el ingeniero de minas Eduardo Apodaca (Noriega). Cassidy/Blackthorn es un hombre reservado, de pocas palabras, misterioso, frío y solitario. Eduardo es joven, ambicioso, poco escrupuloso y poco sincero. Yana (Solier), campesina boliviana, callada y discreta, es la amante de Blackthorn.

El film desarrolla una historia original que retiene la atención de espectador, interesándole sin apasionarle. El relato hace uso del flashbacks para añadir a la historia referencias del pasado que ayudan a entender la psicología del protagonista, sus motivos y algunas de sus decisiones y reacciones. El ritmo narrativo es pausado, bastante regular a lo largo de los 102 minutos de metraje y se enmarca en un paisaje espectacular que exalta la belleza de una naturaleza espléndida que da cobijo a peligros, riesgos, amenazas y sorpresas, que crean lances de tensión, opresión e incluso de agobio. Se ha dicho que la obra no consigue el nivel dramático deseable. Tal vez es así, pero no es esta mi opinión. El relato contiene numerosos y variados motivos que crean intriga, dudas, interrogantes, inseguridades y amenazas, en torno a los que se teje una textura dramática de un vigor narrativo que me parece consistente y gratificante. En este sentido cabe señalar que la condición de persona entrada en años del protagonista, las fatigas físicas y emocionales que arrastra, su soledad y el viaje de retorno para no volver que ha emprendido, aportan elementos acumulativos que templan y elevan la fuerza del drama. Otro factor relevante creador de tensión dramática viene dado por las diferencias de edad, planteamientos, ambiciones y valoraciones que tensan con reiteración las relaciones de Blackthorn y Eduardo Apodaca.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tierra generosa
Tierra generosa (1946)
  • 6,7
    614
  • Estados Unidos Jacques Tourneur
  • Dana Andrews, Brian Donlevy, Susan Hayward, Patricia Roc, ...
7
Inadaptados en el Oeste
Primer western del realizador Jacques Tourneur (1904-1977) (“Retorno al pasado”, 1947). Escrito por Ernest Pascal, adapta la novela “Kenyon Passage” (1945), de Ernest Haycox, publicada inicialmente por entregas en el Saturday Evening Post. Se rueda en escenarios naturales de Oregón (Diamond Lake, Umpqua National Forest …) y en los platós de Universal Studios (Universal City, CA). Es nominado al Oscar a la mejor canción por “Ole Buttermilk Sky”, de Hoagy Carmichael (música) y Jack Brooks (letra). Producido por Walter Wanger para Universal Pictures, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 15-VII-1946 (Portland, Oregón).

La acción dramática tiene lugar en Oregón en 1856, poco después de terminar la Guerra de Secesión (1851-1856). Se inicia en Portland (Oregón) con el viaje que desde esta localidad a Jacksonville rinde el protagonista Logan Stuart (Andrews) con Lucy Overmire (Hayward), prometida de George Camrose (Donlevy). Logan es un hombre de negocios dedicado al transporte de mercancías con mulas, por lo que ha de viajar con frecuencia. George es un banquero aficionado a los juegos de azar. Lucy es una joven de Portland correosa, decidida, poco experta y atractiva. Caroline (Roc), prometida de Logan, no se siente atraída por la aventura y teme la soledad.

La obra constituye un trabajo singular cuyo protagonista es una comunidad coral agitada por tensiones de diversa naturaleza, temores y riesgos que componen un ambiente que se hace agobiante gradualmente, con desequilibrios sociales y personales, actitudes guiadas por el egoísmo y la codicia, afanes de venganza y ausencia de garantías que salvaguarden el imperio de la ley. Abundan las conductas antisociales, las arbitrariedades, las injusticias y los linchamientos. Jacksonville, donde se desarrolla mayoritariamente la acción, es una localidad apartada, alejada de los centros de decisión del Estado y fronteriza con los territorios ocupados por los indios. No se esperan soluciones inmediatas como consecuencia de las tareas prioritarias de reconstrucción del país que se imponen tras la finalización de la Guerra Civil y la urgente solución de los problemas inmediatos que dificultan la plena reincorporación a la Unión de territorios extensos y tan importantes como Texas y otros. En Jacksonville las cosas no se pondrán en orden, salvo cambios importantes en las relaciones sociales, la cohesión ciudadana y el respeto a la ley.

Además de los problemas colectivos, la comunidad se muestra alterada y condicionada por la presencia en ella de muchos ciudadanos y ciudadanas que arrastran frustraciones personales, sentimientos íntimos de inadaptación y desarraigo, concepciones violentas de insolidaridad, etc. El paso del tiempo y el avance de los acontecimientos no aportan procesos de superación y atenuación de los problemas, que se mantienen en una situación de estancamiento preocupante y peligroso para la viabilidad de la supervivencia colectiva.
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11 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los inútiles
Los inútiles (1953)
  • 7,7
    3.841
  • Italia Federico Fellini
  • Franco Fabrizi, Franco Interlenghi, Alberto Sordi, Leopoldo Trieste, ...
9
Los holgazanes
Tercer largometraje de Federico Fellini (1920-1993), escrito por F. Fellini y Ennio Flaiano a partir de una idea de Tullio Pinelli. Se rueda a lo largo de diciembre de 1952 en escenarios reales de Florencia (Toscana), playa de Ostia (Roma, Lazio), Viterbo (Lazio) y en los platós de Cinecittà Studios (Roma). Gana el León de Plata (Fellini) y el premio al mejor actor (Sordi) del Festival de Venecia de 1953. Producido por Jacques Bar, Lorenzo Pegoraro y Mario De Vecchi para PEG Films i Cité Films, se proyecta por primera vez en público el 26-VIII-1953 (Festival de Venecia).

La acción dramática tiene lugar en una pequeña ciudad italiana de provincias, situada en la costa adriática y abierta al mar. No se la identifica por su nombre, pero guarda numerosas similitudes con Rímini, la ciudad natal de Fellini. La acción comienza a principios de otoño y concluye en el invierno de 1953, con una duración total de unos 5 o 6 meses. Los protagonistas son cinco jóvenes inadaptados, de unos 25 años, que no trabajan y que no quieren adquirir compromisos, cultivan su soltería y viven a costa de los padres u otros familiares. Carecen de objetivos en la vida, son holgazanes y egoístas. Se llaman Fausto Moretti (Fabrizio), Alberto (Sordi), Moraldo Rubini (Interlenghi), Leopoldo Vannucci (Triestre) y Ricardo (R. Fellini). Los caracteres se presentan definidos de modo suficiente y bien diferenciados. Fausto es mentiroso, tramposo, mujeriego y ejerce funciones de liderazgo del grupo. Alberto es tímido y acomplejado. Leopoldo escribe poesías y es soñador. Ricardo, que tiene buena voz y buen oído, canta en fiestas y celebraciones. Maraldo es poco hablador, observa a los demás y es más reflexivo que ellos.

El film presenta una galería de tipos humanos sumamente interesante: el comerciante, el padre viudo, la hermana menor de edad, las amigas criticonas y descaradas, la madre viuda, el play-boy, etc. Es la primera película de Fellini que tiene éxito y es la que le abre el camino de la fama. Constituye un atractivo fresco de la sociedad italiana de provincias de los años posteriores a la IIGM, cuando el país se halla en la fase inicial de la recuperación económica. Arrastra todavía secuelas de la guerra, como la falta de referentes de la juventud, niveles altos de paro y subocupación, estancamiento cultural, bolsas de pobreza, etc.

La técnica narrativa se caracteriza por el uso de un narrador que se identifica con los componentes del grupo de amigos y con el propio grupo, al que se refiere con pronombres de primera persona del plural (nosotros). En ocasiones el narrador parece identificarse con Moraldo, pero las diferencias que los separan permiten hablar de un posible sexto componente del grupo.
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11 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Fort Apache
Fort Apache (1948)
  • 7,7
    6.388
  • Estados Unidos John Ford
  • Henry Fonda, John Wayne, Shirley Temple, Pedro Armendariz, ...
9
El Fuerte
Renombrado western del realizador John Ford, primero de la llamada “Trilogía de la Caballería”. Escrito por Frank S. Nugent e inspirado en “Massacre”, uno de los relatos sobre la caballería de James Warner Bellah, que Ford conoce en la India durante la IIGM. Se rueda en 45 días en escenarios naturales de Monument Valley (Utah) y de Corriganville Movie Ranch (CA) y en los platós de Selznick Internacional Studios (Culver City, CA), con un presupuesto estimado de 2,5 millones de USD. Producido por Merian C. Cooper para Argosy Pictures y RKO, se proyecta por primera vez en público el 27-III-1948 (Phoenix, Arizona) en sesión de preestreno.

La acción dramática tiene lugar en un fuerte militar imaginario llamado Fort Apache, situado en los confines de la frontera del país, en un lugar alejado, árido y despoblado. Los hechos que narra tienen lugar entre 1876 y 1878, algo más de 10 años después de finalizada la Guerra Civil Americana o Guerra de Secesión (1861-1865). Temporalmente el relato se extiende a lo largo de uno o dos meses. Destaca la excelente definición de los caracteres principales. Owen Thursday (Fonda) es un hombre ególatra, ambicioso, autoritario y soberbio, que se siente frustrado por haber sido destinado a un cometido oscuro y nada propicio para destacar, ser reconocido y ascender. Le duele, así mismo, el haber pasado de general durante la Guerra Civil ateniente coronel en tiempos de paz, pese al carácter general de reajuste de grados militares que se produce al finalizar el conflicto. Por lo demás, es un personaje solitario, sin amigos, viudo y con una hija, Filadelfia (Temple), de 16 años, que le aprecia profundamente, pero que no comparte sus ideas y no acepta de buen grado sus decisiones. El capitán Kirby York (Wayne) es rudo, pragmático, flexible, experto, equilibrado e inteligente.

El desarrollo del relato se apoya en gran medida en la confrontación de contrarios. En este sentido cabe hablar de la contraposición que se da entre el teniente coronel y el capitán, la mentalidad práctica del Oeste y el rigorismo formalista del Este, la vida de cuartel y la familiar, las marchas en formación de la Caballería y los bailes de salón, etc. El film describe con gran eficacia y satisfactoria economía de medios la vida cotidiana en el cuartel de oficiales, suboficiales, clase de tropa, reclutas y familiares (esposas, hijos, sirvientas…). La obra muestra la notable capacidad narrativa del realizador, que se advierte a través de la acertada selección de detalles significativos que muestra, capaces de decir muchas cosas al espectador (imagen religiosa, biblia, colgador de prendas de vestir…) y del excelente uso que hace del lenguaje no verbal (gestualidad), del vigor expresivo que caracteriza el diseño y la composición de numeroso encuadres. Me parece magnífico el fotograma que desde el interior de la casa de los padres del segundo teniente Michael O’Rourke (Agar) muestra un exterior luminoso a través de la puerta de entrada y de la ventana abiertas de par en par). Aligera el relato un salpicado abundante de humor deliciosamente jovial.
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32 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pequeña Miss Sunshine
Pequeña Miss Sunshine (2006)
  • 7,6
    103.484
  • Estados Unidos Jonathan Dayton, Valerie Faris
  • Abigail Breslin, Steve Carell, Toni Collette, Greg Kinnear, ...
8
Los Hoover
Primer largo de Jonathan Dayton y Valerie Faris, que cuentan con una rica experiencia de éxitos en TV, videoclips y spots publicitarios. Se rueda en Arizona (Chandler, Flagstaff y Phoenix) y California (LA, Santa Clarita y Ventura), con un presupuesto ajustado de 8 M dólares. Nominada a 4 Oscar, gana 2 (guión original y actor reparto). Producida por Marc Turtletaub, David T. Friendly y otros, se estrena el 26-VII-2006 (EEUU).

La acción tiene lugar en Albuquerque (Nuevo Méjico), territorios de Nevada, Arizona y California y Redondo Beach (CA), a lo largo de unos pocos días. Los Hoover son personas con dificultades de adaptación social y familiar. El film reúne una galería singular de personajes atípicos que arrastran problemas diversos de afirmación, equilibrio, orden, coherencia, etc.

La película suma comedia y drama. Narra la odisea de un caótico grupo familiar, que recorre con una furgoneta VW de los 70 carreteras de 4 Estados (NM, NV, AZ y CA) para que una hija pueda cumplir un sueño. El relato se presenta saturado de lances cómicos, basados en diferentes recursos, como la trasgresión de normas, el surrealismo, el humor negro y el humor blanco, fácil y superficial. Las transgresiones son inocuas y bastante intranscendentes, por lo que hacen reír sin provocar mala conciencia. El surrealismo se nutre de la propia familia, en la que abunda el desorden, el individualismo, las precipitaciones y la ausencia de relaciones satisfactorias, pese al trasfondo que hay de afecto y cariño.

El recurso a la crítica social se hace en clave de humor con la ayuda de situaciones chocantes. Con ironía y humor se elogia el esfuerzo personal, se defiende la diferencia como factor de enriquecimiento, se ridiculiza la aplicación de normas sin los mínimos de cortesía obligados, se denuncian los concursos infantiles de belleza, etc. La relación entre los personajes evoluciona a lo largo del viaje. Varían sus actitudes, sus ideas y algunas de sus convicciones.

La música, de Devotchka y Mychael Danna, incluye canciones anteriores de Devotchka ("Enemy Guns"), Sufjian Steven ("Chicago"), Rick James ("Superfreak"), Tony Tisdale ("Catwalkin'") y tradicionales ("La llorona") y una canción nueva de Devotchka ("Til The End Of Time"). La fotografía aporta numerosos y divertidos lances de comicidad visual. La acción es trepidante y absorbente. La obra desdramatiza situaciones de inadaptación e infunde optimismo y amor a la vida.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Havre
El Havre (2011)
  • 6,9
    9.595
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, ...
8
Historia de Marcel
Comedia dramática del realizador Aki Kaurismäki (Finlandia, 1957), según guión original escrito por el mismo. Se rueda en escenarios naturales de El Havre y Calais (Francia), en platós construidos al aire libre y en estudio, con un presupuesto de 3,85 millones de euros. Obtiene el premio FIPRESCI de Cannes. Producido por Aki Kaurismäki para Pyramide Productions, Sputnik y Pandora Films, se proyecta por primera vez en público el 17-V-2011 (Cannes).

La acción dramática tiene lugar en el puerto marítimo de El Havre, Calais y en la costa de Normandía (Francia) durante unos quince días del final del invierno de 2011. Marcel Marx (Wilms) es un escritor dado a la vida bohemia, que ha dejado su ocupación, la fama y las ambiciones profesionales para vivir cerca de las personas sencillas y reales. Se ha trasladado de París a El Havre, donde trabaja como limpiabotas callejero y vive en pareja con Arletty (Outinen). Es optimista, alegre, desordenado y sociable, aunque huye del compromiso. Arletty cuida la casa, administra el dinero, se desvive por Marcel y se relaciona con la panadera Claire (Salo) y con Yvette (Didi), la dueña del bar.

La obra desarrolla un cuento sencillo, tierno y encantador, como medio para aproximarse a la realidad de la inmigración y construir un análisis de la misma actual y realista. Evita las tentaciones moralistas, las derivas sentimentalistas y las propuestas de adoctrinamiento del espectador. Establece el análisis desde la perspectiva de un hombre culto, sensible, comprensivo e inteligente, que se ha situado voluntariamente al margen de la vida activa y competitiva del mundo que le rodea. De ahí que su juicio y su actitud resulten particularmente adecuados para construir un discurso capaz de captar el interés y la atención del espectador.

El estilo del film se inspira en el realismo que ha practicado el autor en la mayoría de sus trabajos anteriores. El lenguaje destila sinceridad, transparencia, veracidad y honestidad. A lo largo del relato se hace presente una melancolía permanente, que se asocia a una visión fatalista y profundamente pesimista de la vida del ser humano, obligado a soportar episodios reiterados de insolidaridad, injusticia, violencia, explotación y dominación. La narración se presenta salpicada de un humor sutil que se sirve de la ironía, la mordacidad, elementos surrealistas, personajes contradictorios y referencia patéticas propias del más puro humor negro. La narración aprovecha la fuerza expresiva de los contrastes (insolidaridad de muchos y solidaridad de las gentes sencillas del barrio, xenofobia de algunos y tolerancia colaboradora de unos pocos, etc.).

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28 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
All That Jazz (Empieza el espectáculo)
All That Jazz (Empieza el espectáculo) (1979)
  • 7,5
    8.914
  • Estados Unidos Bob Fosse
  • Roy Scheider, Jessica Lange, Leland Palmer, Ann Reinking, ...
8
Homenaje al musical
Musical dramático realizado por el coreógrafo, escritor y realizador Bob Fosse (1927-1987) (“Cabaret”, 1972). El guión, de Robert Alan Authur y Bob Fosse, se inspira en experiencias autobiográficas de este. Se rueda en los Kaufman Astoria Studios (NYC) y en el Palace Theatre, de Broadway (Manhattan, NYC). Gana 4 Oscar y la Palma de oro, de Cannes. Producido por Robert Alan Aurtur para Fox/Columbia, se estrena el 20-XII-1979 (EEUU).

La acción principal tiene lugar en NYC y contiene recuerdos del pasado profesional y personal del protagonista y fantasías atemporales. El protagonista es Joe Gideon (Scheider), un coreógrafo, escenógrafo y director de cine, que ha alcanzado la fama, vive preocupado por la muerte, es fumador, algo paranoico, mujeriego, bebedor, adicto al trabajo y desconfiado. Le gusta vestir de negro y trabajar al límite. Audrey Paris (Palmer) es una actriz de Broadway y la madre de Michelle (Foldi), una adolescente encantadora, aficionada al baile. Kate Jagger (Reinking) forma parte del espectáculo. Angélica (Lange), etérea, cubierta con un gran velo blanco, es hermosa, atractiva y misteriosa. Victoria Porter, Jennifer, Rima y otras, son las bailarinas del elenco. Lucas Sergeant (Lithgow) es el director de una compañía rival.

La narración se desarrolla mediante un largo flashback que recoge recuerdos del pasado, impresiones del presente y alucinaciones del protagonista. El punto de vista se presenta distorsionado, alterado o incluso modificado por el estado de aturdimiento del personaje. El relato combina realidad, fantasía, subjetivismo y autocrítica. Su justificación responde al deseo de Gideon de revisar los hechos más importantes que han marcado hitos en su vida de éxitos y fracasos. La narración expone sus opiniones, inquietudes, ambiciones, deseos, frustraciones y afectos. Algunos críticos han visto en el juego de elementos inconscientes, subconscientes, alucinatorios, fantasiosos y siempre incompletos, fragmentarios y confusos, paralelismos con el film “Ocho y medio” (Fellini, 1963). Dedica un guiño de simpatía a Stanley Kubrick.

La coreografía es imaginativa, el montaje es espectacular, el ritmo del relato es intenso, el estilo es deslumbrante y los números de música y baile son emocionantes en la medida en que reflejan el espíritu de entrega del elenco y la pasión por el trabajo de los protagonistas. La vida entre bastidores se describe con ngenio y sinceridad. Tras la vistosidad del espectáculo se esconde un mundo de trabajo, esfuerzos, fatigas, desfallecimientos, sacrificios y fragilidades humanas, que el público no ve ni en el teatro, ni en el music-hall, ni en el cine. La película, que se filma como cine dentro del cine, recoge parte de la experiencia que el realizador adquirió durante la dirección del musical “Chicago”, representado en Broadway.

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12 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil