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Críticas de Alien
Críticas ordenadas por:
Nosotros
Nosotros (2019)
  • 6,0
    5.795
  • Estados Unidos Jordan Peele
  • Lupita Nyong'o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker, ...
8
Terror al gusto de unos pocos
"Déjame salir" (2017) fue una grata sorpresa para mí. Tal fue la satisfacción que obtuve que no he dudado en ir a ver la nueva película de Jordan Peele. Esta vez titulada "Nosotros" y de nuevo inmerso en el cine de terror con tintes de comedia negra muy bien llevada.

Asistimos a una historia donde una familia debe enfrentarse a unos individuos que resultan ser una versión maléfica de ellos mismos. Partiendo de esa premisa, Jordan Peele nos regala un producto muy entretenido y con una interpretación soberbia de Lupita Nyong'o que, posiblemente, sea la mejor desde que bordara su papel en "12 años de esclavitud" (2013). A nivel general me gusta todo el reparto, la banda sonora merece un reconocimiento y si usted busca violencia, la encontrará, aunque no de forma explícita. Quien disfrutó de “Déjame salir” es más que probable que también lo haga con “Nosotros”. Pero si no le gustó la primera dudo que esta le sea de su agrado.

Me gusta el suspense de la película pero, he aquí la sorpresa, más todavía su humor, pues no desentona nada y le va como anillo al dedo a la estética del filme. Como ya hiciera su director en su anterior trabajo, las dosis de humor no caen en el ridículo, cosa que es extremadamente difícil y que es fácilmente comprobable si nos fijamos en otros títulos que han querido introducir, sin éxito, humor en situaciones donde no encajaban del todo bien. Por eso, valoro mucho lo que se ha conseguido con "Nosotros", una historia para nada cómica pero que sabe muy bien cómo apañárselas para arriesgar y ganar.
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12 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cafarnaúm
Cafarnaúm (2018)
  • 7,7
    2.059
  • Líbano Nadine Labaki
  • Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad, ...
8
Los niños perdidos de Cafarnaúm
«El mundo está loco. Lo malo es que los que siempre pagan el pato son los niños. Si hay guerra, los niños. Si hay hambre, los niños». Estas palabras de la genial película ¿Quién puede matar a un niño? (1976) resumen un poco lo que Nadine Labaki, en su tercer largometraje como directora, quiere contarnos a través de un niño cuya edad exacta desconocemos porque nadie se ha preocupado en presentárselo al mundo.

El pequeño protagonista –en edad, que no a nivel interpretativo– se llama Zain y vive en una atmósfera donde predominan la miseria y los canallas. El público observa cómo hace cosas buenas y malas para poder sobrevivir, pero no lo juzga. Al fin y al cabo, solo es un niño y no conoce otra cosa que la mendicidad y la violencia. Lo mejor y más interesante de la película es la oportunidad que se le da al pequeño para opinar sobre la situación que le está tocando vivir a él y a todos los niños. Porque a ellos nunca se les permite hablar sobre grandes decisiones pero las consecuencias las pagan como miembros de la sociedad. Y este error se hace más grande cuando escuchamos que el niño habla y opina, muchas veces, con más criterio y cordura que los adultos. Y eso la película lo muestra magistralmente para hacer reflexionar al espectador.

Labaki, como ya hiciera en Caramel (2007) y en ¿Y ahora adónde vamos? (2011), aborda un drama social y sabe cómo introducir –en contadas ocasiones– cierto toque de humor sin hacer olvidar que la situación que se nos está mostrando es terrible. La diferencia que posee Cafarnaúm con sus otras dos películas es que mi interés por lo que me está contando se hace patente desde el comienzo hasta el final, además de que la considero superior técnicamente hablando. Por esas razones, creo que estamos ante la mejor obra de Labaki, quien está contribuyendo a que podamos descubrir un poco más el cine libanés.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El vicio del poder
El vicio del poder (2018)
  • 6,9
    7.554
  • Estados Unidos Adam McKay
  • Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, ...
8
Cuando las cabezas visibles mandan menos que aquellas que no vemos
Probablemente sean muchas las personas que quieran evitar ver una película sobre el mundo de la política, ya que desde hace tiempo uno puede sentirse sobrecargado de tantos programas y noticias que hablan de nuestros políticos, de lo que hacen bien, de lo que hacen mal, de lo que se gastan de su bolsillo o a cuenta del contribuyente. Sí, a veces los ciudadanos se merecen un respiro y desconectar de la política viendo, por ejemplo, una película.

Por eso, “El vicio del poder” llega en un momento delicado, porque no todo el mundo está dispuesto a visualizar una historia de más de dos horas sobre un personaje político. Pero pensar así puede ser un error, pues “El vicio del poder” no solo habla sobre un individuo implicado en diversos acontecimientos que afectó a todo un país (y al mundo), sino que posee la virtud de narrar los hechos con tranquilidad, sin fatigar al espectador, hablando de muchos sucesos como el escándalo Watergate, la teoría del Ejecutivo unitario o los atentados del 11-S, pero sin profundizar mucho en ellos. Se trata, más que de contar la historia de Estados Unidos a partir de los años 60, hacerlo de aquellas personas que estaban en los despachos. Y aquí entra en juego Dick Cheney, interpretado magistralmente por Christian Bale y que le ha supuesto volver a realizar otra de sus múltiples transformaciones físicas. Desconozco si lo que se cuenta de él es más verdad que mentira, pero lo que sí sé es que la película funciona tanto en su faceta política como familiar, donde también está el personaje de Amy Adams, quien vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices del momento.

Lo que más me gusta y valoro de “El vicio del poder” es que, tratando temas que no tienen ninguna gracia, es capaz de provocar en el espectador una permanente sonrisa gracias a su continuo humor, introducido inteligentemente y en el momento oportuno y que no todos podrán apreciar. Algo parecido pasa, por ejemplo, con el cine de los hermanos Coen. No todo humor debe gustar a todo el mundo. Y el de esta película es especial, cosa que los realizadores saben y dejan claro que es así (no se vayan de la sala segundos después del final de la película). Observen, por ejemplo, la memorable escena protagonizada por Alfred Molina, cómo se elige a un equipo de gobierno o el momento en el que se piensa “profunda y minuciosamente” en tomar “la difícil decisión” de atacar a Iraq. Todo ello con un montaje absolutamente dinámico y atractivo para deleite del espectador, quien no debería tener motivos para aburrirse con esta historia que merece ser vista, al menos, una vez.
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28 de 39 usuarios han encontrado esta crítica útil
Infiltrado en el KKKlan
Infiltrado en el KKKlan (2018)
  • 6,5
    11.811
  • Estados Unidos Spike Lee
  • John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, ...
8
Spike Lee siempre será el mismo
Si uno repasa la filmografía de Spike Lee se dará cuenta que su nueva película no cuenta nada que el director afroamericano no haya manifestado antes: su crítica hacia Estados Unidos por permitir a ciertos sectores de la población cometer injusticias contra la raza negra. Para ello, en esta ocasión, el director afroamericano cuenta la historia real de Ron Stallworth, un policía negro que en la década de los setenta se infiltró, junto a su compañero Flip Zimmerman, en la temida organización llamada Ku Klux Klan.

Como resultado tenemos una película que sabe mezclar muy bien un tema tan serio con algunas pinceladas bien dosificadas de humor que hace más llevadero el discurso no pocas veces repetido de su director. El buen ritmo y guión del filme hace que el espectador jamás pierda el interés de la narración, a pesar de que no vaya a presenciar ninguna situación extraordinaria a lo largo de la historia. Quizá ahí resida la gran virtud de la película: es buena sin necesidad de adornos o escenas espectaculares. Por otra parte, Spike Lee cuenta con todo un reparto que ofrece una efectiva interpretación, en especial de John David Washington y Adam Driver, quienes se entienden a la perfección para dar vida a esta pareja de infiltrados.

"Infiltrado en el KKKlan" es, junto a "La última noche" (2002), la mejor película que Spike Lee ha rodado en este siglo, además de ser una de sus obras más accesibles para el espectador medio, cosa que no le ha supuesto abandonar su reconocible estilo cinematográfico.
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29 de 38 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paths of Hate (C)
Paths of Hate (C) (2010)
  • 6,8
    669
  • Polonia Damian Nenow
  • Animation
8
El odio: sentimiento básico del ser humano
El cortometraje “Paths of Hate” cuenta con una animación absolutamente atrayente y de gran factura. Damian Nenow logra representar en pocos minutos la locución “Homo homini lupus”, la cual significa que “el hombre es un lobo para el hombre”. En este caso son dos pilotos de avión que intentarán por todos los medios acabar con la vida del otro aunque eso les suponga su propia muerte. Y es que cuando el odio florece en el hombre la racionalidad y la esperanza desaparecen, provocando que el sentido de nuestra existencia se vea reducido al hecho de destruir todo lo que se nos ponga por delante. Todo esto está reflejado de manera brillante en “Paths of Hate”.

También me gustaría destacar dos aspectos que se nota que se les ha dado mucha importancia y que merecen ser mencionados. Por un lado, la muestra minuciosa de detalles, los cuales nos permite conocer un poco a los protagonistas: bando, religión, preocupaciones, etc. Por otro, el tratamiento de los efectos sonoros para sumergirnos de lleno en el conflicto. Así pues, tanto el tema como los aspectos técnicos y artísticos hacen de “Paths of Hate” un cortometraje digno de ser visto, al menos, una vez.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ready Player One
Ready Player One (2018)
  • 6,8
    27.398
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, ...
7
“Ready Player One”: el nacimiento de una nueva generación
Steven Spielberg vuelve al género de la ciencia ficción para mostrarnos un futuro distópico cuya única salvación para la sociedad del 2045 pasa por evadirse de la realidad y adentrarse a un mundo virtual llamado Oasis. En este universo cualquiera puede ser lo que realmente no es y realizar todo aquello que desearía hacer en su vida real.

La película está plagada de referencias culturales: videojuegos, películas, música… Todo esto se hace presente en la historia a fin de mezclarse y acabar explosionando para deleite del espectador curtido en tales alusiones. Spielberg ha hecho realidad los sueños de algunos –ya lo hizo con “E. T., el extraterrestre”–, los cuales van a considerar a “Ready Player One” como una obra de referencia. Otros, entre los que me incluyo, sabremos valorar el poder visual de la película y su virtud como un producto sumamente entretenido, aunque alejado de las grandes realizaciones de su director. Por último, habrá espectadores a los que no les guste nada, que vean en la película nada más que un montón de muñecos dándose puñetazos por doquier.

Tan solo puedo dar algún consejo a aquellos que vayan a ver la película y que no están muy convencidos de que les gustará: crean todo lo que vean, intenten disfrutar de este videojuego hecho película pues, al fin y al cabo, una vez que entramos en Oasis cualquier cosa puede suceder. Si no le convence esta recomendación siempre podrá entretenerse en reconocer a cada uno de los personajes y referencias culturales que se pueden observar en el filme. Sin duda alguna, una tarea difícil que supongo que algunos estarán ansiosos por realizar cuando dispongan de la película en formato doméstico y puedan congelar la imagen para que no se les escape ningún detalle.

Lo mejor: la carrera (es imposible no disfrutar viendo el coche de “Regreso al futuro” en plena acción) y el homenaje a Stanley Kubrick.

Lo peor: probablemente al director se le vaya un poco de las manos la parte final de la trama, pero tampoco puedo considerarlo como algo estrictamente negativo.
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99 de 138 usuarios han encontrado esta crítica útil
Todo el dinero del mundo
Todo el dinero del mundo (2017)
  • 6,2
    6.115
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Romain Duris, ...
8
Scott y Plummer: la edad no tiene límites
Ridley Scott sigue demostrando, a sus 80 años, que está en pleno estado de forma. Hace poco estrenaba “Alien: Covenant” y, sin darnos cuenta, ya hablamos de su nuevo trabajo: “Todo el dinero del mundo”. El director británico rueda una historia cuyo ritmo no decae en ningún momento y que presenta una ambientación de la década de los 70 técnicamente perfecta, aspecto que hay que reconocer al veterano diseñador de producción Arthur Max, colaborador habitual de Scott.

El reparto está correcto, destacando la interpretación del octogenario Christopher Plummer, cuya presencia impone y supone, a su vez, el punto fuerte del filme. Su papel como el magnate John Paul Getty es el eje conductor de una historia que va más allá de un secuestro, pues tan interesante es el proceso descrito para trazar un plan de rescate como también lo es el retrato que se hace al dinero, cuyo poder es tal que es capaz de transformar por completo al ser humano hasta el punto de convertirlo en su esclavo, como sucede con Getty, que vive por y para el dinero.

Scott y Plummer vuelven a enseñarnos que la edad no es un obstáculo para realizar historias trepidantes, evidenciando de esta manera que somos nosotros mismos los que nos marcamos nuestros propios límites al cumplir cierta edad, cuando lo verdaderamente importante es el deseo de cada uno por querer superarse y alcanzar así los objetivos propuestos.
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22 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yo, Tonya
Yo, Tonya (2017)
  • 7,0
    15.442
  • Estados Unidos Craig Gillespie
  • Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Caitlin Carver, ...
9
“¡Jódanse! Lo hice”. Tonya Harding.
Completar, en 1991, un salto triple axel en plena competición fue el motivo por el que Tonya Harding entró en la historia estadounidense del patinaje artístico sobre hielo. Fue la primera mujer del país en lograrlo –y segunda del mundo tras la japonesa Midori Ito– y eso le valió para ser considerada como la mejor y más querida patinadora del mundo… durante un rato. De esto trata “Yo, Tonya”.

Más que sobre patinaje artístico sobre hielo, la película habla sobre el entorno que rodea a este deporte y a Tonya. Desde el difícil ambiente familiar donde creció hasta su situación actual, pasando por sus logros deportivos, su participación en los Juegos Olímpicos de Invierno y algunas polémicas. Todo ello contado a través del testimonio de sus protagonistas en clave de humor –negro, por supuesto– y con alguna que otra contradicción que ya se avisa al comienzo de la historia.

Las interpretaciones de todo el reparto son magníficas, pero hay que destacar sobre todo a dos: Margot Robbie y Allison Janney. La primera, también productora, realiza una interpretación soberbia, para mí la mejor que haya hecho hasta ahora, aunque no puedo hablar mucho porque tan solo he visto un par de trabajos suyos. Es un papel de gran carácter, hecho a su medida y defendido de manera sobresaliente para intentar lograr el reconocimiento de la Academia. Pero tiene un problema: Frances McDormand en “Tres anuncios en las afueras”. De no ser por ella creo que Margot Robbie sería la favorita para ganar el Oscar. Por el contrario, parece que Allison Janney no va a tener problemas para levantar el premio gracias a su interpretación de una madre con bastante mala leche.

“Yo, Tonya” es una entretenidísima película que posee un montaje trepidante y un repertorio musical que le queda como anillo al dedo. Las secuencias sobre el hielo están muy bien rodadas y son fieles a los acontecimientos que sucedieron en la realidad. Además, la narración es dinámica, llegando a hacer partícipe al público cuando los personajes se dirigen a la cámara. Una gran película que merecerá la pena ver de nuevo.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Fear and desire (Miedo y deseo)
Fear and desire (Miedo y deseo) (1953)
  • 5,6
    1.528
  • Estados Unidos Stanley Kubrick
  • Frank Silvera, Kenneth Harp, Paul Mazursky, Steve Coit, ...
6
La peor película de una filmografía irrepetible
Año 1953, un joven Stanley Kubrick de unos 24 o 25 años rueda "Fear and Desire", su primer largometraje. Financiado con dinero de la familia y contando con un equipo técnico y artístico sin experiencia, Kubrick nos sitúa en pleno bosque y con una buena premisa: cuatro soldados atrapados tras las líneas enemigas trazarán un plan para lograr regresar a casa. No se sabe en qué guerra se sitúa la cinta, pero eso es lo de menos. Lo que realmente veremos en esta historia y que más le interesaba a Kubrick es el factor psicológico de cada uno de los protagonistas. Y aquí es donde está el problema, porque cuando lo más importante es indagar en la mente de tus protagonistas necesitas contar con un guión potente y eso es, justamente, lo que "Fear and Desire" no tiene. Me parece que quiere ser demasiado transcendental y se pierde en sí mismo.

Sin embargo, técnica y visualmente la cosa cambia. En este aspecto sí veo cosas interesantes. Considero que tanto el montaje como la fotografía (ambas a cargo del propio Kubrick) están bien trabajadas. El ritmo no es excesivamente lento y, personalmente, no me llega a aburrir (que la duración del filme sea de una hora es un aspecto que juega a su favor). Por tanto, "Fear and Desire" no es la mala película que el director neoyorquino creyó hacer. Tampoco es una mancha en su filmografía como supongo que él consideraría. Tan solo fue el comienzo de un joven que se ganaría el respeto y la admiración de muchas personas que aman el cine. Por eso no hay que ser muy duro con este primer trabajo de Kubrick. Como diría David, el androide de "Prometheus", "las cosas grandes tienen principios pequeños". Genial frase.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Parque Jurásico (Jurassic Park)
Parque Jurásico (Jurassic Park) (1993)
  • 7,0
    143.110
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, ...
9
10 razones para ver Jurassic Park
Jurassic Park (1993) fue una de las películas de mi infancia y el VHS que tenía en casa puede dar fe de ello. Así pues no es de extrañar que Jurassic Park sea uno de los largometrajes que más veces he visto. Por esto mismo voy a dar 10 razones –aunque hay más– para que aquellas personas que todavía no la han visto se animen a verla.

1) Steven Spielberg y su equipo. Cuando un director entusiasmado con un proyecto tiene claro lo que quiere y, además, cuenta con medios para ello, los espectadores pueden sentir ese entusiasmo a través de la pantalla. La película te atrapará de principio a fin.

2) Historia. Es bastante simple, pero en ella hay todo lo que cabe esperar de una película de estas características: acción, aventuras, suspense, humor… No hay excusa, si se aburre con esta historia usted tiene un problema.

3) Fotografía. Dean Cundey supo aprovechar el paisaje del lugar de rodaje para realizar un trabajo espléndido.

4) John Williams. El habitual compositor de Spielberg no solo compuso una de sus partituras más reconocidas, sino que se trata de una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine.

5) Efectos especiales. Es uno de los puntos fuertes de la película. Ya me impresionaron en su época y siguen haciéndolo después de más de 20 años. Todavía parece que los dinosaurios estaban allí mismo para ser filmados, sensación que no tuve con Jurassic World (2015).

6) Reparto irremplazable. Esta es una de esas películas que no me puedo imaginar con otro reparto. Todos están perfectos. Desde el primer hombre que se asusta del dinosaurio al comienzo de la película hasta la pareja compuesta por Sam Neill y Laura Dern, pasando por personajes secundarios como los de Jeff Goldblum, Richard Attenborough y Samuel L. Jackson hasta los que aparecen fugazmente como el niño repelente del principio y el minero que observa el mosquito.

7) Dennis Nedry. Solo este personaje ya es una razón para ver la película. Wayne Knight hizo el papel de su vida. Nedry es un gordo informático que se tira todo el día sentado frente al ordenador mientras picotea. Es un mercenario, irresponsable, contestón, chulo, desordenado y un largo etcétera. A pesar de todo eso termina por caernos bien o, al menos, el espectador está deseando que aparezca en pantalla.

8) Frases célebres. A lo largo de la historia los personajes dicen frases o mantienen conversaciones que son dignas de apuntar. En el spoiler dejo algunas escritas.

9) Escenas míticas. La cinta está plagada de momentos que quedarán grabados en la retina del espectador. Algunos ejemplos los escribo en el spoiler.

10) Película de culto. Jurassic Park es una de las grandes películas de la década de los noventa. Es de visionado obligatorio por su historia y por haber marcado a toda una generación de niños.

Dicho esto, si usted todavía no ha visto la película le recomiendo que deje de leer y se ponga a verla ahora mismo.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Oro
Oro (2017)
  • 5,1
    3.678
  • España Agustín Díaz Yanes
  • Raúl Arévalo, José Coronado, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, ...
8
El Dorado según Yanes
El pasado 10 de noviembre de 2017 llegó a los cines el nuevo trabajo de Agustín Díaz Yanes tras casi una década: “Oro”. La esperada película del autor de “Sin noticias de Dios” se ambienta en el siglo XVI y trata sobre las aventuras de una expedición que tiene como objetivo encontrar el lugar donde se encuentra el preciado metal que da título a la película para apoderarse de él. En este contexto el grupo deberá luchar contra los indígenas que habitan la zona, la propia selva amazónica y contra ellos mismos. Y esto es todo lo que nos ofrece una película de la que esperaba más, pues lo visual le gana la partida a lo narrativo, algo sorprendente teniendo en cuenta que detrás del guión se encuentra el propio director y el mismísimo Arturo Pérez-Reverte.

Sin embargo hay que decir que Díaz Yanes ha arriesgado con una película que, de ser extranjera, llegaría más al público, pues tengo la sensación que todavía no se toma muy serio ver en la pantalla grande que algo parecido sucedió en nuestra historia. Quizá “Oro” no sea el mejor filme de nuestro cine reciente, pero es una buena película de aventuras que cuenta, además, con un reparto que funciona de maravilla, grandes dosis de acción y una fotografía destacable. Posiblemente al terminar de verla uno se quede con un sabor agridulce al pensar que la película más ambiciosa de su director, al igual que sucedió con la notable “Alatriste”, siga estando por debajo de aquella magnífica ópera prima titulada “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”. Y es que a veces parece que cuanto más limitado se encuentra un autor es cuando mayor rendimiento consigue lograr del producto final. Cosas del cine.
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10 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Madre!
Madre! (2017)
  • 6,3
    21.794
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, ...
9
‘Mother!’: un soplo de aire fresco para el cine actual
La nueva película de Darren Aronofsky no gustará a todo el mundo, pero nadie podrá negar que el director de ‘Mother!’ ha creado algo nuevo en una época en la que el cine está atravesando una de sus mayores crisis en lo que a originalidad se refiere, pues la inmensa cantidad de remakes, precuelas, secuelas y spin-off que salen a la luz es asombrosa.

‘Mother!’ es una película de guión e interpretación compleja, así que es de esas obras que requiere del esfuerzo del espectador. Probablemente la mayoría de las personas que vean la película obtendrán una primera conclusión similar y que, a su vez, es la más superficial (spoiler 1). Pero quien quiera ir más lejos deberá prestar atención a los numerosos símbolos que aparecerán a lo largo de la historia y que, gracias a ellos, esta película poseerá multitud de interpretaciones por parte del público y ninguna será totalmente cierta o errónea (spoiler 2). Y eso es lo más fascinante de la película.

Los actores están geniales y es justo hacer mención especial a Jennifer Lawrence, porque no es fácil estar gran parte del tiempo en primer plano y sacando a la luz un repertorio de recursos para evocar en el espectador toda esa sensación de desesperación, duda y agotamiento a la que se ve sometido su personaje. Por otro lado, los efectos sonoros de la película juegan un papel fundamental para crear un ambiente hostil.

‘Mother!’ supone un reto para el espectador y una auténtica experiencia que rara vez puede verse en una sala de cine, cosa que se agradece. Por ello debo valorar de forma generosa y a la vez justa esta película que, para quien la disfrute, estará deseando volver a verla. Lo desconozco, pero posiblemente con cada visionado de ‘Mother!’ se pierda intriga, pero estoy completamente seguro de que se ganará lógica.
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46 de 64 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hasta el último hombre
Hasta el último hombre (2016)
  • 7,2
    25.537
  • Estados Unidos Mel Gibson
  • Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, ...
9
Mel Gibson: un rey Midas del cine contemporáneo.
A lo largo de 2016 los espectadores hemos podido disfrutar de buen cine con títulos tan notables como “Elle”, “Sully” o “Tarde para la ira”. Pero considero que es “Hasta el último hombre” el mejor largometraje del año. De hecho, lo digo sin miedo a equivocarme y sabiendo que me faltan muchas otras películas por ver. Y es que Mel Gibson, en su faceta como director, convierte en oro todo lo que toca. Han pasado diez años desde que se estrenase su “Apocalypto” y, desde luego, la espera ha merecido la pena.

El argumento de “Hacksaw Ridge” (título original) podría dividirse en dos partes (podrían ser tres si separamos el frangmento del entrenamiento). La primera se centra en la familia, la pareja y los ideales de Desmond Doss, interpretado por Andrew Garfield, un actor que promete en un futuro cercano y que, por el momento, ya le estoy esperando ver en el nuevo trabajo de Scorsese. Además, vemos a Hugo Weaving interpretando extraordinariamente al padre del protagonista y que supone (como Homer Simpson y el alcohol) la causa y a la vez solución de todos los problemas de su hijo Doss. La segunda parte es la Batalla de Okinawa, donde Desmond debe demostrar si es capaz de seguir sirviendo a su país tal y como dijo que defendería desde siempre: sin usar ningún tipo de arma.

La batalla, “en la que suele haber muertos” y vaya si los hay, está rodada de manera formidable, de tal forma que podemos vivir en el cine una experiencia única. Si hay una película que me haya alegrado ver en la gran pantalla, esa es la que nos ocupa. Por un momento pensaba que estaba en primera línea de infantería, pues acaba de nacer una seria competidora a la primera media hora de “Salvar al soldado Ryan” por mostrar la batalla más realista y cruda que jamás se haya rodado.

Sin embargo hay un pasaje concreto que resulta especialmente emocionante, la razón por la que esta película es especial, aquella en la que el soldado Doss reza una oración que dice así: “por favor Señor, ayúdame a salvar a uno más”. Porque en esta historia bélica, a diferencia de muchas otras de este género, el héroe no es aquel que más mata, sino el que más vidas salva.

Sí, le pese a quien le pese, Mel Gibson sabe dirigir como un grande. Es más, se puede considerar desde este momento como un extraordinario director. Solamente espero que siga esa estela porque eso significaría que tenemos cine por mucho tiempo.
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8 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cohete (Historias para no dormir) (TV)
El cohete (Historias para no dormir) (TV) (1966)
  • 6,6
    157
  • España Narciso Ibáñez Serrador
  • Narciso Ibáñez Menta, Irene Gutiérrez Caba, José Luis Heredia, Alberto Berco, ...
9
La importancia de ser abuelo
Particular episodio de "Historias para no dormir", un capítulo apartado de ese suspense característico de la mítica serie pero que, sin embargo, se ha colado entre uno de los grandes momentos de estas peculiares e inolvidables historias. Protagonizado por el gran Narciso Ibáñez Menta, siempre regalando al espectador una gran interpretación. En este caso se trata de un personaje que parece haber perdido la cordura y que se dispone a fabricar una nave para realizar un viaje espacial.

Es el año 2019, donde el futuro del que tanto se esperaba apenas ha cambiado socialmente. Unos tienen mucho y otros muy poco. Lo que para unos es una anécdota o algo habitual, para otros son sueños inalcanzables. Por esta razón nuestro protagonista se marca un objetivo en la vida: un miembro de la familia debe ir al espacio. ¿Por qué tan solo unos pocos van a poder disfrutar de la vida y los suyos no?

Ibáñez Serrador adapta y dirige esta genial historia donde podemos ver los planes de un abuelo dispuesto a convertir en realidad un sueño imposible. Pero puede que su planteamiento para llegar al espacio no sea demasiado convincente a ojos del espectador, y es que parece que el protagonista piensa con el corazón en lugar de razonar con la cabeza debido a su obsesión por ese viaje. Sin embargo, es aquí donde reside la fuerza de este capítulo, donde podemos ver a un hombre que se está volviendo loco y que quiere autoconvencerse de que lo que propone es posible. El espectador quiere que se cumpla ese deseo, pero es difícil aprobar la forma en la que se quiere llevar a cabo la aventura a causa de los medios materiales que pretende utilizar el personaje principal. Aun así, la nave está preparada para el despegue...
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blackhat - Amenaza en la red
Blackhat - Amenaza en la red (2015)
  • 4,6
    4.229
  • Estados Unidos Michael Mann
  • Chris Hemsworth, Tang Wei, Wang Leehom, Viola Davis, ...
6
Un trabajo menor de Michael Mann
Si bien es cierto que a mi parecer la película no es tan mala como muchos quieren hacer ver, uno siempre espera más de un director como Michael Mann. En este caso se trata de una de las películas más convencionales de su realizador, sin un guión brillante pero que se deja ver si el espectador está atento (requisito primordial para no desconectar durante la trama debido al gran uso de vocabulario informático). Sin embargo, tengo la sensación de que la película se pierde en sí misma desde el momento en el que el protagonista decide actuar por su cuenta, culminando en una escena de acción mal llevada debido a su fallida ambientación que saca totalmente al espectador de la película. De hecho, creo que este es el principal motivo por el que “Blackhat” ha pasado con más pena que gloria desde el mismo momento en el que se estrenó en los cines.

Por ello, si dividiésemos la filmografía de Michael Mann, “Blackhat” iría directamente al montón donde se encuentra “Corrupción en Miami”, quedando lejos de aquellas maravillas tituladas “Heat” y “El dilema”, entre otras. A pesar de ello, no considero que Michael Mann haya hecho una mala película a lo largo de su carrera. Las hay muy buenas y las hay flojas, pero lo que no cabe duda es que en cada una de ellas existe siempre algún punto interesante.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cumpleaños (Historias para no dormir) (TV) (C)
El cumpleaños (Historias para no dormir) (TV) (C) (1966)
  • 7,1
    411
  • España Narciso Ibáñez Serrador
  • Rafael Navarro, Josefina de la Torre
9
El primer gran capítulo de Historias para no dormir
En el año 1966 daba comienzo una de las series de televisión más conocidas de nuestro país. El episodio piloto fue “El cumpleaños”, a mi juicio un gran cortometraje que demuestra lo poco que hace falta para conseguir un resultado de calidad. Porque los grandes medios para la realización de obras cinematográficas no son imprescindibles si se tiene ingenio. Eso sí, siempre es necesario saber aprovechar un buen guion para mantener en suspense al espectador, y “El cumpleaños” lo consigue con una magnífica narración en voz en off. Narciso Ibáñez Serrador nos introduce en pocos minutos en la mente de un hombre corriente dispuesto a hacer lo impensable. Y es el reflejo exterior del personaje principal lo más llamativo de esta historia, porque nadie conoce sus verdaderas intenciones excepto el espectador, el cual actúa de cómplice ante la declaración de un hombre magníficamente interpretado por Rafael Navarro.

Por otro lado, merece la pena ver la primera presentación de Narciso Ibáñez Serrador al más puro estilo del "maestro del suspense" y que continuaría de esta manera a lo largo de toda la serie.
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17 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
La habitación
La habitación (2015)
  • 7,7
    38.506
  • Irlanda Lenny Abrahamson
  • Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, ...
8
El mundo según Jack
Si hiciéramos un pequeño listado de las mejores películas del 2015 debería estar sin ninguna duda "La Habitación". Se trata de una historia dividida en dos partes bastantes diferenciadas.

Todo lo que ocurre en la primera es cine con mayúsculas. Rebosa originalidad debido a que en un espacio muy reducido se nos presentan una gran cantidad de posibilidades tanto técnicas como artísticas. Aquí no importa el porqué de la situación, sino el cómo afrontar una circunstancia tan angustiosa como la que se nos presenta. Alegría, tristeza, suspense, desesperación… son algunas de las sensaciones que el espectador podrá percibir.

La segunda parte llega marcada por el tema musical “The Mighty Rio Grande”, que anteriormente se usó para “Moneyball”. Si bien en su forma el filme se hace algo más convencional, el público no perderá la sensación de estar ante una buena película. Es posible que el primer gran tramo eclipse demasiado a esta segunda, pero la historia se sigue disfrutando con gran interés.

Interpretativamente hablando, Brie Larson realiza un trabajo excepcional como madre cuya única motivación para seguir viviendo es su inocente hijo. Su interpretación es muy creíble, al igual que la de Jacob Tremblay, el cual no ha obtenido la misma repercusión (tal vez por su corta edad) pero que no se queda atrás ni por un instante. El resto del reparto sigue la estela y ofrece un buen nivel interpretativo.

Por cierto, puede que ya sea demasiado tarde, pero si de verdad se quiere disfrutar la película es mejor no ver el tráiler, ya que destruye por completo el factor sorpresa. Hay ciertos avances cinematográficos que por querer captar la atención del espectador desvelan parte fundamental de la trama. Así pues, “La habitación” resulta una gran experiencia.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi gran noche
Mi gran noche (2015)
  • 5,0
    14.857
  • España Álex de la Iglesia
  • Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, ...
6
Podría haber sido mucho mejor
Es lo que ocurre cuando se tiene un buen material y no se emplea bien. En el apartado técnico prácticamente no se le puede achacar nada, pero el guión tropieza al querer regalar minutos a personajes secundarios, olvidándose de este modo de Alphonso, el personaje de Raphael tristemente desaprovechado. Cuando el cantante aparece la película gana, sobre todo junto a Carlos Areces, cuya presencia ya es motivo de risa. Jaime Ordóñez, que ya se sitúa como uno de los colaboradores habituales del cineasta, lo hace estupendamente y cuenta con una presentación al más puro estilo Robert de Niro en “El cabo del miedo”. Y, como en cada película de Álex de la Iglesia, Terele Pávez sigue siendo uno de los platos fuertes. Estos cuatro personajes es lo mejor que nos vamos a encontrar a lo largo de los 100 minutos que dura el film.

Luego nos topamos con personajes que aportan fugazmente algún que otro momento bueno y otros que, directamente, no agradan o su inclusión en la historia pasa sin pena ni gloria. Entre los primeros se encuentran Blanca Súarez, Pepón Nieto (aunque siempre lo he visto actuar de la misma manera), Hugo Silva y su disputa con Carolina Bang o incluso el hombrecillo argentino que sale ahora mucho en la tele. Entre los segundos están, por ejemplo, Mario Casas (que sigue sin convencer, confirmando que fue una suerte para él encontrarse en aquella película titulada “Grupo 7”), Carmen Machi, Enrique Villén o Santiago Segura. Una pena estos dos últimos, ya que siempre han disfrutado de buenos papeles en sus colaboraciones con el director de “Muertos de risa”.

De esta manera “Mi gran noche” se presenta como una película simplemente para pasar el rato, algo que no me ocurre normalmente con el cine de Álex de la Iglesia, pues encuentro más motivos que el entretenimiento para repasar su filmografía. Aquí no se halla la originalidad, la violencia o la intriga esperpéntica propia del director, pero sí es excesiva y se reconoce su estilo a lo largo de todo el metraje, cosa que juega a su favor. Las malas noticias llegan cuando la trama se dirige a su desenlace y no sabe muy bien cómo hacerlo. Todo sucede demasiado deprisa y apenas hay consecuencias en los actos de cada personaje. Parece como si los dos guionistas se quedasen de repente sin ideas y quisieran acabar cuanto antes la historia, algo que ya les ocurrió en “Las brujas de Zugarramurdi”. Esperemos que esto no les ocurra en su siguiente trabajo y me vuelvan a fascinar como ya hicieron en aquella satánica comedia navideña o en aquel circo terrorífico en plena Guerra Civil Española.
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18 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Quién puede matar a un niño?
¿Quién puede matar a un niño? (1976)
  • 7,2
    10.181
  • España Narciso Ibáñez Serrador
  • Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, ...
8
¡Ahora nos toca a nosotros!
Si Alfred Hitchcock nos aterró a todos con unos “inofensivos” pajarillos, Narciso Ibáñez hizo lo propio convirtiendo a esos pájaros en niños. Ahora les toca a ellos ajustar cuentas con los adultos pero, ¿por qué? La respuesta la tenemos en el prólogo de la película y en el comentario que hace el dependiente de una tienda de fotografía. Las muy duras y trágicas imágenes reales del principio reflejan las graves consecuencias que producen las guerras y la hambruna en los niños. De una manera u otra las decisiones de los adultos afectarán a los críos… hasta este momento.

Con esta premisa la cinta nos presenta una historia con una atmósfera muy parecida a “Los pájaros” (1963) y “La noche de los muertos vivientes” (1968). Incluso la magnífica música que incrementa el suspense de la trama nos puede recordar a la nana de “La semilla del diablo” (1968) en algunos momentos. Y es que el parentesco o alusiones a otras películas son evidentes. ¡Si hasta se habla de Federico Fellini y su Dolce Vita! Pero esto no puede causar el rechazo del largometraje. ¿Por qué hay que acusar de plagio a Narciso Ibáñez y considerar a Quentin Tarantino un genio cuando en su obra encontramos decenas de referencias de otras películas?

Una de las grandes virtudes de la película es la presencia en todo momento de la luz, es decir, no se ha hecho necesario recurrir a la oscuridad para causar miedo al espectador, algo que Kubrick conseguiría en su máxima expresión cuando realizó “El resplandor” (1980). Esto, junto a la idea genial de la trama, el continuo suspense, varias escenas dignas de ser mencionadas en los coloquios de cine de terror y un tramo final para el recuerdo hacen de “¿Quién puede matar a un niño?” una buena alternativa para los amantes al cine de este género, además de que es una clara invitación hacia la reflexión de nuestros actos.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Halcones de la noche
Halcones de la noche (1981)
  • 5,6
    1.853
  • Estados Unidos Bruce Malmuth
  • Sylvester Stallone, Billy Dee Williams, Rutger Hauer, Lindsay Wagner, ...
8
¿De verdad Stallone tiene tantas películas malas?
“Halcones de la noche” es una de esas películas que pertenece a un género imprescindible y que ha ido evolucionando a lo largo de la historia del cine: el policíaco. Atracos, persecuciones, tráfico de drogas, investigaciones, crimen… todo vale si es para contar una buena historia que nos haga vibrar y permanecer pegado al asiento. Es cierto que dentro de esta categoría nos encontramos con cintas que aspiran a crear en el espectador distintas impresiones: unas persiguen la perfección, pasar a la historia y convertirse en inmortal (como "Sed de mal" de Orson Welles), otras, sin embargo, pretenden entretener de manera eficaz pero que por alguna razón no llegan a considerarse entre las grandes del género (como puede ser "A la caza" de William Friedkin). Por tanto, la película que nos ocupa la situaríamos entre las segundas.

Sylvester Stallone, un policía que se acerca más a Serpico que a Harry Callahan, debe atrapar con la ayuda de su compañero a un terrorista que no es otro que Rutger Hauer, conocido más bien por dar vida al legendario replicante de Blade Runner. La trama es sencilla pero satisfactoria, no decae en ningún momento y consigue lo que pretende. Por tanto, puedo considerar a "Halcones de la noche" como un filme a recomendar a todo amante de este tipo de cine. Pero también nos sirve para reivindicar la figura de Stallone, actor infravalorado a más no poder. Si bien Rocky y Rambo han sido sus papeles más emblemáticos y recordados (a pesar de no estar exentos de críticas y burlas), también podríamos señalar que películas como "F.I.S.T.", "Evasión o victoria", "Copland" o "Halcones de la noche" comprenden los puntos fuertes de la carrera de este actor que, sin ser el gran Al Pacino o el sofisticado Paul Newman, ha ayudado a completar uno de los pilares y objetivos del cine: elaborar películas entretenidas sin abandonar la calidad.
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23 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil