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Críticas de Victor M Lazaro
Críticas ordenadas por:
Elegidos para la gloria
Elegidos para la gloria (1983)
  • 6,8
    3.980
  • Estados Unidos Philip Kaufman
  • Scott Glenn, Ed Harris, Barbara Hershey, Dennis Quaid, ...
8
La dedocracia versus la meritocracia académica
La historia a veces depara sorpresas para los que la analizan a posteriori, sin embargo para aquellos que les toca vivirla en el presente la sorpresa es simple y llanamente un día más del calendario. El Proyecto Mercury pudo haber sido un pufo, una de las mayores meteduras de pata de la historia debido al afán de superar a la URSS en la carrera tecnológica. A medida que los rusos superaban a los americanos lanzando el primer satélite y al primer hombre al espacio, los americanos a base de mucho esfuerzo (y algún que otro sin sentido) y con las probabilidades a su favor (esto lo sabemos a toro pasado) iban gestando lo que iba a culminar con la huella de Armstrong, Aldrin y Collins en la superficie lunar.

Antes de todo ello, los hombres jugaban a forzar la maquinaria voladora aumentando la velocidad de los aviones y estimando de qué manera podrían sobrepasar la barrera del sonido o velocidad supersónica. Charles Elwood Yeager fue el primer hombre en atravesar oficialmente la barrera del sonido, el 14 de octubre de 1947, volando con el avión experimental Bell X-1, esta gesta se puede considerar un paralelismo de lo que el Proyecto Mercury buscaba: sobrepasar un límite. Y es aquí donde Elegidos para la Gloria incide más a mi modo de ver. Primero establece ese paralelismo entre ambas metas para después volcarse en el lado más humano. Yeager fue rechazado para la carrera espacial por no tener carrera universitaria aún habiendo demostrado capacidades físicas innatas para poder enfrentarse a semejante reto. Digamos que quedó fuera de las oposiciones a astronauta por no cumplir con uno de los requisitos impuesto desde la NASA, en fin, seguro que os suena. Dejando de lado esta injusticia con los pilotos menos preparados académicamente la NASA tuvo las probabilidades a su favor y eligió a pilotos (marines y fuerzas aéreas) más preparados según su baremo para que llevarán a cabo el Proyecto Mercury de manera exitosa.

La película de Kaufman basada en el libro de Tom Wolfe aunque demasiado larga, es capaz de dar una lección de historia sin ser demasiado "sentimentaloide" ni políticamente correcta. Las interpretaciones están a un nivel notable y la dirección está cuidada y se esmera en mostrar los por menores y deleites del viaje orbital. La banda sonora de Conti es excelente y el guión del propio Kaufman aguanta bastante bien, como el panel térmico de la Mercury Atlas 6. Resumiendo, se trata de una notable película sobre la incipiente puesta en marcha de la carrera espacial en el mundo, centrada sobre todo en los EE.UU y mostrando el lado humano de los que tuvieron la oportunidad de ser parte activa y pasiva de ese pequeño paso para el hombre...

Un saludo.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Buffy, cazavampiros: Otra vez con más sentimiento (TV)
Buffy, cazavampiros: Otra vez con más sentimiento (TV) (2001)
  • 7,4
    1.064
  • Estados Unidos Joss Whedon
  • Sarah Michelle Gellar, Nicholas Brendon, Emma Caulfield, Michelle Trachtenberg, ...
10
Sentimiento no le falta...
A estas alturas nadie discute que Joss Whedon es un artista en su género: el entretenimiento puro y duro. Sus obras, mayoritariamente televisivas alcanzan una calidad que va más allá del placer visual y narrativo, quizás porque cada secuencia y cada plano pueden de manera inequívoca conectarse con el alma del creador de Buffy, y sus personajes van más allá de los estereotipos.

Este episodio musical quedará grabado en la retina y el oído de los seguidores para siempre. Todavía recuerdo la sorpresa que nos llevamos mi mujer y yo cuando sin saberlo empezamos a ver como Buffy empezaba a entonar (a su manera) una cancioncilla melancólica y picarona titulada "Going throw the motions"; nos miramos y nuestra boca parecía un buzón. A partir de ahí todo se convierte en un delirio y un disfrute: Giles con una voz roquera impresionante, Tara con sus juegos vocales a lo mezzo soprano, Spike (irónicamente vocalista de un grupo en la realidad) con una ronquera importante y un humor chocante, Xander y Anya a dúo y muy irónicos, Willow incorporándose a la coral para que no descubrir su afición a los gallos, Dawn aportando dulzura ,y Buffy, cantar no es lo suyo pero no importa porque la lírica y la coreografía la aúpan para quedar más que respetable.

En resumen, un musical que enlaza perfectamente en la continuidad de la serie y que refleja también los egos de sus personajes a la perfección. Una delicia de comedia y vampiros danzarines con unas letras sorprendentes por su ingenio. Tomen note: episodio siete de la sexta temporada, de lo mejor de la historia de la tele...sin lugar a dudas.

Un saludo.
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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Centauros del desierto
Centauros del desierto (1956)
  • 8,0
    30.224
  • Estados Unidos John Ford
  • John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, ...
9
Texas al rojo vivo
Las personas vuelven de la guerra y parece que traigan consigo una nueva personalidad estrechamente relacionada a nuevos miedos y traumas. No todos parecen preparados para volver al remanso de paz en el que vivían y para volverse a calzar las botas de aquella persona que en otro tiempo meditaba sobre lo superfluo y lo trivial. En cierta medida es el caso de Ethan Edwards, pero sólo en cierta medida, porque Ethan no tiene tiempo de probarse así mismo tras la guerra de Secesión y ha de volver a la caza, a la lucha, al odio. Yo creo que este personaje bien podría reflejar a cualquiera que hubiera perdido gran parte de su vida amando a la mujer de otro y luchando para caer finalmente derrotado, quizás incluso sea un digno destino para alguien que aborrece su propia existencia, como claramente es el caso. Y en el transcurso de una venganza es posible que uno pudiera encontrarse de nuevo ante lo que más odia con todas sus fuerzas. Ethan tiene que enfrentarse nada más y nada menos que a su inmensa rabia y odio para rescatar a su sobrina de las fauces de los malvados indios (un tópico del Western), los que a su vuelta de la guerra acabaron con casi toda su familia y escaparon con lo que para él es un símbolo...y no me vengan con el tema del racismo aquellos que intentan ver al demonio, porque ciertamente cualquiera en su sano juicio haría lo mismo que hizo Ethan Edwards: perseguir al responsable hasta la extenuación.

John Ford crea con su maravillosa mente un escenario en el que sucede una historia fácil de entender, difícil de contar y rodada de manera soberbia. Se puede captar cada emoción de tal manera que, como ocurre con las obras maestras, nos trasportamos a la historia y nos sentimos parte de ella, dejando de ser meros observadores para acabar siendo testigos, con lo que ello implica. Las localizaciones en Monument Valley (Utah) son simplemente espectaculares y sorprenden por su sencillez y gran belleza al mismo tiempo. La fotografía, responsabilidad de Winston C. Hoch, es impresionante. El rodaje en Panavision le otorga al film una calidad excepcional que aumenta el disfrute visual de la obra de Ford.

Se trata de un Western imprescindible en la videoteca de cualquier cinéfilo que se digne llamar así. La primera parte de la película es puro arte y el resultado final es excelente. Las interpretaciones rayan la perfección, sobre todo en el caso de Wayne y Hunter. La técnica de esta película hace de su visionado un deleite para los sentidos. Estamos ante otro magnífico trabajo de Jonh Ford, el cual, más allá de la valoración o juicio que se pueda hacer sobre su persona, acomete un cine que roza la perfección en su conjunto y la alcanza en muchas de sus secuencias y planos.

Un saludo.
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Sin Límites
Sin Límites (2011)
  • 6,4
    31.628
  • Estados Unidos Neil Burger
  • Bradley Cooper, Abbie Cornish, Robert De Niro, Anna Friel, ...
9
Neuronas con ojos de pez
Un juego de colores y formas, de imágenes distorsionadas, de luces y sombras, de palabras y pensamientos perfectamente trenzados. Cuatro quintas partes de nuestro cerebro no realizan sinapsis, se encuentran como esas naves industriales abandonadas, llenas de cables desconectados que se esparcen por suelo y techo configurando una red de caos, de colores apagados y polvo en suspensión que reina a sus anchas. Cuánto desconocemos todavía de nuestro cerebro es increíble, somos animales evolucionados y racionales que apenas si llegan a darse cuenta de lo que pasa a su alrededor y malgastan sus esfuerzos en conocer por lo que sucede a miles de millones de años luz. La película de Neil Burger (director de El Ilusionista y The Lucky Ones) permite observar hipotéticamente que clase de individuos seríamos si pudiéramos aprovechar todo nuestro potencial intelectual, y todo desde la perspectiva de la adicción a las drogas.

El guión de Leslie Dixon le da al personaje de Eddie Morra (Bradley Cooper) el aspecto de una especie de superhéroe drogadicto y algo obsesionado con la idea de llegar a ser alguien de importancia mundial. Esto implica tener a un protagonista con el que nos identificamos porque es humano, es decir, es egoísta y piensa en hacer lo que hace para su propio beneficio. Es frágil sin las droga y extremadamente calculador con ella. No obstante consigue adaptarse a su nueva situación, como si de Spiderman se tratase cuando es picado por la araña alcanza un estatus de megasabio que le permite acceder a cualquier rincón de su mente para enfrentarse a dispares situaciones, desde la compra de acciones bancarias hasta peleas callejeras. Si a todo esto lo acompañamos de un antagonista llamado Robert De Niro, entonces tenemos el cocktail casi perfecto.

Lo más destacable de la película de Burger es que nos presenta la historia de una forma novedosa y original, con escenas y secuencias repletas de imágenes trucadas que estimulan nuestro cortex visual de manera que nos transporta al film en varios momentos para en otros escupirnos de nuevo al asiento del cine. Las interpretaciones cumplen con nota, la fotografía se sale y los efectos especiales aunque puedan parecer muy efectistas reclaman nuestra atención perfectamente.

Deberíamos preguntarnos (cosa que incita la película) dos cosas: ¿realmente somos incapaces de ver lo que ocurre 288º a nuestro alrededor? y, ¿aceptaríamos una droga que nos facilitase aumentar nuestro rendimiento intelectual hasta el máximo? La primera pregunta tiene fácil respuesta, pues no sólo es que no podamos observar todo nuestro alrededor sino que de lo que observamos percibimos tan solo pedazos. Y la segunda pregunta que cada la responda mejor después de ver la película, yo aún tengo dudas.

En resumen, Sin Límites es una gran experiencia visual que por lo menos no hay que perderse, después que cada uno juzgue lo que le parece, yo con mi "cerebro de mosquito" le doy un nueve bien merecido.

Un saludo.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Santuario (Sanctum)
El Santuario (Sanctum) (2011)
  • 5,3
    6.651
  • Australia Alister Grierson
  • Rhys Wakefield, Allison Cratchley, Christopher Baker, Ioan Gruffudd, ...
5
Espeleólogos en el Templo Maldito
Las películas basadas en hechos reales suelen caracterizarse por presentar relatos demasiado calcados de la realidad o bien extremadamente alejados de la misma. Sea como fuere la mayoría de veces van que se matan si queda algo de los personajes en los que se basan, los cuales son reemplazados para adaptarlos a los cánones cinematográficos del momento o del guionista. El Santuario no es una excepción puesto que si nos atenemos a que la historia se basa en la experiencia de uno de los guionistas (Andrew Wight) y espeleobuceador acostumbrado esto de barrer las cavidades endokársticas en busca de lugares inexplorados, lo cierto es que poco tienen de parecido. Su experiencia consistió en quedarse encerrado en una cueva por el derrumbe de la entrada de la misma en 1988 en Nullarbor (Australia).

Vayamos a la película. En primer lugar si vais a ir al cine o tenéis pensado verla en 3D abstenerse a no ser que la veáis en casa de James Cameron. Mi experiencia fue nefasta por la falta de luminosidad que presenta más de la mitad de la cinta. El film es entretenido y sobre todo para los amantes de la espeleología permite observar imágenes muy reconfortantes y atractivas, pero la historia es demasiado previsible e infantil en su desarrollo, se echa de menos algo más de ciencia de por medio, un poco de divulgación sobre las cuevas y su importancia, se recurre en exceso al efectismo y a la sangre y escenas morbosas. Aunque el objetivo de los guionistas (dicho por ellos) era reflejar como se comporta un grupo de personas encerradas y como reaccionan para salvarse, lo cierto es que hay poquito de esto o lo que hay está muy fingido e magnificado.

Y caramba que Cameron la co-produce, pues vaya, como siempre es el típico engaña bobos (yo uno de ellos) de que vas a ver algo elaborado al mínimo detalle pero se ve que lo único que aportó Cameron fue su equipo y sabiduría con el 3D. Ese 3D que nos lo meten hasta en la sopa se ha convertido en el reclamo publicitario para ver una película, hace varios años seguro que este film hubiera contado con un actor de renombre para el papel protagonista, y no es que las actuaciones o el reparto sea malo, por el contrario es la historia la que se sumerge en la cueva de la mediocridad.

Resumiendo, una película que se deja de ver (en 2D por favor) y que entretiene más por su continente que no por su contenido, un film para todo público al que le guste la aventurilla y la espeleología sobre todo.

Un saludo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El origen del planeta de los simios
El origen del planeta de los simios (2011)
  • 6,7
    70.761
  • Estados Unidos Rupert Wyatt
  • James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, ...
8
Cambio plátanos por banana split
Es posible que desde la mona Chita no haya sentido tanto afecto y respeto por un primate como lo he sentido por César, un simio con la capacidad de raciocinio de Einstein y los dotes de mando del General Lancaster.

Recuerdo que el primer visionado de "El planeta de los simios", la versión protagonizada por Heston, no me impacto lo suficiente como para considerarla digna de elogios; con un argumento algo desestructurado adornado con un final impactante abierto a secuelas.

Lo cierto es que en esta precuela existen a mi modo de ver dos puntos fundamentales para su elogio. En primer lugar su guión, que da buena cuenta del origen de aquel planeta de los simios que pudimos ver el milenio pasado. El segundo tiene que ver con la estética del simio, puesto que en la película de 1968 poco tienen que ver los primates a los que estamos acostumbrados, además, de que en esta precuela se suman más especies como orangutanes o gorilas.

Para mi lo más destacable es la implicación a la que se ve obligada el espectador, en tanto en cuanto apela a nuestra humanidad, véase en todos los sentidos, para hacernos sentir culpables y partícipes de que la revolución de los simios tenga lugar, asimismo afloran ansias de protección en contra de aquellos que usan a ciertos animales como meros instrumentos para llegar a un fin global de lucha contra enfermedades.
También destaca la acción tanto como el drama, con escenas emotivas mezcladas con grandes escenas de persecución.

En resumen, vale mucho la pena esta precuela que permite darle más sentido a la primera obra cinematográfica. También con interpretaciones a muy buen nivel con nuevas y viejas estrellas, y sobre todo una historia muy bien trenzada y servida en su punto. Cuidado que ya está en marcha la secuela de la precuela.

PS. Si tienes mascota, es muy posible que al final de la película la mires con otros ojos...inquietante.
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Tokyo Godfathers
Tokyo Godfathers (2003)
  • 7,4
    4.199
  • Japón Satoshi Kon, Shôgo Furuya
  • Animation
9
La familia
En las calles de cada ciudad del mundo viven indigentes, marginados, gente sola y sin hogar, vagabundos y almas errantes de esquina en esquina que se ahogan en el alcohol barato y sobre la mugre acartonada...o al menos eso es con lo que me quedo yo en la mayoría de ocasiones tras echar un furtivo vistazo. La animación de Satoshi Kon nos permite alcanzar a ver otra perspectiva de ese mundo que está tan cerca y tan lejos a la vez, una mirada a las personas más allá de su condición pero sin olvidar que ese escenario lo condiciona todo de uno u otro modo.

La Navidad es una fiesta que a medida que crecemos pierde en muchos casos su valor por cuestiones que a mi me parecen retorcidas. Nos obligamos a pasar la Navidad como un período para estar con la familia y las connotaciones y costumbres religiosas más proclives a la alegría acaban por ser un caldo de cultivo para la tristeza, el desarraigo y la melancolía por extrañar toda una serie de cosas que cuando eramos pequeños dábamos por supuestas e inmutables. La película de Kon alude en mayor o menor medida a ese sentimiento navideño desde la cara más amarga, y ya desde un principio queda bastante claro que no nos vamos a encontrar de frente con el espíritu de la fiesta sino con su reverso más oscuro. Y es así, con crudeza y desafiando al espectador, como Kon consigue penetrar nuestras corazas para hacernos ver una realidad que a pocos se nos escapa pero que la mayoría intenta obviar y de la que se derivan ciertas reflexiones que yo resumiría en la siguiente pregunta: ¿porqué no puede ser siempre navidad e intentar tener los propósitos que se tienen todo un año?

Pero la Navidad sólo es el telón de fondo de la relación que se establece entre los protagonistas de la historia, unos protagonistas que dicho sea de paso, representan tres casos particulares y diferenciados por sus personalidades pero con pasados similares, pasados que se van descubriendo de manera inteligente a medida que van desarrollándose los acontecimientos. Nos os los describo porque vale la pena toparse con ellos e ir conociéndolos poco a poco.

Antes de acabar con la crítica de Tokyo Godfathers, una breve mención merece el estilo de los dibujos que escapan al colorido habitual que podemos encontrar en Disney o en los Estudios Ghibli. Son unas animaciones penumbrosas y cercanas a la imagen real, cosa que dota a esta película de mayor adecuación a un público juvenil tirando a adulto, no sólo en cuanto a la historia se refiere sino también al propio dibujo. Os recomiendo a los que no la hayáis visto aun que sin ninguna duda lo hagáis, sobre todo porque cuenta una historia que transmite información valiosa y que lleva a la reflexión mediante una animación poderosamente atractiva e impactante en no pocos fotogramas.

Un saludo.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Top Secret!
Top Secret! (1984)
  • 7,2
    31.957
  • Estados Unidos Jim Abrahams, David Zucker, ...
  • Val Kilmer, Lucy Gutteridge, Omar Sharif, Christopher Villiers, ...
9
EL DÍA QUE CONOCÍ AL DOCTOR FLAMÓN Y SURFEÉ CON NICK RIVERS. POR JULITO IGLESIAS.
Esta no es una crítica cualquiera, hoy me pongo ante tí con las manos temblorosas intentando hacer justicia a una de las mayores paridas cinematográficas que ha parido (valga la redundancia) madre. No puedo evitar esbozar una sonrisa entre maliciosa e incontrolable mientras recuerdo con cierto anhelo la primera vez que surfeé con Nick Rivers, la primera vez que compré un artículo de coña, la primera vez que descubrí que con una cuchara se pueden hacer grandes obras (gracias Doctor Flamón), la primera vez de tantas cosas. Me molesta no poder reirme a carcajadas como la primera vez y doy gracias a Dios por poder disfrutarla anualmente un par de veces.

Qué importante me parece que podamos echar la vista atrás y reírnos de nuestra propia humanidad. Top Secret, a parte de por el contexto geográfico, alude a una época y a una manera de ver el mundo que nos produce vergüenza y deshonor. Sin embargo es posible sacarle punta a las cosas y parodiar lo que a veces parece de mal gusto parodiar. Esto viene al caso de que algunas personas critican este tipo de películas por su escaso tacto a la hora de tratar temas como el holocausto o la guerra de Vietnam (véase Hot Shots), aunque siendo justos son más parodias de otras películas, que no de los propios acontecimientos históricos en sí. Sea como fuere me parece de humanos expresar con el humor el horror, puesto que la mayoría de los sucesos más innombrables de la historia parecen sacados de una comedia por lo absurdo que no de un drama.

Son muchas las ocasiones en las que pienso en qué le pasó a Val Kilmer tras rodar Top Secret, parecía como Austin Powers cuando pierde su mojo, ya nunco tuvo ese resplandor ni esa chispa. No son menos las ocasiones en las que me ronda la idea de establecer una nueva casta de motes ocurrentes y mentalmente flexibles como café olé, suffle o croissant. Aspiro con poder comprobar si en los sex shops venden alguna especie de intrusor anal o fue simple ocurrencia de los guionistas. Y finalmente me desespero cuando compruebo que las cintas parideras y de humor absurdo ya no se hacen como las hacían...¡¡¡¿qué os ha pasado Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker?!!!

En los días que corren es vital tener herramientas que nos permitan escapar de las rutinas y los malos rollos, herramientas para desconectar y permitirse la carcajada espasmódica y brutal. En esta comedia absurda, que no absurda comedia, se encuentra el santo grial de la juventud eterna, si eres capaz de reírte con ella entonces todavía queda un resquicio de salvación para la humanidad. Si queréis ver al gran ídolo musical Nick Rivers, alter ego de Elvis y mucho mejor interpretado que Jim Morrison en The Doors, si buscáis una peli que provoque el descojone generalizado y sobre todo si no os importa lo que vayan a decir los vecinos introduce el disco en el dvd y disfruta de verdad de la madre de las ocurrencias...pero cuidado...que es Top Secret...sshhhh

Un saludo.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Roller Girls
Roller Girls (2009)
  • 5,7
    3.821
  • Estados Unidos Drew Barrymore
  • Ellen Page, Marcia Gay Harden, Alia Shawkat, Kristen Wiig, ...
9
Un film drewlicioso.
Tras dirigir el documental "Choose or Lose Presents: The Best Place to Start" en 2004, Drew Barrymore se estrenó en la dirección cinematográfica en 2009 (...sí, como lo leen...) con Whip It, una historia sobre el deporte (del que desconocía absolutamente su existencia) denominado Roller Derby, inventado en Estados Unidos se basa en la competición de dos equipos que patinan sobre ruedas en una pista oval y cuyo objetivo es conseguir más puntos que el otro adelantando posiciones mediante el uso generalmente del mamporro, zancadillas, manotazos, etc. Drew Barrymore dirige de manera notable esta cinta en la que el guión de Shauna Cross está perfectamente en sintonía con la fotografía estupenda llevada por Robert Yeoman. Lo que más destaca es su estilo ochentero donde la familiaridad y profundidad de sus personajes permite recorrer todo el film sin aburrir en ningún momento. Aunque el punto fuerte es sin duda el deporte que se nos muestra y que le da ese toque de novedad, la historia no es menos interesante y brillante.

Los personajes podrían ser los de cualquier lugar del mundo y cualquier condición. Es la típica historia (porque en cine ya esta casi todo inventado) repleta de aprendizajes sobre la madurez y la felicidad, sobre encontrarse a uno mismo y escoger, cuando estamos en una encrucijada, hacia dónde dirigirnos. No importa que ya hayamos visto antes el discurso entre padres e hijos, porque de lo que se trata es de que Roller Girls transmite emociones, emociones que se dividen a la perfección con cada capítulo de la historia en la que nos encontramos. En los 111 minutos que dura el film nos permitimos el lujo de reflexionar abiertamente, de vibrar y experimenta subidones de adrenalina, de reír y sonreír y de sentir la pena del que arriesga sin miedo a perder.

El reparto es excepcional en la vertiente femenina, destacando sobremanera Ellen Page , una joven actriz que desde que recuerdo haberla visto en Juno nunca me ha defraudado. También destacable Marcia Gay Harden en el papel de madre. Drew Barrymore también aparece en la cinta encarnando a la jugadora más bestia del equipo de Roller Derby, la verdad es que imagino que en cuanto vio el guión se lo reservaría para ella. Y atención que también esta Juliette Lewis (la incansable) como antagonista, una actuación que ni fu ni fa, aunque el personaje le esta que ni pintado.

A primera vista pueda parecer que Whip It sea un película para tíos, más que nada por eso de que va de un equipo de tías (que no están nada mal), vistiendo uniformes cortitos y dándose de todo menos abrazos y caricias. Y quizás desde otro punto de vista parezca una peli para chicas, por eso de que va de un equipo femenino y de la relación entre una hija y su madre y los devaneos amorosos de la primera. Pues hay que dejar los prejuicios atrás porque no es ni una cosa no la otra. Se trata de una obra muy redonda y perfecta para todos los públicos, con múltiples aspectos que apreciar e no pocas lecciones de las que aprender.

Un saludo.
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Ted
Ted (2012)
  • 5,5
    49.165
  • Estados Unidos Seth MacFarlane
  • Mark Wahlberg, Mila Kunis, Seth MacFarlane, Giovanni Ribisi, ...
9
Un "compitrueno" es para siempre.
Hacía una barbaridad de tiempo que no me plantaba delante del televisor y me llevaba la grata sorpresa que me he llevado con Ted. En primer lugar porque Ted había pasado desapercibida al satélite de películas que suelo captar. Y segundo porque nadie me la había recomendado y tampoco es que escuchara grandes críticas. Recuerdo que vi el tráiler y me gustó. Bueno, dejando divagaciones a parte, ¿porqué me ha sorprendido Ted?
Ayer viaje a los ochenta, a aquellas tardes de cine en las que me sentaba ante el televisor y en la sesión de tarde ponían una peli juvenil en TVE1. Esas pelis en las que aparecían unos personajes muy afables a la vez que desdichados, los cuales, tocados por una varita o envueltos en sucesos mágicos inexplicables (ni falta que hacía explicarlos) veían como su vida cambiaba para bien.
Además de viajar a los ochenta, también viaje a los noventa. Por que fue en esa década en la que descubrí mi amor por las películas "parideras", así las he llamado yo desde que tengo memoria. ¡Pero ojo! no se me confundan ustedes, estoy hablando de la parida de calidad, de la que te arranca una carcajada tras otra y que está llena de matices.
Y finalmente, la sorpresa final es caer en la cuenta de cómo Ted, a parte de las dos vertientes que presenta (juvenil y cómico), consigue aplicar la receta de la comedia romántica casi sin darse uno cuenta.

El responsable de todo ello es ni más ni menos que Seth MacFarlane, cocreador de Padre de familia, Padre Made in USA o El Show de Cleveland entre otros. El padre putativo de un tipo de humor extremadamente mordaz y salido de tiesto. MacFarlane dirige aquí una cinta repleta de gags y escenas que mezclan todo lo anteriormente mencionado con una soltura y una agilidad dignas de mención. Y todo ello gracias, desde mi punto de vista, a haber sabido coger las mejores partes de esas películas ochenteras, de la comedia hilarante de los Abrahams y Zucker y de la comedia romántica clásica, básica y eficaz en taquilla.

Mark Wahlberg está fabuloso en su papel y desternillante sus momentos de gags Mila Kunis (Paso de ti, Con derecho a roce,...) cumple su cometido con notable, Seth MacFarlane dobla la voz de un oso que en su versión española realiza Santi Millán (raro ha sido que me haya gustado, yo que siempre crítico este tipo de doblajes), Giovanni Ribisi produce escalofríos metido en un papel hilarantemente desquiciado, incluso las apariciones de Norah Jones y Ryan Reynolds suman otro aliciente para no perderse la película. Y atención al estelar Sam S. Jones, el conocido Flash Gordon de 1980, una subtrama que le pone la guinda a este pastel.

¿Qué más puedo decir? ¡Ah, claro! No puedo acabar sin comentar lo acertado del oso de peluche como principal emisor de humor. Simplemente la imagen de un oso de peluche diciendo las barbaridades que dice vale la pena, es como Stewie en Padre de Familia, esa contradicción es más que atractiva, es adictiva. Si con todo el rollo que os he soltado no tenéis ganas de verla nada más puedo hacer. Los que han caído en la red espero que disfrutéis tanto como yo y al resto otra vez será.

Un saludo.
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Cuentos de Terramar
Cuentos de Terramar (2006)
  • 6,1
    4.705
  • Japón Goro Miyazaki
  • Animation
9
Lo que hay que ver!
Estaba retrasando de manera consciente el visionado de la que ha resultado ser una de mis películas de animación preferidas. Dicho retraso venía a cuento de las críticas que rondaban por mi cabeza. Ursula K. Le Guin quería en primer lugar al padre y no al hijo (cautivada por Mi Vecino Totoro) como director de la adaptación de su obra literaria, y tras ver el resultado quedó descontenta. Además, hay que señalar que Hayao Miyazaki y su hijo, al cual a partir de ahora trataré con más respeto cinematográfico, estuvieron cuanto menos de "morritos" durante la producción del filme, de hecho, Hayao estaba en contra de que si hijo se encargara de la dirección; no obstante, el productor, viendo las dotes de Goro para la gestión del proyecto y su habilidad y destreza para el dibujo decidió darle la batuta al hijo. Con todo esto y unas notas algo a la baja en diferentes portales de cine, lo cierto es que estaba reticente y no encontraba el momento de plantarme en Terramar.

Para los que seguís de manera más o menos intermitente el blog, recordaréis que no son pocos los elogios que he dirigido hacia el maestro Miyazaki, desde Nausicaa hasta Ponyo pasando por Totoro. Ahora es justo apuntar con el dedo a Goro Miyazaki como un digno escudero y supongo que posterior sucesor de su padre y su manera de entender la animación. y ya tengo en mi punto de mira la película que dirigió en 2011 y que el amigo Javier Ramírez ha reseñado en su blog, la película se titula "From up on Poppy Hill".

La película Cuentos de Terramar para mí estrechamente relacionada con Nausicaa, sobre todo desde el punto de vista del medio ambiente y de la cantidad de mensajes ecologistas (sin tendencia política) que inundan la cinta; desde diálogos profundos a escenas y paisajes bellísimos. Posee una banda sonora que se acopla perfectamente, como un colibrí absorbiendo néctar. Obra musical compuesta por Tamiya Terashima con la participación de nuestro Carlos Núñez, todo un lujo.
No puedo dejar de recordar la hipótesis de Gaia como ya hiciera con Nausicaa, pues en todo momento se hace referencia al planeta como si de un gran ser vivo se tratara. Se plantea el tema del equilibrio y de cómo el hombre lo rompe, aunque yo considero esto antropocentrismo puro y duro.

Los personajes son maravillosos y sus luchas internas se reflejan en cada uno de los demás y sobre el territorio. La fantasía está al nivel del resto de las joyas Ghibli, con su lado oscuro y tenebroso muy bien desarrollado, de hecho, este tema hizo que fuera la primera película distribuida por Disney con la calificación PG-13.

Quizás Ursula K. Le Guin no quedara satisfecha con el resultado y quizás durante la producción de este largometraje la familia Miyazaki pasara una leve crisis. Yo tengo que decir que me da igual, como se suele decir que me quiten lo bailado, yo he disfrutado de lo lindo.

Un saludo.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro)
Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro) (1992)
  • 6,7
    21.632
  • Nueva Zelanda Peter Jackson
  • Timothy Balme, Diana Peñalver, Fran Walsh, Elizabeth Moody, ...
8
Revisando el cortador de césped
Tu madre se ha comido a mi perro. La primera vez que me dijeron: ¡tío has de ver esta peli!, comprendí que aquello iba a ser algo sorprendente con semejante título, además a la edad que la vi por primera vez la gente todavía no dominaba el argot cinematográfico tanto como en la actualidad y no podían permitirse el lujo de decir ¡es gore! Sea como fuere, el visionado de Braindead fue para mi un grato descubrimiento del gore y a partir de entonces se abrió una nueva ventana de disfrute de un cine que posee actualmente muchos seguidores y que para nada ha perdido la calidad que atesoraban las primeras cintas.
Por otra parte, Braindead también sirvió para descubrir el talento de Peter Jackson, un talento que le ha llevado a convertirse en uno de mis predilectos por haber realizado la que considero mi película favorita: El Retorno del Rey, película a la que le debo una crítica a la que temo por no saber estar a la altura de la obra.

Siguiendo con Braindead, que es para lo que estamos aquí hoy, es de esas obras del cine que demuestran que con imaginación, poco presupuesto y originalidad se pueden hacer grandes productos de entretenimiento que reflejan además una manera de hacer cine que marcan un camino a seguir. Con más comedia de lo que suponía iba a encontrar, se desarrolla una historia bastante sólida teniendo en cuenta que existen muchos giros bruscos y muchos obstáculos visuales que superar, todos superados con maestría y como he dicho imaginación.

He leído por ahí algunas críticas con títulos que incluían tomatina en su enunciado. Desde luego no se si he visto película con más sangre (exceptuando la escena del gimnasio del instituto de Carrie), sobre todo hacia la parte final donde el exterminio de zombies podría considerarse una especie de batalla de la Termópilas sólo que las Termópilas en este caso sería el recibidor de la casa de la madre de Lionel Cosgrove. Precisamente los personajes son uno de los principales aciertos del film, desde el propio Lionel, hijo de una madre con un oscuro pasado y megaprotectora, Paquita, obviamente la española (algún investigaré como acabó Diana Peñalver en Nueva Zelanda rodando Braindead) y amor predestinado de Lionel, el tío de Lionel, el cura experto en full contact, la enfermera, etc. pero cuando de verdad cobran vida estos personajes en cuando mueren, qué incongruencia verdad, pero es que mueren para convertirse en zombies espabilados en algunos casos y completamente inútiles totales en otros.

Recomiendo ver Braindead no porque sea una obra de arte o por ser considerada de culto en el panorama gore. Es recomendable porque ofrece entretenimiento en primer lugar y una originalidad y desparpajo en la cinematografía que dejarán a más de uno en ese estado de flipe y colocón de sangre y carne desgarrada. Eso sí, no cometáis el mismo error que cometí yo, si es la primera vez no comer nada durante el visionado, es sólo por si a caso hay estómagos sensibles.

Un saludo.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blancanieves y la leyenda del cazador
Blancanieves y la leyenda del cazador (2012)
  • 5,3
    35.822
  • Estados Unidos Rupert Sanders
  • Kristen Stewart, Charlize Theron, Chris Hemsworth, Sam Claflin, ...
7
espejo mágico busca reflejo para liarla parda
De un cuento cuyo origen se remonta al siglo XVI surge una película del siglo XXI que recupera una estupenda estética cinematográfica para el mundo de la fantasía épica, pero que adolece de un preocupante entusiasmo argumentativo, es decir, una obra descompensada.

Se trata de una historia que parece haber sido ideada para el mero entretenimiento y que desde mi punto de vista podría haber sido explotada de cara a convertirse en referente para que se desarrollasen más cuentos infantiles de esta forma, aunque eso quizás ocurra de todas formas.

Centrándonos en la parte estética-fotográfica-efectos especiales, ha sido un placer adentrarse en escenas con paisajes de cuento propiamente dichos, además de acercarse a mayor detalle con personajes y escenarios que hacen las delicias de los amantes del género fantástico.
Ojala el argumento hubiera evolucionado en concordancia con el espectáculo visual, pero más allá de ese craso error nos queda la interpretación de Theron como perversa y astuta reina con poderes de bruja y que cual vampiro fuera necesita de sangre joven para conservar su inmortal belleza.

Vale la pena ver esta cinta, quizá no valga tanto la pena pararse a examinar la historia, sólo saborearla un minuto como si se tratará de esos chicles que enseguida pierden su gracia, pero en general se deja ver y entretiene.

Un saludo.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Arrietty y el mundo de los diminutos
Arrietty y el mundo de los diminutos (2010)
  • 7,2
    8.232
  • Japón Hiromasa Yonebayashi
  • Animation
7
Minimalismo cinematográfico
La autora británica Mary Norton imaginó la historia de unos seres microhumanos escondidos fundamentalmente entre las paredes y techos de nuestros hogares, los cuales, de manera furtiva, realizaban sus cotidianas tareas pasando desapercibidos a su voluntad. Esta historia se cuajó en la primera mitad del siglo XX y desde entonces han sido varias las ocasiones en las que se ha llevado a la pantalla grande y pequeña. Yo sobre todo recuerdo la serie de dibujos animados estadounidense llamada "The Littles" y traducida en España como "Los diminutos", de tres temporadas y 29 episodios, así como también recuerdo la sosa película "Los Borrowers" de 1997.

Esta vez le ha tocado al famoso Estudio Ghibli convertir a los incursores en su enésima obra de arte de animación, eso sí, con un desenlace que a mi entender le resta calidad a la totalidad del film. Hasta que llega ese desenlace carente de imaginación y sobrante de lógica tenemos una película maravillosamente filmada, con una atención al detalle exquisita, con un argumento firme y con el suspense necesario para mezclarse con la estética visual y proporcionar al espectador dosis de gran cine, dejando lo del género a parte.

Como siempre las películas Ghibli trascienden el plano meramente infantil y se permite el visionado reflexivo y adulto, que a buen seguro disfrutarán en mayor grado. Como digo el único pero es su desenlace pero tendréis que verla para opinar, espero que así sea.

Un saludo.
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Casablanca
Casablanca (1942)
  • 8,4
    95.685
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, ...
9
...el comienzo de una hermosa amistad.
Amo el cine de tal forma que en no pocas ocasiones imágenes de cualquier film acuden a mi mente para relacionarlas con situaciones reales, de la vida cotidiana o incluso de anhelos y temores. El cine tiene un inexplicable efecto sobre todo el mundo, y aunque sabemos que el cine transita entre lo real y lo ficticio, también apreciamos su verdad por encima de las constantes y provocadas omisiones.

Quizás haya alguien a quien todavía no le haya embargado un torrente de emociones cuando acaba de ver una película como Qué bello es vivir, a quien todavía no se le erizan los pelos de la nuca cuando "La diligencia" cruza el oeste ante enormes desafíos, a quien todavía no le ha curado una gripe un visionado de "El hombre tranquilo". El cine clásico tenía una forma de contar las historias que sobrepasaba la pantalla incidiendo directamente en nuestros cerebros y provocando el chispazo de nuestra máquina de reflexión. Para quienes todavía siguen sin conocer de sus efectos no creo que haya una película mejor para empezar a aficionarse que la maravillosa "Casablanca".

Hay que decir que "Casablanca" no obtuvo los merecidos elogios con los que hoy cuenta hasta pasados unos diez años desde su estreno, muy seguramente porque fue descubierta por generaciones de estadounidenses que habían vivido un momento clave en la historia de la humanidad, y se encontraban respondiendo preguntas que Casablanca les pudo contestar en parte. No obstante fue una película que en su estreno contó con la inestimable fortuna de coincidir casi con el desembarco aliado en Casablanca, concretamente dieciocho días después del mismo.

El adjetivo que mejor definiría la película de Michael Curtiz sería redonda, desde la dirección hasta el atrezzo. Curtiz hace gala de una gran maestría permitiendo que los detalles más importantes nos conduzcan por un guión que mantiene al espectador en una constante vigía. Las actuaciones son memorables, de principales y secundarios, pero la pareja protagonista rebosa excelencia desde que aparecen en escena hasta que desvanecen. A mi en particular me encandila sobre manera la interpretación de Bogart, su cinismo, su dureza, su sarcasmo y su transformación en el hombre que realmente es y que a casi todos nos gustaría ser. Ingrid Bergman está preciosa y exuberante cuando tiene que estarlo, Ilsa mantiene una tensión con Rick que hace que se vayan rompiendo por dentro cada vez que se encuentran, que conversan o que se miran. La música es exquisita y la ambientación hace que nos olvidemos de si Casablanca es como la pintan porque lo cierto es que nos las creemos desde el primer frame en el que aparece.

La película no sólo trata de gente que quiere escapar de la terrible avalancha nazi que se cierne sobre Europa y que aspira a conquistar el mundo, también trata del amor y el desamor, de las amistades y las enemistades, y por supuesto, del tiempo, del tiempo que pasa y pasará. No hay que perder la ocasión de hacer un buen amigo, y con "Casablanca" podemos comenzar una hermosa amistad con el cine clásico que tanto ha dado y tiene que dar.

Un abrazo.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rocky IV
Rocky IV (1985)
  • 5,8
    22.212
  • Estados Unidos Sylvester Stallone
  • Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, ...
8
No hay salida fácil
El otro día hablando con mis amigos sobre películas deportivas no pude evitar acordarme de la saga de Rocky Balboa, una de las sagas deportivas con más solera y de las que mayor éxito en taquilla se llevó. Casi han pasado tres décadas desde que se estrenara la cuarta entrega de las seis que la componen y todavía me sigo emocionando (ojo que va un spoiler) cuando en el último asalto del combate final Rocky tumba a Drago y le obliga a morder la lona. No me avergüenza reconocer que incluso se me escapa alguna lagrimilla cuando Rocky va asestando un golpe tras otro en el hígado del ruso. Para ser honesto con vosotros os debo confesar que de pequeño yo quería ser como Rocky, tener su fortaleza y su coraje, su entrega y su humildad, es decir, estar hecho de hierro y aguantarlo todo, tal y como le sugiere Drago a uno de sus entrenadores durante el combate final.

El propio Sylvester Stallone se puso tras las cámaras y sobre el papel para dirigir y escribir el guión de la cuarta entrega. ¿Es esta la mejor de la saga? Supongo que la mayoría diría que no, que la primera es una delicia y que a parte de ser un tributo al boxeo es una excelente obra cinematográfica galardonada con el Oscar a la mejor película de 1976. Sin embargo, para mi la cuarta entrega (galardonada con 5 Razzie) es la que me provoca más a nivel físico, con subidones de adrenalina, con unas sesiones de entrenamiento que van calentando al espectador y preparándolo para el clímax final. Además de una banda sonora estupenda tanto en su composición por Vince DiCola y como en la selección de canciones.

Tiene un guión muy simple pero efectivo donde la venganza, el patriotismo y la heroicidad se entremezclan con lo puramente deportivo. Incluso se habla del dopaje (que tan de moda está estos días). Quizás lo más reseñable de la película (quedaban escasos cuatros años para que cayera el telón de acero) es como Stallone, ya con un porvenir labrado y libre de ataduras, se permite el lujo de invocar a la paz entre las dos grandes potencias de aquel momento -la URSS y USA- en el discurso final: ¡ojo spoiler! "...aquí había dos hombres matándose el uno al otro...pero dos hombres es mejor que dos millones..." aplausos, ovaciones y uno preguntándose como es capaz de semejante reflexión después de haber recibido la somanta de palos que lleva encima (desde la primera película).

En resumen, aunque la película se rodará en Vancouver para los exteriores rusos, lo cierto es que consigue transmitir el ambiente adecuado. Es una película deportiva para flipar un rato y activar la vena del ejercicio físico. Su banda sonora es altamente recomendable para realizar cualquier tipo de actividad como el jogging, y vale la pena aunque tan sólo sea para gozar con el show que realiza James Brown en su interpretación de Living in America. Que el que desee la disfrute.

PS. Gracias Jane Oliver por descubrir a Sly. DEP.

Un saludo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Falling Skies (Serie de TV)
Falling Skies (Serie de TV) (2011)
  • 5,6
    8.408
  • Estados Unidos Robert Rodat (Creator), Adam Kane, ...
  • Noah Wyle, Will Patton, Moon Bloodgood, Drew Roy, ...
8
MULDER Y SCULLY LO SABÍAN
Hace poco me sorprendió gratamente esta serie avalada por Spielberg, ya no se cuántas van, que gira en torno a una temática ya explotada en otras ocasiones: LA INVASIÓN ALIENÍGENA. Hay que decir que no por ser un tema algo gastado vamos a encontrar lo mismo de siempre. Lo bueno es que en Falling Skies se reinventan ciertos aspectos de las series sobre hombrecillos verdes.

Ya sabemos que Spielberg es una especie de Freak de los extraterrestres (Cowboys and Aliens, Super 8, Abducidos, Men in Black I y II, ET, etc), y aquí los guionistas de la serie nos enseñan más allá de efectos especiales y platillos volantes, la respuesta de los supervivientes a la invasión; cómo los pocos militares que quedan aglutinan a civiles y los convierten en soldados creando auténticos regimientos militares, donde el 2º de Massachussets (Mass.) adquirirá protagonismo de manos de los personajes que interpretan Noah Wyle y Will Patton. Se genera una situación de retroceso tecnológico humano y la guerra de guerrillas cobra su protagonismo durante gran parte del show. Tom Mason (Noah Wyle) es un profesor universitario de historia bélica reconvertido a capitán, aleccionando a civiles y enfrentándose a militares fuera de sí mismos, este personaje es la clave y el generador de conflictos y relaciones personales del 2º de Mass.

Quizás lo más destacable sea la convivencia entre los propios humanos, que como casi siempre se erije en la clave del éxito de la empresa. Una convivencia que regala al espectador los mejores momentos de la serie y que se aderezan con las escasas apariciones de los extraterrestres.
Otro punto fuerte que recuerda a los invasores de cuerpos, es que los alienígenas intentan subyugar a los niños implantándoles dispositivos en la base de la nuca, unos niños que intentan ser devueltos con sus padres y que parecen ser parte de la clave para entender someramente la intención invasora y quizás encontrar un punto débil por el cual atacar.

En resumen creo que es una estupenda manera de refrescar el panorama de series de ciencia ficción, y una oportunidad para visionar un producto apto para todos los públicos y muy recomendable.

Un saludo.

PS: hay que aguantar un par de episodios para que acabe enganchando, pero lo hace.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Will & Grace (Serie de TV)
Will & Grace (Serie de TV) (1998)
  • 6,0
    23.505
  • Estados Unidos David Kohan (Creator), Max Mutchnick (Creator), ...
  • Debra Messing, Eric McCormack, Sean Hayes, Megan Mullally, ...
7
Voluntad y Gracia
En el año 1998, la NBC apostó, cabe decir que sin mucha convicción de éxito, en una serie sobre gays y heteros de dudosas aspiraciones morales y carentes de seriedad, es decir, unos excéntricos de mucho cuidado. Esta sitcom se convirtió en seguida en uno de los shows televisivos más seguidos, capaz de hacer sombra a la mismísima Friends: hay para hacerse cruces. En fin, aquellos de vosotros que la hayáis visto alguna vez habréis notado que la serie no es nada novedosa, puesto que trata sobre situaciones "reales" (un poco sacadas de contexto en la mayoría de ocasiones) entre personas "cotidianas" (poco creíbles es quedarse algo corto). Para mi, su éxito radica precisamente en que intenta tratar temas triviales de forma hiperbólica y disparatada, aludiendo de manera casi continua a la vida de los famosos estadounidenses, convertidos (nefasta decisión por cierto) en españoles por los dobladores.

Que una mujer se enamore de un homosexual ocurre hasta en las mejores familias, que acaben viviendo juntos como si fueran pareja es posible pero poco probable. Que esto ocurra en Nueva York, en el Upper West Side de Manhattan para más señas, lo hace algo más creíble, y que esta singular pareja acabe asociándose con otra pareja formada por otro gay moldeado por la santísima Cher y una ricachona drogadicta y alcohólica que campa a sus anchas por la ciudad vuelve a ser sospechosamente poco plausible. Voluntad y gracia, que es la traducción de Will & Grace, además de dos nombres propios, resumen las características de los protagonistas, la voluntad de encontrar pareja y la gracia por la que la suerte sonríe al dúo (y al cuarteto cuando pertenece) con excesiva regularidad.

Dicho esto, hay que valorar positivamente la cara entretenida de la serie que es lo que a mi me ha permitido llegar hasta el último capítulo (187 en total) de sus ocho temporadas. A este entretenimiento y divertimiento sobre locazas y mujeres desesperadas, hay que sumar también el apartado de los cameos. Los cameos, sobre todo a partir de la tercera temporada, se convierten en un elemento más del show y en una herramienta para captar más adeptos. Las apariciones de famosos no cesan y a medida que se avanza estrellas de mayor envergadura van apareciendo ya sea para poner la cara o para quedarse unos cuantos episodios. Por poner algunos ejemplos entre muchos: Sidney Pollack, Cher, Britney Spears, Patrick Dempsey, Madonna, Harry Connick Jr, Woody Harrelson, John Cleese, Geena Davis, Miguel Ferrer, Matt Damon, Andy García, Elton John, Jennifer Lopez, Janet Jackson, Ellen DeGeneres, Minnie Driver, Macaulay Culkin, Alec Baldwin, Jack Black, James Earl Jones, Rosie O'Donnell, Demi Moore, Sharon Stone, Luke Perry, Jeff Goldblum, Kevin Bacon, Michael Douglas, Glenn Close, Gene Wilder, Tom Skerritt, etc.

..Continúa en la zona de spoiler por falta de espacio sin desvelar nada..

Un saludo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los hombres que miraban fijamente a las cabras
Los hombres que miraban fijamente a las cabras (2009)
  • 5,4
    28.367
  • Estados Unidos Grant Heslov
  • George Clooney, Ewan McGregor, Kevin Spacey, Jeff Bridges, ...
3
EL SILENCIO DE LAS CABRAS
Hacia ya bastante tiempo que no me topaba con una película tan ridículamente ridícula como esta. He estado mirando algunas críticas por filmaffinity, imdb y algún que otro critico especializado, y lo más destacable que se puede extraer de este film es su inestimable elenco de actores de renombre. Lo cierto es que George Clooney, puede ser considerado junto con el director como el padre putativo de la cinta que adapta el libro de Jon Ronson de 2004 y mismo título, ambos ya habían trabajado en la serie Unscripted de la HBO como directores, una serie que tan sólo duró diez capítulos y de la que no he conseguido leer buenas críticas. Por tanto tenemos un debut cinematográfico en la dirección de Heslov, un hombre más acostumbrado a estar delante de las cámaras como secundario (un tipo bastante feucho y desaliñado que seguro habréis visto antes) que no en menesteres de dirigir, aunque como escritor participó en Buenas noches y buena suerte y en estos momentos participa en la nueva película que dirigirá Clooney (The Ides of March) y que se estrenará en el último trimestre de 2011.

Nadie cuestiona la capacidad interpretativa de los cuatro magníficos (Bridges, Clooney, Spacey y McGregor) que protagonizan esta aburrida comedia, más bien dudaría de su olfato para enrolarse con buenas historias. Pero no son las actuaciones lo que falla, sino el guión, una historia que como ya he dicho antes es extremadamente ridícula y ausente de concreción tanto en el desarrollo como en su triste final. De hecho, y coincidiendo con algunos comentarios bastaría con ver el tráiler de cine para quedarse con los mejores momentos del film. Es una pena que se malgaste el talento de los actores de esta cinta en una historia sin sentido y poco elaborada, que se queda con la estrategia de poner a cuatro hombres maduritos a hacer carusas raras, vestirlos de manera extravagante u ortera y obligarles a bailar al son de una melodía muerta de principio a fin.

Es triste encontrar este tipo de películas que venden humo e intentan camuflarse de comedias inteligentes, sin embargo que sería del cine sino tuvieramos tales obras. Son parte del cachondeito en las entregas de premios, me imagino a John Malkovich comentándole en tono jocoso a Clonney que vaya papelito que se marcó, o Spacey y Bridges emborrachándose en un bar de Hollywood Boulevard para ahogar las penas cinematográficas. Sea como fuere recomiendo abstenerse del visionado, y si aún así se visiona espero que haber leído esta voraz crítica sirva para que Los hombres que miraban fijamente a las cabras parezca mejor.

Para acabar algo a destacar (sí, como lo lees), su banda sonora es de lo mejor, no perderse el "More than a feeling" de Boston y por cierto, el tema es de Rolfe Kent creador del tema de Dexter.

Un saludo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Qué bello es vivir
Qué bello es vivir (1946)
  • 8,2
    50.660
  • Estados Unidos Frank Capra
  • James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, ...
10
EL HARRY POTTER DE BEDFORD FALLS
De entre las miles y miles de películas existen, un pequeño centenar de ellas son capaces de despertar en nosotros sentimientos que pocas veces mostramos, capaces de estimular nuestra glándula lacrimal hasta dejarnos sin lágrimas, capaces de provocar que nos planteemos cambiar en nuestra vida diaria. Esta cinta de la década de los 40 es un claro ejemplo de lo que hablo. Frank Capra, al que algunos tachan de realizar un cine optimista, socarrón y de soluciones milagrosas, comprende de qué están hechas las fibras sensibles humanas y sabe cómo tocarlas para producir el efecto deseado cuando se hace cine: no dejar al espectador indiferente. Generalmente, el cine o las películas de Capra (comprendidas en su contexto histórico) nos muestran a individuos capaces de enfrentarse con los poderosos a base de humanidad.

A parte del guión del propio Capra, Goodrich y Hackett, la interpretación de James Stewart (considerada por él mismo como la mejor de su carrera) dota al film de una calidad que pocas veces tenemos el placer de ver y disfrutar. Stewart, con su porte de delgadez y fragilidad se convierte en un hombre marcado por el devenir de un pueblo y una familia, en un hombre obsesionado por crecer y buscar la felicidad y que, hasta los últimos compases de la película no comprende que la tiene más cerca de lo que cree. George Bailey quedará en el corazón de este crítico aficionado para siempre y en el de muchas personas que ven en su personaje al hombre más feliz del mundo.

Seguro que habrán visto en multitud de ocasiones episodios de series de televisión o películas en las que a un personaje se le permite ver como sería su vida sin él. Pues bien está película lo inventó, y no sólo lo inventó sino que nadie (a mi entender) ha sido capaz de repetir semejante representación con el grado de ejercicio reflexivo que supuso y supone todavía hoy. No se equivoquen, no hay nada de conformista en aceptar ser feliz y Capra lo deja de manifiesto en cada plano.

Capra con mueve por su intimismo cinematográfico y por su crítica al humano que no sabe disfrutar con lo que tiene, quizás en algunos momentos exagere obligándonos a sentir pero recomiendo no resistirse porque vale la pena hacer una cura de humildad de vez en cuando.

En casa está película se ve cada año el día 25 de diciembre, más allá de los christmas y costumbres tradicionales, y más allá de las religiones e imposiciones culturales y consumistas, Capra nos permite la reflexión profunda sobre nuestra propia existencia y convierte la pantalla de nuestro hogar en la fuente del saber popular. Que nadie se la pierda.

Un saludo.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil