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Críticas de Angel Lopez
Críticas ordenadas por:
Glass (Cristal)
Glass (Cristal) (2019)
  • 6,6
    7.772
  • Estados Unidos M. Night Shyamalan
  • James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson, ...
8
Psicopatología del héroe y del villano
Tercera y última entrega que cierra la trilogía iniciada con El protegido y continuada con Múltiple. Shyamalan llevaba tantos años hablando de una secuela de El protegido que seguro que no era el único que había perdido la fe en que de verdad llegaríamos a conocerla. Sin embargo, nos sorprendió con el final de Múltiple e hizo que nuestro interés volviera a resurgir de entre las cenizas, quedando puestas las esperanzas de volver a sorprendernos en el cineasta indio. ¿Cuál es el reto tan difícil que se le abriría a Shyalaman delante de sus ojos? Encajar los dos universos «aunque todos sabemos que es el mismo».

Con Glass, Shyalaman no ha creado una cinta de superhéroes al uso. Mientras que el universo Marvel y DC están al servicio de los efectos visuales, el universo Unbreakable está al servicio de una historia atipica. Aquí no hay héroes con superpoderes, sino personas que han desarrollado más de la cuenta alguna de sus habilidades a raíz de una experiencia traumática. Todos estos personajes que se creen superhombres han desarrollado una habilidad sobrehumana a consecuencia de algo terrible que les sucedió en el pasado. Ya sea por morir casi ahogado, como por no evitar la muerte de su padre o por morir en una atracción de feria. Al fin y al cabo, son traumas capaces de desnudarnos completamente, despojarnos de nuestras habilidades, pero por el contrario desarrollamos la habilidad que carecíamos en ese momento traumático. Y somos capaces de desarrollarla hasta un punto extraordinario «llámanos superhombres». Porque la mente puede llegar a ser tan extraordinaria y hacer cosas extraordinarias, gracias a un mecanismo de defensa y de supervivencia que nos hace más fuertes para enfretarnos al mundo.

Glass habla fundamentalmente de que todos tenemos problemas. Todos tenemos traumas de nuestra infancia la mayoría. Y todos superamos dichos traumas desarrollando habilidades que nos sirven para olvidarlos y, sobre todo, nos ayudan a sobrevivir. Digamos que Glass nos plantea un héroe (Bruce Willis), un villano (Samuel L. Jackson) y un arma (James McAvoy), y de como la mente es tan poderosa que es capaz de crear su propio universo del bien y el mal. Pero al final no deja de ser una anomalía psicológica que nuestra mente ha desarrollado, y que sino trata puede hacer mucho daño al mundo que nos rodea.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tiempo después
Tiempo después (2018)
  • 6,0
    3.005
  • España José Luis Cuerda
  • Roberto Álamo, Miguel Rellán, Blanca Suárez, Arturo Valls, ...
6
Una Amanece, que no es poco actual
Que los versos de un poema tengan el mismo efecto que un buen chiste solo tiene cavidad en el mundo de José Luis Cuerda. Tiempo después, el último trabajo del cineasta albaceteño, es una comedia tan absurda como su maravillosa Amanece, que no es poco, pero de temática actual. Propone una sociedad dividida: los parados, la clase proletaria, que viven marginados en un asentamiento de chabolas, apartados de los que si tienen trabajo, que viven en un edificio remoto donde impera un sistema peculiar, donde el poder supremo reside en un monarca autoritario sacado de la baraja española. Todo ello ambientado en un futuro postapocalítico, concretamente en 9177 «mil años arriba, mil años abajo», donde los barberos afeitan a lo Sweeney Todd, donde la fuerza militar está representada por una única pareja de Guardia Civiles que está formada por un veterano comandante y un yanqui que viste con falda escocesa, la marina y una pareja de nacionales, donde hay curas fachas y sanguinarios o un conserje exasperante.

La película conserva ese humor absurdo tan carácterístico de Amanece, que no es poco, en cambio, tanto chiste viejo y chascarrillo cultureta terminan por saturar, e incluso hay muchos gags que no consiguen arrancar una simple risa al espectador, no por su complejidad, quizá porque muchos resultan incomprensibles. De hecho, quien desconozca el curioso estilo del director y solo se rija por el reparto repleto de cómicos, posiblemente se espere una película para mear y no echar gota. Y no es así. Sin embargo, Cuerda tiene palos para todos, no se salva nadie.

En Tiempo después también hay tiempo para ponerse filosóficos como así lo hace el personaje de Roberto Álamo, que en modo Roy Batty (Blade Runner), suelta a su manera aquella frase «una clara referencia al cine de ciencia ficción». Y para ponerse histriónicos como el personaje de la monja salida y comunista, quien junto con un fraile franciscano tienen un gran apetito sexual. La forma de celebración de la victoria de una guerra sea igual a la celebración de una afición de fútbol cuando su equipo gana un campeonato o unas filas de soldados moros y crisitianos son algunas de las situaciones más absurdas de la película, de las que te ríes simplemente porque no entiendes el porqué. A lo mejor es que no hay pura lógica sino delirante sinsentido.

Sin duda, Tiempo después es una película muy inferior a aquella magnífica comedia absurda sobre el mundo rural. Porque Cuerda ha querido trasladar ese microcosmos a la actualidad, y creo que no funciona tan bien como podía haber funcionado. Tiempo después parece una película para que Cuerda se despida mostrando lo que mejor sabía hacer. En tiempo pasado, si. El problema es que me cuesta entrar en ella y no termina de hacerme gracia, pero si me parece graciosa, sin más. Entretiene, que no es poco.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Capitán
El Capitán (2017)
  • 6,7
    2.192
  • Alemania Robert Schwentke
  • Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Bernd Hölscher, ...
8
El infierno desde dentro
El director alemán Robert Schwentke «responsable de Red y las innecesarias secuelas de Divergente» filma El capitán, su obra más personal hasta la fecha. Galardonada con el premio a la mejor fotografía en el pasado Festival de San Sebastián, la película ha tardado un año en llegar a nuestras carteleras. El capitán, basada en hechos documentados y ambientada en las últimas semanas antes de terminar la Segunda Guerra Mundial, recrea la historia verídica de Willi Herold, un joven soldado raso que huía de un grupo de nazis en busca de desertores y que se hizo pasar por oficial nazi y, tras reunir a una banda de secuaces, ordenó la ejecución de todos los prisioneros de un campo de detención para soldados acusados de deserción, robo o asesinato y, en general, de un total de 170 de sus compatriotas. Su pequeña antihazaña le permitió convertirse en el único soldado en ser condenado a muerte tanto por el Tercer Reich como por el ejército británico.

Hasta ahora las películas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial hablaban del Holocausto o de los campos de concentración. Por lo tanto, podríamos decir que tenían una visión exterior de los acontecimientos que llevaron a cabo el imperio nazi. Sin embargo, El capitán es una obra atípica, dentro del género bélico, ya que no se puede incluir en la misma categoría que estas, ya que tiene esa visión interior. Una perspectiva que nos muestra, desde dentro, el derrumbe del infierno y los daños psicológicos que supuso la Segunda Guerra Mundial y el nazismo para el pueblo alemán. Ese instinto de supervivencia se ve reflejado en la figura de Willi Herold «con una interpretación muy medida, Max Hubacher logra transmitir una asombrosa naturalidad y realismo sin apenas esfuerzo», que al inicio lo vemos convertido en un pobre y desgraciado hombre asustado, perseguido por traicionar a su patria. Su vida no tiene ningún valor y no carece de poder y autoridad, y como adquiere dichos valores tras encontrarse un uniforme de oficial que sirve para fortalecer y realzar la figura de un hombre aparentemente condenado.

La película, rehúye el análisis psicológico, y no deja claro porqué el protagonista se comporta de manera tan sádica, ni se pregunta si ya era mentalmente inestable o si fueron los perjuicios de la guerra los que le hicieron de actuar así. O, simplemente, el uniforme lo convirtió en un monstruo o sirvió como objeto incitador que despertó al monstruo que siempre llevó dentro.

El capitán, filmada en un acerado blanco y negro «seguramente, la fotografía de Florian Ballhaus tenga intenciones estilísticas como la de suavizar el impacto visual de la cantidad de sangre y violencia que fluye por la pantalla», se trata de un cuento de terror que da mucho miedo, además contener unos diálogos e interpretaciones realistas y una violencia que bordea el absurdo y coquetea con la farsa. Schwentke combina lo hilarante de escenas como la de los soldados aullando al cielo como una manada de lobos o de oficiales que dan órdenes en calzoncillos con lo perturbador de un soldado caminando por un campo de esqueletos. El capitán es la obra mayor de un cineasta capaz de mostrar su lado más personal y sacar la oscuridad que tiene en su interior.
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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jurassic World: El reino caído
Jurassic World: El reino caído (2018)
  • 5,7
    21.564
  • Estados Unidos J.A. Bayona
  • Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, James Cromwell, Rafe Spall, ...
8
Salvemos a los dinosaurios
Después del intento de revivir la saga de Colin Trevorrow, el catalán J.A. Bayona logra lo que se quedó en un quiero y no puedo. Sé que no era tarea fácil para Trevorrow y, aun así, Jurassic World se convirtió en la entrega más exitosa y taquillera de la saga jurásica iniciada ya a principios de los 90 por Steven Spielberg. Pero Bayona parece tener la varita mágica y proporcionar esa chispa y esa entidad y personalidad que necesitaba esta quinta entrega. Y no solo lo consigue, sino que se codea a la misma altura con los dinosaurios de la película original y es capaz de superar con creces las expectativas creadas.

Esa admiración y esa nostalgia que Bayona ha declarado por Spielberg y Jurassic Park se notan, y con Jurassic World: El reino caído rinde un digno homenaje a la franquicia y al cine del maestro sin caer en lo obvio y ponerse ñoño. Consigue así la entrega más sanguinaria y terrorífica de la saga, manteniendo intacto el entretenimiento y añadiendo gratos tintes de terror gótico.

El director ha sabido perfectamente llevarse la historia a su terreno, ha sido capaz de hacerla suya. La cámara se mueve con soltura y de tal forma que no deja respiro al espectador, ya sea por tierra, mar o aire, la acción transcurre de manera trepidante. Así que, no es de extrañar que esta entrega no tenga guiños a anteriores películas del director como a Lo imposible en el inicio y en la primera parte que transcurre en la isla Nublar, con esa cámara situada en el interior del giroscopio hundido en el agua, minutos tan agobiantes como claustrofóbicos. También nos puede recordar a El orfanato en la escalofriante escena que tiene lugar por los pasillos de la mansión californiana del Sir. Lockwood. Por último, la entrada del indoraptor en la habitación de Maisie evoca indudablemente a la irrupción del monstruo en la habitación de Conor en Un monstruo viene a verme.

Bayona ha sabido interpretar los factores que tenía a su favor, jugando bien la baza y siempre innovando y aportando frescura a una historia que no es que digamos compleja. Y con los factores que tenía en contra ha ido esquivándolos inteligentemente, aunque en ocasiones haya tenido que tirar de patrón y recurrir a resoluciones ya muy usadas para determinados problemas de la trama. Una historia con momentos tan cantados y otros no tan predecibles que logran un eficaz sobresalto en el espectador «pero claro, hay que preguntarse qué entrega no lo es».

En Jurassic World: El reino caído no importa el tamaño del mosasaurio porque todos tiene su protagonismo, de hecho, son los verdaderos protagonistas de la película y a los que Bayona les ha reservado una aparición estelar en su película «como las apariciones del T-Rex o de la velociraptor Blue». E incluso el director ha jugado brillantemente con los rasgos físicos y características de los dinosaurios dejándonos escenas tan divertidas y encantadoras como la que protagoniza un torpe paquicefalosaurio «embistiendo a diestro y siniestro a todo el que se ponga por delante o haciéndolos volar por los aires». Por la tanto, podría decirse que esta entrega tiene un claro mensaje ecologista, en el que se defiende a los animales «en este caso prehistóricos», pero al biológico no al híbrido, y también defiende la libertad de estos, concienciando a los humanos de que tienen que aprender a convivir con ellos.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vengadores: Infinity War
Vengadores: Infinity War (2018)
  • 7,6
    31.055
  • Estados Unidos Anthony Russo, Joe Russo
  • Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Benedict Cumberbatch, Chris Evans, ...
9
Un universo infinito
Marvel Studios ha alcanzado un nivel que jamás hubiéramos pensado que lograría en el cine palomitero y del entretenimiento. Ha creado un estilo propio, un sello, una marca capaz de hacer fan a la persona menos desinteresada por los superhéroes del universo. Y todo se lo debemos gracias a su peculiar pero eficaz sentido del humor, unas buenas historias que enganchan, un acertadísimo casting de actores que caen en gracia al público «No veo a otro actor haciendo de Stark que no sea Robert Downey Jr.», todo ello aderezado con un buen puñado de efectos especiales. Marvel ha fabricado un blockbuster épico inalcanzable por otra productora que pretenda jugar en su misma liga en lo referido a superhéroes. No existe competencia para esta superproducción que supera a todos sus antecedentes en las producciones Marvel y a muchos de los intentos de otros estudios. Hay pocos que intenten competir en el mismo territorio que la Marvel «se me viene a la memoria la trilogía de El caballero oscuro de Christopher Nolan». Ni siquiera DC «aunque si hay alguna que le llegue a la suela esa sería posiblemente su última producción, Wonder Woman».

Los hermanos Russo han sido capaz de reunir a la mayor parte de los personajes de la galería de Marvel en una sola película, y sin sobrar nadie «quiero decir, que todos tienen su lugar aquí, su papel», todos los personajes tienen un peso bastante equilibrado evitando que haya uno por encima del otro y cuyos actos son de tal vital importancia que dependen que se desenvuelvan o no los acontecimientos de la historia. Al igual ocurre con el humor, la emoción y la acción, tres medios diluyentes fundamentales para la trama fluya correctamente. En Vengadores: Infinity War se sabe cuándo reír, cuándo «por qué no» llorar y cuándo dejarnos llevar por unos asombrosos efectos visuales, porque todo está en su justa medida y distribuido de manera proporcional en las dos horas y media de duración.
Hay diálogos y situaciones capaces de provocar alguna risotada que otra «desde un debate sobre tipos de helados con los nombres de Los Vengadores hasta un ¿fallido? intento de un Guardián de hacerse invisible con movimientos muy lentos».

Otra cosa que funciona muy bien en Vengadores: Infinity War son las subtramas amorosas, que sirven para definir la relación personal que existe entre los personajes y el supervillano, y también para detonar la ira y el deseo de venganza en esos personajes cuando descubren la verdad. Anthony y Joe Russo han acertado en convertir al supervillano en personaje central de la película, en el protagonista principal, apoyándose en la doble portentosa interpretación de Josh Brolin «es doble porque, por un lado, pone la voz, y por otro, la presencia física, el actor pone rostro y movimientos al personaje, aunque estos estén generados por ordenador».

No es una más, una de las infinitas películas de superhéroes que hay, Vengadores: Infinity War es una obra capaz de sacar de la poesía, épica y de la épica, poesía. Está claro que Marvel juega en otra liga, y las demás productoras están en categorías muy inferiores, pero puede que algún día suban y compitan con Marvel. Pero hasta que esto ocurra, Vengadores: Infinity War es, de momento, la mejor película del universo Marveliano. ¡Ojo! No confundir con la mejor película de superhéroes.
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9 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
El aviso
El aviso (2018)
  • 5,1
    2.868
  • España Daniel Calparsoro
  • Raúl Arévalo, Aura Garrido, Hugo Arbués, Belén Cuesta, ...
5
Fórmula mal resuelta
Daniel Calparsoro dirige esta libre adaptación de la novela del mismo título del escritor madrileño Paul Pen. La historia se ambienta en el día en que un niño de 10 años llamado Nico recibe una amenaza de muerte escrita en una nota, y que parece haber sido la broma de mal gusto de algún gamberro del colegio. El niño aterrorizado se lo cuenta a su madre (Aura Garrido), quien hará todo lo posible para que su hijo se sienta seguro y no tenga miedo. Diez años antes, un trágico suceso marcó de por vida a Jon (Raúl Arévalo), cuando tras parar en una gasolinera 24 horas, su mejor amigo entró en la tienda a comprar y recibió un disparo en la cabeza. Jon obsesionado con los números investigará una serie de muerte acontecidas años atrás en ese mismo lugar.

El aviso tiene los suficientes elementos para crear una intriga medianamente entretenida, sin embargo, la inversomilitud de la conexión entre el protagonista y el niño no consigue que al espectador lo enganche el misterio. Una trama creada para lucimiento del perfil melodramático de los personajes, que se plantea correctamente pero no acaba de ofrecer una resolución del todo convincente. Daniel Calparsoro pone su profesionalidad al servicio del vacío mas absoluto. El aviso es un descafeinado thriller cuyo relato repite una fórmula ya gastada.

Los personajes están bien escritos, desde el de Raúl Arévalo que ve orugas por todos los sitios como forma de manifestación de los síntomas de su esquizofrenia, hasta el de Aura Garrido, una mujer impulsiva que no soporta las injusticias como el acoso escolar o el machismo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La forma del agua
La forma del agua (2017)
  • 6,5
    37.921
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, ...
8
Como peces fuera del agua
La forma del agua es una película de criaturas extrañas: desde una mujer de la limpieza muda y solitaria, que lleva una vida rutinaria y que busca el consuelo en la masturbación que realiza durante su baño mañanero, un viejo verde homosexual, pasando por un jefe de seguridad falto de sentimientos, hasta un ser anfibio con forma antropomórfica y de piel táctil «se vuelve fluorescente si la tocas». Por carecer de la habilidad de hablar, por ser un artista amargado y fracasado, por ser un hijo de puta atormentado por su karma y por ser un bicho raro que es visto como una ventaja frente al enemigo. Al fin y al cabo, todos son motivos para ser criaturas que se sienten peces fuera del agua, que nos aterrorizan con la misma fuerza que nos describen, nos definen, nos pueden y nos hacen ser lo que somos.

Una película visualmente maravillosa «en la que el laborioso maquillaje es una gozada», que cuenta con una historia que mezcla romance con tintes fantásticos, dentro de un contexto histórico que tiene como telón de fondo el conflicto universal entre el bloque americano y el soviético, como es la Guerra Fría. Una historia sobre la compasión y el amor entre dos seres atrapados en su prisión de monotonía e infelicidad, que se complementan y se buscan el uno al otro para sentirse completados. Sin embargo, es cine que me cuesta trasladarlo a la realidad

La forma del agua es la mejor obra del cineasta mexicano Guillermo del Toro desde El laberinto del Fauno, que nos cuenta las historias de Sansón y Dalila y la de La bella y la bestia y King Kong, aunque esta última contada de manera inversa: es la mujer la que primero se enamora de la bestia.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los archivos del Pentágono
Los archivos del Pentágono (2017)
  • 6,7
    15.172
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Meryl Streep, Tom Hanks, Bruce Greenwood, Bob Odenkirk, ...
8
Artículo spielbergiano
Steven Spielberg aborda por primera vez el periodismo en The Post, y lo hace con admirable solvencia. La política del cineasta le impide revelar sus fuentes, pero no estaré muy desencaminado si digo que bebe de la misma fuente que la mayoría de las películas sobre perdiodismo. Todos los hombres del presidente (Alan J. Pakula, 1976) sirvió de referencia para la mayoría de directores que querían tratar el periodismo y la política. Dos temas que han demostrado ser perfectamente compatibles, porque el periodismo se considera un aliado de la política. La ideología política influye en la postura de cada periódico, a la hora de ser de un partido o de otro, de hablar bien de uno o de otro. Sin embargo, el momento que nos propone The Post intenta romper con esa alianza cuando todos lo periódicos se unen para destapar la verdad de unos hechos que afectaron a los ciudadanos estadounidenses y a EEUU, como fue la Guerra de Vietnam.

Spielberg nos muestra un periodismo chapado a la antigua, pero también moderno cuando se trata de decir la verdad «que cualquier ciudadano tiene el derecho a saber» sobre la información que ocultó durante tanto tiempo el presidente de los Estados Unidos «que sabía que enviaba a sus soldados a una guerra ya perdida y por lo que fueron a juicio el The Times y el The Post». Una actriz como Meryl Streep «inmensa» da vida a Katherine Graham, la primera editora del The Washington Post, una mujer cuyas decisiones siempre se han regido por lo que querían escuchar los demás. La única mujer en una sala llena de hombres. Que siempre se debate entre publicar o no publicar, pero capaz de tomar una de las decisiones más importantes y valientes de la historia del periodismo. Luego está Tom Hanks, algo más correcto en su papel como Ben Bradlee, pero siempre aportando a su personaje algo más de lo que requería. Dos personajes que les venía como anillo al dedo a los dos.

The Post está planteada como si se tratase de un artículo de cualquier periódico. Un gran titular que incita al lector a leer más. Una película muy amena y entretenida, pero con un planteamiento más ordenado que esa habitación llena de papeles descolocados. Spielberg sigue demostrando que se le da bien cualquier tema, sea cuál sea.
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Tres anuncios en las afueras
Tres anuncios en las afueras (2017)
  • 7,6
    40.770
  • Reino Unido Martin McDonagh
  • Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, John Hawkes, ...
10
Raices muy, muy profundas
En una conversación que tienen su hijo y Mildred durante un regreso a casa en coche, Robbie (Lucas Hedges) pronuncia unas duras palabras, quizá sea la misma dureza con la que el cineasta, guionista y dramaturgo anglo-irlandés Martin McDonagh ha construido el personaje de Frances McDormand «que la emparenta con los hermanos Coen, especialmente con Fargo». Una mujer ruda, que no se corta un pelo a la hora de decir las cosas a la cara y que no piensa, actúa, pero tierna a la vez «aunque cueste encontrarla», que busca justicia «pero que ni siquiera ella es justa» y sino la encuentra, se la toma por su mano. La sensatez y la cordura de su hijo, la humanidad del jefe de policía y la bondad y el saber perdonar de su compañero racista y baboso cuando está borracho «un inmenso Sam Rockwell en un personaje en continuo cambio», e incluso el no guardar rencor del encargado de la empresa anunciadora (Caleb Landry Jones) aportan a Mildred ese control de la personalidad que tanto necesita.

Decía el director que para construir el personaje de McDormand «esposa de Joel Coen» había tenido que recurrir a John Wayne ante la ausencia de referentes femeninos. En Tres anuncios en las afueras está muy bien dosificado el humor «que va del sarcasmo más negro al slapstick más tonto» y los momentos dramáticos, que son perfectamente fotografiados en un impecable trabajo de Ben Davis.

McDonagh nos presenta en Tres anuncios en las afueras un mundo salvaje, sin amansar. Un excelente drama rural y un western contemporáneo en donde lo que importa no es la resolución, ni siquiera la investigación sobre el asesinato y violación de la hija de la protagonista, sino el cómo afecta dicho suceso a los personajes de la historia y cómo evolucionan. La película es un retrato seco y violento sobre el machismo, el racismo y la homofobia de la América profunda narrado con un cinismo excesivo, en el que no hay héroes ni villanos definidos, sino personajes en perpetua transformación.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Molly's Game
Molly's Game (2017)
  • 6,8
    10.813
  • Estados Unidos Aaron Sorkin
  • Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, ...
7
'Molly's Game': A Sorkin le ha costado
Parece que al guionista y dramaturgo Aaron Sorkin le ha costado dar el paso que le coloca detrás de las cámaras. Molly’s Game su ópera prima adapta las memorias Molly’s Game: From Hollywood’s Elite to Wall Street’ Billionaire Boys Club, My Hight-Stakes Adventures in the World of Underground Poker, que narra la historia de Molly Bloom, una enigmática mujer y avispada emprendedora investigada por el FBI tras crear una misteriosa red de partidas de póker en las que participaban estrellas de Hollywood (el personaje de Michael Cera, según dicen los rumores, está inspirado en Tobey Maguire), deportistas, empresarios y la mafia rusa.

Este personaje requería a una actriz que fuera capaz de ofrecer una actuación basada en la picaresca, arrogancia, vulnerabilidad y carisma que permitieron a la deportista, escritora empresaria y un largo etcétera a montar un imperio de póker sin ayuda de nadie y en menos de diez años «y lo mejor de todo, supuestamente legal». A Jessica Chastain le venía como anillo al dedo este papel, por ser una intérprete tan superlativa que es capaz de recordarnos por qué se convirtió en la actriz favorita de la cinefilia de la noche a la mañana.

Molly’s Game, como es de esperar, es una historia excelentemente escrita y sorprendentemente bien interpretada «con un enorme Idris Elba y, por supuesto, Chastain». Sin embargo, Sorkin parece dejar claro que el póker no le interesa lo más mínimo «y es ahí, en las partidas, donde el espectador puede desconectar más», pero lo que de verdad si le importa es retratar la complejidad psicológica y dar significado a las acciones de Molly.

La película se vende como una historia muy bien escrita y protagonizada, pero en la que debajo no más que una película correcta y fácilmente olvidable, a veces perjudicada por dejar a la locuacidad campar a sus anchas y por los flashbacks de la infancia y juventud de la protagonista que aportan información que se podía haber ahorrado y no hubiera pasado nada.
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Suburbicon
Suburbicon (2017)
  • 6,0
    5.530
  • Estados Unidos George Clooney
  • Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac, Glenn Fleshler, ...
6
El mundo de los Coen y la ininteligible visión de Clooney
Cuando se oyó hablar de que la siguiente película del actor George Clooney la iban a escribir los hermanos Coen, muchos se echaron a temblar. Y la verdad, no es para menos. Una película con el mundo de los Coen y la ininteligible visión del actor se veía de lejos que no iba a funcionar, ya que dicho mundo única y exclusivamente la entienden ellos mismos, y es compatible con muy pocos «por el momento solo con Steven Spielberg», y mucho menos con Clooney. El término Suburbicon «que da título a la sexta película como director del famoso anunciante de café» se le atribuye a un colectivo de vecinos que representan de manera fiel el ideal del "sueño americano" a mediados de siglo. Un ambiente que representa las casas bien cuidadas, amplias reuniones de vecinos, fiestas en el jardín, etc. Con un arranque de ese rollo idílico «mujer ideal, trabajo ideal, casa ideal, que es fácil que recuerde al vecindario de Eduardo Manostijeras de Tim Burton», la película no termina por definir el tono de su historia. Tan pronto es un thriller criminal como pasa a ser una comedia o se centra más en el contexto social de la época, haciendo especial hincapié en el racismo de la sociedad americana de por aquel entonces. Una mezcla que podía haber funcionado sino hubiera sido de culpa de un guion descompensado que quiere abarcar demasiado, y cuyas subtramas terminan desentendiéndose de la principal.

Suburbicon es como si estuviéramos viendo una película de cine familiar con una historia de los autores de Fargo. El escaso humor está tan mal dosificado que la risa se solapa, cortándose, con momentos dramáticos. Además, la película tiene muchos altibajos, el guion contiene diálogos demasiado simples, sin embargo, el solvente trabajo de ambientación y las actuaciones se convierten en los mejor del film. Un interesante trabajo de Matt Damon, Julianne Moore y Oscar Isaac. Este último no lo suficientemente aprovechado como deberían haber hecho.

Suburbicon no cuaja lo suficiente «si en alguna ocasión lo consigue» debido a que en su conjunto da la sensación de haber visto tres películas en una, y de haber visto una especie de versión “blandita” de Sangre fácil de los Coen.
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Perfectos desconocidos
Perfectos desconocidos (2017)
  • 6,5
    28.976
  • España Álex de la Iglesia
  • Belén Rueda, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta, ...
7
Cena perfecta a la luz de la luna de sangre
Últimamente, la carrera de Álex de la iglesia ha venido tomando un camino lleno de baches (La chispa de la vida, las brujas de Zugarramurdi, Mi gran noche) que parecía no dejar nunca. Pero este año lo ha dejado. El director bilbaíno, no solo ha demostrado que está que se sale «al estrenar dos películas en un mismo año, cosa a la que no nos tiene acostumbrados», sino que podemos decir que ha vuelto. Perfectos desconocidos es un remake del exitoso film italiano Perfetti sconosciuti (2016) de Paolo Genovese, en la que narra cómo cuatro parejas, que se conocen de toda la vida, quedan a cenar, durante la noche se propone un juego que pondrá sobre la mesa sus peores secretos: leer en voz alta los mensajes y contestar las llamadas que reciban en sus móviles durante la cena.

En Coherence (2013) de James Ward Byrkit, un grupo de amigos cenan mientras se preparan para ver el paso de un cometa. Aquí, en Perfectos desconocidos de Álex de la Iglesia no es un cometa, sino una luna, pero no una luna cualquiera: la luna de sangre, la que sirve como mero pretexto para el cataclismo personal que están a punto de vivir cada uno de los invitados. Esa excusa que sirve para destapar los trapos sucios y los más profundos e íntimos secretos de cada uno de los personajes.

La película contiene los ingredientes típicos de Álex de la Iglesia: el característico humor negro, la violencia «un Álex más desatado que nunca» y la mítica fasecita que se ha convertido en marca de la casa «Menuda banda de hijos de puta». Perfectos desconocidos es una comedia negra muy divertida, sorprendentemente ácida y mucho, mucho menos melodramática y grave que la original. Todos los actores están perfectos. La película funciona como una seria reflexión sobre el poder que ejerce la tecnología sobre nosotros. El guion escrito por el propio Álex y Jorge Guerricaechevarría es bueno, ambos adaptan personajes y diálogos al costumbrismo ibérico que tan bien conocen.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Coco
Coco (2017)
  • 8,0
    36.690
  • Estados Unidos Lee Unkrich, Adrián Molina
  • Animation
9
Una canción para recordar
Con su última película, al fin, la factoría Pixar ha roto la “mala” racha culpable de títulos como El viaje de Arlo, la continuación de Buscando a Nemo o la segunda secuela de Cars, trabajos que, aunque no del todo desmerecidos, carecen de la redondez a la que nos tiene acostumbrados en sus películas. Coco llega en el mejor momento, para criticar las nefastas políticas del actual presidente de los Estados unidos, Donald Trump, y mostrar su más sincero apoyo al país del tequila y rendir un más que digo y maravilloso canto de amor al folclore y la cultura popular mexicanas «como los mariachis, las rancheras, el xoloitzcuintle, los alebrijes o el papel picado».

Coco es una película de animación sorprendentemente enriquecedora en todos los aspectos, tanto en lo visual como en lo emocional. Es un festín de color, texturas, detalles y nuevas ideas, pero, sobre todo, de expresiones y matices emocionales. Además del homenaje tan obvio al Día de los muertos «esa festividad de carácter espiritual que honra a los difuntos sirve aquí como nexo de unión entre dos mundos: el de los vivos y el de los muertos», contiene claras referencias cinematográficas; desde un guiño a las películas del oeste «con esa abuela enfundando la chancla al más estilo pistolero» hasta las habituales referencias a otras películas de Pixar «con objetos de algunos personajes de anteriores films», como también un homenaje a personajes célebres mexicanos como el caso de Frida Kahlo «convertida en una inspirada directora artística que crea la puesta en escena del show de un famoso cantante». Coco es una estupenda película que tiene sus peros, como los tramposos amagos de acabar más de una vez «es como si le costara llegar al apabullante final».

Pero, fundamentalmente, el film sirve para mostrar su más profundo respeto hacia la familia, la música y los sueños, pero por encima de todo es un ácido alegato contra la enfermedad del Alzheimer. Una emotiva historia donde el papel no es el único recordatorio de nuestros seres queridos, sino que la música también nos ayuda a recordar y donde nos hace ver la importancia de la familia y que tiene su apoyo y ayuda para alcanzar nuestros sueños.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Feliz día de tu muerte
Feliz día de tu muerte (2017)
  • 5,5
    9.176
  • Estados Unidos Christopher Landon
  • Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, ...
4
El mismo día de la marmota
En la escena final de Feliz día de tu muerte en la que la prota «que interpreta Jessica Rothe» y un chico hablan sobre la mítica comedia de Harold Ramis y donde la chica termina mostrando su total desconocimiento tanto sobre la película como sobre su actor principal, queda claro la referencia cinematográfica de la que Christopher Landon bebe para la realización de su cuarto largometraje. Si Bill Murray se despertaba una y otra vez el mismo día con el tema I Got You, Babe de Sonny & Cher en la clásica película Groundhog Day, en Feliz día de tu muerte, Jessica Rothe se despierta con las campanas de la iglesia de la universidad, reviviendo en bucle el día de su cumpleaños en el que es asesinada por un personaje vestido de negro, con una careta de muñeco de bebé y casi siempre con un cuchillo de cocina en la mano «aunque se muestren distintas armas homicidas».

El director y guionista del spin-off de Paranormal Activity intenta insuflar nueva vida al género slasher, pero fracasa en el intento al no saber dar con una conclusión que vaya más allá de la típica del género. Lo hace de dos maneras: la primera, exagerando hasta lo paródico la monotonía del género «en vez de matar a una sucesión de personajes jóvenes mayormente diferenciados entre sí, aquí el asesino literalmente mata a la misma chica infinitas veces»; y la segunda, convirtiendo en heroína al tipo de personaje que suele caer siempre mal en una película de género y que, esa rubia antipática que se gana la animadversión de todos quienes se acercan a él, en un slasher al uso moriría a las primeras de cambio.

Posiblemente algunos vean en Feliz día de tu muerte una parodia de películas como Scream, que más que homenajear, se ríe de ellas. Una comedia de terror teen que se puede llegar a disfrutar y en ocasiones puede divertir, eso sí, sin entrar demasiado en las convencionales resoluciones de algunas de sus situaciones. Por último, decirles a los que busquen algo nuevo y original que lo intenten en otro sitio, porque aquí no lo van a encontrar.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Geostorm
Geostorm (2017)
  • 4,5
    4.645
  • Estados Unidos Dean Devlin
  • Gerard Butler, Jim Sturgess, Abbie Cornish, Ed Harris, ...
4
Stormnado
Debut en la dirección de Dean Devlin, quien se curtió profesionalmente como productor y guionista de Roland Emmerich, y eso se nota. Geostorm no solo recicla el tipo de premisa climatológica que el director alemán ya manejó en El día del mañana, sino que directamente le copia la premisa a la primera película de Emmerich, El principio del arca de Noé «en la que ya se intuían catástrofes causadas por estaciones espaciales meteorológicas». Además, aquí Devlin vuelve a echar mano del patrioterismo y el exceso emocional sobre los que en su día recurrió para elaborar los guiones de Independece Day y de su secuela.

Geostorm se puede hacer pasar perfectamente por un telefilm de un sábado por la tarde, de esos que echan en Cuatro. Además, muestra su gran debilidad a la hora de enfrentarse a las escenas dialogadas «con diálogos pobres», siendo las escenas de acción su punto fuerte «aunque no sean para tirar cohetes». Una típica película de catástrofes que ofrece lo que esperas: un guion falto de coherencia, situaciones ilógicas y altamente improbables, personajes sin alma, una narración algo irregular y unos efectos visuales que, aunque estén a la altura, se les nota muchísimo la limitación del presupuesto. A todo ello, le sumamos un aderezo de torpe sentimentalismo y algunos chistes poco oportunos dentro de un contexto de vida o muerte.

La película no solo carece de credibilidad, sino que resulta demasiado previsible y en algunos momentos no cumple una de las funciones principales del cine de su género: la de entretener.
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9 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blade Runner 2049
Blade Runner 2049 (2017)
  • 7,1
    35.234
  • Estados Unidos Denis Villeneuve
  • Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, ...
10
El milagro de Villeneuve
Creo que a estas alturas no hay nadie que no piense que Denis Villeneuve es un monstruo del cine actual, unos de los mejores directores del momento. Quizá esto sea motivo más que suficiente para que Villeneuve se convirtiera en el director más idóneo para sacar adelante este proyecto tan arriesgado, que a priori no convencía a los más fans y en los que produjo ciertas reticencias.

Como ya demostró el año pasado con La llegada, el cineasta canadiense posee un gran talento visual y narrativo. En Blade Runner 2049, Villeneuve lleva ese talento hasta un nivel máximo, con la construcción narrativa tan potente que impone es imposible no estar «las poco más de dos horas y media» subyugado por la brutalidad y belleza extática de unas imágenes que, prácticamente, reformulan la ciencia ficción contemporánea demostrando que el cine de autor y el blockbuster no siempre son términos antagónicos.

Blade Runner 2049 nos propone un regreso a un futuro distópico donde los replicantes de la nueva y vieja generación conviven con los humanos en un mundo cada vez más hostil y decadente. En el que se hereda parte del imaginario de Ridley Scott «coches voladores, pantallas gigantes», así como el pesar metafísico de las I.A. ante su propia autoconciencia, digamos, mecánica. Con una elegancia visual realmente envidiable, las poderosas imágenes poseen tanta fuerza que son grabadas en nuestras retinas al momento, que son amenizadas por la música electro-wagneriana de Hans Zimmer. La atmósfera, además de tenebrosa, es polvorienta, y la maravillosa fotografía de Roger Deakins dotan a las imágenes de una calidad óptima, cargándolas con una gran expresividad.

Blade Runner 2049 es un espectáculo y una secuela dignos. Un producto cinematográfico totémico de gran envergadura, que no conserva el lirismo de la de Scott, pero al que no hay que dudarle que ofrece un excelente entretenimiento de primera fila.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El dilema
El dilema (1999)
  • 7,2
    33.854
  • Estados Unidos Michael Mann
  • Al Pacino, Russell Crowe, Christopher Plummer, Diane Venora, ...
7
La verdad se desvanece como el humo
Basada en el artículo The Man Who Knew Too Much escrito por Marie Brenner para la revista Vanity Fair en 1996, el film narra la investigación periodística que llevó a cabo un productor de un canal de televisión para destapar un famoso escandaloso de una tabacalera americana, la cual añadía a sus cigarrillos una peligrosa sustancia cancerígena que atentaba directamente contra la salud de sus consumidores.

Eric Roth y el propio Michael Mann escriben un guión que no llega a ser brillante, pero si sólido, compacto y calculado, el cual contiene buenos diálogos y un desarrollo de la trama bastante premeditada. El dilema consigue mantener el suspense siempre arriba, aunque decaiga en algunos momentos que no aportan casi nada o nada a la historia y resultan insulsos y superficiales. Otro punto puerte del film es la magistral dirección de Mann, capaz de lograr algo realmente imposible: que su larguísimo metraje se haga muy ameno para el espectador. También hay que destacar el gran duelo interpretativo entre Al Pacino y Russell Crowe, buenas actuaciones en las que cada actor cumple su función a la perfección.

A pesar de todo, El dilema no es una película redonda, y esto, pienso que se debe a que su tema carece de enganche, es decir, no resulta lo bastante comercial como para interesar a todo el público, sino que les interesará a unos pocos. El dilema es una buena clase de periodismo de investigación.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
It
It (2017)
  • 6,5
    26.968
  • Estados Unidos Andy Muschietti
  • Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, ...
8
El payaso
El realizador de Mamá, Andrés Muschietti, y los guionistas Chase Palmer y Gary Dauberman logran dar una nueva vuelta de tuerca al clásico de terror de Stephen King. Han conseguido que además de elementos sobrenaturales y paranormales, haya terrores mundanos, cargando a los personajes con un día a día que no es menos duro y desesperante que su funesta lucha con el payaso Pennywise.

Con esta nueva versión de It, Muschietti se permite la licencia de cambiar la época en que se desarrollaba el relato original «los años 50» y llevarlo hasta los 80, la época en que el cineasta creció. Quizá se trate de un acierto, porque él conoce esas referencias espacioculturales, y seguramente el espectador también, y la identificación que podemos tener cualquiera de nosotros con los chistes de New Kids on the Block no tienen nada que ver con los que King proponía en su escalofriante libro.

It es un film de terror que no da miedo, pero sí algún que otro sustillo. Más de uno se ve venir a kilómetros, sobre todo, los relacionados con apariciones o cosas que se ven y se mueven en la oscuridad. Son los sustos cotidianos los que menos te esperas y, por tanto, los que resultan más efectivos «la caída de un cuadro, por ejemplo», provocando que el espectador pegue un sobresalto en su asiento. Lo peor es cuando el director se empeña en que el terror debe ser feo o monstruoso, y eso, a mí, no me asusta y cuando pierde el control, excediéndose con los adornos visuales.

En definitiva, se trata de una película de terror muy entretenida, evocadora de Los Goonies, con una asombrosa producción visual, con la que el director juega con el espectador y no le da ni un segundo de descanso, y donde la música juega un papel fundamental precediendo al momento del susto.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Estoy vivo (Serie de TV)
Estoy vivo (Serie de TV) (2017)
  • 6,6
    1.522
  • España Daniel Écija (Creator), Jesús Rodrigo, ...
  • Javier Gutiérrez, Anna Castillo, Alejo Sauras, Roberto Álamo, ...
8
El cielo puede esperar
¿Qué pasaría si murieras y tuvieras que borrar todo tu pasado para comenzar una nueva vida con otra identidad? Esa es, básicamente, la pregunta planteada por Estoy vivo, la nueva producción de TVE y Globomedia. Dirigida por el realizador, guionista y productor Daniel Écija (Águila roja) y que cuenta con un estupendo reparto encabezado por Javier Gutiérrez, Anna Castillo y Roberto Álamo. Una serie que mezcla intriga policial, ciencia ficción y drama, una curiosa mezcla de géneros que, por ahora, funciona bastante bien. Estoy vivo es la gran apuesta de TVE, arriesgada y diferente a la par que entretenida. Su estreno en la pasada noche del jueves supuso el mejor estreno de TVE en dos años, alcanzando un 17,3% y superando a otros programas del prime time de esa misma noche.

La historia narra la vida de Andrés Vargas, un inspector de policía que muere en un accidente tras perseguir a un asesino en serie conocido como el Carnicero de Medianoche. Pero después de morir despierta en un lugar de tránsito, una especie de lugar futurista donde le comunican que ha habido un error y que no debería haber muerto, por lo que le dan una única opción: regresar a la Tierra, eso sí, en el cuerpo de otra persona. Tras regresar después de cinco años de su muerte y sin revelar su verdadera identidad a ninguno de sus conocidos y familiares, y siempre, con la supervisión de un Enlace, una especie de ángel de la guarda que le acompaña en este trance, deberá adaptarse a su nuevo cuerpo y a su nueva vida.

Estoy vivo es una propuesta diferente y atrevida, de factura impecable, que viene pisando fuerte. La dirección de Daniel Écija es juguetona, es decir, la cámara busca siempre colocarse en cualquier lugar y rincón, evitando así conseguir una realización estática. La serie parte de una interesante premisa y una historia con toques fantásticos, que de momento no chirrían, es más se digieren bastante bien, además cuenta con un sólido apoyo actoral, entre el que podemos ver a otros actores como Alejo Sauras, Cristina Plazas o Fele Martínez.

Estoy vivo se trata de una serie muy entretenida, que termina enganchando e invita a tener paciencia para descubrir hacia dónde quiere ir y que le dejemos tiempo para descubrirse a sí misma. Ahora toca esperar si cuaja o no cuaja, si logra su público y qué nos deparará los siguientes capítulos. Mi atención ya la tiene, y creo que merece una oportunidad.
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20 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Abracadabra
Abracadabra (2017)
  • 5,4
    7.138
  • España Pablo Berger
  • Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep Maria Pou, ...
8
1, 2, 3… abre los ojos
La hipnosis es el gran detonante de la trama de Abracadabra, tercer largometraje de Pablo Berger, que tras Blancanieves supone un giro de 180°. Podríamos definirla como un proceso psicológico en el que se emplean una serie de técnicas de relajación física y mental, que tiene como fin que la persona que es sometida logre alcanzar un estado de inconsciencia y sumisión por medio de la sugestión. A mi modo de ver, Carmen «el personaje interpretado por una estupenda Maribel Verdú» vive en un estado de subordinación parecido, relegada a ser ama de casa y encadenada a esa figura masculina tosca, agresiva y machista que es su marido. Un día, éste es sometido voluntariamente a una sesión de hipnosis. A partir de este momento, Carmen verá las cosas de otro modo e intentará cambiar su vida.

Pablo Berger mezcla en Abracadabra la comedia costumbrista, el drama, la intriga, el esoterismo y, quizá, el thriller, de manera acertada y que, aunque parezca sorprendente, funciona a la perfección. La película es difícil clasificarla ya que no consigue un tono definido, esa asombrosa facilidad para hacer equilibrismo sobre los límites y mantener una personalidad indiscutible es, sin duda, el punto más fuerte del film. Berger nos propone una de las propuestas recientes más arriesgadas del cine español de los últimos 5 años.

En Abracadabra hay personajes para todos los gustos: desde Carmen, un personaje valiente y con mucho coraje «el personaje más interesante de todos», Carlos es machista y egoísta «correcto Antonio de la Torre», Pepe roza en algunas ocasiones la imbecilidad, aunque tiene cierto peso en la película «sigo pensando que José Mota es un actor cómico muy limitado, con pocos recursos y cuyas gracietas no me hacen gracia», la hija choni es la típica joven repelente que está en plena efervescencia adolescente, el hipnotizador de medio pelo «es el personaje que ofrece los momentos más ridículos y absurdos» o el representante de la inmobiliaria «un personaje que se aleja de la historia principal y, por tanto, no aporta nada», todos ellos envueltos en un ambiente retro y colorista.

Abracadabra es divertida y disparatada, con un humor negrísimo capaz de arrancarte alguna que otra carcajada que, en ocasiones, es cortada de manera drástica por la seriedad de su tema principal: los malos tratos psicológicos y el machismo. Su excentricidad y su explosiva mezcla de géneros puede que sea un plus más para que el espectador vaya a verla, quien saldrá con una sensación de haber visto una rareza con mucha originalidad.

http://guaridadel7arte.es/abracadabra-1-2-3-abre-los-ojos
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11 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil