"This is me and Mommy, this is me and Mommy walking".
Ya no eres así, ya no serás así; puede ser que ni tan siquiera hayas sido así.

Somos incontables generaciones pasadas que silenciosamente atacan en nuestra más extraña intimidad. Bueno, no siempre lo hacen de manera silenciosa, a veces estos recuerdos ya vividos anteriormente que creemos -o queremos creer- como inexistentes chillan tan fuertemente que es imposible ignorarlos.

Uno de los temas que principalmente trata el corto es el de las heridas no-físicas de la infancia, ésa etapa de la vida donde todo era de supuestamente de color rosa y -mirando fríamente- son los años más negros del viaje terrenal que creemos como únicamente real. Seguramente por ello, para mostrar ésta fragilidad del ser que puede acabar siendo cruel y malvado en la madurez, el autor del corto ha elegido situar como protagonista la figura de una niñita.

A grandes rasgos, esta decisión -según mi punto de vista-, intenta contraponer lo que éramos antes sin tener conciencia y que es totalmente diferente a lo que somos ahora mismo teniendo -quizá y seguramente- conciencia de demasiadas cosas.

Dejando de lado los viajes a través del espacio-tiempo o los elementos fantasiosos, éste producto guarda mucha más verdad que la mayoría de producciones ambiciosamente falsas que se producen en masa para un público mainstream en formato de largo.

Es un corto muy bonito, y cuando utilizo el término "bonito" lo uso porque dentro de mí se producen extrañas sensaciones al ver a un dibujo de meras cuatro líneas hablando de lo bellos que son los cuerpos de las estrellas muertas que aún brillan en nuestro alejado planeta de más tristeza que glaciares, tristeza que, como bien dice la mujer adulta, nos hace sentir inevitablemente vivos.

La sencillez de los dibujos tiene un significado concreto, claro. Estos fáciles y comprensibles garabatos son los típicos que hacíamos al tener la edad de la niña protagonista. Así pues, se mezcla la paranoia intelectualmente auténtica que intenta transmitir sabiamente Hertzfeld con la proximidad que emanan los dibujos infantiloides.

Creo que estoy divagando.

Pasan tantas cosas bellamente incomprensibles, hay un momento por ejemplo -no creo que sea spoiler comentarlo- donde la adulta cuenta su enamoramiento con una roca, roca inerte que espera ser llevada a la estantería o jardín de algún paraje menos desolador que el de un planeta habitado por melancólicos robots; la roca sólo espera ser amada o admirada.

Sí, estoy divagando.

Me han hecho reír las frases elocuentemente no procesadas de la pequeña Emily y me ha provocado la más absoluta tristeza llegar al final del corto.

La tecnología ha cambiado el rumbo al que se dirigía la vida de Emily para siempre, la tecnología ha permitido un contacto no posible en nuestro presente, ha permitido una relación efímera de un cuarto de hora (lo que dura el corto en sí) entre el presente y el futuro a través del Universo. ¿Debemos agradecer a la tecnología para complicarnos de manera preciosista nuestro paso por una Tierra cada vez más futurista? Hay quien cree que sí, hay quien cree que no.

He llegado a la conclusión de que somos autodestructivamente críticos con nosotros mismos, dentro de unos días ésta crítica/reflexión que he hecho con tanto esmero no me va a gustar ni pizca. Pero claro, eso ya lo divagaré en el nuevo mundo que supondrá el mañana.

Tenía muchas ganas de ver 'Big Hero 6' tras el gran éxito que cosechó la musical 'Frozen', aún teniendo claro que era una adaptación de una historia de Marvel Studios poco conocida.

Lo que no me esperaba es que la Disney intentara repetir su fórmula mágica sin nada de riesgo pese a la combinación de dos mundos tan distantes entre sí. De hecho, incluso llegan a combinar arquetipos típicos del estudio Ghibli (que también distribuye la empresa del famoso ratón alrededor del globo).

¿Sentir? Sentí poco o nada.
¿Qué hay de todo aquello visual? Visualmente esperaba que le sacaran un bello partido a la idea de "San Fransokyo", pero ni eso.
¿Personajes? Muchos, confusos y llenos de tópicos nerd que ni hacían despertar risa alguna ni hacernos un ejercicio de empatía por el "¿peligro?" que vivían.

Querida Disney, si queréis vendernos un producto de vuestra otra factoría, la Marvel, hasta en el mercado infantil; hacedlo almenos con el gusto con el que Bird hizo la genial y más madura 'Los increíbles', gracias.

El público que acude a ver 'Victoria' de Schipper debería saber que éste plano secuencia sin trampa ni cartón (¡chúpate ésa 'Birdman!) alberga no una, sinó dos películas en su metraje:

-1ª Parte: Una sencilla e improvisada historia de mera atracción sexual -que no es sinónimo de amor- con la que todos los que hemos estado viviendo solos en un país donde no se hable nuestra lengua materna alejados de nuestros seres queridos empatizaremos.

-2ª Parte: Un film de acción de muy bajo presupuesto que te atrapa de principio a fin pese a (sí, debo aceptarlo) los no perdonables errores en alguna que otra parte del guión.

Ambas y alejadas partes del largo eran un cóctel difícil de combinar sin caer en los tópicos ya implantados por todos que tenemos del monstruoso mercado americano. A muchos entendidos se les atragantó ya en el primer sorbo, ¿y qué? Para mí es totalmente funcional.

¿Qué decir de la fotografía? 140 minutos de plano secuencia ya es en sí un tour de force de visionado obligado para cualquier cinéfilo, es una experiencia y es un ejercicio de indescriptible correctitud.

Por si fuera poco la catalana Laia Costa está excelente y deja claro que todavía tiene largo recorrido más allá de lo que nuestras puertas le pudieron ofrecer.

Sí que es verdad que la película no se entendería sin el plano secuencia, y es que sin él la película sería "una más" y -repito- subrayo la poca credibilidad que desprenden algunas partes del guión, ¿ y qué más dará? Hemos presenciado el amanecer a tiempo real en Berlín y eso, señoras y señores, ES PURO CINE.

El controvertido, a la par que radical, escritor Dennis Cooper estrena su primer largometraje dividido en cinco capítulos bizarramente originales –unos mejores que otros- que, os puedo asegurar, no va a dejar indiferente a nadie.

Andy Warhol dijo en una ocasión: “Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener” y, justamente ‘Like Cattle Towards Glow' es la materialización de ésa idea.

Resumir esta obra es algo casi imposible, es un conjunto de cuentos surrealistas con los que no se puede ni quiere hacer uno el tan temido 'spoiler', es ése tipo de ficción que le recomendaría tanto a mi mejor amigo como a mi peor enemigo, así que preferiría que cada uno sacara sus conclusiones.

La película se ideó originalmente como una cinta de pornografía homosexual, en qué punto pasó de eso a una reflexión sobre la vida y la muerte, una banalización grotesca sobre el fenómeno 'cruising' (la práctica de sexo en sitios apartados entre desconocidos gays) o una surrealista crítica a la sociedad actual enganchada a ver sus propias vidas a través de pantallas HD de retina es todo un misterio.

La libertad que se toman los dos creadores del film a la hora de dirigir a sus actores -actuando de una manera tan poco orgánica que recordaban a los llamados ‘modelos’ de Robert Bresson-, el cambio de formato de un capítulo a otro, el pasar de exteriores “sucios” y apartados a claramente platós donde la luz es de estudio y controlada o también el uso de 'drones' (sin importar que salgan sombras que rompan con la cuarta pared), webcams, o teléfonos móviles en vez de cámaras de cine al uso hace que el visionado del film realmente sea una rareza interesante de experimentar, por eso mismo, yo categorizo la visualización del largometraje como algo cercano a una experiencia cinematográfica.

Categorizo de “experiencia” todas aquellas prácticas que aporten algo diferente a nuestras vidas, algo que realmente se aleje de nuestros hábitos, y para mí, ver esta película entre tanta comercialidad –que siempre va bien y se disfruta su fácil digestión, no me gustaría sonar pedante con mis palabras-, es un soplo de aire fresco y diferente que siempre se debería agradecer.

Debo alertar que la cinta codirigida por Dennis Cooper y Zac Farley es de ese tipo de cine que puedes llegar a odiar, que es tan osado que asusta, que intenta ser tan diferenciable que a algunos les cansa, que resulta tan chocante y oscuro que hacía que la gente se levantara impactado de la sala marchándose para no volver y eso, es un éxito rotundo que nunca antes había visto cometerse en ningún cine anteriormente.

El largo rompe con la estructura clásica dividiéndose en cinco relatos cortos sin ningún tipo de conexión entre ellos, cada episodio es filmado como una isla independiente que respira y se expande mediante algo azaroso, azar que es muy difícil encontrar en producciones de hoy en día. Cada isla/relato, se ve en medio de un océano que no es que separe a ésas ínsulas, sino que las conecta y da sentido.

Entiendo que pueda ser chocante su claridad, sus pretensiones bizarras o sus oscuras y desmotivadoras moralejas, sobretodo si perteneces al mundo homosexual donde tristemente hay muchos que se rigen por un hambre voraz hacia el tipo de sexo que tantas veces es repetido y comentado a lo largo del metraje.

Por difícil que sea que la distribuyan y por mucho que sea fácilmente insultada y menospreciada por el colectivo gay, su veracidad es infinitamente más certera que la que aguardan otro tipo de films de esta misma temática como la piedra angular que es Brokeback Mountain de Ang Lee.

La anarquía de la narración, la ausencia total de sentido y la frustración constante habrá hecho que durante mi pase haya algunos que se levanten de sus butacas indignados esperando que el dinero de sus entradas sea ingresado nuevamente a sus cuentas bancarias, pero inténtalo, no juzgues por su estupidez, no huyas por su sexo (a veces demasiado) explícito, una vez entras en esas historias huecas de un primera vistazo, no es tan fácil irte de vacío a tu casa.

‘Like Cattle Towards Glow’ es horrible, antiestética, aburrida, torpe y muy oscura, pero también lo es la realidad. Acudir al cine a escapar de la realidad está bien, yo lo haría a diario, pero de tanto en tanto es valorable un buen chapuzón en aguas heladas para darnos nuevamente cuenta de cuán triste es una humanidad donde no hay ni espadas láser con las que batallar o 'snitch' doradas que cazar en partidos de 'quidditch'.

Dicen que antes de morir un benévolo ente proyecta en Cinemascope a todo color aquellos momentos icónicos de nuestra vida a cámara rápida. Las escenas tristes, aburridas o duras han sido víctimas del tijeretazo en la versión final. O tal vez han sido ligeramente maquilladas con el paso del tiempo, ya que aquello que recordábamos complicado ha acabado siendo melancólico.

Nosotros sonreímos porqué sabemos que aquello marca nuestro fin, ¿para qué ponernos tristes?

En 'Días de radio' tío Woody nos cuenta en sus carnes y a modo de fábula aquellos tiempos en que la radio ejercía de ordenador con fibra óptica y wi-fi. Es nostálgico pensar que sí han acabado ésos días, pero también es bello revivir el pastiche de emociones que recuerda dulcemente el director judío.

No se trata de una 'Annie Hall 2.0.', no. Se trata de un experimento mucho más sencillo de digerir y -que a poder ser- debe suponer un visionado obligatorio junto a nuestros seres queridos más mayores.

Nuestros amigos ya están subiendo a la azotea para dar la bienvenida a nuevos tiempos, tiempos quizá más informatizados e irreales. Antes que te des cuenta los créditos con la inconfundible tipografía de Allen ya inundan la pantalla.

Nosotros sonreímos porqué sabemos que aquello es un amable fin a algo que no volverá jamás.