Aprovechando la 23ª Muestra de Cine Europeo que se celebra en Huesca, tuvimos la ocasión de adelantarnos al estreno en España de la última película del director danés, que además es el guionista. No es, desde luego, un trabajo de digestión fácil, de consumo rápido. Pero también es indiscutible su habilidad ante la cámara, su gran manejo de las imágenes y la capacidad para crear tensión con apenas dos actores y un escenario escueto.
El trabajo de los intérpretes es extraordinario. Willem Dafoe tiene ese rostro perfecto para los primeros planos y una voz grave e hipnótica (la sesión fue en versión original). Por otro lado, su compañera Charlotte Gainsbourg realiza una interpretación diría que perfecta de un papel muy difícil. Complicado incluso ya de aceptar teniendo en cuenta algunas secuencias.
Hay escenas muy duras, y hubo gente (poca) que marchó de la sala. Pero la mayoría permanecimos en nuestras butacas hasta el final, y salimos con "mal cuerpo" e impactados por esa atmósfera malsana e inquietante que se crea, que te atrapa.
Lars Von Trier es un tipo controvertido, pero en mi opinión ha querido "sólamente" hacer una película de terror fiel a su estilo. Y lo ha conseguido.

Daniel Costelle e Isabelle Clarke son los directores y guionistas. De ambos es también la serie “Apocalipsis; la 2ª Guerra Mundial” (2009), así como “Apocalipsis: El ascenso de Hitler” (2011), o “Eva Braun en la intimidad de Hitler” (2007) entre otros documentales.

Son cinco capítulos cronológicos, de casi una hora de duración cada uno. Las imágenes, de muy buena calidad, están coloreadas, pero con bastante acierto se hace de una manera suave, no exagerada.

Me ha parecido un trabajo riguroso que nos acerca la “Gran Guerra” justo un siglo después de que, un 28 de julio de 1914, el asesinato del archiduque Francisco Fernando de Austria en Sarajevo fuera la excusa que dió origen al conflicto.
Es una guerra mucho menos conocida que otras, y también poco tratada en el cine (con alguna notable excepción como “Senderos de Gloria”). Es muy curioso conocer que el Kaiser Guillermo II, el Zar Nicolás II de Rusia y el Rey Jorge V del Reino Unido eran primos. Y es increíble comprobar como “jugaban a la guerra” de la mano de sus (la mayoría) orondos generales. Y más increíble ver como muchos hombres se lanzaban a la guerra como un rebaño feliz tras unas consignas de patriotismo que escondían los intereses de unos líderes en busca de sus sueños imperiales. Y es que entre las razones que explican el ambiente prebélico están la existencia de esos imperios, como el austrohúngaro, el otomano, el ruso o el británico. Este último sería el único que sobrevivió tras la guerra y que daría origen a un nuevo orden mundial, con los Estados Unidos como gran potencia y la aparición de los fascismos, la URSS o el auge de los nacionalismos... amén de ese Tratado de Versalles que puso fin a la 1ª G.M. pero dió origen a la 2ª G.M.
Lenin, Rasputin, Petain, el Barón Rojo o el mismo Lawrence de Arabia son protagonistas también de esta güera. Y aparecen personajes que luego serán importantes en otros momentos históricos, como Hitler y Goering, Churchill, el futuro presidente de USA Truman, Rommel o Patton...

Las imágenes captan la extraordinaria dureza de esas batallas de trincheras. La enorme potencia de fuego que daban las nuevas tecnologías, así como la utilización de guerra química a gran escala o las condiciones de vida miseras de los soldados, todo junto, hacen que la frase “carne de cañón” se pueda utilizar para esta conflagración de la manera mas literal. Un documento extraordinario para ver e intentar entender esa sinrazón.

Burt Lancaster fue como actor una gran estrella del Hollywood clásico gracias a su físico y su presencia enérgica y magnética: su blanca y amplia sonrisa forma parte de la historia del cine. También tuvo papeles memorables en Europa con directores como Visconti o Bertolucci. En definitiva, uno de los grandes.
Siendo un hombre inquieto, fue también productor (“Marty”, oscar a la mejor película del año 1955 fue su gran éxito) y probó fortuna también en la dirección con "El hombre de Kentucky", de ese mismo año 1955, no volviendo a repetir en esta tarea hasta el año 1974 en que codirigió "El hombre de la medianoche".
“El hombre de Kentucky” es un western atípico, pues se centra en la figura de un padre y su hijo, Eli Wakefield (Lancaster) y su hijo el pequeño Eli (Donald MacDonald), que siendo cazadores y habituados a vivir en el monte, quieren marchar desde su Kentucky natal a la casi inexplorada Texas del año 1820, y como tienen que hacer frente en su camino a los peligros de la civilización. Su argumento gira en torno a ese padre algo ingenuo pero de buen corazón y valiente, a como se relaciona con su hijo, y como debe elegir entre dos mujeres que simbolizan dos tipos de vida opuestos.
Para su debut contó con colaboradores de lujo. Por ejemplo la música es de Bernard Hermann y la fotografía de Ernest Laszlo, y lo cierto es que la banda sonora es muy buena, así como la fotografía sobre todo de los exteriores naturales que salen en la pantalla. También es la primera aparición en el cine de Walter Matthau, además en un papel importante.
Como conclusión decir que me parece una buena película, no el típico western como señalaba antes, sino más bien de profundizar en un personaje y en sus circunstancias personales que, además, cuenta con unas excelentes escenas de acción encarnadas por su atlético protagonista. Recomendable a pesar del cierto olvido que hay sobre ella.

Si, le pongo un 6 a esta película. Y la califico de interesante y no de floja o mala por el simple hecho de ver a una jovencita Concha Velasco de 18 años, a Tony Leblanc en plena forma a sus 36 (y no como padre de Torrente), a Arturo Fernández, a Jesús Puente (¿os acordáis de "lo que necesistas es amor"?), a Luis Sánchez Polack (el Tip de Tip y Coll) y a unos cuantos mas de los cómicos de nuestra historia del cine, y que forman parte también de nuestra memoria personal y colectiva. Por otro lado el guión es sencillo y previsible, y la realización y las interpretaciones todas correctas y agradables. Y aunque destaque por sus momentos de comicidad, lo importante hoy es ese viaje emocional por el tiempo que proporciona su visionado.

El uso del tecnicolor, la búsqueda de localizaciones "chic" como el hipódromo de la Zarzuela, de glamurosos bailes y orquestas, y ese humor blanco y sin maldad en la que las cuatro chicas, aunque de diferente posición social, buscan recogen donativos para la Cruz Roja y encontrar el amor de sus vidas, lo que pretenden es dar una posibilidad de evasión a una España que en el año 1958 había pasado lo peor de la posguerra, pero vivía todavía en "blanco y negro", con muchas limitaciones y miserias, y que pretendía abrirse al resto del mundo y dejar atrás la autarquía. En ese contexto esta película representaba una ventana a la ilusión para esa mayoría de españolitos "de a pie" que empezaban a soñar con tener un seiscientos y dejar atrás los años de "pa negre". Incluso la canción principal de la película se convirtió en un tema muy popular en aquellos "días de radio" en los que apenas se había iniciado la televisión, y eran los radioreceptores los transmisores de la información, de los concursos, de las músicas, de la vida más allá de la casa y del barrio...

Si, es cierto: ver al dóctor House cuidando de un ratoncito resulta cuando menos curioso. Pero este detalle lo olvidaremos pronto al empezar el visionado de la película. La ví con mi hija pequeña y nos gustó mucho a los dos. Las imágenes virtuales del ratón están muy bien combinadas con los actores y el decorado (atentos a la escena de la lavadora). Las secuencias de acción están muy conseguidas, tanto en el barquito como en el coche de juguete gracias a esos primeros planos. Y contiene ese mensaje de tolerancia hacia los que vemos como "diferentes", así como la posibilidad de redención.
En definitiva, aunque resulte previsible, es un muy buen entretenimiento para los peques y también para los mayores.