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Críticas de Nairdan
Críticas ordenadas por:
Friends with Money
Friends with Money (2006)
  • 4,6
    3.574
  • Estados Unidos Nicole Holofcener
  • Jennifer Aniston, Catherine Keener, Frances McDormand, Jason Isaacs, ...
8
La mujer y sus estados de ánimo
Amigos con dinero es una comedia dramática de gran calado, ya que no recurre a los manidos trucos que este subgénero desarrolla made in Hollywood, sino que ofrece otras vías de escape y regala una hora y media de muestra del buen cine: actores en estado de gracia, soberbias líneas de diálogo, situaciones creíbles, momentos memorables para llevarse a casa... todo ello servido por la mano de Nicole Holofcener (que parece saber bien de lo que habla) en su tercera película. La directora y guionista centra su -nada edulcorada- mirada en un grupo de mujeres de treinta y muchos y cuarenta y pocos años, ésa edad en la que Hollywood parece no querer fijarse. Cuenta cómo va el tránsito de su vida, cómo avanzan sin remedio hacia un destino cruel y realista. Apoyándose en cuatro excelentes protagonistas (Aniston, Keener, McDormand y una muy contenida Cusack) y un séquito de buenos secundarios (en masculino) que empujan la historia con fuerza y la llevan con naturalidad por los ligeramente escabrosos senderos que Holofcener quiere, la directora nos habla del divorcio, de los cambios hormonales, de los ricos con complejo de clase alta y de las pobres desgraciadas sin suerte en el amor. Y lo hace sin compasión, mostrando a los personajes en su más absoluta ridiculez: Jane y sus enfados, Christine y su torpeza, Franny y sus complejos y Olivia y su pasividad. Todas expuestas ante el espectador, para que juzgue si estas mujeres tan cercanas a la vida real se merecen el esperanzador (y algo falso en el caso de Olivia) final que Nicole Holofcener les otorga.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Amnesia
Amnesia (2000)
  • 7,9
    145.000
  • Estados Unidos Christopher Nolan
  • Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano, Mark Boone Junior, ...
10
La sencillez genial
Estamos ante una de las más rigurosas deconstrucciones de la mente humana jamás filmadas. Bajo la forma de una compleja película con un final-principio y viceversa, "Memento" (ya desde el título su director acierta) es una inteligentísima y emocionante película que nos habla de la escasa fiabilidad de los mismos recuerdos, de lo poco que los seres humanos respetamos lo que sentimos. "Memento" gira sobre sí misma en torno a una tragedia monumental, que involucra a un desesperado hombre sin recuerdos (un descomunal y difícil trabajo de Guy Pearce) en un complot donde nada es lo que parece. Guiándonos con una estructura circular y concéntrica, el director Christopher Nolan nos cuenta, con una espléndida planificación y un soberbio montaje de Dody Dorn, la crónica de una obsesión por recordar, ya sea una caricia furtiva, un amor que se fue, unas caras conocidas… Leonard no puede fabricar nuevos recuerdos, así que hace fotos, toma notas y se tatúa “hechos”, pero las fotos, las notas y los tatuajes pronto revelan su condición de mero artefacto de (auto)engaño. El problema de enfrentarse a un film como este (y por extensión a cada film de ideas y planteamientos radicales) es que tanto los méritos que unos le vemos como los defectos que otros le ven suelen ser los mismos, pero hay cosas irrefutablemente buenas en esta brillante película: 1) un atajo de secuencias memorables (la pelea entre Leonard y Natalie, la revelación final sobre Sammy Jankins); 2) un extraordinario trabajo de Carrie Anne-Moss; 3) un lúcido análisis de la psique humana y 4) una visceralmente hermosa historia de amor en una de las muchas capas que contiene esta obra maestra. Antes de engolar la voz, ponerse tan serio y empezar a fracturar deslumbrantes artefactos de falsa complejidad, Nolan demostró que a veces la perfección se puede lograr a través de la sencillez. Lástima que no todos los espectadores la puedan disfrutar como se merece.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Margaret
Margaret (2011)
  • 5,8
    1.814
  • Estados Unidos Kenneth Lonergan
  • Anna Paquin, Matt Damon, Mark Ruffalo, J. Smith-Cameron, ...
9
Tan áspera como fascinante
Por cuestiones extracinematográficas hemos tardado 6 años en poder disfrutar de esta extraordinaria película, y el resultado final revela que falta metraje para redondear el asunto. Lo más curioso es que las aristas de estos 143 minutos de esquinado cine ayudan al discurso de Kenneth Lonergan, director elegante y guionista de verba incontenible que pone a interactuar a 51 personajes mientras toma el pulso a una sociedad enfadada y egoísta que no quiere conversar sino discutir. Cuando su ambivalente protagonista Lisa (espléndida Anna Paquin, especialmente en sus acelerados discursos) provoca sin querer un crudo accidente, la culpa la corroe y la impulsa a tomar decisiones sin pensar en las consecuencias. Aún desplegando tramas paralelas, todo vuelve a ese fatídico percance, el motor de una búsqueda constante de sentir algo en una realidad anestesiada (prueba de ello es el desenlace de la historia de amor entre Joan y Ramón). Estudio de personaje, ensayo sobre la culpa y esquiva con sus elipsis, "Margaret" disloca las expectativas del espectador en casi todo momento, abandona y retoma personajes sin explicarse, verbaliza sentimientos incómodos y reta al público a no desconectar ante un devenir lleno de antipatía (el arisco personaje de Jeannie Berlin requeriría ser pulido para escapar de la bidimensionalidad). Y el reto es tan estimulante que merece mucho la pena.
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Los descendientes
Los descendientes (2011)
  • 6,5
    43.371
  • Estados Unidos Alexander Payne
  • George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, ...
9
Un trozo de vida
Son varias las cumbres que Alexander Payne conquista en su primer largometraje tras siete largos años. Si ya en la extraordinaria "Entre copas" se podía entrever que el director se había despojado de la mirada cínica de sus anteriores títulos, con "Los descendientes" sale a hombros de una difícil contienda. Junto a sus coguionistas Jim Rash y Nat Faxon y partiendo de la novela de Kaui Hart Hemmings, juega con un material altamente inflamable con el que el cine ha cogido en múltiples ocasiones desvíos defectuosos. Y su juego es ejemplar. Alexander Payne derrumba expectativas, desarma los argumentos de sus posibles atacantes y camufla de sencillez lo que es talento supremo. Convierte a los arquetipos en personajes dejándoles respirar vida, vida que emana de cada plano, de cada decisión estética y ética. Atiende los muchos frentes que abre con igual delicadeza, mimo e inteligencia -los abuelos, los amigos, los primos, la aventura, las hijas King- a través no sólo del guión, sino de un sensacional reparto donde brillan un impecable George Clooney y el fascinante trabajo de Shailene Woodley. Conmovedora, divertida, incómoda, contradictoria... la película captura con colores naturalistas y una puesta en escena perfecta una porción de humanidad y la sirve con amor y consideración. Y como remate, Payne cierra su cinta logrando lo que pocos -y cada vez menos, lamentablemente-: dejar una imagen perdurable para llevarse a casa. Una imagen que resume perfectamente el fin de la peripecia de la familia King.
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En el dormitorio
En el dormitorio (2001)
  • 6,7
    5.675
  • Estados Unidos Todd Field
  • Sissy Spacek, Tom Wilkinson, Marisa Tomei, Nick Stahl, ...
9
...y dolor y amargura y tragedia y humanidad y...
Una catarata de sentimientos que se agolpan contra el espectador. Incomodidad ante lo real del asunto, el tratamiento y lo que revuelve en los adentros. En un debut portentoso y de una seguridad aplastante, Todd Field coescribe y dirige "En la habitación", extraordinario drama que rebusca en recovecos oscuros del ser humano. Un paseo por emociones clásicas que nunca se desborda, ni siquiera se acerca a ello, y que se nutre de su inmenso arsenal de virtudes sin necesidad de retorcer el guión ni sacarse nada de la manga. Con diálogos excelentes, profundos y reveladores -esa conversación a la mesa entre Marisa Tomei y William Mapother-, todo avanza con una lógica implacable en el relato de cómo una muerte trunca varias vidas. De esas virtudes destaca una atención por el detalle encomiable, por lo que pueden contar los objetos y ahorrarse sobreexplicaciones; un reparto perfecto, con especial mención a Sissy Spacek y Tom Wilkinson -un ejemplo de talento es la reacción de Matt ante la confesión de Ruth de que el asesino le sonrió-; una descripción de la complejidad del ser humano para no cargar las tintas ni estereotipar a nadie (Field cambia sabiamente el foco de la furia y el amor a cada momento entre la pareja protagonista) y la nada complaciente resolucion del relato, con una sensación de paz tan inquietante como brutal y que funciona como ejemplares puntos suspensivos en la irreparable existencia del matrimonio Fowler. Mérito final del director es entregar con aparente sencillez una joya tan inteligente y dolorosa.
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El árbol de la vida
El árbol de la vida (2011)
  • 5,9
    51.098
  • Estados Unidos Terrence Malick
  • Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, ...
9
Una verdadera experiencia cinematográfica
Existe dentro de "El árbol de la vida" una obra maestra de 83 minutos, el núcleo central de la película, que recoge unos quince años en la vida de una familia texana en los años 50. Un admirable segmento que funciona como material independiente, con estructura de tres actos, sus inmensos actores y que sin duda alberga los mejores momentos del filme. El problema reside en los 50 minutos extra que Terrence Malick sitúa antes y después de sumergirse en el quehacer de los O´Brien. Una sucesión de imágenes bellísimas, herméticas en algunos casos y fundamentalmente simbólicas en otros -todo el tramo final en la playa- que no terminan de casar con ese núcleo central. Malick contrapone micro/macro cosmos para tratar de explicar el origen del universo desde una perspectiva panteísta que resulta descompensada. Cuando se va a lo más grande, no puede evitar engolar la voz y andar todo el tiempo en la difusa línea que separa sublime de ridículo -esto se puede ver especialmente en la salvajemente editada interpretación de Sean Penn, ya que su personaje se queda en un tipo trajeado e intenso que vaga por el mundo sin rumbo ni sentido-. Quizá sea porque el material le es muy personal o por su famosa indecisión en la sala de montaje (en este caso se acreditan hasta cinco montadores) pero Malick parece perdido en esa parte del metraje. Lo que nunca decae y bien se agradece en su cámara ingrávida escupiendo perfectas combinaciones de imagen y sonido, una corriente indescriptible de hermosos cuadros y una auténtica lección de cine sensorial. PURA POESÍA.
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Sueño y silencio
Sueño y silencio (2012)
  • 5,6
    639
  • España Jaime Rosales
  • Yolanda Galocha, Oriol Roselló, Jaume Terradas, Laura Latorre, ...
7
Distorsiones entre una forma exigente y un fondo conmovedor
Curiosa la manera en que Jaime Rosales nos toca el corazón con "Sueño y silencio", ya que parte de lo artificial -blanco y negro, encuadre fijo, apenas movimientos de cámara- para llegar a lo humano, el núcleo de una pérdida y sus repercusiones. El después. Su apuesta estilística es a priori dispar pero cuando el poso crece en uno se revela de lo más pertinente. Hay muchas formas de contar el sufrimiento de una familia tras sufrir un desgarro de tal calado, y en casi todas se tiende al exceso y a lo tremendo. Rosales logra emocionar limpiamente extrayendo de afectación hasta los momentos más peliagudos -el duelo, el cementerio, las discusiones entre los progenitores- y logrando por el camino una profundidad emocional increíble en algunas escenas y una capacidad de elipsis brillante. Como se ha dicho ya, materializa lo espiritual sin salirse del realismo en una escena antológica, con un portentoso fuera de campo y el grandioso trabajo de Yolanda Galocha, que derrocha carisma desde su primera aparición, y toca una de las consecuencias menos tratadas de un coma con la subtrama del padre amnésico. Un trabajo en general notable que tiene un gran problema en el uso de recursos experimentales que se antojan simples caprichos: un virado a color, un fuera de campo muy agresivo que distancia por choque estético para una conversación a carne viva, corte de las secuencias de manera brusca, prólogo y epílogo de Miquel Barceló algo abstractos y saltos de montaje enseñando un poco el negativo. Da la impresión de que lo autoimpuesto de las normas previene al director de dar un do de pecho, aunque remata la película con un prodigioso plano-secuencia que cubre un parque donde vida y muerte pierden la denominación en pos de ver cómo fluye el amor en estado puro.
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las horas
Las horas (2002)
  • 7,2
    34.475
  • Estados Unidos Stephen Daldry
  • Meryl Streep, Julianne Moore, Nicole Kidman, Ed Harris, ...
7
Un momento concreto de unas vidas tristes
"Las horas" no es una gran película, soy consciente de ello. Es notable, sí, pero la traicionan sus evidentes ambiciones de Oscar y un guión que paga el peaje de todo encorsetado dramón que se precie de serlo (véase la escena de la estación del tren a cargo de Kidman, el momento after-kiss de Moore o Streep saliendo del piso de Harris por 1º vez, ejemplos de lucimiento para sus actrices. Sin más). Pero está puntuada con momentos perturbadores que elevan la calidad del asunto, con retorcida poesía, incluso. Nicole Kidman mirando de frente al pajarillo muerto; la habitación inundada de Julianne Moore o el derrumbe de Meryl Streep mientras cocina (con esos primeros planos de la comida tan inexplicablemente incómodos). Stephen Daldry y David Hare adaptaron y plasmaron con talento el extraordinario libro de Michael Cunningham, pero en el traspaso se perdió "algo". Aunque por el portentoso trabajo de Ed Harris (mejor que Kidman y Moore, sí) vale la pena verla. Por películas como "Las horas" adoro el cine, porque me hacen darme cuenta de que ejerce un extraño influjo sobre las personas. Porque me revuelven y me dejan poso. Cosa que me sucede cada vez con menos frecuencia... Será la edad.
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Grizzly Man
Grizzly Man (2005)
  • 7,2
    8.298
  • Estados Unidos Werner Herzog
  • Documentary, Timothy Treadwell
10
Enriquecedora aportación de Werner Herzog al género
No es quien esto escribe un gran fan del género documental, pues cuesta encontrar inventiva y talento entre tanto desfile de bustos parlantes e imágenes de archivo con voz en off, pero puede afirmar sin temor a equivocarse que "Grizzly man" es de lo mejor en esos lares. Una verdadera lección de cómo debería ser el género. ¿Por qué? De entrada por sus varias ventajas: 1) cuenta con un protagonista atractivo; 2) dosifica muy bien –gracias al preciso montaje- lo que nos va contando; 3) posee escenas de gran impacto (la lucha de los osos, el esparcimiento de las cenizas) y 4) tiene la virtud de no hacer que decaiga nunca la atención, ya que la mezcla de tan dispares elementos: las entrevistas, las propias grabaciones de Treadwell, las reflexiones de Herzog... dan como resultado un producto fascinante. Su atractivo protagonista es el turbador hombre-espectáculo Timothy Treadwell, que posee esa rara capacidad de resultar magnético y repelente -de la selección de las más de 100 horas que grabó para exhibirse con la excusa de estudiar a los osos se pueden deducir varias cosas del tipo: era inteligente, egocéntrico, algo ciclotímico, interesante...-, lo que hace de él un objeto de estudio para Herzog (lo que además le permite continuar elaborando su discurso autoral, hasta dialogando con el difunto en algún momento) y el propio espectador a contemplar. Los extractos de sus grabaciones no tienen desperdicio. Como tampoco lo tienen las opiniones que el director ofrece sobre él. Ya sean buenas o malas, aportan pequeñas pinceladas para intentar comprender a un ser humano bastante peculiar, intoxicado por la intensa vida que vivió de joven y por sus propios bajones de ánimo. En resumen, un documental imprescindible que además nos enseña a la naturaleza en su más brutal y amoral realidad, pues Herzog no edulcora nada, no manipula nada (¿o sí?, porque no se puede negar que existe un pulso constante entre la sospecha de que el alemán nos conduce de la mano y la finalmente triunfante sensación de que sólo estamos cómodos ante el despliegue de naturalidad que compone cada minuto de la cinta) y eso le hace ganarse el respeto del espectador. Por lo menos el de un servidor.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La piel que habito
La piel que habito (2011)
  • 6,6
    53.680
  • España Pedro Almodóvar
  • Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, ...
9
Juegos de identidad
Por un camino oscuro, descendente y retorcido nos lleva esta vez Pedro Almodóvar. No es la primera vez que se acerca a lo más negro del alma humana -los ribetes más oscuros de la extraordinaria "La mala educación", por ejemplo-, pero nunca antes había sido tan extremo. Extremo en todo. Férreo en el control sobre los muy inflamables materiales con los que juega en esta ocasión. El mito de Frankenstein revisado, las pasiones destructoras que pueblan el cine de Almodóvar, el deseo como motor de la perdición y la idea de que la identidad -de sus personajes, pero también del propio director- es más grande que todo y no se puede destruir. Como tocando una sinfonía infinita en una orquesta, Almodóvar avanza y retrocede, crea algunas de las imágenes más poderosas de su filmografía y lleva la peripecia contada con mano de hierro, no dejando que en ningún momento se abra la caja de Pandora y el ridículo inunde la pantalla. Hasta en las notas más arriesgadas -toda la trama del Tigre- el talento supremo del manchego se ejerce y su músculo dramático está en su apogeo. Amén de la generosa entrega del reparto a la causa y un equipo técnico superlativo (Alberto Iglesias, José Luis Alcaine o Antxón Gómez en su mejor juego) que corresponde formalmente la propuesta del cineasta. La atención por el detalle engrandece la propuesta, como si la cámara canalizara la mirada del cirujano protagonista, tan atenta a las pequeñas cosas; la precisión quirúrjica de sus acciones se contagia a la película. "La piel que habito" altera, desagrada, emociona y fascina a partes iguales. Como todos los grandes, Almodóvar se las apaña para volver sobre sus temas eternos con nuevos y brillantes colores y para hacernos creer lo increíble.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vicky Cristina Barcelona
Vicky Cristina Barcelona (2008)
  • 5,8
    63.323
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, ...
8
Un verano melancólico donde se cuestiona el amor
Aunque se ha venido diciendo en muchos sitios, esta película no es un capricho de Woody Allen para rodar en España y llevarse un saco de subvenciones. "Vicky Cristina Barcelona" es un estudio sobre el amor en sus múltiples variantes. Allen confronta un grupo de personajes con diferentes puntos de vista sobre el tema, y el resultado, que avanza por algunos vericuetos sorprendentes, es descorazonador y pesimista (ver spoiler). Javier Bardem, Scarlett Johansson, Rebecca Hall y Penélope Cruz están estupendos en esas encarnaciones del amor que Allen propone. A pesar de la cuota turista y distintas resoluciones puramente funcionales, la película avanza con frescura y sorprendetente juventud en un cineasta de más de 70 años en el devenir de sus relaciones cruzadas e introduce mil y un detalles que llevarse a casa (Chris Messina personifica a la perfección ese modelo de norteamericano, las envenenadas réplicas de Hall se complementan perfectamente con sus gestos). Mención aparte para Penélope Cruz y a su personaje, porque la verdad es que se lo merece. Desde el primer momento que entra en acción María Elena, uno se queda prendado de ella, de su temperamento inestable, su tendencia a gritar, su desastrosa belleza y su lengua viperina (memorable momento en el que grita "niñata de mierda" un par de veces). La relación entre Juan Antonio y María Elena es un inestable campo de minas donde cada frase parece despertar la tormenta. Resulta muy divertido observar a Bardem y a Cruz saltar entre idiomas con pasmosa naturalidad y fiereza mientras Johansson es testigo de estos momentos. Y al final, queda la amarga sensación de que no amamos, sólo nos conformamos con no estar solos.
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El artista
El artista (2011)
  • 7,7
    57.833
  • Francia Michel Hazanavicius
  • Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, ...
8
Para los que amamos el cine
Se abre "The artist" con una película muda proyectada en unos cines ante una audiencia que ríe y jalea... muda. Pronto hace aparición la fantástica banda sonora de Ludovic Bource y sutilmente entramos de lleno en la (no tan) radical propuesta de Michel Hazanavicius, astuto director y guionista de absoluta -y puede que calculada- pertinencia. Hablar de la muerte y nacimiento de dos tipos de cine en 2011, cuando la industria vive circunstancias parecidas, aunque menos drásticas, es la difícil tarea que Hazanavicius se ha cargado a las espaldas. Y el resultado tiene una contrastada eficacia, tanto de crítica como de público, pudiendo dar una sonora campanada en los Oscar de aquí a unos meses. Irresistible, amable, puntualmente arriesgada y cargada de guiños cinéfilos, "The artist" conquista plateas sin complicar(nos)se mucho la existencia. Y ahí radica su problema. Da la impresión de que Hazanavicius se ha divertido tanto con los guiños que ha olvidado perfilar más su guión, escrito a brochazos bien gordos y donde se ve la energía gastada en dar luces y sombras a su protagonista, un pletórico Jean Dujardin, y pasar con menor detenimiento por el resto de personajes y situaciones (ésa crisis matrimonial tratada con tal ligereza es imperdonable). Si además se salva el personaje de Peppy Miller, con más carne que el resto, es por el magnetismo de la espléndida Bérénice Bejo, verdadero huracán de talento y entrega a la causa.
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Sicko
Sicko (2007)
  • 7,4
    16.733
  • Estados Unidos Michael Moore
  • Documentary, Michael Moore
7
Un picor necesario
Sean buenas o malas críticas, todos coinciden en algo sobre Michael Moore y su cine: es manipulador, demagogo, efectista. El Moore que tocó el cielo con la magnífica "Bowling for Columbine" y ambicionó lograr el primer documental nominado al Oscar como Mejor película con "Fahrenheit 9/11" -todos sabemos que no lo logró- vuelve a la carga con esta notable "Sicko". Afronta ahora la desastrosa sanidad estadounidense y las compañías de seguros médicos. Y lo hace con un estilo reconocible: didactismo, ritmo, entretenimiento, voz en off y su propia presencia en 73 de los 118 minutos que dura la cinta -parece que ha tomado algunas notas de los ataques de ombliguismo-. No voy a negar lo evidente, y es que el cineasta va a los extremos para recolectar testimonios, idealiza la sanidad Europea y subraya/machaca las preguntas que el espectador debería hacerse. No es muy amigo de la sutileza y sí del golpe bajo, la música lastimera y los testimonios llorosos. ¿Por qué me gusta "Sicko" entonces? Pues porque Michael Moore se cuestiona las cosas. Encarna una molestia necesaria que trata de evitarnos caer en la autocomplacencia. Me gusta porque suscita más preguntas que respuestas. Y afrontémoslo, ¿cómo resistirse a una película que insinúa que Guantánamo ofrece mejor atención médica que Detroit?
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Undercovers (Serie de TV)
Undercovers (Serie de TV) (2010)
  • 3,4
    259
  • Estados Unidos J.J. Abrams (Creator), Josh Reims (Creator), ...
  • Boris Kodjoe, Gugu Mbatha-Raw, Jessica Parker Kennedy, Gerald McRaney, ...
5
Enésima y mecánica aplicación de la fórmula
"Undercovers" es la primera serie de J.J. Abrams que fracasa. Creada junto a Josh Reims, es un producto sin alma, técnicamente perfecto pero carente de nervio y/o emoción. Una fórmula mil veces vista usada con prisas: protagonistas revelados contra las normas, secundarios graciosos, malos muy malos que buscan hacer daño al mundo, jefes intransigentes, un cómico (Ben Schwartz) haciendo monerías, un misterio que resolver, visitas a distintos lugares del mundo sin moverse de EEUU o involucrar a alguno de los protagonistas en una trama de conspiraciones. Desde el piloto podemos ver el problema, pues éste termina sin un gancho para el siguiente episodio. Entretiene, sí, pero nunca atrapa. Se beneficia enormemente de la química entre Boris Kodjoe & Gugu Mbatha-Raw, que interactúan con eficacia como salidos de una screwball comedy de los años cuarenta, pero poco más hay para rascar. Quizá la hiperactividad de Abrams le ha impedido pulir de mejor manera el resultado, o simplemente Reims y él no estaban en su mejor momento para dar lustre al vibrante producto de espionaje que prometía ser "Undercovers". Una lástima.
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Vuelo 93
Vuelo 93 (2006)
  • 6,7
    18.728
  • Estados Unidos Paul Greengrass
  • Christian Clemenson, Cheyenne Jackson, Ben Sliney, Khalid Abdalla, ...
10
Limpia emoción
Una de las tareas más complicadas para un director de cine es la reconstrucción de hechos reales, pues hay que medir con cuentagotas las cantidades exactas que debe tener esa reconstrucción para que la película no sea maniquea. Paul Greengrass decide abordar el conflicto del 11-S desde el punto de vista del avión que no llegó a cometer el acto para el que fue secuestrado. ¿El resultado de la inmersión del director británico en tan peliaguda situación? Pues una absoluta y completa obra maestra, una película perfecta que cuenta lo justo y necesario en cada momento con verosimilitud y detallismo, y lo hace a través de un montaje espléndido, de unos actores no profesionales inconmensurables en sus papeles y de un posicionamiento central con el que retrata a cada personaje con humanidad. Es también mérito de Greengrass conseguir algo que suele costar a los directores, y más hoy en día: fabricar una emoción pura, sin artificios sentimentaloides, sólo con cañonazos de verdad y legímito control sobre las notas de los sentimientos del espectador. Los pasajeros despidiéndose de sus familias por teléfono, el momento en el que el segundo avión impacta contra las Torres Gemelas, la desesperación de un controlador aéreo que se ve impotente y otros momentos que no se deben decir son algunas de las joyas de esta película.
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Amélie
Amélie (2001)
  • 7,8
    157.273
  • Francia Jean-Pierre Jeunet
  • Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus Magloire, Lorella Cravotta, ...
8
Apabullante muestra de buenas intenciones
Sí, "Amelie" es ingenua. Ya está. El que esto suscribe es consciente de que Jean-Pierre Jeunet apuesta todo a una carta, la materialización y exageración absoluta del joie de vivre. Y funciona. Película arrolladora, de esas que arrojan idea por plano, "Amelie" convoca todos los elementos cinematográficos posibles -y nunca gratuitos, aunque lo parezca- para transmitirnos su enérgica razón de existir. Fabular sobre la felicidad, el amor, la ternura, el ser humano de a pie, el hombre y mujer normal. Y lo hace valiéndose de un montaje espídico de Hervé Schneid, una hermosa fotografía de Bruno Delbonnel y particularmente del guión de Jeunet y Guillaume Laurant, que extraen oro cinematográfico y poesía a raudales de la magia de las pequeñas cosas. Un reparto en estado de gracia que imprime ternura, hondura y belleza a raudales y la cámara de Jeunet deviene pincel de artista para contarnos ese fabuloso destino de Amélie Poulain. Como con casi toda película de planteamientos más o menos radicales, "Amelie" provoca urticarias e indigestiones varias a sus más feroces detractores. Pero el firmante no se puede resistir al torrente de recursos que el director desplega para hipnotizar.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Humpday
Humpday (2009)
  • 5,5
    951
  • Estados Unidos Lynn Shelton
  • Mark Duplass, Joshua Leonard, Alycia Delmore, Lynn Shelton, ...
8
Pequeña gran película
Titulo con un cliché para acercarme a un film nada típico. La estimulante propuesta de la realizadora Lynn Shelton se inscribe en esa saludable corriente de películas que demuestran que no hacen falta grandes presupuestos ni grandes nombres para realizar un gran trabajo. Sólo talento y una buena idea. Y esta magnífica "Humpday" tiene de eso. Shelton y sus inspiradísimos tres actores principales -colaboradores con sus improvisaciones del guión de la cinta- rezuman humor, naturalidad e inteligencia en su audaz proposición al espectador. Un juego que disloca las espectativas, desarma con sus nulas pretensiones y su afán de diversión. Una joya divertida y profunda que provoca más preguntas que respuestas y que habla muy bien de los personajes que retrata.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pecados de guerra
Pecados de guerra (1989)
  • 6,8
    15.254
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Michael J. Fox, Sean Penn, John Leguizamo, John C. Reilly, ...
3
Involuntariamente cómica
Es una de las primeras escenas de la desternillante "Tropic Thunder", Ben Stiller y Robert Downey Jr. recreaban una clásica escena de muerte en el cine bélico, que pasada por la mala leche de los guionistas incluía una babosa llantina de Downey Jr. y un festival de órganos de Stiller. Todo ello bañado por la intensidad y la exaltación propias del peor Hollywood. Al reconocer el claro referente que estos invocaban en esta terrible "Corazones de hierro", mi admiración por "Tropic Thunder" crece aún más. La película de De Palma reúne los peores tópicos del cine bélico -vietnamitas y soldados ensangrentados, buenos muy buenos y malos muy malos, música machacona, gobierno corrupto, dementes soldados- partiendo de un hecho real que además conecta esta cinta con la notable "Redacted" que el director parirá casi 20 años más tarde. La escasa sutileza de su mensaje, la irritante sobreactuación de Sean Penn y Don Harvey y su exasperantemente previsible desarrollo son las mayores lacras de una película torpe e intensa, en la que sólo son remarcables los primeros 15 minutos, la convincente y mesurada interpretación de Michael J. Fox, la profesionalidad del De Palma director en algunos pasajes y su buen manejo del suspense en dos momentos clave.
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6 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Maridos y esposas
Maridos y esposas (1992)
  • 7,6
    13.843
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, Mia Farrow, Sydney Pollack, Juliette Lewis, ...
9
Agresivo estudio de relaciones
La cámara se mueve bruscamente, a trompicones, poseída por el estilo de una película violenta y sincera que fluye a la velocidad de un rayo. "Maridos y mujeres", extraordinario ejercicio de cine vivo y nada complaciente, permite al genial Woody Allen poner espejos deformantes (escalofriantes las similitudes película/vida real, por cierto) en dos parejas de amigos y cómo viven la separación de una de ellas. Allen dinamita las escenas con su habitual talento supremo de dialoguista y su áspera apuesta formal, haciéndonos sentir incómodos con unos personajes plenamente reconocibles, hurgando en su intimidad y sacando a relucir lo inestable de las relaciones sentimentales. Cineasta abonado al riesgo (aunque a simple vista no lo parezca), Allen escribe desde sus entrañas y además se obliga -y arrastra a Mia Farrow con él- a sacudirse los cómicos arquetipos allenianos para integrar un impecable cuarteto protagonista. Quizá chirría el narrador omnisciente y las entrevistas a cámara, sobretodo porque suena más a recurso de explicación del desarrollo de la trama que a justificado giro de guión. Indistintamente, no empaña la energía y rabia de esta portentosa cinta. Respecto al morbo de la metaficción, ¿es "Maridos y mujeres" una liberadora película-terapia? Puede, pero cuando piensas en la filmografía de Woody Allen, no puedes evitar preguntarte: ¿no lo son todas?
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mujer fatal
Mujer fatal (2002)
  • 5,5
    5.229
  • Francia Brian De Palma
  • Rebecca Romijn, Antonio Banderas, Peter Coyote, Gregg Henry, ...
8
Maravillosa artificiosidad
La naturalidad, la credibilidad, lo plausible y demás sinónimos son características que muchos aprecian en una película. El baremo que detemina la calidad del cine implica en múltiples casos las cualidades ya nombradas, y se desprecia aquello forzado, compuesto, muy calculado. En ese sentido, Brian De Palma es a veces todo "lo malo". Tras diez años sin escribir por completo un guión y dirigir tres encargos y un virtuoso corto alargado ("Ojos de serpiente"), De Palma va a Francia y se desfoga por completo, potenciando todo sus rasgos como cineasta en esta magnífica cinta. Una bacanal de movimientos de cámara, posiciones estratégicas, pantallas partidas, arteros giros de guión y ante todo la pasión de un director y guionista amante del cine. De Palma convoca a De Palma, Hitchcock, Wilder, el polar francés e infinitas referencias más y lo filtra todo con su cámara, loca como nunca, y su escritura, forzada hasta el suicidio (ese giro final de guión que deambula en la cuerda floja del ridículo más absoluto). Rebecca Romjin se entrega por completo a un papel de mil caras (y pelos) mientras exuda belleza, peligro y sexo. Experiencia sensitoria en algunos de sus pasajes, hermosa e imperfecta, "Femme fatale" quedará como uno de esos arriesgados saltos -lamentablemente sin beneficio, pues De Palma sólo ha dirigido dos cintas más en nueve años- que los realizadores extremos hacen cada cierto tiempo. Bienvenido sea el cine artificioso si es como éste.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil