Gareth Edwards debuta en la gran pantalla con una interesantísima propuesta que sin duda alguna no será recibida con agrado por parte del público que espera ver una nueva peli de "bichos malos".

La historia se nos presenta del siguiente modo; hace pocos años, la Tierra recibió una invasión alienígena en México. La mitad del país fue declarada zona infectada, y la milicia norteamericana se encarga de salvaguardar la frontera para que no se extienda la invasión. Este es el contexto en el que un fotógrafo (McNairy) es enviado a México por su adinerado superior para que traiga de vuelta a su hija (Able) sana y salva.

Sin disponer de un presupuesto muy elevado, Edwards nos recrea con mucha verosimilitud el estado ruinoso y precario en el que el país latino-americano está sumido, dónde los habitantes subsisten recogiendo escombros y mediante la corrupción.

Pronto nos damos cuenta que no vamos a ver una película de aliens al uso (de hecho prácticamente no aparecen). Los monstruos que dan nombre al film no son los extraterrestres, sino somos nosotros mismos; los humanos, quienes destruimos todo lo que nos da la naturaleza, preferimos el morbo de la muerte de un niño a verlo esbozando una sonrisa de oreja a oreja y erradicamos los problemas con sangre y violencia.

La película aparte de una crítica feroz contra el gobierno norteamericano, es una sencilla a la vez que fascinante historia de amor entre dos personas muy distintas y que tienen sus vidas sumidas en la monotonía. Él ha perdido toda esperanza y tiene más que asumido su rol en esta vida, y ella parece que tiene toda su vida escrita desde su nacimiento. Poco a poco los dos verán de primera mano una serie de situaciones en las que irán descubriéndose a sí mismos a la vez que empezarán a confiar el uno en el otro.

Yo recomendaría la película a cinéfilos sin prejuicios que estén dispuestos a disfrutar de una pequeña y modesta joya de las que no se ven muy a menudo. Por otro lado, quienes disfrutaran con engendros como Cloverfield, Godzilla o Independence day, ni os acerquéis al cine.

Resulta curioso como hay veces en las que un grupo de actores son capaces de sacar adelante un producto destinado a la mediocridad y a coger polvo en las estanterías de los videoclubs. "Los hombres que miraban..." bien podría ser víctima de una gran premisa venida a menos por falta de brillantez en la puesta en escena. Por suerte, no es el caso.
El bueno de Grant Heslov ha contado con la fortuna de contar en su primer largo con un casting impagable para la historia que nos va a contar; Bridges, Spacey, Clooney... han demostrado ya en gran cantidad de ocasiones no sólo que saben reírse de sí mismos, sino que además van a hacerlo con gran solvencia. Además, el punto de partida es tan demencial como original, dónde suponemos que vamos a encontrarnos algo más parecido al humor de David O. Russell, Shane Black o los orígenes Peter Berg que a las última etapa de David Zucker o Mel Brooks. Y lo cierto es que no nos equivocamos, porque aunque tenga algún que otro altibajo, tanto la química entre McGregor y Clooney como lo gamberro de su humor hacen que mantengamos el interés hasta el final.
La pena es que con algo más de mala leche y acidez podría haberse convertido en una pequeña película de culto como un Terry Guilliam o unos Coen quizá hubieran logrado. Posiblemente Heslov ha preferido no mojarse demasiado para asegurarse el pasar su primer examen con más que eficacia. Recomendable.
Lo mejor: el reparto al completo
Lo peor: el trailer

No es de extrañar que algunos actores decidan desencasillarse de un tipo de registro. El problema es cuando nos enfrentamos a casos como el que nos ocupa en el que el actor no es sólo un actor, sino un género por sí mismo. Nadie puede negar que Arnold Schwarzenegger tiene en su carrera varios de los mejores títulos de acción y ciencia ficción de los 80 y 90. Sin embargo, hay un sector del público bastante generalizado que ni siquiera ha decidido darle una oportunidad a esos clásicos recientes porque en los créditos aparece ese nombre cuasi impronunciable con sabor a Europa central y esculpido en acero macizo.
Los que nos criamos viendo películas como Terminator, Depredador, Desafío Total o Mentiras Arriesgadas, lamentamos la retirada de la gran pantalla de Arnold, debido a que alegó no poder compaginarla con su vida política. A algunos que no nos habíamos olvidado de él, nos causó cierto cosquilleo el anuncio de su vuelta al ruedo. Desafortunadamente, en todos los proyectos que ha seleccionado desde entonces, le hemos visto como una parodia de sí mismo; la sombra de una imagen demasiado fornida, demasiado pesada para mantener. Pero uno seguía viendo sus películas. No se sabe si por inercia o por el anhelo de aquella época, pero el caso es que así ocurría.
En esta situación me encontré con Maggie, una peli que trata sobre la relación de un padre y su hija recién infectada por un zombie. En su desarrollo veremos como afronta tanto la chica como su familia estos fatídicos últimos días de vida. Antes de nada habría que advertir que no es una película de zombies al uso sino más bien una película intimista donde el contexto será quien desarrolle la historia. Es fundamental tener eso en cuenta si se quiere disfrutar, porque quien espere algo distinto estilo al Schwarzenegger de nuestra infancia o a las últimos estrenos de género zombie, puede llevarse un chasco.
En Maggie nos encontramos un Schwarzenegger distinto, con la mayor carga emocional que se le había visto (lo cuál no era gran cosa hasta el momento) y resultando verosímil en su interpretación. Así como Abigail Breslin, interpretando su hija, está más que convincente mostrando su pérdida de humanidad en su implacable cuenta atrás. Precisamente son sus interpretaciones las que consiguen, tras una premisa tan desalentadora y deprimente, el producto sea más que digno, donde veremos un padre hará lo que esté en su mano para alargar la vida de su condenada primogénita, anteponiendo el corazón a la ética así como el amor a la razón.
Sin ser una película redonda, al menos sí cumple sus pretensiones. El resultado es una obra honesta y emocionante, donde la sencillez prima sobre el efectismo, dado que no es necesario para contarnos la historia. Además considero de agradecer que se nos cuente una historia dentro del género zombie, donde los personajes trasciendan por encima del gore o el maquillaje, algo que muy poquitos han conseguido. Si este es el cambio que nos propone Schwarzenegger el aquí presente está dispuesto a seguir lo que viene por algo más que inercia.

Para que una película se convierta en un film de culto, tienen que suceder una serie de variables dentro de la cultura popular que la hagan original, novedosa o incluso… diferente. Todavía recuerdo la primera vez que vi “The Rocky Horror Picture Show”, paradigma de película de culto dada su valentía, rebeldía e innovación. Aquella película de Jim Sharman sorprendió a todos con algo completamente diferente; un espectáculo interactivo dónde la película traspasaba la pantalla y requería que el espectador se involucrara de un modo en el que pasara a ser parte del reparto, cantando y bailando como los actores, pero dentro de la sala de cine. De un modo tan curioso como distinto, “The Room” ha conseguido entrar en el Olimpo de ser incluída (al menos por el sector más friki) dentro de este género de culto.
Cuando James Franco decidió adaptar el libro autobiográfico de Greg Sestero, damos por descontado que había visto película innumerables veces con sus amiguetes y llegó un punto en el que encontró un punto de empatía con el personaje principal. Salvando las distancias, James Franco y Tommy Wiseau son ambos personajes cuya extravagancia no deja a nadie indiferente. Si bien Franco ha demostrado que es capaz de actuar (a veces incluso con solvencia), Wiseau parece tener una personalidad tan marcada que le imposibilita hacer de alguien que no se de sí mismo. De hecho, el considerarlo actor, podría molestar a más de uno. “The Disaster Artist” es ante todo una historia de amistad, dónde dos totales desconocidos deciden embarcarse en un viaje imposible para la consecución de lo único que tienen el común; el sueño de alcanzar la fama. A lo largo del metraje, iremos viendo todas las dificultades que los protagonistas irán encontrando por el camino y cómo estas trabas irán afectando a la relación entra ambos. Sin embargo, la coherencia (si la ha habido alguna vez) irá desapareciendo poco a poco del film, debido al peculiar modo de entender la realidad del propio Wiseau.
Un dato sorprendente del film resulta el uso del humor, muy alejado de la escatología y el humor facilón que tan bien le ha funcionado a Franco en otras ocasiones. Aquí la comedia es sutil y siempre con un punto de tragedia debido a que las propias peculiaridades de su personaje principal incomodan al espectador de tal modo en el que casi se incomoda por reírse, equiparable a mofarse de alguien con una enfermedad física o mental reconocida. Sin embargo, es inevitable partirse de risa dado que en la peli hay algunas escenas desternillantes (el casting de actores es sencillamente memorable).
En cuanto a las interpretaciones, hay que destacar sin duda la labor del propio James Franco, que mimetiza a la perfección cada uno de los gestos de Wiseau, recordando inevitablemente a ese excepcional trabajo que hizo Jim Carrey cuando interpretó a Andy Kauffman en “Man on the Moon”. El otro gran protagonista es David Franco y no es de extrañar que James recurra a su propio hermano para hacer de Sestero, dado que parece haber más de un punto en común entre su personaje y la admiración que él mismo siente hacia su allegado. David cumple en su personaje, aunque es eclipsado por la arrolladora personalidad de Wiseau.
La película acaba siendo un canto a la esperanza. La moraleja que nos deja es que según como decidamos interpretar la vida (el cine en este caso), un fracaso puede convertirse en el mayor de los éxitos si decides ver el lado bueno de las cosas. Y es que si alguien tan ajeno al funcionamiento de la industria cinematográfica como Wiseau fue capaz de cumplir su sueño de ser conocido a nivel mundial, quizás cualquiera que se lo proponga, pueda conseguirlo, aunque no sea del modo esperado o deseado.

Lo primero de todo es decir que el cortometraje es un modelo cinematográfico interesante pero que un servidor no ha explotado lo suficiente. No se si la palabra será “menosprecio”, pero quizá sí que lo he considerado como un hermano pequeño de un largo.
Pues bien, siempre habrá un antes y un después desde que pude ver esta pequeña joya holandesa llamada “Padre e hija”. La historia es principalmente una historia de amor filial entre una niña y su padre, quien se aventura en un largo viaje cuyo destino desconocemos. El cortometraje se centra en la espera de esta niña a la llegada de su padre. Una base tan "naïve" como ésta, se convierte en algo equiparable a la mejor de las poesías habidas y por haber, dónde tanto la simpleza del dibujo en sí como el básico contraste de colores no nos importa absolutamente nada. Además, nos hace ver que no necesitamos tanto formato digital o tecnología 3D para despertar en nuestros sentidos una experiencia sublime.
La reflexión que uno saca cuando aparecen los créditos es que el tiempo puede que nos cambie físicamente, pero el amor (éste amor) es algo tan fuerte que está por encima del dolor, por encima de la furia del viento o la frialdad de la nieve, y por supuesto, por encima de la vida y la muerte.
Una maravilla.