Level 1:

Nivel básico para cualquier cinta de animación: la búsqueda de unos personajes carismáticos que conecten con el espectador. Por una parte, la cinta está controlada por Ralph, un villano de videojuego que posee la facilidad para empatizar con el espectador desde el minuto 1. A su lado, cuenta con Fix-It Felix Jr. un héroe con aroma a fontanero italiano capaz de reparar todos los desperfectos; y la dulce y repelente Vanellope, que reblandecerá el corazón de nuestro antihéroe. Por si fuera poco, esta pantalla cuenta con una galería de secundarios maravillosa que ayuda a alcanzar la meta con facilidad, pasando al siguiente nivel.

Level 2:

Toda película de animación, tiene que superar la dura prueba del diseño gráfico. Rich Moore se encarga de crear un universo a caballo entre los píxeles de los clásicos arcade, la oscuridad del mejor "Gears of War" y el colorido del manga. Personajes y decorados presentan una amplia gama de detalles que ayudan a su caracterización. La fluidez, o ausencia de ella, de los movimientos termina convirtiéndose en un recurso más para dotar a la película de más vida. En esta pantalla, sin embargo, nos encontramos con el primer malo de nivel. Todo el universo "Sugar Rush", en el que se desarrolla gran parte del metraje, puede llegar a empalagar con su amplio colorido, sin embargo, resulta fácil pasar por encima de ese enemigo, alcanzando la siguiente pantalla.

Level 3:

Aquí la cosa se complica bastante. En este nivel, buscamos una historia que sorprenda y garantice ternura, diversión y entretenimiento. "¡Rompe Ralph!" lo tiene. En primer lugar, porque Disney ha intentando romper los clichés de su cine convirtiendo en héroe al villano, y enseñándonos, a través de sus consabidas moralinas, que todo rol se puede cambiar. Ante semejante declaración de principios, Disney saca pecho y da un paso adelante reivindicándose como el gran estudio que siempre ha sido, y demostrando que todavía le queda mucho por decir. A partir de ahí, el guión ofrece un sinfín de momentos hilarantes; otro tanto de escenas cargadas de acción y aventuras, al más puro estilo arcade; y un par de momentos tiernos que le acercan levemente al sentimentalismo y capacidad de emoción de Pixar.

Final Stage:

Al final, para superar esta prueba con éxito, "¡Rompe Ralph!", adereza sus puntos fuertes con muchas referencias a una cultura que en mi caso, me vio crecer. Tardes de videojuegos, recreativos y merienda vuelven a mi memoria con las aventuras de Ralph. Un sentido homenaje a la cultura retro que embellece una película que por momentos, pretende estar dirigida al público infantil, pero que se revela como un regalo navideño para toda una generación que sonríe, disfruta y goza con estos 101 minutos de buen cine.

Una vez superado el juego, solo queda afirmar que este año, Disney ha sabido sacar jugo a sus recursos poniéndose al nivel de Pixar. Espero que estos toques de atención por parte de otras compañías, animen a los estudios del flexo a aumentar el nivel de sus cintas a cotas ya alcanzadas. Y mientras tanto, yo podré deleitarme con este tierno y divertido regalo que me hace meter la mano en el bolsillo, encontrar esa moneda hecha de recuerdos y nostalgia, y gastarla para borrar el famoso letrero que reza:

INSERT COIN

Qué difícil resulta plasmar la belleza del día a día más allá de la mera experiencia. El devenir rutinario del presente, la magia del momento, la incertidumbre de nuestros errores. En el placer de lo cotidiano, siempre existe la extraña sensación de peligro que acecha a cada nueva decisión, o el temor a abrir las puertas a nuevas etapas de nuestra existencia. La vida, pese a todo, no deja de ser una búsqueda de la felicidad en sus encrucijadas; una necesidad de encontrar el bienestar propio y el de nuestro universo más próximo. La persecución desesperada del equilibrio entre la sonrisa y el llanto.

Richard Curtis, haciendo uso del recurso narrativo de los viajes temporales, y sin abandonar el campo de la comedia romántica, donde ha cosechado grandes éxitos como guionista (“Cuatro bodas y un funeral” o “Notting Hill”) o como director (“Love Actually”), da un paso de gigante en su carrera con su última creación. Tomando las riendas del guión y de la cámara, Curtis destapa su talento y lo deja volar por la hermosa partitura que es “Una cuestión de tiempo”. Una oda a la vida que se convierte en hermosa sinfonía gracias a una historia cercana pese a sus particularidades. Pese a sus paradojas temporales, hay en la cinta del director británico una cercanía y una sensación de familiaridad y complicidad con el espectador, que mece su narración con el ritmo delicado y amable de su sencillez. Una sencillez que desarma mientras entre sus chistes y golpes de gracia se desgrana una historia que abre sus puertas a las emociones más profundas del público. “Una cuestión de tiempo” no es una comedia sobre el amor… es una película sobre amar la vida con sus errores y defectos, con sus golpes y alegrías, con tu pareja y tu familia, con el mundo y con uno mismo. Narrada con un mimo espectacular, cuidando tanto al espectador como a la obra, tan sólo se puede recriminar a Curtis que pierda ese sentido de la delicadeza en un par de compases de la película por culpa de las paradojas espacio-temporales de las que es esclavo por culpa del argumento.

Sin embargo, todo eso se perdona cuando llegan los créditos finales, y te das cuenta de que necesitas más. Quieres volver a exprimir la película hasta la última gota de su elixir, porque en las dos horas que dura, has amado las imágenes que has visto; has conocido a un reparto en estado de gracia que parece hecho para esta historia (la química entre Gleeson y Mcadams es increíble); y te has dejado llevar por una banda sonora igual de adorable que el resto del conjunto. “Una cuestión de tiempo” es cine del que ensancha el alma. Una cinta de esas que te hacen salir a la luz de día y recordar que pese a todo… la vida no está tan mal.

Marvel tiene motivos más que de sobra para estar de enhorabuena. Al fin y al cabo, han conseguido alcanzar un objetivo que muchos persiguen pero muy pocos logran alcanzar. En sus manos tienen la quintaesencia del entretenimiento. Una receta complicada de cuajar y que suele dejar por el camino innumerables intentos fallidos. Sin embargo, "Thor: El mundo oscuro", llega a nuestras pantallas como la confirmación de un hecho, y es que la llamada "Fase 2" de Marvel Studios, está sembrando la diversión y la adrenalina por el patio de butacas.

Habrá que comprobar si una vez estrenadas todas las películas que conforman este nuevo ciclo de la factoría, se podrán valorar todas ellas como una sola. De momento, lo que esta claro es que las dos cintas que hemos podido disfrutar dan en el clavo, y aciertan de lleno a la hora de cumplir uno de los objetivos básicos del séptimo arte: conseguir que el espectador se evada y divierta a partes iguales. La estela de "The Avengers" se sitúa esta vez sobre el dios del martillo, como ya hiciera sobre "Iron Man 3", y las virtudes que atesoraba la cinta de Joss Whedon son explotadas en esta secuela por Alan Taylor, uno de los grandes nombres de la pequeña pantalla, con pedazos de su talento depositados en joyas como "Los Soprano", "Boardwalk Empire" o "Juego de Tronos" por poner unos pocos ejemplos. Los defectos de la primera entrega de Thor, son pulidos en esta ocasión en aras de lograr hacer la experiencia cinematográfica más divertida y emocionante. El personaje que interpreta Chris Hemsworth gana en empatía y se hace más grande en esta nueva entrega, consiguiendo así mejorar uno de los aspectos que más flojeaban en la cinta de Kenneth Branagh. Las escenas de acción también, ganan en espectacularidad y emoción, uniéndose a un guión mucho más cuidado que el de su predecesora, con lo cual el resultado final es altamente adictivo. Aquí hay un villano creíble y unos secundarios que dejan su granito de arena al cruzar la pantalla. Los espectadores menos conocedores del universo Marvel, disfrutarán gracias a una cinta que sabe conjugar humor, emoción y acción sin dar un segundo de descanso; y los más fanáticos de las viñetas, encontrarán guiños y un respeto por la obra de la que procede, que no les decepcionará en absoluto, además de encontrar sobrados motivos para ilusionarse con las novedades que pueden llegar en futuras películas de esta "Fase 2". Para redondear una obra de evasión total, nos encontramos nuevamente con un Tom Hiddleston que parece nacido para el papel socarrón y perverso que es su Loki, personaje que acapara los mejores momentos de una película cuyo mayor lastre reside en la necesidad de agradar a todo tipo de público, de todas las edades y condiciones, lo que hace que en determinados momentos, el tono de la cinta no sea del agrado de todos.

Sin ninguna duda, no estamos ante una obra maestra; ni siquiera se puede hablar de un sobresaliente ejercicio de transmutación de la viñeta a la gran pantalla. Probablemente, "Thor: El mundo oscuro" encontrará en su metraje muchos detractores que exijan más a una cinta que, por mi parte cumple su objetivo con creces. Al fin y al cabo, y visto los logros alcanzados con anterioridad por Marvel, Thor y sus amigos asgardianos, tan sólo pretenden tender un puente hacia el patio de butacas y ofrecernos uno de esos placeres que tiene el cine, por el cual todas las preocupaciones quedan en la entrada de la sala junto con los complejos y los prejuicios, y al final sólo está el espectador con una buena dosis de entretenimiento para calmar sus ansias de evasión. Sin necesidad de ser trascendentales; sin buscarle tres pies al gato; esto es ocio puro y duro, un pedazo de luz en un mundo oscuro.

Recordar el 11 de septiembre de 2001, supone rememorar uno de los días más negros de nuestra historia reciente. Una fecha que conmocionó al mundo y sumió a una nación entera en una obsesión que se mantuvo vigente durante bastante tiempo; hasta el 1 de mayo de 2011. El tiempo transcurrido entre esos dos acontecimientos, fue una búsqueda constante de venganza disfrazada de redención por el pueblo estadounidense. Kathryn Bigelow transforma el colectivo de un pueblo en una persona, Maya; y convierte su odisea por encontrar a Bin Laden en una búsqueda de la catarsis por el daño sufrido.

El objetivo, como es bien sabido por todos, se logró. Sin embargo, la directora de la soberbia "En tierra hostil", mira el camino recorrido en todo ese tiempo, y descubre un sendero plagado de trampas y secretos inconfesables. Empleando un lenguaje cercano al documental, Bigelow dramatiza la obsesiva persecución llevada a cabo por la CIA, mientras arroja dardos al espectador en forma de conflictos morales y éticos. "Zero Dark Thirty" no es cine para mantenerse impasible. Se trata de una obra que obliga al espectador a involucrarse y tomar partido ante las barbaridades cometidas, justificándolas o denunciándolas; comprendiéndolas o renegando de ellas. Sin embargo, no nos llevemos a engaños: no vamos a encontrar un relato antipatriótico disfrazado de thriller. Los dardos lanzados por Kathryn duelen pero no hieren de gravedad; por momentos busca lavar sus manos de sangre, y en el camino salen ilesos varios títeres cuya cabeza debería haber rodado. Pero aún así, es de agradecer la valentía de esta mujer por contar de manera tan cruda una historia que pese a medias tintas, golpea a muchos donde más duele.

Por si fuera poco, el relato late con pulso propio y mantiene al espectador en vilo durante todo el metraje, en especial en un último tercio que se convierte en una lección magistral de cómo dirigir un thriller de acción sin abandonar el realismo y la veracidad. Ahí reside otro de los puntos fuertes de Bigelow: en su capacidad para convertir relatos de acción en un disfrute para las neuronas, algo poco usual dentro del género.

La brutalidad del relato, esta cimentada además en la interpretación sublime de Jessica Chastain. Su personaje, no solo tiene la complejidad de representar la obsesión de una mujer, sino también la paranoia de una nación. Pero sus recursos son inagotables y su interpretación se convierte en una de las más asombrosas del año. Acompañada por una galería de secundarios que en lugar de buscar eclipsar a la gran estrella de la cinta, la arropan para elevar su actuación.

Con la última lágrima derramada, el espectador comprende varias certezas: Kathryn y Jessica son dos mujeres que tienen mucho que decir dentro del séptimo arte; durante 150 minutos se ha asistido a una obra de gran calidad; y la eterna pregunta que Maquiavelo formulo resuena en el subconsciente estimulando la conciencia colectiva.

P.D: Al final, vamos a tener que agradecer a la CIA que quiera "lavar" su imagen, pues gracias a ello, este año cinematográfico hemos podido gozar con dos títulos enormes por méritos propios: "Argo" y "Zero Dark Thirty"

A los pocos segundos de comenzar "Nebraska", Woody, el protagonista de esta historia, es interrogado. Las preguntas son, en apariencia, sencillas: ¿De dónde viene?, ¿Hacia dónde va?. Sin embargo, las respuestas dadas por el personaje que interpreta magistralmente Bruce Dern, son demoledoras, complejas, y a la vez, de una simplicidad que desmonta por completo al espectador antes de darse cuenta de que está delante de una pantalla. En ese mismo momento, Alexander Payne, desde su posición de narrador privilegiado, abre una ventana al fondo del corazón de un microuniverso cercano en el que la honestidad de un relato construido desde la mirada perdida del miedo a un final incierto, susurra con calidez su mensaje desolador y esperanzador al mismo tiempo.

Es "Nebraska" una road movie, que poniendo su vista en la perfecta "Una historia verdadera" de David Lynch, ofrece un viaje tanto a sus protagonistas como al patio de butacas. Un recorrido desnudo y carente de colorido por las raíces nudosas de una América deconstruida a través de relaciones familiares disfuncionales. Un mundo carente de falsa moral, donde la sinceridad se erige como base de un relato que admite tantas dobles lecturas, que la visión de esta obra maestra, termine reportando beneficios ingentes para la audiencia. Dudas existenciales, remordimientos vitales, errores, éxitos y fracasos se pasean por delante de la cámara en un desfile narrativo emocionante que apunta directamente al fondo de las emociones más humanas.

Alexander Payne, tras sus notables precedentes, consigue con "Nebraska" redondear su filmografía con una cinta perfecta que, desde la nostalgia del blanco y negro, se perfila como una fábula sobre el pasado, presente y futuro, cuyo mensaje se escribe con letras doradas en la retina de un público consciente del cariño con que el realizador perfila su obra maestra. De la mano de un Bruce Dern demoledor, en la cima de su madurez artística, y de un Will Forte entrañable; la odisea surrealista de Payne, encierra en su interior momentos de gran cine: humor surrealista, dramatismo sobrecogedor y cuestiones éticas, mezcladas en una narración ejemplar vertebrada por un trabajo desnudo y sincero como pocos en el presente curso cinematográfico.

"Nebraska" es una película que huye de efectismos y golpes bajos. Una obra que habla directamente al alma, y que la mece en una melodía forjada por las sinuosas carreteras de un destino incierto que se pierde en el horizonte del temor, pero cuyo final reconforta por la noción global de un canto a la vida que se guarda en lo más profundo de cada uno. Un ejercicio demoledor que no merece caer en la ignorancia por nadie... recomendable, emocionante, perfecta e inolvidable.