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Críticas de ayala1788
Críticas ordenadas por:
22 de julio
22 de julio (2018)
  • 6,0
    2.098
  • Estados Unidos Paul Greengrass
  • Jonas Strand Gravli, Anders Danielsen Lie, Caroline Glomnes Johansen, Jon Øigarden, ...
6
El mejor y el peor Greengrass
El director británico Paul Greengrass regresa a un terreno que le viene muy bien; como en “Domingo sangriento” o “United 93”, con un relato basado en hechos reales que involucra el tema del terrorismo directamente. “22 de julio” narra lo ocurrido en Oslo durante 2011 cuando un ultraderechista ejecutó el ataque más grande de la historia de Noruega al detonar un auto bomba para luego disparar contra varios adolescentes que se encontraban en una isla cercana.

Los primeros 40 minutos de “22 de julio” son nervio puro, Greengrass en su mejor faceta y en lo que mejor sabe hacer, la recreación del ataque terrorista visto desde varios ángulos con un montaje paralelo sobresaliente y una crudeza para mostrar los hechos sin ningún tipo ataduras ni complejos. Una auténtica lección de cine por parte del británico que daba la sensación de que se podía venir algo muy grande.

Sin embargo, pasado el ataque y la tensión el resto de la historia da un bajón tremendo y muestra los grandes defectos de Greengrass como narrador y creador de melodrama. Si bien el personaje del terrorista sigue teniendo un importante peso en pantalla, la mayor cantidad de minutos lo ocupa la recuperación de una de las víctimas del atentado y cómo el junto a su familia van sobrellevando sus vidas tras el suceso. Esta parte no sólo flaquea y parece sustraída de algún mal telefilme, sino que además es bastante innecesaria y alargada, no se aporta nada a la trama paralela del terrorista y lo que es peor, el director se dedica a dar lecciones de superación que no tienen mayor cabida aquí, todo esto hace que el relato del atacante pierda tensión y fuerza, y si a eso agregamos que el guion también le da su espacio al Primer Ministro y al abogado defensor (los cuales quedan como meros personajes de paso cuando se pudo haber profundizado mucho más en ellos) tenemos como resultado un filme descompensado que conserva cierto interés sí, pero donde el melodrama barato sobra totalmente.

El elenco cumplen muy bien todos, pero por encima esta sin duda Anders Danielsen Lie como el terrorista, su frialdad, su descaro, su mirada, realmente parece que estamos enfrente de un psicópata radical.

“22 de julio” nos trae una de cal y otra de arena, por un lado 40 de los mejores minutos del año llenos de pura tensión, pero que termina concluyendo como un drama común y obvio durante la mayor parte de su duración, una verdadera pena porque con tal inicio Greengrass pudo haber entregado una salvajada, quizá con un mejor guion (o en el tono de su estilo de cine) lo pudo haber hecho.
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15 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Burning
Burning (2018)
  • 6,9
    3.669
  • Corea del Sur Lee Chang-Dong
  • Yoo Ah In, Steven Yeun, Jun Jong-seo, Gang Dong-won, ...
8
Un thriller diferente y moderno
“Burning” de Lee Chang- Dong fue una de las sensaciones del último Festival de Cine de Cannes donde se hizo con el premio FIPRESCI fruto de las alabanzas que consiguió por parte de la prensa. Se trata de una adaptación de un cuento del escritor Haruki Murakami, lo cual ya dice mucho pues con excepción de Tokio Blues las adaptaciones del japonés no han tenido una acogida muy importante en el mundo cinematográfico, por lo que “Burning” rompe la tendencia y de qué forma.

Chang- Dong crea un thriller diferente, que hasta cierto punto se le puede acusar de predecible con las pistas que va brindando, pero es la forma en que el coreano cuenta esta historia lo que hace de “Burning” un producto único. Se le puede atribuir su excelencia al gran trabajo atmosférico que el director consigue con la ayuda de su director de fotografía Kyung- pyo Hong (el mismo de “Snowpiecer” y “The Wailing”) el cual nos mantiene en una sensación de soledad y ahogo durante la mayor parte de la trama, sin embargo las imágenes también se elevan a un nivel casi poético donde lo cotidiano se transforma en una auténtica hipnosis visual, hay pequeñas sensaciones oníricas que dejan la espina de si lo que se está viendo en pantalla es la realidad, ficción o fantasía, quizá sea ambas cosas y es ahí donde me rindo ante la propuesta que es “Burning”.

El guion es un auténtico deleite, se toma su tiempo para ir presentando a los personajes, desarrollando poco a poco la historia y casi sin que uno se dé cuenta se encuentra metido en el laberinto de misterios que es “Burning”, donde además se da el lujo de crear pequeñas metáforas acerca de la economía actual en el ámbito laboral, en ese aspecto los protagonistas del relato funcionan como polos opuestos para proyectar la diferencia de clases sociales así como las oportunidades que se les van brindando a los jóvenes en el mundo, ejemplo claro está en Jognsu quien sueña con ser escritor, está escribiendo una novela, pero sólo consigue empleo en trabajos poco satisfactorios para él, en la trama se muestra el choque de clases cuando conoce a Ben, un joven de posición alta que puede aparentemente hacer de su vida lo que él quiera, desde tener un auto de lujo hasta viajar a África, y justo en medio esta Haemi, el más fascinante de los personajes, una chica de espíritu libre que se encuentra justo en medio de estos dos puntos.

“Burning” posee algunos de los mejores momentos del año, pero me quedo sobre todo con una secuencia poética donde Haemi se contrasta con el cielo, el atardecer mientras se libera del mundo físico y la fascinante banda sonora completando el cuadro. Probablemente la mejor escena del año.

Han pasado ya unos días desde que visualice “Burning” y las sensaciones ahí siguen, las ideas van cogiendo fuerza y tamaño, confirmando que se trata de una película muy especial que ira creciendo con el tiempo y los visionados. Una nueva demostración de que actualmente nadie hace cine como los coreanos.
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40 de 48 usuarios han encontrado esta crítica útil
Roma
Roma (2018)
  • 7,1
    21.245
  • México Alfonso Cuarón
  • Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey, ...
8
Cuarón y la mujer
“Esto es gracias a ti mamá, si yo estoy aquí es por ti” declaraba Alfonso Cuarón cuando fue galardonado como mejor director por Gravity en los Premios Oscar 2014. La madre del director le regaló su primera cámara Super 8 con la que comenzó a filmar películas domésticas, pero además de su mamá otra figura femenina impacto durante la niñez de Cuarón, ella fue Libo, su cuidadora y a quien le dedica su nuevo trabajo Roma. Estas dos mujeres sirven como base para las protagonistas de esta historia y donde se pueden ver reflejados además los recuerdos del cineasta en su infancia.

Por esto y mucho más podemos decir que Roma es el filme más íntimo y personal que ha rodado Cuarón en toda su carrera, un relato que nos traslada a esa cada vez más nostálgica Ciudad de México de la década de los 70s, donde podemos encontrar a un país polarizado por la diferencia de clases sociales (tema que aparece constantemente durante el metraje), pero también en crisis política y económica, víctima de la discriminación, la libertad de opinión o de los estereotipos sociales, de echo de esto último abusa el guion de Roma pues los personajes son obvios, unidimensionales, en ese aspecto el protagonista más complejo es el interpretado por Marina de Tavira, una madre de clase alta que debe lidiar con conflictos familiares y personales.

La trama de Roma es muy simple, a veces hasta un poco telenovelesca, pero lo importante es cómo está contada, pues Cuarón no abusa de los diálogos para dejar que sea la imagen la que coja el protagonismo, así a través de paneos milimétricamente pensados el director pasea la cámara para presentar y desarrollar las acciones de los personajes mientras que se apoya del sonido para reforzar la ambientación histórico- geográfica en donde se desenvuelve el relato, de modo que uno puede cerrar los ojos y aún así sentirse en la capital del país, escuchar a los vendedores ambulantes, la música de las calles, el grito de los vecinos, el ruido del tráfico vehicular, el ambiente de la sociedad, todo esto es pura narración visual y sonora digna de un maestro como lo es el también director de Children of men.

Pero el alma de Roma no es otra que la excelente Yalitza Aparicio quien personifica a Cleo, un personaje estereotipado sí pero muy humano, real, tanto hermoso como trágico, sobre todo cotidiano ya que a Cleo la podemos encontrar en cualquier rincón del país, una mujer luchadora, noble, maternal que es a su vez víctima del machismo y los abusos socioeconómicos que albergan en México. Cuarón no se olvida de esas mujeres y las homenajea en Roma, no lanza discursos feministas ni juzga, no hace falta, lo que hace el mexicano está muy cercano a lo que hacía décadas atrás Kenji Mizoguchi, recrea el mundo desde la perspectiva de la mujer y lo vacía en celuloide.

Por segunda vez en su carrera Cuarón no trabaja con el “Chivo” Lubezki (la primera fue en Harry Potter y el prisionero de Azkaban) aunque la verdad es que no se nota, la fuerza visual de las imágenes es musculosa, desde las tomas en interiores hasta secuencias que se desarrollan en las calles, la playa o el campo rural, hay momentos netamente salvajes, crudos y sucios, escenas que te sacuden y noquean sin compasión alguna.

Cuando Cuarón ganó el Oscar por Gravity tenía a Hollywood a sus pies para hacer el proyecto que se le viniera en gana, pero el mexicano decidió regresar a su nación para crear esta obra a la que le ha puesto todo su corazón, se nota en cada el amor por ella en cada plano, en cada sonido, en cada idea que se ve en pantalla. Cuarón ya era uno de los mejores realizadores de la actualidad, hoy ha dado un paso muy importante para convertirse en un autor y voz del cine “mexicano” a la altura de Buñuel o Ripstein.
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172 de 241 usuarios han encontrado esta crítica útil
La forma del agua
La forma del agua (2017)
  • 6,5
    39.236
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, ...
7
La forma en el cine de Del Toro
Guillermo del Toro siempre conserva las características de su cine que lo han venido acompañando desde sus inicios tales como la fusión de realismo con fantasía, la presencia constante del terror gótico, relaciones socialmente incorrectas o la creación de monstros sacados de su imaginativa mente, podrá gustar más o menos su cine pero este autor siempre se ha mantenido fiel a sus convicciones cinematográficas, su nueva película La forma del agua (The Shape of wáter) es la reafirmación de estas evidencias.

Podemos hablar de que La forma del agua es la versión personal del director de La bella y la bestia, pues en ella tenemos a dos seres distintos sintiendo una atípica atracción, por un lado una mujer muda imperfecta y por otro lado una especie de criatura, anfibio, hombre- pez que es ocultado por parte del gobierno estadounidense, estos dos seres rechazados por la misma sociedad de diferentes formas son los protagonistas de un cuento de hadas para adultos que nos regresa al Del Toro más auténtico, aquel que no veíamos desde hace 11 años en El laberinto del fauno.

Fuera de la personalización de varios elementos fantásticos o la contextualización de la historia en la Guerra Fría lo cierto es que el guion no posee la originalidad y profundización necesaria, como sucede en la mayoría de su filmografía la historia se permite algunas licencias que le otorgan cierta incoherencia en algunas situaciones que ocurren en pantalla, en este caso la mayoría de estos pecados ocurren cuando la trama de un giro para convertirse en un thriller, más cercano a una especie de Liberen a Willy. Estas deficiencias; o pretextos de guion, Del Toro los sabe aprovechar al máximo para crear algunas imágenes muy hermosas visualmente que le dan a La forma del agua una estética más pulcra que cualquier trabajo anterior del cineasta, es en esos planos donde gana enteros y contrapone las complacencias del libreto.

En aspectos estéticos puede ser la película mejor definida del director, la fotografía y la dirección de arte lucen en las fantasiosas imágenes mientras que la banda sonora de Alexandre Desplat brilla por si sola.

Sally Hawkins consigue transmitir sin necesidad de diálogo la ternura y emoción necesaria que requería su personaje, la trama le da la oportunidad para lucirse y ella no lo desaprovecha, mientras que Michael Shannon es el que tiene que sacar agua de un pozo casi vacío, su personaje es una réplica de los villanos de El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, un típico villano sin aristas, maldad pura, y el actor lo saca increíblemente adelante.

Visualmente hermosa, con un par de grandes momentos estéticos que penetran la pupila pero con carencias de guion y narrativa que no le permiten ser una película más grande de lo que pretende, Del Toro le da a su público lo que promete y sale adelante pero no será con La forma del agua la que le permita encontrar nuevos seguidores en su carrera, El laberinto del fauno queda aún como la mejor película del tapatío.
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La rueda de la maravilla
La rueda de la maravilla (2017)
  • 6,2
    7.397
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, ...
8
La rueda de la fortuna emocional
La cita obligada de cada año con el neurótico neoyorkino nos adentra esta vez al interior de Coney Island donde nos narra las desventuras amorosas de Ginny, una camarera casi cuarentona infelizmente casada y sin sueños por la vida que se redescubre a si misma cuando inicia una aventura amorosa con un joven salvavidas.

Los que conocemos y amamos el cine de Woody Allen sabemos que a estas alturas difícilmente nos va a sorprender con los temas que trata en sus guiones, en Wonder Wheel encontramos algunos conceptos sobre el amor, la madurez, la infidelidad e incluso el destino que ya había tocado con anterioridad; sin embargo, es en sus disfuncionales personajes y en como siempre sus clarividentes diálogos donde encuentra frecuentemente una nueva perspectiva.

Wonder Wheel está contada con mucho oficio por parte del veterano cineasta haciendo gala de sus virtudes como narrador, mientras los personajes van poco a poco siendo desnudados por su creador haciéndonos partícipes de sus emociones y pensamientos, logrando una conexión del espectador con la historia como pocos autores consiguen. Woody sabe enamorar, someter y luego regalarnos una pequeña idea de la vida de la forma más natural posible, en su último largometraje no es la excepción.

El elenco es sobresaliente, Timberlake está muy digno en un papel que le va como anillo al dedo, Belushi y Temple son dos secundarios a considerar en la próxima temporada de premios, ambos están excelentes. Ya luego esta Kate Winslet que consigue su mejor interpretación en muchos años, su Ginny es un personaje hermoso, complejo y trágico por partes iguales.

Ya por último no quisiera dejar de mencionar la magia de Vittorio Storaro, lo que hace este señor con esos tonos cálidos y fríos es puro talento, la forma en que por momentos un lado de la pantalla posee una iluminación opuesta a la del otro de la imagen, y luego la cámara se pasea pero sigue conservando la misma intensidad, también como el tono de la fotografía va cambiando lentamente trabajando con el juego de luces de esa rueda de la fortuna, es simplemente magistral.

Wonder Wheel es la mejor película de Allen desde “Blue Jasmine”, carece de originalidad pero que lo compensa con la orquesta del resto de sus elementos que lo hacen ser un filme intachable, genialmente narrado, interpretado y ejecutado en la imagen.
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61 de 74 usuarios han encontrado esta crítica útil
Loving Vincent
Loving Vincent (2017)
  • 7,4
    5.413
  • Polonia Dorota Kobiela, Hugh Welchman
  • Animation, Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, ...
8
Una doble carta de amor a Van Gogh
Loving Vincent rápidamente marca una pauta en el mundo de la animación pues se trata de la primera película en usar la pintura sobre oleo como fotograma para reproducir imágenes en movimiento, así pues son aproximadamente 56,800 fotogramas que han sido pintados conservando la esencia y estilo artístico que formarían la carrera de Vincent Van Gogh, por este motivo Loving Vincent es una experiencia visual única que mezcla la pintura y el cine para sentar un nuevo precedente en la técnica de la animación, y el viaje es sin duda bello y placentero.

Pero las cualidades de Loving Vincent no se terminan en su aspecto estético (que no deja de ser muy aplaudible) sino que también se desmarca como un biopic trascendente acerca del ilustre pintor, el cual poco tiene que ver con la interesante “Lust for life”; aquel retrato de Van Gogh realizado por Vincente Minnelli y protagonizado por Kirk Douglas, pues aquí la perspectiva es totalmente distinta, siendo los testimonios de las personas que vivían a su alrededor los que trazan el rompecabezas acerca del artista y su misteriosa muerte, haciendo que el trazo sea más complejo y detallista, conjugado con una narrativa que tiene como principal arma a un flashback que se evoca en pantalla en un hermoso blanco y negro para hacer contraste entre los tiempos narrativos.

La directora Dorota Kobiela no oculta su cariño por el pintor, pues Loving Vincent es una doble carta de amor a Van Gogh, la primera es la que homenajea su trabajo usando la misma técnica que en sus pinturas mientras que en la segunda ya en el guion reivindica una figura controvertida dejándonos en el plato tanto al artista como al hombre, el genio detrás de esas obras maestras, como al presunto maniático que atento contra su vida, y esta doble carta de verdad que emociona por ambos lados.

Humana, poética, sincera, nostálgica, Loving Vincent es claramente el filme animado del año, una joyita que juega con la imagen como con la narrativa para convertirse en un biopic diferente y trascendente.
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36 de 40 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Madre!
¡Madre! (2017)
  • 6,3
    22.225
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, ...
8
La Biblia según Aronofsky
Que cojones tiene Darren Aronofsky.

El director norteamericano continúa con sus obsesiones acerca de nuestra existencia con la transgresora Mother, un largometraje destinado no solo a dividir a los espectadores, sino a crear una verdadera marea de discusión sobre las metáforas que desprende el relato, para mí estamos ante la película más polémica de los últimos años.

Se nota desde un inicio la influencia que tiene el cine de Luis Buñuel en la última película del director de Black swan, para mi están claras las referencias a El ángel exterminador en su primera mitad (con humor negro surreal incluido) y por supuesto a Viridiana, exponiendo el ventajismo de la naturaleza humana, el canibalismo del hombre, Aronofsky se dedica a retratar con mucha valentía la relación Dios-Hombre a través de numerosas metáforas que van contando uno a uno los pasajes bíblicos más representativos con la mayor crueldad y cinismo posible.

Efectivamente es excesiva, por momentos exasperante, pero también creo que todo está justificado en la esquizofrenia audiovisual del director, que utiliza sus planos más reconocidos marca de la casa para seguir en cada escena a la protagonista (inmensa Jennifer Lawrence en la que es sin duda la mejor interpretación de su carrera), mientras evoca una sensación que asfixia a través de cada momento, de cada interacción con los personajes secundarios, de cada conflicto con su esposo (un cumplidor Javier Bardem, pero que es neutralizado una y otra vez por su co protagonista).

El episodio final de la historia es lo suficientemente gráfico e incómodo para que el espectador salga huyendo, nuevamente repito es excesivo y poco explicito, pero se nota que Aronofsky tiene una idea clara que reconoce el fin del trayecto de este complejo camino, probablemente muchas de estas premisas se quedaron sin materializarse en Noah, ahora cobran vida en este producto mucho más personal.

¡Mother! no es un filme fácil, si no se entra de lleno en la propuesta del director el resultado será caótico, yo he logrado entrar desde el primer minuto y me he quedado anonadado ante el circulo de salvajismo, provocación e inhumanidad al que nos somete Aronofsky, si se quiere decir un pretencioso cineasta, pero comprometido con su arte.
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9 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Star Wars: El despertar de la fuerza
Star Wars: El despertar de la fuerza (2015)
  • 6,8
    60.881
  • Estados Unidos J.J. Abrams
  • Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Adam Driver, ...
7
Un universo sin novedades
Regresa el universo de Star Wars con el séptimo episodio de la saga; El despertar de la fuerza, de la mano del geek del momento J.J. Abrams, quien busca traer la saga a nuevas generaciones con la misma formula que funciono hace ya casi 40 años cuando por primera vez George Lucas nos introdujo en una galaxia muy muy lejana.

J.J. Abrams es un productor muy inteligente y se nota, sabe lo que los fans odiaron en las precuelas; que no respetaban la esencia de la trilogía original, y sabe lo que estos aman del universo de Star Wars, por eso el también director de los últimos dos filmes de Star Trek no corre riesgos y va a la segura, en El despertar de la fuerza no solo evade todos los elementos buenos y malos de las precuelas, sino que además imita (no recrea) todo lo que la gente ama de las primeras películas, con esto se pone a los fans en el bolsillo y asegura la permanencia eterna de la saga, aunque con esto signifique entregar un producto donde la ausencia de la novedad es la principal característica.

El guion que firma Abrams junto a Lawrence Kasdan (responsable de los libretos de El imperio contra ataca y El regreso del Jedi) es la unión de los tópicos clásicos de la primer trilogía sin ofrecer alguna reestructuración, reinterpretación o expansión del universo, hay nuevos personajes si, pero que poseen casi las mismas personalidades (del mismo tipo, aunque eso no signifique que funcione) que los protagonistas originales, hay una historia con un argumento independiente pero de alguna forma todas las acciones que se desarrollan suenan extrañamente familiares y hasta se sienten predecibles. Si, lo cierto es que la mayoría de las escenas en El despertar de la fuerza es una repetición tras repetición de algo ya visto anteriormente.

Los mejores momentos del filme tienen dos protagonistas claros, primero BB-8 o el robot balón, un relevo perfecto de los personajes androides, posee el valor y determinación de R2 D2 pero también tiene sus momentos cómicos como C3PO, y por otro lado esta Han Solo (Harrison Ford en su salsa) que devuelve la nostalgia y que protagoniza además las secuencias más épicas del filme, cuando aparece en escena hay una clara subida de nivel. No dejare de mencionar a los dos nuevos protagonistas, Rey y Finn, ambos desprendiendo buena química, ella capaz de demostrar que puede ser una buena heroína y el bastante gracioso, dos personajes interesantes que seguramente irán evolucionando de mejor forma.

Por su parte las escenas de acción se van desarrollando de manera trepidante lo que no da respiro alguno, las poco más de dos horas se pasan volando y el momento climax es realmente impresionante, por muchos los últimos 30 minutos son lo mejor de El despertar de la fuerza lo que aleja un poco el aire de decepción que se había acumulado ante tanto cliché en la galaxia. Mencionar también la como siempre enérgica banda sonora de John Williams, aunque quizá las partituras nuevas no vayan a quedar grabadas en la memoria.

Abrams logra cumplir, entrega una película de la que muy difícilmente los fans se sentirán defraudados, sin embargo se hubiera querido mayor experimentación sobre todo en el guion el cual no termina por estar al nivel deseado, de haberlo estado pudimos haber estado ante una de las mejores películas de la saga, sin embargo se ha quedado algo lejos.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Steve Jobs
Steve Jobs (2015)
  • 6,1
    18.075
  • Estados Unidos Danny Boyle
  • Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, ...
6
Boyle firma su propia The Social Network
Uno de los personajes que sin duda ha influenciado a las generaciones modernas ha sido Steve Jobs, co fundador de empresas como Apple o Pixar, además de ser considerado un genio de la industria de la tecnología informática, por eso no es ninguna sorpresa que apenas cuatro años después de su fallecimiento llegara ya este ambicioso biopic de la mano del oscarizado Dany Boyle que busca meterse en la mente de uno de los hombres más brillantes e influyentes de los últimos tiempos.

Boyle busca crear su propia The social network y eso se nota desde el minuto uno (obviando el hecho de que el guion viene igualmente firmado por Aaron Sorkin) con un argumento y estilo muy similares al filme de Fincher, buscando de alguna forma desmitificar al personaje principal mediante una trama que muestra sus virtudes pero también sus defectos, haciendo un recorrido sintetizado de sus logros profesionales pero también conectando con su lado más oscuro y a la vez humano. ¿Cuál es el problema entonces con Steve Jobs? Que lo que funcionaba perfectamente en The social network aquí lo hace a medias, principalmente porque en aquella si bien era una película sobre Facebook, este quedaba en un segundo termino para hablarnos de temas más importantes, aquí Apple siempre esta presente en todo, incluso cuando no se habla de él, en más de una ocasión de siente como un spot muy largo de la empresa y de la figura de Jobs.

Cuando el guion busca profundizar en su lado más humano del protagonista este se queda corto, sobre todo al momento de explorar su lado paternal, se nota muy mecanizado y predecible, además que contradice todo el discurso previamente establecido, lo cual no importaría si la evolución de esta relación tuviera más matices, esto hace que sea muy complicado sentir algún sentimiento por esta parte que busca ser emotiva y que se queda muy lejos de serlo. Mucho más interesantes son las relaciones de Jobs con su equipo de trabajo, sobre todo con el personaje de Steve Wozniak que interpreta Seth Rogen, donde los ágiles diálogos de Sorkin brillan notablemente. Mucho más decepcionante es el personaje de Kate Winslet, el cual solo sirve como mera conciencia ocasional del protagonista, fuera de eso no existe algún aporte importante en la trama, lo que impide que sienta entusiasmo por la cumplidora interpretación de la actriz.

Pero hay que ser francos, los personajes secundarios quedan totalmente relegados (algo que tampoco sucedía en The social network), todo el guion esta enfocado en Jobs y esta hecho para el lucimiento de este personaje, y Michael Fassbender no lo desaprovecha, esta excelente en todo sentido, su voz, sus ademanes, su mirada.

De los aspectos técnicos hay que hablar de su montaje frenético al puro estilo del cine de Boyle, lo que hace que la película (dividida por cierto en tres actos) se pase volando, y por supuesto de su fantástica banda sonora a cargo de Daniel Pemberton, probablemente el trabajo más destacado del año en este apartado.

Steve Jobs tiene numerosos aciertos a nivel visual, sonoro e interpretativo, pero falla en su intento de ser un biopic realmente trascendental, principalmente por el hecho de que al menos lo que nos han contado en dos horas no parece lo suficientemente interesante para justificar un filme de este personaje, sintiéndose más como un homenaje muy oportunista que busca engrandecer la figura de Jobs

https://alegatorevista.wordpress.com/2015/11/24/resena-de-steve-jobs-de-danny-boyle/
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mia madre
Mia madre (2015)
  • 6,5
    2.191
  • Italia Nanni Moretti
  • Margherita Buy, Nanni Moretti, John Turturro, Giulia Lazzarini, ...
7
Una perspectiva "diferente" de la muerte
Nanni Moretti regresa al terreno del drama familiar con Mia madre, seleccionada en el Festival de Cannes 2015. Se trata de un relato que claramente nos trae de vuelta al director de La habitación del hijo, con una trama que vuelve a tener como ingredientes principales a la familia y la muerte.

Lo principal que aquí cambia con respecto a su ganadora de la Palma de Oro, es que Moretti cambia la perspectiva con la que el ser humano lidia con la muerte, mientras que en La habitación del hijo esta se anuncia de forma inesperada haciendo que los personajes tengan que enfrentarse a ella sin estar preparados, en Mia Madre es todo lo contrario, la muerte se anuncia mucho antes de su llegada por lo que esta vez la batalla viene antes y no después, esta vez tenemos a unos personajes que buscan estar preparados cuando el momento llegue, en este caso dos hermanos que deben dedicarse a su madre enferma la cual tiene los días contados.

Si bien es cierto que se busca enfrentar a la muerte bajo otro punto de vista los personajes y la trama navegan hacia la misma dirección que en La habitación del hijo, existe nuevamente la crisis familiar, los recuerdos que te marcan con la persona que te deja, desestabilización emocional que afecta tanto a nivel personal como laboral, hasta llegar a la reconciliación con uno mismo, aprender a aceptar el deceso y seguir con el camino de la vida.

Ahora, aunque el camino es el mismo, los resultados no lo son, sobre todo por la parte que se enfoca en la etapa laboral del protagonista, que en el caso de Mia madre corresponde a casi la mitad del metraje. Esta parte del filme se siente distante y no emociona como debería, se nota trabajo en el guion pero me aleja de la historia, sobre todo por el personaje que interpreta John Turturro que me ha irritado en más de una ocasión. Por otra parte cuando el relato se enfoca en la relación de los hermanos con su madre la cinta crece enteros, se siente una narrativa más intima y logra llegarme en varias escenas, sobre todo cuando están juntas en pantalla Margherita Buy y Giulia Lazzarini.

Moretti regala un nuevo relato de meditación acerca de lidiar con la muerte y el proceso para llegar a una resignación necesaria, no se encuentra al nivel de La habitación del hijo, aun así Mia madre es un producto muy destacado sobre todo en sus momentos más íntimos.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vacuity (C)
Vacuity (C) (2013)
  • 6,6
    130
  • España Toni Morejón
  • Francisco Javier Sánchez, Núria Florensa, Mireia Sabadell, Lluís Altés
7
El crecimiento de un cineasta
Tras la enigmática AETHRA, el cineasta Toni Morejon nos vuelve a sumergir en una nueva historia; que como en su primer corto, necesitara de toda la atención del espectador para no perderse un detalle no solo de la historia sino de los magníficos recursos cinematográficos que utiliza de forma muy aplaudible.

En AETHRA ya nos había dado muestras de su gran habilidad para crear planos hermosos y sugerentes, nuevamente el estilo visual tan cuidado sigue presente en Vacuity, sin embargo Morejon va un paso más allá en este segundo trabajo demostrando que es además un muy buen narrador de historias atrapando al espectador desde el primer segundo del metraje. Su habilidad de sugerir es sin duda uno de los puntos más favorables del corto, y es que consigue imágenes llenas de fuerza reforzando una historia muy interesante.

Claramente Vacuity esta dividida en dos partes, la primera con más acción donde se puede ver claramente influencias en el cine de Winding Refn, sin embargo yo me quedo con la segunda parte donde empieza el giro de la historia para hacernos dudar y sumergirnos aun más mediante diálogos eficaces, este segmento recuerda mucho al director Christopher Nolan, lo cual no es de extrañarse pues el director afirmo en una entrevista que los autores de Drive y Memento fueron de gran inspiración para este proyecto lo cual se nota a nivel visual como de historia.

Gran trabajo de montaje así como la música adaptándose sin querer tomar el protagonismo.

Vacuity es un producto notable que puede ser el primer paso de una carretera muy prometedora pues creo el cine español necesita más de este tipo de propuestas, arriesgadas y que combinen el cine de autor con el comercial.
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1 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Más negro que la noche
Más negro que la noche (2014)
  • 3,4
    118
  • México Henry Bedwell
  • Zuria Vega, Adriana Louvier, Eréndira Ibarra, Ona Casamiquela, ...
4
Innecesario remake
Ser el primer filme mexicano en live action realizado desde su concepción en 3D es la carta de presentación con la que llega Más negro que la noche, remake de la película del mismo nombre hecha por Carlos Enrique Taboada en los 70s, la cual es considerada por muchos expertos como una de las mejores películas de terror de nuestro país.

Tras la muerte de su tía, Greta hereda su mansión a la cual decide mudarse con tres amigas, la única condición para poder habitar la casa es cuidar de Becker, un gato negro que solía ser la mascota de su tía. Sin embargo a su llegada a la imponente mansión, sucesos espeluznantes comienzan a ocurrir a las cuatro mujeres. Esta es la premisa con la que inicia Más negro que la noche, que si bien se trata de un remake, no es una copia como tal del filme original, ya que el director y guionista Henry Bedwell decide darle un giro a la historia a partir de la mitad de metraje.

Bedwell promete terror y sustos, y al menos eso intenta desde el inicio hasta el último segundo del metraje, buscando crear una atmósfera macabra donde en cualquier momento el espanto puede hacerse presente, con una fotografía llena de oscuridad y sombras. Sin embargo de aquí emana el primer error del filme, en su provocación total por asustar al público se pierde cierta naturalidad en los sustos, todo es demasiado artificial tanto en la realización como en la narración de la historia.

El segundo error viene en el mismo que cae el 99% de las películas de terror que se hacen hoy en dia, creyendo que la mejor fórmula para conseguir un susto es elevando el sonido inesperadamente con un movimiento de cámara rápido para dar paso a una imagen que haga pegar el grito; y si, puede funcionar en el momento, el problema es que pasando la sorpresa el terror se evapora por completo. No hay terror psicológico, no hay un golpe de horror a la mente del público cuando los créditos finales aparecen en pantalla, no habrá pesadillas en los sueños del espectador pues el terror es momentáneo, no se queda grabado.

A nivel narrativo la primera parte del film cumple acertadamente, con la presentación de los personajes, el desenvolvimiento de la historia para finalmente dar paso a las bombas, sin embargo con la llegada del climax todo se escapa por completo de las manos del director, comienzan una serie de sustos cada cinco segundos para intentar no dar respiro, pero lo único que hacen es sofocar a un espectador que ya ve todo muy rutinario y cansino, ni siquiera las escenas fuertes visualmente (muy bien hechas eso sí) consiguen el impacto que deberían.

Interpretativamente las cuatro actrices principales no poseen la fuerza que se necesita en un filme de este tipo, siendo opacas en cada secuencia por la roba escenas Margarita Sanz que encarna a Evangelina, la extraña sirvienta de la mansión.

En lo que respecta al 3D está bien hecho en muchas escenas aunque tampoco es necesario verla en este formato, aunque hay una secuencia en específico que con la ayuda de efectos visuales es muy agradable para la pupila, pero no es suficiente para justificar esta técnica.

Más negro que la noche termina por ser entretenida pero es fallida tanto en su intento por hacer asustar como en la conquista con su trama, tampoco logra rendirle homenaje al filme original, que pese a no ser perfecto era bastante interesante en su concepción de horror. Todo termina siendo muy oscuro para esta película, demasiado negro, con muy pocos rayos de luz.

http://alegatorevista.wordpress.com/2014/08/05/resena-de-mas-negro-que-la-noche-de-henry-bedwell/
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Party Girl
Party Girl (2014)
  • 5,8
    499
  • Francia Marie Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger, ...
  • Angélique Litzenburger, Joseph Bour, Mario Theis, Samuel Theis, ...
7
Una tesis de la felicidad y antifelicidad
No recuerdo cuando fue la última vez que vi una película dirigida por 3 directores distintos que me haya gustado, de echo no sé si alguna vez haya visto un buen filme que fuera dirigido por 3 o más cineastas, quizá las excepciones sean algunos productos animados donde este tipo de realización conjunta es bastante común, pero en action live sorprende si no se trata de una película divida en episodios, la última prueba fue Cloud Atlas que tenía serios problemas narrativos y de ritmo debido a que varios cineastas intervienen en ella.

Party Girl llega con la Cámara de Oro del Festival de Cannes bajo el brazo buscando romper la tendencia, un filme que narra la vida socialmente incorrecta que lleva Angelique, una mujer de 60 años que trabaja en un cabaret seduciendo hombres desde hace mucho tiempo.

No solo se trata de un producto dirigido por 3 personas diferentes, sino que además el trio es debutante, las mujeres Marie Amachoukeli-Barsacq y Claire Burger ya habían trabajado anteriormente en un cortometraje, ahora al equipo se une el también actor Samuel Theis para crear un trabajo conjunto en su ópera prima de los tres. Y lo cierto es que la unión es muy eficaz, compactándose para que se perciba que es un solo director el que está tras la cámara, el filme posee un adecuado pulso narrativo durante todo el metraje y no existe un elemento que distorsione unas secuencias de otras, se ve un trabajo en equipo compacto y con mucha seguridad pese a la novatez de todos.

El debate interno que propone el guion sobre las conductas del personaje principal es fascinante, un trabajo de estudio de personaje muy bien trabajado a nivel psicológico, convirtiendo a Angelique en un personaje muy profundo y complejo que da para tesis sociológicas, mientras que el resto de los personajes funcionan como simples peones que reaccionan ante las conductas de una protagonista inestable e impredecible. El final es para analizar, porque mucho dependerá del cristal con que se mire, y está claro que la intención de los también guionistas es esa, dejar sensaciones diferentes en cada espectador según su forma de vida y su definición de felicidad.

Sin embargo no todo es perfecto en su guion, ya que por enfocarse demasiado en el trabajo del protagonista se pierden varios hilos importantes, pudiéndose explotar estos con mayor garra para crear un filme más redondo, por un lado la relación que sostiene Angelique con su pareja es bien ejecutada, pero su relación con sus hijos se nota muy desaprovechada, se pudo crear una gran sub trama aquí para crear al final una mayor impacto emocional, algo que sucede pero no con la fuerza esperada.

Sonia Theis clava en su personaje y lo llena de matices en una actuación muy notable en un personaje sumamente complicado, mientras que el resto del elenco hacen actuaciones muy planas y con muy poco dramatismo, nuevamente el error vital, todo recae en el personaje principal haciendo que todo lo demás se vea muy descuidado.

Party Girl es una más que interesante; a veces brillante, opera prima de un trio de directores que se han conjuntado muy bien en equipo para crear una especie de tesis de la felicidad y la anti felicidad mediante un personaje maravilloso, ha faltado mayor fuerza y experiencia en ciertos rubros pero al final es una película con muchos aciertos dignos de destacar.

http://alegatorevista.wordpress.com/2014/08/06/resena-de-party-girl/#
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jersey Boys: Persiguiendo la música
Jersey Boys: Persiguiendo la música (2014)
  • 6,0
    5.415
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • John Lloyd Young, Vincent Piazza, Erich Bergen, Michael Lomenda, ...
7
Una Goodfellas musical
No es la primera vez que Clint Eastwood entra en terrenos musicales (en cuanto al género cinematográfico), ya antes había demostrado su valía de forma superficial en El aventurero de medianoche y ya más en forma en Bird donde realizo un biopic del legendario Charlie Parker. Ahora el director llega con Jersey Boys, una cinta que narra la historia musical de Four Seasons, un grupo que tuvo gran auge en los 60s con éxitos como Big girls don´t cry o Can't take my eyes off you.

Para la narración de su Jersey Boys Eastwood toma una decisión que pudo resultar arriesgada pero que es bastante acertada, buscando hacer una especie de homenaje al cine de Martin Scorsese más específicamente a su Goodfellas, de echo podemos afirmar que se trata de un homenaje constante, desde la presentación de los personajes, el dibujo de varios de ellos, la progresión de la historia, incluso se dan pequeños guiños al cine de gangsters.

Los personajes de Eastwood miran a la cámara e interactúan con el espectador, evolucionan a través de los años y manejan de forma alterna su carrera con su vida privada, como si de un documental se tratara somos testigos de la creación de Four Seasons, de cómo se une cada uno de sus integrantes, de sus primeros éxitos, de su llegada a la fama y finalmente su caída, todo narrado de forma elegante y clasicista.

Nuevamente el director de Million dólar baby da muestras de su maestría tanto a nivel narración como su trabajo con la cámara y manejo de actores, a medio gas este señor es capaz de conseguir lo que otros a su cien por ciento, manejando fantásticamente los tiempos utilizando elipsis y flashbacks ejecutados de forma eficaz, mientras que el trabajo de cámaras es para degustar lentamente, paneos, close up, todo marca de la casa.

Para la formación del casting principal Eastwood recurre a actores desconocidos, tres de los cuales cumplen con sus papeles, mientras que Vincent Piazza (Boardwalk Empire) se come a todos sus compañeros de elenco, su Tommy DeVitto es un personaje fantástico, tan fácil de querer y tan fácil de odiar, es el motor del filme y aunque termina por ser relegado después a un papel secundario (en beneficio del personaje de Frankie Valli) es al final quien se queda en la mente del espectador.

Hablando de Tommy DeVitto, el filme no pierde oportunidad para hacer alusión a Joe Pesci cuyo personaje en Goodfellas es prestado del integrante de Four Seasons, abriendo incluso la relación entre el actor y el músico. Frank Sinatra y Ringo Starr son otros de los mencionados en este filme, incluso a modo de cameo Eastwood aparece unos segundos en pantalla.

El punto débil de Jersey Boys viene en un guion bastante elemental, justito y poco trabajado en personajes y diálogos, por momentos hace más fuerza y carisma en la historia y en sus protagonistas (sin contar a DeVitto), aunque bien el filme posee uno que otro chiste que harán soltar la carcajada. Todo termina siendo muy predecible. También hay que decir que la parte inicial se pudo haber pulido más a nivel narrativo, media hora en la que Eastwood tarda en hacerse por completo de la historia sintiéndose un poco tropezada, terminando este bache el ritmo es excelente. Christopher Walken por su parte no pinta nada en la película, pasado de rosca en todas sus escenas.

No, no se trata del Eastwood de Unforgiven, Million dólar baby o Letters From Iwo Jima, tampoco el de Los puentes de Madison, Un mundo perfecto o Changeling, Jersey Boys viene a unirse a sus filmes menores como Deuda de sangre o Flags of our fathers, pero sí de esta calidad son los filmes menores de esta leyenda de la dirección, por mí que siga en activo otros diez años más. Eso sí; cuando vuelva a tener un guion a su altura, atención señores, atención.
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30 de 33 usuarios han encontrado esta crítica útil
La vida de Adèle
La vida de Adèle (2013)
  • 7,5
    36.341
  • Francia Abdellatif Kechiche
  • Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Mona Walravens, ...
8
La historia de amor más realista
Ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cannes llega a las pantallas La vie d Adele del cineasta tunecino Abdellatif Kechiche, una historia que explora las vivencias amorosas en los primeros años de nuestra protagonista Adele, una chica que a sus 15 años no está segura de su identidad sexual.

Identidad. Ese es el tema central durante la primera hora y media de La vie d Adele, una película que retrata como pocas este término, las dudas y encontrarnos a uno mismo, saber de dónde venimos y quienes somos en realidad cada uno. Apoyado en la novela gráfica de Julie Maroh el guion es una maravilla en el estudio del personaje de Adele, el cual es desnudado por completo para entregarnos al público un personaje rico en matices y con una psicología muy profunda.

El contexto situacional donde la historia se desarrolla no pudo ser dibujado mejor, abarcando mucho y manejando un realismo impresionante, temas como el bullyng, la educación, las marchas protestantes, el despertar sexual, la búsqueda del talento nato, de la vocación son tratados con un naturalismo único, de nuevo gracias a un libreto trabajado perfectamente en todos los factores.

Es esta naturalidad la que utiliza Kechiche para regalarnos la historia de amor más realista en la historia del cine (y lo digo sin tartamudear), todo absolutamente todo está expuesto con una sinceridad y franqueza que te hace pensar que lo que estás viendo es real, que no hay ficción, que no hay una pantalla que divida espectador con película. Acercamiento, coqueteo, noviazgo, relaciones sexuales, peleas, todo filmado sin censuras, solo realismo puro en su máxima expresión. Tema aparte es el mejor beso reproducido en pantalla en años recientes, simplemente esa escena ya merece la pena el boleto.

Kechiche se saca un diez como autor, como explorador de historias y de personajes complejos, sin embargo su faceta puramente como realizador ha dejado mucho que desear en más de una ocasión, la puesta en escena es muy mejorable, el cineasta excede los zooms para volver todo más personal, en su busca de crear el más perfecto realismo el director se olvida de la cámara y la posición de esta. También hay que mencionar una narración un poco atropellada, las elipsis dejan un poco desorientado y se dejan algunas sub tramas con ganas de saber más.

Rumbo a la tercera hora del filme pareciera que al director se le ha ido la historia de las manos. Todos sabemos lo que vendría y cuando llegan un par de secuencias brutales entre las protagonistas son avasalladoras, el problema es que en esta hora es todo lo que pasa, el resto es reiteración y muchas escenas metidas con un calzador que a mí no me han dicho nada. La secuencia final si bien entiendo lo que nos manda decir Kechiche pudo venir cuatro escenas antes, todo se alarga de más sin necesidad.

Ojo, si creo que la película debió durar las tres horas de su metraje, quizá hasta más, el problema es que en lugar de ocupar varios minutos en algunos temas específicos estos van a ser desperdiciados en la reiteración y la saturación de personajes.

Vamos con lo hecho por las actrices. Primeramente decir que tengo sentimientos encontrados con Adèle Exarchopoulos, y es que durante la primera hora siento que esta interprete ponía la misma cara y me transmitía muy poco, sin embargo conforme avanza el metraje va haciendo suyo cada vez más al personaje y lo termina bordando en la escena clave, esa secuencia sola le hubiera valido el Oscar, pero evaluando todo el filme creo hay tela de donde cortar. Todo lo contrario con Léa Seydoux quien desde su primer contacto con la pantalla la enamora, su interpretación está llena de matices y termina por crear uno de los personajes femeninos más hermosos del cine reciente.

La Vie d´ Adele es la más realista historia de amor jamas llevada al cine que sin embargo ya evaluándola toda se pueden encontrar varios detractores que no la dejan ser un producto totalmente redondo, por supuesto uno siempre puede dejarse llevar por la historia y entrar a ver una historia que nos enseñara sobre nuestra identidad y el amor, este de cualquier clase, poco me he detenido a decir que es sobre un amor lésbico, al final eso importa un comino, pues estamos ante una historia que resulta universal y con el que cualquier persona nos podemos sentir identificados.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuando todo está perdido
Cuando todo está perdido (2013)
  • 6,1
    8.945
  • Estados Unidos J.C. Chandor
  • Robert Redford
5
El hundimiento de All is Lost
En los últimos años el cine se ha dedicado a poner a los protagonistas en situaciones catastróficas que buscan retratar el instinto de supervivencia del ser humano, ya sea atrapado en un ataúd, en un risco aplastado por una roca, en un bote compartido con un tigre de bengala, hasta en el espacio infinito donde la vida no es posible.

¿Qué es lo que busca aportar entonces a este nuevo sub género el cineasta J.C. Chandor (Margin Call) con su nuevo largometraje All is lost? La respuesta inmediata para mí sería absolutamente nada.

No conocemos nada de él, ni su nombre ni su vida, pero durante 106 minutos estamos con este protagonista; luego de que su velero tuviera un accidente en medio del Océano Indico que hace que el agua lo consuma poco a poco, mientras él busca desesperadamente sobrevivir.

La apuesta de Chandor es crear un ambiente lo más realista posible, para esto aleja cualquier artificio posible para centrarnos en acciones cotidianas y naturales que el protagonista realiza para sobrevivir. El diálogo es reducido al mínimo, este prácticamente no existe, mientras que la música únicamente aparece en momentos puntuales. Por otro lado es el trabajo fotográfico el que sobresale en más de una ocasión creando imágenes hermosas en medio del océano, ya sea sobre o debajo del agua.

Lo cierto es que la cotidianidad mencionada antes hace de All is lost un filme plano y sin ningún tipo de emoción la mayor parte de su metraje, por momentos llegando incluso al tedio, y aunque la película en ningún momento se hace larga si hace pedir una mayor cantidad de emociones. Chandor no sabe adentrarnos a la historia y no hace que nos preocupemos por lo que pueda pasarle al protagonista, agregando a su poca habilidad para sugerir o transmitir con la cámara.

Es pasada una hora cuando la película finalmente empieza a flotar y tomar su rumbo, el cineasta abandona lo cotidiano y empieza a crear mayores obstáculos (tormentas, tiburones, escases de agua) para mostrar la desesperación del protagonista. Asi a pesar de encontrar algunos momentos notables, la película encuentra su propio iceberg en un guion que hecha agua por todos lados, momentos risibles e inverosímiles del típico made in Hollywood que buscan; y no lo consiguen, que sufras con el personaje.

Por su parte Robert Redford realiza una interpretación muy física, cumple perfectamente con el rol aunque tampoco realiza nada que sea realmente digno de destacar, mucho tiene que ver un guion que le da muy pocos momentos para lucirse, el problema es que cuando estos escasos llegan, el actor veterano no consigue transmitir la angustia que se necesitaba.

All is lost siendo una película bien hecha en el aspecto técnico termina por ser un producto muy plano, sin emociones y que no aporta nada nuevo, se deja ver y se olvida sin problemas, las pocas virtudes del filme son hundidas junto al resto del mismo.
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28 de 47 usuarios han encontrado esta crítica útil
Después de la Tierra
Después de la Tierra (2013)
  • 4,3
    28.203
  • Estados Unidos M. Night Shyamalan
  • Jaden Smith, Will Smith, Sophie Okonedo, Zoë Kravitz, ...
4
And the Razzie goes to
"Veo directores muertos", y es que una de las frases mas emblemáticas de los últimos años en el cine bien podría usarse para referirse a su propio autor, aquel que dirigiera ese clásico instantáneo como fue Sexto sentido, ahora de ese director ya solo queda su físico, todo lo demás esta muerto, y su ultima película After Earth es la máxima prueba de ello.

Basada en una historia de ¿Will Smith? se busca adentrarnos en una historia de supervivencia al estilo Life of Pi o Naufrago solo que esta vez será en ambientada en una Tierra tras un irremediable apocalipsis, ahí caen un padre y un hijo que se encuentran alejados ante una tragedia familiar, pero esta vez tendrán que confiar uno en el otro para poder seguir adelante.

En un punto de partida el de ver una película post apocalíptica siempre me resultara interesante ya que es un tema que da muchas oportunidades, la película incluso quiere comenzar con una pequeña critica a la inminente destrucción de nuestro planeta. Posee una banda sonora fantástica como siempre del gran James Newton Howard y un trabajo de scouting muy conseguido.

El resto es simplemente olvidable, decepcionante y por momentos patético, desde el minuto 2 sabes como terminara la película, la narración esta llena de baches y momentos de flojera, algo imperdonable en un blockbuster, por ahí contiene un par de buenas escenas de acción pero insuficientes, cero progresión dramática y nulo desenvolvimiento de la historia, se han quedado en el simple argumento, lo demás es puro relleno y que parece escrito por un niño de diez años. Lo que en En busca de la felicidad era una química invencible entre Will Smith y su hijo aquí todo es muy pedante, Jade demuestra que esta muy lejos de ser un actor que se pueda utilizar para ser el protagonista de un blockbuster, por su parte papa Smith tras renunciar el papel de Django aquí lo hace fatal, no cabe duda que la vida esta llena de buenas y malas decisiones y este hombre lleva varias pésimas.

Y lo del director de Señales es ya un chiste, lo que hace unos años parecía ser uno de los directores con mas talento natural sobre el orbe termino estrellándose y secándose la chispa, es hora de replantearse una carrera que va en picada y a este ritmo no me sorprendería que lo nombraran el peor director del momento. Fatal señor Shyamalan, fatal.

And the Razzie goes to...
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13 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ralph, el demoledor
Ralph, el demoledor (2012)
  • 6,9
    40.276
  • Estados Unidos Rich Moore
  • Animation
7
La propuesta animada americana del año
Hace mucho tiempo que la Disney (sin Pixar) nos vendiera una película animada con algo de chispa de originalidad, su nuevo largometraje Wreck it Ralph no solo posee la chispa, casi se quema de lo original que es, al menos en cuanto a su argumento.

Toy Story nos dio la premisa de lo que hacían los juguetes cuando no eran observados, en Wreck it Ralph van por el mismo camino pero esta vez con los personajes de los videojuegos, en este caso el protagonista es Ralph, un villano de un juego de bits que está cansado de ser el malo, en busca de una reconciliación con los demás y el mismo buscará probar que puede ser un buen personaje.

La historia posee diversos conceptos y reglas del mundo virtual, hay un contexto excelentemente dibujado, lleno de detalles e ideas brillantes, con la inclusión de varios personajes virtuales de antaño como Pacman, los fantasmas, el rey Kopa, los personajes de Street Fighter, suficientes razones suficientes para que los que disfrutan o algún día disfrutaron del mundo de los videojuegos se la pasen bomba.

Gran arranque, que si bien después pierde un poco la historia, se mantiene a flote gracias a divertidos gags, momentos geek y personajes que conectan con el espectador, que si bien ninguno lleva la etiqueta de entrañable o memorable, en conjunto poseen una gran fuerza lo que hace igual que la película no se sienta en ningún momento pesada. Al final parece que le aprendieron muy bien a Pixar, aunque por ahí hay un par de detalles que chirrían cuando se trata de animación no nos podemos poner exigentes.

Por su parte el cortometraje Paperman; que acompañara a la cinta en su exhibición por las salas, es bastante notable, nuevamente hay mucha influencia en los productos hechos por la productora de la lamparita, no hay dialogo y es una historia bastante sencilla pero muy eficaz, recuerda en muchos aspectos a una película romántica de cine clásico.

Por primera vez en no sé cuánto tiempo la película del año de Disney le ha ganado a la de Pixar, Wreck it Ralph es mucho más que Brave en muchos aspectos, es además la propuesta animada americana más fresca del año y quizá la mejor película animada de los estudios desde Mulan
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Frankenweenie
Frankenweenie (2012)
  • 6,7
    25.808
  • Estados Unidos Tim Burton
  • Animation
7
Tim Burton regresa a la vida
Una noche tenebrosa, la lluvia azota el pueblo y los truenos no dejan de oírse, la tormenta parece que no va a terminarse, nos encontramos en la tumba de alguien, de repente oímos que está vivo, sale de la tumba y finalmente lo podemos ver. No, no estoy hablando de Sparky, el protagonista canino de Frankenweenie, estoy hablando de Tim Burton, director que tras las olvidables Alice in Wonderland y Dark Shadows parecía que su estilo y su cine ya no daba para más, se encontraba estancado y ni siquiera ese estilo gótico tan característico de él funcionaba, tiene que recurrir a una historia que el mismo realizo hace ya varios años para demostrarnos que aun tiene vida. ¡Está vivo!

Frankenweenie no oculta sus raíces ni sus influencias, la nueva película animada de la Disney es un homenaje constante al cine de terror de los años 30s, al cine de serie B que tanto admira su director. Como ya demostró en Ed Wood, Burton admira mucho este universo, es fan, y nuevamente toma la clásica historia de Mary Shelley (Edward Manostijeras es una versión libre también) para contar la historia de un niño que revive a su mascota canina luego de que esta fuera atropellada.

La gran jugada de Burton sería la de crear una película animada norteamericana en pleno siglo XXI en formato blanco y negro, esto para crear la atmosfera adecuada de un mundo que sabe que estos son los colores si o si, por eso la historia de Frankenweenie se siente excelentemente expuesta, el diseño de personajes y la música de Danny Elfman como siempre son una combinación perfecta de un mundo que nos lo sabemos ya de la cabeza a los pies.

Tampoco es que esta película sea rompedora u original, no, pero ciertamente se siente diferente a lo que estamos acostumbrados en el cine de animación en Hollywood, si bien es en blanco y negro, tiene mucho del cine de los 30s y varias referencias que quizá los más chicos no entenderán, el cineasta lo nivela con una historia llena de maravillosos momentos, muy entretenida y que a todo el que haya tenido una mascota de niño seguro le llega. Llena de clichés, puede ser repetitiva, pero no pidamos más de lo que sabemos que nos va ofrecer esta cinta.

Finalmente mencionar el personaje de Sparky que es realmente muy entrañable, simplemente nos vuelve a recordar porque el perro es el mejor amigo del hombre, seguramente se ganará un lugar dentro de los mejores personajes creados por este singular director.

Frankenweenie es una notable película animada, contiene lo mejor del cine de Tim Burton pero también las partes más débiles del mismo, para los fans no los decepcionara, para los que ya lo veíamos en la tumba sin creatividad esto nos revive la esperanza, si de plano nunca has conectado con su cine simplemente evitarla porque esta es una película 100% Burton, no como su versión de Alice in Wonderland que era 100% Disney ya sin la magia.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Sorprendente Hombre Araña
El Sorprendente Hombre Araña (2012)
  • 5,8
    47.516
  • Estados Unidos Marc Webb
  • Andrew Garfield, Emma Stone, Rhys Ifans, Denis Leary, ...
6
Un Amazing Spiderman, pero cero Peter Parker
Si se hiciera una encuesta de cuáles son las películas más innecesarias que se han hecho en los últimos años no tengo la menor duda de The Amazing Spiderman de Marc Webb estaría en esa lista y no porque sea un bodrio; para nada lo es, sino por la cercanía de años con la que se reinicia la historia con respecto a la trilogía de Sam Raimi la cual fue un gran éxito de público e incluso de crítica.

Pero bueno primero verla y luego a juzgar cada uno, y yo no tengo dudas tras verla, la nueva película de Spiderman es un producto bien realizado, agradable de ver, con una gran banda sonora del señor James Horner y excelentes efectos visuales, pero que no nos muestra nada nuevo y no sorprenderá a nadie.

La nueva historia del arácnido es prácticamente la misma que nos conto la Spiderman del 2001, solo cambia un poco el tono de la historia, menos humor, una diferente chica Spidey y un villano nuevo. En cuanto a esto podemos decir que le han dado a Gwen Stacy el lugar que se merece en esta historia como el primer amor del protagonista, una interpretación angelical de Emma Stone, una chica que casi cualquiera quisiera por novia, puede causar mucho más empatía a las espectadoras femeninas que la propia Mary Jane. En cuanto a el Lagarto se trata de un villano muy sucio, con un poder físico más impactante que otros villanos, aquí se respeta algo muy importante de los otros villanos de la saga, el Dr. Connors es un hombre que fue obligado a su transformación en villano tras un fracaso científico.

Andrew Garfield ha dado el ancho para crear un Spiderman muy increíble como bien el título lo dice, sin embargo le ha quedado muy grande el papel de Peter Parker. Si algo fue el responsable del éxito de las películas de Raimi era precisamente el toque humano que le imprimió al personaje de Peter ayudado de un Tobey Maguire que encajo a la perfección en este papel, aquí lamentablemente hay muy poco de eso, hay mucho de Spiderman pero hay muy poco de Peter Parker. Culpa del guión y culpa del actor a la vez, esperemos que en las secuelas este error tan garrafal se corrija.

El guión como dije no solo no profundiza en el personaje de Peter sino que además no consigue ese encanto que tiene esta historia, muy desperdiciado el personaje de la tía, Sally Field es una gran actriz pero el guión no le ayudado a su personaje y hace que extrañe a Rosemary Harris, tenemos una progresión muy tropezada de historia y en general unos personajes muy frios.

No suelo ser muy duro con las películas de super héroes, e incluso puedo decir que esta me gusto lo necesario, sin embargo después del listón tan alto que dejo la segunda parte del arácnido tras la batuta de Raimi aquí está claro que les ha quedado muy grande el paquete.

Continuo sin spoilers
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil