Me atrevería a decir que gran parte de las buenas críticas que han venido recibiendo estos “Parásitos” de Bong Joon-ho, se debe más a la originalidad de la propuesta que no a la calidad intrínseca de la película. En unos tiempos en los que cuesta cada vez más encontrar en la cartelera historias que no suenen a ya contadas, toparse con un relato como el que nos ofrece el director surcoreano es un aliento de aire fresco y la evidencia que en el mundo del cine todavía quedan buenas historias por contar. Y a fe que estamos ante una de ellas. Joon-ho, retrata la lucha de clases, o la sempiterna guerra de los pobres contra los ricos, colocando, cual caballo de Troya, a la humilde familia Kim invadiendo el terreno enemigo, a la manera, como bien apunta uno de los personajes, de la cucarachas que corren a esconderse en cuanto se enciende la luz. Lo hace con el tono amable, casi cómico, de las películas de estafadores, para entrar más tarde en los terrenos del thriller y acabar desembocando en las aguas del drama familiar. Y es ahí donde encontramos lo mejor del film. Joon-ho se muestra certero a la hora de mezclar los géneros sin que la narración se resienta por ello, encajando perfectamente las piezas que le llevan de uno a otro, consiguiendo de esta manera que el espectador asista con estupefacción a una historia que nunca adivina por donde va a salir. Hay que decir, no obstante, que el guión, en algunos momentos, ha de forzar las situaciones para que todo fluya, reclamando la indulgencia de la platea para seguir participando del juego propuesto por Bong Joon-ho. Sin embargo, nadie puede negar la fuerza de una historia y la contundencia de unas imágenes que llegar a congelar algo más que las sonrisas.

Lo mejor: la habilidad para transitar por distintos géneros.

Lo peor: por momentos la narración resulta demasiado forzada.

Si hay algo primordial en las historias de amor es que la pareja protagonista desprenda aquello que llamamos química, y que ésta tenga el suficiente poder para hacer que la pasión traspase la pantalla. Hacer que el espectador se pueda sentir identificado con una de las dos partes y que llegue a sentir ese romance como algo propio. Nada peor pues, que unos personajes distantes, una fotografía fría y una historia que avanza a trompicones, sin que podamos llegar a degustar la esencia de la relación. Que es lo que, simple y llanamente, ofrece “Cold war”. El director Pawel Pawlikowski, parece más preocupado por la forma que por el fondo, y así, en lo que en el mundo del cine se conoce como “un ataque de autor”, opta por fragmentar el relato, abusando de la elipsis, en un montaje que a uno le deja la sensación de haber asistido a un resumen de los capítulos de una serie. Ni el tono ni el ritmo parecen los más adecuados para una historia de amor-fou. Pero si hay algo que hace descarrilar la película no es otra cosa que las interpretaciones de su pareja principal. No hay diálogo, ni gesto ni palabra en el trabajo de Tomasz Kot y Joanna Kulig que puedan hacernos creer que están locos el uno por el otro y el conjunto acaba sonando tan falso y artificial como la versión jazzística de una canción tradicional polaca.

Lo mejor: el momento rock and roll.

Lo peor: que parezca estar hecha con la peor de las desganas.

Desde su debut como director Wes Anderson ha conseguido dos cosas: hacerse con un estilo personal y poner de acuerdo a toda la crítica a la hora de rendirle pleitesía. El problema es que sus películas vienen marcadas por unos personajes estrafalarios y un sentido del humor no siempre fácil de entender (prueba de ello es la poca gente a la que se escucha reir en toda la sala) lo que provoca que no sea nada fácil entrar en sus historias ni disfrutar de ellas. Nadie le niega su capacidad como director y su brillantez a la hora de mover la cámara. Tampoco su capacidad innata para dirigir repartos corales donde cada personaje suele disponer de su momento de gloria. Pero su capacidad para generar emociones está bastante más abajo de lo que algunos pretenden hacer creer. Y eso que en esta película que nos ocupa “Moonrise kingdom”, la narrativa es algo más accesible que en anteriores trabajos y los personajes ya no parecen todos salidos de un manicomio, aunque alguno sí hace méritos para entrar. Pero la perplejidad con que uno va observando el devenir de la historia no ayuda en nada a entrar en ella y no consigue que esta le transmita ninguna de las emociones que a priori persigue. Así pues, la historia de Sam y Suzi en la que en principio muchos de nosotros nos podríamos ver reflejados, nos pasa por delante como un cuento friki de un autor que sabe que actúa con red.

Lo mejor: su estilo visual.

Lo peor: que sea tan poco graciosa.

Se relaciona este film con nombres como Haneke, Lynch o Buñuel. Sin duda no desagradará al griego Yorgis Lanthimos la vinculación de su película con estos pesos pesados, aunque siendo sinceros hay que advertir que “Canino” dista todavía mucho de llegar al nivel de los maestros anteriormente citados. Por supuesto las comparaciones no son absolutamente gratuitas, algo hay en “Canino” de la mirada aséptica de Haneke, la narración encriptada de Lynch y el surrealismo de Buñuel, pero a Lanthimos parecen interesarle más los aspectos más morbosos de la historia que nos cuenta (violencia y sexo campan a sus anchas a lo largo del metraje) y se olvida de las posibilidades que le brindaba un argumento que se muestra incapaz de desarrollar en todo su potencial.

Recordemos que estamos ante una película que parte de la base de un grupo familiar encerrado en si mismo. Tres hijos (de una edad algo mayor para que muchas de las situaciones gocen de suficiente credibilidad) cuyo universo existencial se sitúa en el límite que marca el jardín de su casa. Este original punto de partida, que en manos de otro cineasta podía haber servido para analizar en profundidad las relaciones (a)sociales a que se ven sus personajes, es desaprovechado por Lanthimos, empeñado en desentrañar la parte más oscura y morbosa de las relaciones entre los hermanos sin desarrollar su vertiente más social, curiosamente y según palabras del propio director la motivación principal que le empujó a escribir la historia. La crisis de la institución familiar apenas se deja entrever ante la sucesión de escenas chocantes y grotescas, siempre al filo del ridículo cuando no cayendo de lleno en él. A veces comedia absurda, a veces moderno cuento de terror, “Canino” se acaba mostrando como una rareza malévola cuyas aristas e incoherencias argumentales acaban pesando más que sus inequívocos buenos propósitos.

Lo mejor: su condición de “rara avis” en el panorama cinematográfico actual.

Lo peor: la incapacidad de Lanthimos para ir más allá de la anécdota.

“Melancolía” es una película con el sello personal de su autor. Igual que hizo con su anterior “Anticristo”, “Melancolía” empieza con un breve prólogo en el que la música y las imágenes ralentizadas se fusionan en unos instantes de evidente belleza cinematográfica. También, como en su penúltimo trabajo, Von Trier hace uso de un hermetismo narrativo que dificulta el seguimiento de la historia, desconcertado como está el espectador ante las reacciones, muchas veces incomprensibles, que experimentan los diferentes personajes. La diferencia, y el principal problema bajo mi punto de vista, es que si en “Anticristo” a pesar de las dificultades Von Trier sabía captar la atención del espectador y solo lo dejaba ir en escasos momentos, la historia de Justine, la principal protagonista de “Melancolía” no logra enganchar ni de entrada y es fácil desconectar del film en su primera parte, sin duda la más floja de las dos que componen la película. Y aunque en su segunda parte parece claro que el film gana en interés, cuesta ya recomponer el feeling con la platea, y más si el ritmo, las interpretaciones y los acontecimientos siguen al servicio del lenguaje plástico que Von Trier se empeña en imponer por delante de cualquier consideración. Así pues, “Melancolía” puede resultar visualmente agradable de contemplar, con planos particularmente bellos y uno especialmente grandioso, el final. Lo malo es que para llegar a él, hemos tenido que aguantar más de dos horas de cine anodino y, hay que decirlo claramente, excesivamente pretencioso.

Lo mejor: el impresionante último plano.

Lo peor: su primera parte que lastra irremediablemente el resto de la película.