arrow
Críticas de Miquel
Críticas ordenadas por:
Le carrosse d'or
Le carrosse d'or (1952)
  • 7,0
    507
  • Francia Jean Renoir
  • Anna Magnani, Odoardo Spadaro, Nada Fiorelli, Dance, ...
7
La carroza
Primera de las tres películas (“French Cancan” y “Elena y los hombres”) dedicadas por el realizador francés Jean Renoir (1894-1979) al mundo del espectáculo. Escriben el guión Jean Renoir, Jack Kirkland, Renzo Avanzo, Giulio Macchi y Ginette Doymel, que se inspiran en el sainete “La carrosse du Saint Sacrement” (1829), de Prosper Merimée (1803-1870). Se rueda en la primavera de 1952 en Cinecittà Studios (Roma). Producida por Francesco Alliata para Panaria Film (Roma) y Hoche Productions (Paris), se estrena el 3-XII-1952 (Italia).

La acción dramática tiene lugar a mediados del XVIII, antes de la Revolución Francesa, en una pequeña ciudad sudamericana, en la que tiene la residencia habitual el virrey del Perú. Los personajes principales son Camila (Magnani), que en el teatro interpreta el papel de Colombina; don Antonio (Spadaro), jefe de los actores y actrices de la compañía e introductor del espectáculo; el virrey Ferdinand (Lamont); el torero Ramón (Rioli); el capitán Felipe Aguirre (Campbell) de las tropas coloniales españolas y otros. El torero es vanidoso, presumido, posesivo y celoso. El virrey es débil, ostentoso, frágil, contradictorio, posesivo y celoso. El capitán es aguerrido, idealista, posesivo y celoso. Camila, la primera actriz de la compañía italiana, es vitalista, apasionada y atractiva.

El film explora las relaciones entre apariencias y realidad, ficción y verdad, teatro y vida. Muestra las confusiones que se dan entre los extremos indicados, las diferencias que los separan y las razones que determinan la preeminencia de unos sobre otros. Muestra las grandes proporciones de vida que atesora el teatro y explica que a través del teatro se pone de manifiesto la verdad. Pese a haber mantenido opiniones diferentes en obras anteriores, Renoir en los años 50 considera que la sinceridad y la libertad residen en el teatro. La película rinde homenaje al teatro clásico, al teatro en general y, por extensión, al cine. La representación teatral o cinematográfica no tiene por objeto alejar al espectador de la realidad, sino explicársela. El teatro y el cine, como la novela, son medios de extraordinaria eficacia para la transmisión de la cultura y del conocimiento.

Los actores y el público se mezclan, combinan y confunden en más de una ocasión y a veces intercambian los roles, porque no hay fronteras definidas y claras entre ellos. En el film Renoir sitúa al protagonista en el centro de la acción llevado de la concepción según la cual es a través de los actores o actrices que la representación teatral (o cinematográfica) transmite emociones y sentimientos. En la cinta que comentamos Magnani es seleccionada como primera actriz y, como tal, acapara el protagonismo en atención a las concepciones que sostiene el realizador en aquellos momentos.

…/
[Leer más +]
7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre que nunca estuvo
El hombre que nunca estuvo (2001)
  • 7,3
    28.711
  • Estados Unidos Joel Coen
  • Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Tony Shalhoub, James Gandolfini, ...
8
El hombre de Santa Rosa
Noveno largometraje de Joel y Ethan Coen. El guión, escrito por ambos, se inspira en las películas de cine negro clásico de los años 40 y 50. Se rueda en escenarios reales de varias localidades de CA (Santa Rosa, Pasadena, Orange, L.A, Glandale …) y en los platós de New Deal Studios (L.A, CA), con un presupuesto estimado (IMDb) de 20 millones USD. Nominado a un Oscar (fotografía) y a 3 Globos de oro (película, actor/drama y guión/drama), gana el premio al mejor director del Festival de Cannes. Producido por Ethan Coen para Good Machine y Working Title, se proyecta por primera vez en público el 13-V-2001 (Cannes, Francia).

La acción dramática tiene lugar en Santa Rosa, pequeña población de CA, durante el verano de 1949, cuatro años después de la IIGM. El personaje principal es Ed Crane (Thornton), barbero, casado con Doris Crane (McDormand). Trabaja en la barbería de su cuñado Frank Raffo (Badalucco). Doris es la administradora de los negocios de Big Dave Brewster (Gandolfini), con el que mantiene relaciones sentimentales. La adolescente Birdy Abundas (Johansson) toca el piano como los ángeles. Ed es sencillo, poco inteligente, introvertido, reservado, de pocas palabras, adicto a los cigarrillos y de vida rutinaria, anodina y taciturna. El mundo y la vida le son indiferentes, no tiene aficiones, no siente ilusión por nada y no espera nada de la vida. Encarna la figura del americano ordinario de clase media baja de los últimos años 40. Doris es hiperactiva, egoísta, calculadora, infiel y tiene problemas con el alcohol. Frank habla por los codos y, además, lo hace sin parar. Birdy es una adolescente tierna y frágil, aficionada a tocar el piano.

Los realizadores componen un drama de cine negro con elementos de comedia, en la desgranan una visión irónica, melancólica y despiadada de la condición humana. Se sirven de un humor corrosivo y demoledor, que les sirve para tratar con sarcasmo el sueño americano, la paranoia de los marcianos y los OVNIS que cundió en los años de la posguerra, las adicciones, las heroicidades de boquilla, la locuacidad compulsiva, la administración de justicia y sus servidores, el culto a las apariencias, la estupidez humana que lo invade todo, la sociedad americana, la felicidad conyugal, la infidelidad, la codicia de los más, las traiciones de muchos, la mujer fatal de provincias, etc. Basan el humor en un abanico amplio y variado de recursos y de técnicas, como la sorpresa, los imprevistos, la situaciones disparatadas, la suma de contradicciones, la causalidad al margen del principio de causa/efecto, la pulsación del azar, el surrealismo, la exageración, la presunción, la insignificancia, el infortunio, la desproporción, combinaciones de elementos trágicos y cómicos, etc.

…/
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las reglas de la vida
Las reglas de la vida (1999)
  • 7,0
    45.606
  • Estados Unidos Lasse Hallström
  • Tobey Maguire, Charlize Theron, Michael Caine, Delroy Lindo, ...
8
El orfanato
Drama dirigido por el realizador sueco Lasse Hallström (Estocolmo, 1946) (“Chocolat”, 2000), residente en EEUU, según adaptación escrita por John Irving de su propia novela “The Cider House Rules” (1985), subtitulada “Príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra”. Se rueda en Nueva Inglaterra (Vermont, Maine, Massachusetts…) y en Acadia Nacional Park (Maine), con un presupuesto estimado (IMDb) de 24 millones USD. Nominado a 7 Oscar, gana 2 (guión adaptado y actor de reparto). Producido por Richard N. Gladstein para Miramax y Film Colony, se proyecta por primera vez en público el 7-IX-1999 (Venecia Film Festival, Italia).

La acción dramática tiene lugar en el orfanato de Saint Claud (Maine) y en la finca de cultivo de manzanas y fabricación de sidra que la familia Worthington tiene en Vermont, en los años 1943 y 1944. En el orfanato de Saint Claud nace en los años 20 y se cría el niño Homer Wells (Maguire). Adoptado de hecho por el doctor que dirige el centro, este le enseña todo lo que sabe de medicina, pensando en que pueda ocupar su puesto de dirección en el futuro. Homer desea dejar el orfanato, conocer el mundo, encontrar su sitio en él y arraigar donde le corresponda. El doctor Wilbur es paternal, comprensivo, altruista, adicto al éter, algo mentiroso y poco ortodoxo. Homer, inocente e inexperto, se enamora a primera vista de Candy Kendall (Theron), cuando la ve en el orfanato con su novio Wally Worthington (Rudde). Otros personajes son el temporero Arthur Rose (Lindo) y su hija Rose Rose (Badu). Mary Agnes es una huérfana adolescente que reside en el orfanato (Huerta). Edna (Alexander) y Ángela (Baker) son las enfermeras puericultoras del centro.

El film suma drama y romance en un trabajo sólido y básicamente equilibrado, escrito y dirigido con vocación clasicista. El estilo es sencillo, directo, sincero y limpio. Aborda con pulcritud y delicadeza temas complejos y controvertidos. Evita la exageración y el exceso en aras de un tratamiento que destila mesura, serenidad y sensibilidad. No formula juicios morales, que deja en manos del espectador y de su libertad de criterio. La acción se desarrolla pausadamente y, a la vez, con intensidad. Alcanza en varias ocasiones momentos llenos de emoción y conmoción, que trata sin concesiones al sentimentalismo que con frecuencia se asocia a la presencia de niños en la pantalla. La obra se beneficia de buenas interpretaciones, sobre todo de la que entrega Michael Caine, ganador del Oscar al mejor actor de reparto. Charlize Theron aporta frescura, simpatía y talento. Tobey Maguire dota a su personaje de profundidad y naturalidad. Los caracteres se presentan bien definidos y perfilados con atención y esmero.

…/
[Leer más +]
22 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
Umberto D.
Umberto D. (1952)
  • 8,2
    6.608
  • Italia Vittorio De Sica
  • Carlo Battisti, Maria Pia Casilio, Lina Gennari, Memmo Carotenuto, ...
8
El pensionista
Tercer título de la trilogía neorrealista (junto con “Ladrón de bicicletas” y “Milagro en Milán”) del actor, productor y realizador italiano Vittorio De Sica (1902-1974) y del guionista Cesare Zavattini. El guión, original de Zavattini y De Sica, se inspira en la figura del padre de éste, al que se dedica el film. Se rueda en las calles del centro de Roma (el Panteón y alrededores) y en los platós de Cinecittà Studios (Roma) a finales de 1951. Obtiene una nominación a los Oscar (guión original). Producido por Giuseppe Amato para Rizzoli Film, Produzione Films Vittorio De Sica y Amato Film, se estrena el 21-I-1952 (Italia).

La acción dramática tiene lugar en Roma a lo largo del otoño de 1951, cuando el país todavía no se ha recuperado plenamente de las secuelas de la IIGM. Humberto Domenico Ferrari (Battisti) es un funcionario del Estado jubilado, de 70 años, sin familia y sin amigos, al que la pensión no le alcanza para cubrir las necesidades básicas propias y las de su mascota, el perro Flag o Flakie, la única compañía que tiene. Umberto es un anciano saludable, lúcido, autónomo, comprensivo, tolerante y detallista, que se enfrenta a las estrecheces de su condición de pensionista con resignación y sin protestas. Dispone de una habitación (con hormigas, humedades, rotos y manchas) que desde hace más de 20 años tiene alquilada en la vivienda particular de la presuntuosa y egoísta Antonia Belloni (Gennari). Sus antiguos amigos y compañeros le rehuyen y la casera le trata con dureza y desconsideración. La sirvienta María (Casilio), soltera y embarazada, espera que la despidan cuando la Sra. Belloni, aficionada al “bel canto” y a alquilar por horas habitaciones a parejas furtivas, se entere del embarazo.

El film compone un entrañable y conmovedor retrato de los problemas con los que se enfrenta un jubilado a causa de la insuficiencia de la pensión, las desatenciones que recibe de sus antiguos compañeros y amigos y la desconsideración con la que es tratado por parte de las personas de las que depende (la casera). La historia es sencilla, simple, pequeña y profundamente triste. Pone de manifiesto la trágica realidad de las condiciones de vida a las que se ve abocado un servidor público tras 50 años de trabajo.

La jubilación supone para el pensionista una importantísima reducción de los ingresos, la pérdida del prestigio social, el enfriamiento de las relaciones de amistad y camaradería, la soledad, la reducción de la capacidad de gestión de los asuntos propios dependientes de terceras personas (venta del reloj, venta de libros…) y el olvido, como expresivamente indica el título del film. Nadie le echa una mano, nadie le facilita la ayuda que necesita, nadie le dedica tiempo, afecto y consideración. Muchos no le recuerdan y solo cuenta con la cortesía fría, hueca, hiriente y convencional de algunos. El personaje se ve inmerso en una situación angustiosa de soledad y desamparo que hiela el alma.

…/
[Leer más +]
42 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
Il grido
Il grido (1957)
  • 7,4
    848
  • Italia Michelangelo Antonioni
  • Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, ...
8
Viaje por el Valle del Po
Quinto largometraje de Michelangelo Antonioni (1912-2007) (“La aventura”, 1960), según guión escrito por el propio Antonioni, Elio Bartolino y Ennio de Concini, que se inspira parcialmente en el film “Ossessione” (1942), de Luchino Visconti. Se rueda en localizaciones del Valle del Po (Veneto y Emilia Romagna). Es premiado con el Nastro d’Argento (“Silver Ribbon”) a la fotografía y con el Golden Leopart del Festival de Locarno (Suiza). Producido por Franco Cancellieri para SpA Cinematografica y Robert Alexander Productions, se estrena el 11-III-1957 (Italia).

La acción dramática tiene lugar en el pueblo de Goriano y otras ubicaciones próximas del Valle del Po, entre el invierno de 1956 y el de 1957. Aldo (Cochran), obrero manual especializado en mecánica (mantenimiento y reparación de motores), trabaja en la planta de refinado de azúcar instalada en las proximidades de Goriano, donde convive con Irma desde hace unos 8 años, con la que ha tenido una hija, Rosina (Girardi), que cuenta 7 años. Llevan una vida modesta y con ciertas privaciones porque el salario de Aldo es muy justo y no disponen de otros ingresos. Aldo, de unos 35 años, es soltero, cuenta solo con el fruto de su trabajo para sacar adelante a la compañera y a la hija de ambos. Encarna la figura del proletario industrial sin relieve y sin pretensiones, explotado y mal pagado. Irma (Valli) hace los trabajos de la casa. Su marido se marchó a Australia en los primeros años de la posguerra. La tranquilidad y la placidez de sus vidas se ve alterada cuando Irma recibe la noticia del fallecimiento del marido. Alvia (Blair) es una antigua novia de Aldo. Edera (Payota) es la hermana de Alvia. Virginia (Grey) es viuda y propietaria de una gasolinera. Andreína (Shaw) es una prostituta ingenua y soñadora.

Con una admirable sobriedad y una espléndida economía de medios, Antonioni desgrana una intensa y emocionante historia de desarraigo, soledad y desamparo. Desde una perspectiva que observa la realidad sin prejuicios, sin sentimentalismos y desde la distancia, construye un relato que muestra con fuerza y vigor la desolación que se apodera del espíritu de un ser humano abandonado, privado de afectos y atormentado por la soledad y antiguas frustraciones. Construye en torno al personaje una atmósfera densa y penetrante de tristeza, melancolía y desolación. La narración se apoya en el uso de varios recursos adicionales al discurso principal, como luces dispersas, paisajes dominados por la niebla, escenas lluviosas y perspectivas amplias, profundas y desoladas. Añade trazos que ponen de manifiesto la tensión que se da entre progreso y bienestar, desarrollo tecnológico y arraigo humano en la sociedad, el trabajo y el medio natural.

…/
[Leer más +]
16 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tiempos violentos
Tiempos violentos (1994)
  • 8,6
    204.133
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, ...
8
Homenaje al Pulp
Segundo largometraje del guionista, actor y realizador Quentin Tarantino (Knoxville, Tennessee, EEUU, 1963) (“Reservoir Dogs”, 1992), escrito por él durante una estancia en Armsteram y por Roger Avary. Se rueda durante 10 semanas entre julio y septiembre de 1993 en localidades de CA, con un presupuesto estimado (IMDb) de 8 millones de USD. Nominado a 7 Oscar, gana uno (guión original) y obtiene la Palma de oro (Cannes). Producido por Lawrence Bender (“Reservoir Dogs”) para Miramax, se proyecta por primera vez en público en mayo de 1994 (Cannes, Francia).

La acción dramática se desarrolla en L.A. a lo largo de 24 horas. El relato consta de un prólogo y 3 historias entrelazadas, interrelacionadas y simultáneas, tituladas “Vincent Vega y Mia”, “El reloj de oro” y “La situación de Bonny”. Los protagonistas son Vincent Vega (Travolta), un matón a sueldo, presuntuoso, de largas melenas y escasas luces; Jules Winnfield (Jackson), pistolero a sueldo, compañero de Vincent, de corta inteligencia y reacciones brutales; Butch Coolidge (Willis), boxeador profesional, tonto, vanidoso, inseguro, contradictorio y angustiado; Marsellus Wallace (Rhames), jefe de Vincent y Jules, carece de escrúpulos, es cínico, pero sabe agradecer los favores; Lance (Stoltz) es un vendedor al por menor de droga; Pumkin (Roth) y su novia Honey Bunny (Plummer) se dedican ocasionalmente al robo, se sienten inseguros, están desbordados por su catastrófica situación económica y hallan en la ayuda mutua las fuerzas de las que carecen por separado; Mia Wallace (Thurman), amante de Marsellus, es guapa y elegante, pero se deprime cuando se siente sola; Jimmie (Tarantino) es traficante de drogas; Fabienne (Medeiros) es la amante del boxeador Butch; Lobo (Keitel) es un delincuente misterioso e inquietante.

El film es un thriller sobre los bajos fondos del crimen, la extorsión y la droga en Los Ángeles, protagonizado por delincuentes de escasísima inteligencia, comportamientos salvajes y muy poca monta. La narración se desarrolla de acuerdo con una estructura fragmentada en piezas que encajan milimétricamente como las partes de un rompecabezas. La aparente dispersión de los elementos del relato se desvanece cuando el espectador alcanza la visión de conjunto en la que encajan todas las piezas. Los diálogos, en apariencia intrascendentes y desordenados, adelantan acontecimientos futuros, aportan sugerencias relacionadas con hechos que se han explicado antes o se explicarán después y establecen nexos de unión y relación entre las piezas el puzzle narrativo. El juego de falsas apariencias alcanza a los propios hechos relatados, que se presentan vacíos de su contenido real para servir como soportes al servicio de la ironía, la chanza, la caricatura y el humor.

…/
[Leer más +]
15 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Perros de reserva
Perros de reserva (1992)
  • 8,1
    132.573
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • Tim Roth, Harvey Keitel, Chris Penn, Steve Buscemi, ...
7
Perros callejeros
Primer largometraje del guionista, actor y realizador Quentin Tarantino (Knoxville, Tennessee, 1963) (“Pulp Fiction”). El guión es del propio Tarantino y de Roger Avary. Se rueda en escenarios reales de L.A., con un presupuesto estimado (IMDb) de 1.200.000 USD. Producido por Lawrence Bender para Live America Entertainment, se proyecta por primera vez en público el 21-I-1992 (Sundance Film Festival, EEUU).

La acción dramática principal tiene lugar en un almacén vacío de L.A., a lo largo de una hora de un día de 1991. La narración incluye a través de flashbacks y de referencias verbales hechos ocurridos fuera del almacén a lo largo de varios días. Joe y Eddie Cabot, padre e hijo, veteranos profesionales del robo y de los atracos, reclutan a 6 especialistas en robos, que no se conocen entre si, para asaltar una joyería en pleno día y obtener un importante botín de diamantes. Los ladrones reclutados se identifican, por razones de seguridad, con nombres de colores. Naranja (Roth) es joven, valiente y decidido. Blanco (Keitel), de media edad, tiene experiencia y cualidades de líder. Rubio (Madsen), con experiencia carcelaria reciente, es un sociópata que siente placer con la violencia y detesta a los policías. Rosa (Buscemi) es egoísta, cobarde, inteligente, frío y obstinado. Azul (Bunker) es un ladrón con experiencia y sin escrúpulos. Marrón (Tarantino) es joven, extrovertido y muy hablador. Marvin Nash (Baltz), secuestrado por Blanco, es un policía joven, padre de un niño de corta edad.

La narración se presenta fragmentada en saltos hacia delante y hacia atrás, que crean la apariencia de una gran complejidad. Una parte de los hechos suceden fuera del escenario del almacén y se conocen a través de referencias parciales que van explicando o sugiriendo los actores a través de los diálogos o se exponen por medio de imágenes en flashback. El espectador se ve movido a reconstruir los hechos que se explican ordenando las partes que componen el relato como las piezas de un rompecabezas. La inusual estructura narrativa confiere al film una apariencia de originalidad y de ruptura de moldes convencionales que adorna la cinta, junto con otros elementos, como los juegos que se establecen con lo ausente y lo que se deja fuera del alcance del plano. Añade imágenes sangrientas, situaciones violentas y escenas escalofriantes. Por lo demás, la cinta somete al público a un crescendo de tensión que se administra con habilidad y con resultados ciertamente efectivos. En poco tiempo la obra deviene película de culto.

…/
[Leer más +]
16 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Expiación, deseo y pecado
Expiación, deseo y pecado (2007)
  • 6,9
    36.705
  • Reino Unido Joe Wright
  • Keira Knightley, James McAvoy, Romola Garai, Saoirse Ronan, ...
8
Reparación
Drama de época realizado por Joe Wright (“Orgullo y prejuicio”, 2005), según guión escrito por Christopher Hampton, que adapta la novela “Atonement” (2001), de Ian McEwan. Se rueda durante el verano de 2007 en diversas localidades de Inglaterra, como las reservas naturales de Nene Washes y Ouse Washes, y en los platós de Shepperton Studios (Shepperton, Inglaterra, RU), con un presupuesto estimado (IMDb) de 30 millones USD. Nominado a 7 Oscar, gana uno (banda sonora), nominado a 14 premios Bafta, gana 2 (película y escenografía) y nominado a 7 Globos de oro, gana 2 (película y escenografía). Producido por Tim Bevan, Eric Fellner y Paul Webster, para Focus Features y Universal Pictures, se proyecta por primera vez en público el 29-VIII-2007 (Festival de Venecia, Italia).

La acción dramática principal se desarrolla en la mansión veraniega que la familia Tallis tiene en Surrey (Inglaterra, RU), en el hospital de Saint Thomas (Londres) y en el norte de Francia (Dunkerke y alrededores), entre el verano de 1935 y la primavera de 1940. Cecilia Tallis (Knightley), hija mayor del matrimonio Tallis, de 17 años, estudia en la Universidad. Es decidida, expeditiva, activa y desenvuelta. Está enamorada de Robbie Turner (McAvoy), hijo del jardinero de la mansión, de 18 años, estudiante universitario. Briony Tallis (Ronan), de 13 años, hermana de Cecilia, tiene una imaginación desbordante, le gusta escribir y acaba de terminar su primer relato. Curiosa, reservada, inexperta, solitaria e impulsiva, malinterpreta cosas que no entiende, sobre todo las relativas a las relaciones sentimentales de su hermana.

El film se caracteriza por el equilibrio que establece entre las formas y el fondo, la aportación de una historia intensa y poderosa, una narración escrita con fluidez, una trama rica en detalles y matices y la presencia de oportunos salpicados de un humor basado en la ironía, sutilezas y ocurrencias. La ambientación de época es excelente y natural. Contrasta los escenarios exuberantes, coloristas y luminosos de la primera parte con los escenarios sombríos y opresivos de la segunda mitad, que se presentan sucios, oscuros, embarrados, húmedos y desasosegantes. El ritmo es pausado y tranquilo al principio para transformarse luego en tenso y angustioso. Destacan las interpretaciones de Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan y la brevísima de Vanessa Redgrave, entrevistada por Antohony Minghella. La suma de drama, romance, intriga, misterio y guerra, bien hilvanada por el realizador, da lugar a un relato vibrante y cautivador.

Trata temas diversos como las diferencias y los prejuicios de clase, la brutalidad desoladora de la guerra, los sentimientos de culpa, la búsqueda de la expiación y del perdón, los celos, el amor de juventud, el paso del tiempo, las dificultades de comunicación, la inmadurez de la adolescencia, la pulsación del mal y los estragos que provoca, la perdurabilidad de los errores y de sus consecuencias, etc.

.../
[Leer más +]
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Petróleo sangriento
Petróleo sangriento (2007)
  • 7,2
    40.055
  • Estados Unidos Paul Thomas Anderson
  • Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, ...
8
Petróleo
Drama realizado por Paul Thomas Anderson (“Boggie Nights”, 1997), a partir de un guión escrito por él, que adapta libremente la novela “Oil” (1927), de Upton Sinclair (1878-1968). Se rueda en localizaciones de CA, Texas y Washington, con un presupuesto estimado (IMDb) de 25 millones USD. Nominado a 7 Oscar, gana 2 (actor principal y fotografía). Producido por P.A. Anderson, Joanne Sellar y Daniel Lupi, para Paramount Vantage, Miramax y Ghoulardi Film Company, se proyecta por primera vez en público el 27-IX-2007 (Fantastic Fest).

La acción dramática se extiende a lo largo de 31 años, desde 1898 hasta 1929, justo después del crack de la bolsa de Nueva Cork y del inicio brusco de la Gran Depresión. Tiene lugar en Texas, Little Boston (CA) y otros lugares de CA. El protagonista, Daniel Pleinview (Day-Lewis), pasa de ser (1898) un mísero buscador de oro con un hijo adoptivo a su cargo, al que ha de mantener y sacar adelante, a ser un próspero magnate del petróleo a partir de 1904. Nacido en Texas, es solitario, desconfiado, ambicioso, obsesivo, misántropo y misógino. No tiene palabra, es mentiroso y embaucador. Adopta como hijo a H.W. para reflejar una imagen de hombre paternal, cariñoso y de buenos sentimientos. Carece de escrúpulos y es duro y tiránico. Le dan la réplica el hijo y Eli Sunday (Dano), pastor de la Iglesia del la tercera revelación.

La obra se narra en un tono intimista, confidencial y parsimonioso, en busca de fórmulas y soluciones que delatan la admiración que el realizador siente por el cine clásico. Su habitual cinefilia se pone de manifiesto en las referencias que establece en relación con John Huston y H. Bogart (“El tesoro de Sierra Madre”, 1948), Richard Brooks (“El fuego y la palabra”, 1960) y Stanley Kubrick (“Lolita”, 1962). También admira el cine mudo de Chaplin, Keaton, Griffith y otros muchos. El personaje central incorpora elementos tomados de Orson Welles (“Ciudadano Kane”, 1948), de “Gigante” (Stevens, 1956) y de Elia Kazan (“El último magnate”, 1972).

Analiza temas relacionados con los principales motivos de preocupación del realizador y de gran parte de la opinión pública en el momento del estreno, tales como la violencia, la corrupción, el fanatismo religioso, la mezcla de la religión con intereses económicos, la competitividad, las relaciones entre padres e hijos, el individualismo, la ambición sin límites, la codicia y la naturaleza de unas relaciones sociales que engendran egoísmo, odios, abusos de poder, etc. Desarrolla un estudio detallado y apasionado de un personaje singular que se erige en símbolo de una generación y, a la vez, en alegoría del país más poderoso del mundo.

…/
[Leer más +]
10 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Boogie Nights
Boogie Nights (1997)
  • 7,3
    22.180
  • Estados Unidos Paul Thomas Anderson
  • Mark Wahlberg, Julianne Moore, Burt Reynolds, Don Cheadle, ...
8
Noches de fiesta
Segundo largometraje del realizador californiano Paul Thomas Anderson (Studio City, CA, 1970) (“Magnolia”, 1999), según guión original escrito por el mismo, que se inspira libremente en la biografía del actor John Holmes. Se rueda en escenarios interiores y exteriores de California con un presupuesto estimado (IMDb) de 15 millones de USD. Es nominado a 2 Oscar (actor y actriz de reparto). Producido por Paul Thomas Anderson, Lloyd Levin, John S. Lyons y Jeanne Selter, para Ghoulardi Film Company y New Line Cinema, se proyecta por primera vez en público el 11-IX-1997 (Toronto Film Festival, Canadá).

La acción dramática tiene lugar a lo largo de 6 años, entre 1977 y 1984, en localizaciones del Valle de San Fernando (CA). Eddie Adams (Wahlberg), un adolescente que a lo largo del film transita de los 17 a los 23 años, empleado de un club nocturno, ingenuo e inexperto, natural del sur de California, desea triunfar como actor de cine porno. Tras abandonar la casa de la madre, se relaciona con el enigmático Jack Horner (Reynolds) y su compañera sentimental, Amber Waves (Moore). Tiene ocasión de conocer a Brandy (Graham), apodada “Rollergirl”, guapa e ingenua, sin estudios, que abandonó la casa de sus padres, y a Scoty (Hoffman), adolescente desorientado y adicto a la cocaína y las anfetaminas. El protagonista real de la obra es el variopinto grupo coral de actores y actrices en el que Eddie se mueve y del que forma parte.

El film explora el mundo del cine porno entre finales de los 70 y primeros 80. Compone un interesante retrato de la realidad social del momento, marcada por los ideales hippies de vivir en libertad, la liberación sexual, la superación de viejos tabúes, la implantación de nuevas normas de conducta y el consumo de drogas (heroína, cocaína, anfetaminas…).

La narración es vibrante y briosa. Se desarrolla a un ritmo intenso y sostenido, que mantiene el interés del espectador a penas sin pausas. Los diálogos son breves y ágiles. Los caracteres se presentan diferenciados y bien definidos. Las interpretaciones de Burt Reynolds, Julianne Moore y Mark Wahlberg, son acertadas y verosímiles. Elogia la alegría de vivir, el hedonismo, la libertad. Muestra las consecuencias de la drogadicción (brotes paranoicos, impotencia, degradación personal…). Evita los juicios morales en beneficio de una exposición que busca ser objetiva y realista. El humor y la ironía, abundantes, se distribuyen a lo largo y ancho del metraje con gracia y sentido de la oportunidad. La obra es interesante, entretenida y reconfortante. Se ha escrito en varias ocasiones que refleja influencias de Martin Scorsese y Quentin Tarantino. El paso del tiempo la ha convertido en película de culto.

Anderson muestra su cinefilia dedicando guiños de simpatía a Kubrick, Martin Scorsese, George Lucas y otros. Cita películas de los años 70, como “Serpico” (1973), “Fiebre del sábado noche” (1977), “La guerra de las galaxias” (1977), y de épocas anteriores y posteriores.

…/
[Leer más +]
9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gladiador
Gladiador (2000)
  • 7,9
    183.914
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, ...
7
El gladiador
Superproducción realizada por Ridley Scott (Inglaterra, 1937) (“Thelma y Louise”, 1991). El guión, de David Franzoni, John Logan y William Nicholson, desarrolla una historia original de David Franzoni. Se rueda durante 4 meses en escenarios exteriores de CA, Marruecos, RU, Malta e Italia y en los platós de Shepperton Studios (Surrey, Inglaterra) y de Atlas Corporation Studios (Guazazate, Marruecos), con un presupuesto estimado (IMDb) de 103 millones de USD. Nominado a 7 Oscar, gana 5 (película, actor, vestuario, efectos especiales y sonido). Producido por David Franzoni, Branco Listig y Douglas Wick para Dreamworks y Universal, se proyecta por primera vez en público el 1-V-2000 (L.A., CA).

La acción dramática principal tiene lugar en Roma, los territorios de la antigua Germania, la ciudad de Zucchabar (NO de África) y proximidades, durante un período de varios años que se inicia el año 180 de nuestra era, último del reinado del emperador hispánico Marco Aurelio (Harris). El general imaginario de las legiones Félix, Máximo Décimo Meridio (Crowe), nacido en Augusta Emérita (Mérida, Hispania), tras tres años de guerra, gana la última batalla de Marco Aurelio contra Germania y obtiene la confianza y el afecto del emperador.

La obra es un drama histórico de acción, aventuras y venganza, que se encuadra en el género peplum (cine de romanos), abandonado y olvidado durante varias décadas por las productoras. Se ha escrito en varias ocasiones que la película se inspira en tres films: “Ben Hur” (Wyler, 1959), “Espartaco” (Kubrick, 1960) y “La caída del Imperio Romano” (Mann, 1964). Del último toma los personajes principales (Marco Aurelio, Cómodo, Lucilla y Livio), cambia el nombre del general (Máximo por Livio) y da continuidad a la historia prolongándola en el tiempo con un relato de ficción poco interesado en la precisión histórica.

El argumento es sencillo y ligero. Presenta una definición de los personajes centrales dibujada con acierto y riqueza de detalles. En este sentido sobresalen Marco Aurelio, anciano, cansado, ecuánime, lúcido y poderoso; Cómodo (Phoenix), ambicioso, traicionero y cruel; y Máximo, profesional competente, hábil, leal, fuerte y perseverante. La narración, fluida y vigorosa, acusa algunos excesos de grandilocuencia y solemnidad.

Los diálogos son breves y contundentes. Con frecuencia se ven deslucidos por la superposición de planos sonoros que transitan desde el fondo acústico a primeros o primerísimos planos. Los pasajes verbales que el film subraya son esquemáticos, reiterativos y simples. Demasiadas veces el relato verbal cede la preeminencia a los efectos acústicos de la banda sonora o del soundtrack, que llenan la sala de decibelios más con el propósito de impresionar que con el de enriquecer la densidad y profundidad del relato.

/…
[Leer más +]
30 de 33 usuarios han encontrado esta crítica útil
Thelma & Louise
Thelma & Louise (1991)
  • 7,2
    38.309
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey Keitel, Michael Madsen, ...
8
Dos mujeres
Drama, comedia y “road movie”, realizado por Ridley Scott (“Blade Runner”, 1982), según guión original de Callie Khouri. Se rueda en localizaciones de Arizona, Arkansas, Utah, California y Colorado, con un presupuesto de 16,5 millones de USD. Nominado a 6 Oscar (director, película, dos veces a actriz principal, fotografía, montaje y guión), gana uno (guión original). Producido por Ridley Scott y Mimi Polk para MGM/Pathé Entertainment, se proyecta por primera vez en público en mayo de 1991 (Festival de Cannes).

La acción dramática tiene lugar en EEUU a lo largo de varios días de 1990. Los protagonistas son dos amigas de Arkansas, que deciden emprender, sin sus parejas, un viaje de 3 días de evasión durante un fin de semana. Thelma Yvonne Dickinson (Davis) es una tímida ama de casa, ingenua, inexperta, coqueta, frustrada e inocente. Tiene treinta y pocos años y está casada con Darryl (McDonald), egoísta, hipócrita, maltratador y machista, que tiene éxito en los negocios. Louise Elizabeth Sawyer (Sarandon), de cuarenta y tantos años, soltera, trabaja como camarera en un restaurante de comidas rápidas. Tiene relaciones con Jimmy (Madsen), un músico con aversión al compromiso que está de gira casi siempre. Es práctica, audaz, decidida y romántica. Oculta secuelas de un incidente que sufrió en Texas hace algunos años, del que no quiere hablar. El inspector Hal Slocumb (Keitel) es comprensivo, competente e inteligente. J.D. (Pitt) es un joven autostopista, de unos 20 años, amigo de lo ajeno y con antecedentes. Otros personajes son el altivo y violento Harlan (Carhart), el camionero maleducado y bravucón, el ciclista afroamericano, el soberbio policía de patrulla, etc.

La historia es entretenida y brillante. Se presenta narrada con dinamismo y sometida a una envolvente y atractiva economía de medios. Se evita todo lo superfluo y redundante, para focalizar la atención en lo relevante y significativo. La definición de los caracteres de Thelma y Louise es rica en detalles y está bien desarrollada. El relato combina una excelente visualidad, una acción intensa y paralelismos sugerentes entre la evolución interior de los personajes, sobre todo el de Thelma, y las formas del entorno y del paisaje.

Trata temas de interés y actualidad, como las condiciones de vida de las mujeres en una sociedad marcada por el primitivismo, el machismo y la violencia masculina. Muestra los problemas laborales de la mujer para la que se reservan trabajos mal remunerados, serviles y sin futuro. Glosa la necesidad que tiene la mujer de luchar por su dignidad, autonomía y libertad. Desarrolla una historia hermosa y emotiva sobre la amistad femenina y sus valores. Defiende la igualdad de géneros y reivindica los derechos de la mujer en la vida doméstica, laboral y social. Desgrana con buen humor una crítica ácida del sueño americano.

…/
[Leer más +]
19 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
El último tango en París
El último tango en París (1972)
  • 6,9
    15.769
  • Italia Bernardo Bertolucci
  • Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud, Massimo Girotti, ...
8
El último baile
Drama romántico realizado por Bernardo Bertolucci (Parma, Italia, 1941), escrito por Bertolucci y Franco Arcalli. Sexto largometraje de Bertolucci, se rueda en escenarios exteriores de Paris y en estudio con un presupuesto estimado (IMDb) de 1.250.000 USD. Es nominado a dos Oscar (director y actor principal). Producido por Alberto Grimaldi para Produzioni Europee Associate (PEA) y Artistes Associés, se proyecta por primera vez en público el 14-X-1972 en el NY Film Festival (NYC, NY).

La acción dramática se desarrolla en París durante el invierno de 1972, a lo largo de varias semanas. El protagonista, Paul (Brando), es un americano de mediana edad, que reside en París desde hace 5 años. Arrastra el peso de una vida saturada de frustraciones e insatisfacciones personales, agravadas por el suicidio reciente de su esposa y por sentimientos de auto-odio. La protagonista, Jeanne (Schneider), es una parisina de 20 años, de familia acomodada, que trabaja como actriz aficionada. Es la prometida de Tom (Léaud), realizador de cine aficionado. Paul i Jeanne se conocen casualmente cuando ambos buscando piso coinciden en uno de la calle Jules Verne.

Entablan una relación de encuentros furtivos, de sexo sin barreras, sin reglas, sin amor, sin compromisos y sin intimidad. No se conocen y desean no conocerse. El sexo entre desconocidos es para ellos el recurso a través del cual buscan el exceso, la carnalidad salvaje, la trasgresión de las convenciones limitadoras, la libertad, la inocencia y la plenitud física. Sus encuentros clandestinos, no programados y anónimos (ambos desconocen el nombre y la historia del otro) tienen lugar en el piso de la calle Jules Verne, alquilado por Paul. Desordenado, sucio, lóbrego y aislado del mundo, es testigo de una relación no exenta de violencia verbal, fantasías de degradación, prácticas de dominación entre desiguales y toques sádicos.

La relación imposible entre los dos protagonistas está abocada a transformarse o a desaparecer. La atmósfera que envuelve la acción se presenta cargada de tensión erótica, deseo, soledad, desesperanza y desesperación. La narración, llena del barroquismo que tanto agrada al realizador, desarrolla bien la trama principal y las secundarias, define con acierto los caracteres protagonistas y mantiene el interés del relato con la ayuda contenida de la sorpresa, el sobresalto y la provocación, a la manera de otros films del momento. El nihilismo que informa el film, la desenfadada grosería de los diálogos y las sugerencias eróticas, acogen el estreno de la película con un gran escándalo, que provoca su retirada de los carteles de Italia.

…/
[Leer más +]
20 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los ojos sin rostro
Los ojos sin rostro (1960)
  • 7,5
    4.304
  • Francia Georges Franju
  • Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Mayniel, Edith Scob, ...
8
Juego de máscaras
Drama de crimen, horror y suspense, realizado por el director francés Georges Franju (1912-1987)(“La cabeza contra la pared”,1959). Adapta la novela “Les yeux sans visage”, de Jean Redon, según guión escrito por Pierre Boileau, Thomas Narcejac, Jean Redon y Claude Sautet, con diálogos de Pierre Gascar. Se rueda en estudio con tomas externas de Paris y alrededores. Producido por Jules Borkon para Champs Élisées Prod. Y Lux Film, se estrena el 11-I-1960 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Paris y en las afueras de la ciudad a lo largo de varios meses de 1959. Explora las relaciones entre locura, obsesiones, frustraciones personales, amor paternofilial y medicina aplicada al servicio del mal. El personaje protagonista es un médico cirujano que estudia los transplantes de piel de donantes vivos a receptores humanos. Experimenta con animales (perros y palomas) y personas. En algunos casos ha obtenido resultados satisfactorios. La obra constituye un ejemplo del cine sobre el mal uso de la medicina puesta en manos de un profesional de la cirugía malvado. La descripción de la personalidad del protagonista se basa en la asociación de un temperamento gélido, insensible al dolor ajeno, con sentimientos de culpa, obsesivo y arrogante, oculto bajo una engañosa apariencia de normalidad.

Los escenarios en los que se desarrolla la acción son lóbregos y opresivos. La parte principal de ellos se ubica en subterráneos claustrofóbicos y agobiantes, en los que se respira una atmósfera densa y siniestra, que perturba el ánimo y causa sensaciones de inquietud y angustia. Los escenarios contienen elementos simbólicos y alegóricos que suscitan reacciones de temor y ansiedad. En este sentido aportan su contribución la proyección de sombras, la balaustrada de barrotes del pasamos de la escalera, el reflejo de algunas imágenes en un gran espejo, las máscaras, etc.

Ladridos de desesperación de perros que no se ven, porque no están en el jardín, ni en la casa, ni en el subterráneo, elevan los niveles de misterio y tensión. El aspecto fantasmal de algunos personajes que se desplazan como almas en pena, a la manera de espíritus condenados al dolor y la desolación eterna, refuerzan el suspense. La desconfianza con la que el espectador mira a la policía provoca sentimientos de desamparo. La división del mundo en dos mitades, la explícita, visible y aparentemente normal de la clínica y la oculta y clandestina del subterráneo, alimentan percepciones de desequilibrios mentales graves.

La atmósfera del film se torna por momentos asfixiante y aterradora. En la segunda mitad del film se muestran imágenes que impresionan, turban y, en varias ocasiones, provocan horror y terror. La escena del bisturí recuerda la del ojo de Buñuel y Dalí en “Un perro andaluz” (1929), la de las pinzas trae a la memoria la creación del monstruo de Frankenstein ("El doctor Frankenstein", Whale, 1931), etc.

.../
[Leer más +]
20 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
La torre de los siete jorobados
La torre de los siete jorobados (1944)
  • 7,0
    3.022
  • España Edgar Neville
  • Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, ...
8
El siniestro Dr. Sabatino
Emocionante largometraje del realizador Edgar Neville (1899-1967) para algunos su obra culminante. Adapta la novela del mismo título, publicada como libro en 1920, de Emilio Carrère, según guión escrito por José Santugini y el propio Neville. Se rueda en los estudios CEA (Madrid) con el añadido de algunas tomas exteriores de Madrid. Producido por Luis Júdez para Germán López Prieto (España Films), se estrena el 23-XI-1944 (Madrid).

La acción dramática se desarrolla en Madrid, en torno a 1890, durante varios meses. Muestra la preferencia de Neville por el sainete de humor así como su notable capacidad para la mezcla de géneros, como la que se da en este film. En él se dan cita la comedia romántica, el cine fantástico, las obras de misterio e intriga, el relato costumbrista, el drama de terror y la historia surrealista. La obra, no exenta de algunas incoherencias, desgrana una exposición que capta la atención del espectador y se gana desde el principio su connivencia y simpatía.

La historia se basa en la figura literaria del enfrentamiento de contrarios u opuestos, que sirve para dar al relato realce, fuerza expresiva y consistencia. Contrasta el mundo real y el fantástico, las escenas diurnas y nocturnas, la primera parte del film y la segunda, el antihéroe y el malvado, el mundo exterior y el subterráneo, los vivos y los espectros, etc. Adicionalmente el film explora los misterios del azar, la muerte, la búsqueda de la verdad, etc. Basa el humor en la autocrítica amable de estereotipos como la glotonería, la presunción, las supersticiones, la intolerancia, el comercio de favores por dinero, etc.

Hace uso frecuente de referencias simbólicas. Madrid es para Neville la ciudad en la que habita la felicidad, la alegría y el bullicio colectivo, frente al universo subterráneo, poblado por las tinieblas, el crimen y la esclavitud. La obra opta por sumar realismo social, con toques de costumbrismo, casticismo, naturalismo y humor, y expresionismo plástico rico en juegos de claroscuro, formas en desequilibrio y elementos siniestros y perversos, presididos por la figura del Dr. Sabatino, que trae a la memoria otros doctores malvados del cine expresionista.

La fotografía, de Enrique Barreyre y Andrés Pérez Cubero, en B/N, sitúa en el centro visual una escalera en espiral que desciende hacia las profundidades del averno. El director artístico, Pierre Schild, la concibió y creó como centro de gravedad de una escenografía más que notable y pertinente. Otro motivo visual de importancia viene dado por la presencia de grandes espejos que cumplen funciones de nexo entre el mundo real y el imaginario. La banda sonora, de José M. Ruiz de Azagra, aporta un breve tema romántico, dedicado a Inés, junto a pasajes oscuros de notas profundas.
[Leer más +]
14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Street Scene
Street Scene (1931)
  • 7,5
    347
  • Estados Unidos King Vidor
  • Walter Miller, Sylvia Sidney, William Collier Jr., Estelle Taylor, ...
8
NYC 1931
Drama coral realizado por King Vidor (1894-1982) (“Duelo al sol”, “El manantial”). Adapta la obra de teatro “Street Scene” (1929), de Elmer Rice, ganadora del premio Pulitzer de teatro de 1929, según guión del propio Rice. Estrenada en Broadway en enero de 1929, obtiene gran éxito y alcanza las 601 representaciones. Se rueda en NYC con un presupuesto estimado (IMDb) de 584.000 USD. Producido por Samuel Goldwyn para The Samuel Goldwyn Company, se estrena el 26-VIII-1931 (NYC, NY).

La acción dramática se desarrolla en el Lower East Side neoyorquino, en 1931, durante 24 horas, divididas en una tarde y la mañana siguiente de unos calurosos días de agosto. A través de una galería de personajes arquetípicos y entrañables, analiza las historias, vivencias, problemas, conflictos, debilidades y ambiciones de una población de orígenes europeos diferentes (rusos, irlandeses, italianos, nórdicos, alemanes, etc.), en los tiempos difíciles de la Gran Depresión.

La película aporta un interesante retrato de época de Nueva York, de los primeros años 30, con sus rascacielos (el Chrysler Building…), tranvías, coches, ambulancias, furgones policiales, indumentaria, sombreros de galleta, curiosos tocados femeninos, niños que juegan en la calle, conversaciones de vecinos en las aceras y desde las ventanas, etc. La descripción es minuciosa y se presenta cuidada hasta el último detalle, como siempre gustó al realizador. Hilvana una sucesión de cuadros costumbristas, vigorosamente realistas, que retienen la atención, entretienen y complacen. La suma de los mismos compone un conjunto que supera la anécdota para reflejar una realidad que quiere ser general. El resultado es una obra encantadora y deliciosa, que conmueve y fascina.

Realizado antes de la entrada en vigor del ominoso Código Hayes, el film hace uso de un lenguaje directo y claro, que permite tratar sin circunloquios temas como la infidelidad, el adulterio, el matrimonio interracial, el alcoholismo juvenil, el machismo, el deseo, las frustraciones personales, la intolerancia y otros, que se exponen desde la observación sin prejuicios y sin juicios de valor añadidos. El relato respira autenticidad, verismo y transparencia, hecho que le confiere un atractivo perdurable.

Los principales protagonistas son Frank (Landau), irlandés, rudo, autoritario, desconsiderado y machista; Vincent Jones (McHugh), presumido, pendenciero y bravucón; Sam Kaplan (Collier), estudiante de derecho, enamorado de la chica, judío de origen ruso; Rose Maurrant (Sydney), joven, guapa, inexperta, que trabaja como administrativa en una oficina.

…/
[Leer más +]
11 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Biruma no tategoto (The Burmese Harp)
Biruma no tategoto (The Burmese Harp) (1956)
  • 7,6
    884
  • Japón Kon Ichikawa
  • Rentarô Mikuni, Shôji Yasui, Jun Hamamura, Takeo Naito, ...
8
Los soldados de Inouye
Drama bélico realizado por Kon Ichikawa (Japón, 1915-2008). Adapta la novela “Bruma No Tategoto” (1947), de Michio Takeyama, según guión de Natto Wada, pseudónimo de Yuniko Mogi, esposa del realizador. Se rueda en escenarios naturales de Myanmar (Antes Birmania) y Japón. Nominado al Oscar a la mejor película de habla no inglesa y al León de oro de Venecia, gana los premios San Giorgio y OCIC (Venecia). Producido por Masayuki Takaki para Nikkatsu Corporation, se estrena el 21-I-1956 (Japón).

La acción dramática tiene lugar en Burma (Birmania), en julio de 1945. La acción principal se desarrolla en el campo de prisioneros de guerra de la localidad de Mudon, sus alrededores y las vías de circulación circundantes. Los personajes principales son el soldado Mizushima (Yasui), aficionado a tocar el arpa birmana (instrumento musical sencillo, de construcción artesanal, que consta de 12 cuerdas), el capitán Inouye (Mikuni), al mando del pelotón al que pertenece Mizushima y la anciana (Kitabayashi).

Durante una misión cerda de un grupo de soldados japoneses que no quieren rendirse, el soldado Mizushima es herido y dado por muerto. En el camino de regreso, le es dado contemplar escenas escalofriantes de muerte y desolación. La pantalla muestra en cámara subjetiva escenas que ponen de manifiesto las consecuencias crueles y doloras de la guerra. No recoge secuencias de acción, sino solo muestras de sus estragos. Algunas imágenes contienen formas que recuerdan la iconografía aterradora de “El osario”, de Picasso. Pone en relación la descripción de los horrores de la guerra con la contemplación y la exaltación de la naturaleza, que se ve como fuente de vida y de belleza. La dibuja hermosa, generosa, acogedora, fértil y soberbia. La describe desde una visión panteísta predispuesta a divinizarla y adorarla de acuerdo con los postulados budistas que la sacralizan.

El estilo de la narración apuesta por la estilización lírica, el minimalismo expresivo y la depuración de las formas. Ofrece playas desoladas, llanuras yermas, montañas suavemente onduladas, silencios prolongados y gestos sumamente contenidos. Huye de la espectacularidad y el aturdimiento. En contraposición a la guerra, propone un conjunto de valores humanísticos relacionados con el compañerismo, el espíritu de servició a los demás, el altruismo, el sacrificio desinteresado y la práctica de la música y el canto como factores generadores de entendimiento y solidaridad entre las personas.

…/
[Leer más +]
9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Réquiem por un sueño
Réquiem por un sueño (2000)
  • 7,8
    119.193
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, ...
8
Camino de perdición
Segundo largometraje del realizador neoyorquino Darren Aronofsky (Brooklyn, NY, 1969) (“Cisne negro”, 2010). Adapta la novela “Réquiem for a Dream” (1978), de Hubert Selby (1928-2004), según guión escrito por el mismo Selby y por Aronofsky. Se rueda en escenarios reales de Coney Island (Brooklyn) y en estudio, con un presupuesto estimado (IMDb) de solo 4,5 millones de USD. Obtiene sendas nominaciones a los Oscar (actriz) y Globos de oro (actriz). Nominado a 5 Independent Spirit Awards, gana 2 (fotografía y actriz). Producido por Eric Watson y Palmer West, se proyecta por primera vez en público el 14-V-2000 en el Festival de Cannes (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Coney Island (Brooklyn y camino de Florida, en un momento pretendidamente indeterminado, a lo largo de unos dos años. La acción se centra en cuatro personajes principales: Sara Goldfarb (Burstyn), que hace el papel de madre, el hijo Harry Goldfarb (Leto), su pareja Marion Silver (Connelly) y su amigo de siempre Tyron C. Love (Wayans). El personaje de la madre, viuda, solitaria, atormentada y adicta a la TV, es el que se presenta mejor trabajado. Marion es una chica de familia acomodada, retraída, indolente e inadaptada, que se deja llevar. Harry carece de formación y de oficio, es ambicioso e idealista y arrastra un gravoso pasado de carencias afectivas. Tyron, afroamericano, acostumbrado a encontrar apoyo y cariño en los brazos protectores de la madre, carece de habilidades para abrirse camino en la vida y se siente cómodo a la sombra del liderazgo de Harry. La interpretación de Ellen Burstyn es magnífica y constituye uno de los grandes valores del film. Los otros tres protagonistas entregan trabajos meritorios y dignos.

El guión es sencillo y asequible. Narra una historia más bien conocida, que divide en dos líneas argumentales, que avanzan en paralelo y se potencian mutuamente mediante contrastes, contraposiciones y suma de efectos complementarios. La narración es intensa, cruda, rotunda y perturbadora. Contiene pasajes sobrecogedores, dispuestos en un crescendo que en la última parte del film alcanza una intensidad y fuerza demoledoras. La descripción del descenso al infierno de la droga, la autodestrucción y la desesperación, compone un cuadro terrible y escalofriante.

El relato se construye desde el punto de vista subjetivo de los personajes, dejando de lado estudios objetivos y análisis empíricos. Lo que interesa al autor es la experiencia subjetiva del consumo de drogas en situaciones avanzadas de descontrol. Expone con trazos amargos la escasa, nula o negativa, capacidad de respuesta del sistema sanitario ante enfermos drogodependientes. Lo ilustra con el uso del electroshock, abandonado en los años 70. Añade referencias a las relaciones entre consumo abusivo de drogas, sexo, exhibicionismo y prostitución. La cinta incorpora numerosas citas cinéfilas y guiños de simpatía que el realizador dedica a Kubrick, Coppola, Dany Boyle, Spike Lee y otros.

…/
[Leer más +]
24 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
De Vierde Man
De Vierde Man (1983)
  • 6,7
    1.412
  • Países Bajos (Holanda) Paul Verhoeven
  • Jeroen Krabbé, Renée Soutendijk, Thom Hoffman, Hans Veerman, ...
7
Chistine Halsslag
Último film europeo de Paul Verhoeven. Adapta la novela semiautobiográfica "Die Vierde Man" (1981), de Gerard Reve. Se rueda en exteriores de Holanda y en los estudios Anchor Bay (Malta). Gana el Premio Especial del Jurado del Festival de Cine Fantástico de Avoriaz, el FIPRESCI de Toronto y el LAFCA (película extranjera). Producido por Rob Houwer para De Verenige Nederlandsche Filmcompagnie (VNF), se estrena el 24-III-1983 (Holanda).

La acción tiene lugar en Amsterdam y Vlissingen (Holanda) durante unos pocos días. Narra la historia de Gerard Reve (Krabbé), escritor alcohólico, bisexual y católico, que acude a Vlissingen para dar una conferencia sobre su obra literaria. Allí conoce a Christine Halsslag (Soutndijk), hermosa, rica y enigmática, con la que entabla relación. Se enamora, a la vista de una fotografía, de uno de sus amantes. Entre sueños angustiosos, confusiones, alucinaciones alcohólicas y temores imaginarios, cree advertir que ella es una mujer peligrosa, codiciosa y sádica, que anda al acecho de víctimas mortales.

La película incluye numerosas referencias religiosas, tanto iconográficas (crucifijo, la Piedad, la Vigen y el niño...), como verbales y dramáticas . El sexo tiene una importancia capital y su tratamiento incluye desnudos, masturbación, apareamientos heterosexuales y relaciones homosexuales sugeridas en algunos casos y de alto voltaje en otras. La violencia se hace presente de modo explícito en escenas surrealistas, imaginarias, grabadas en VHS o supuestamente reales. La presencia de la muerte es constante a lo largo de la obra a través de indicaciones tan directas como el ataúd, la comitiva fúnebre, el cementerio, etc. La relación de la mujer y la muerte se glosa en la anécdota repetida de la araña que devora al macho tras la cópula, las imágenes de Sansón y Dalila, la marca Dalila de una línea de cosméticos, las incógnitas sobre el pasado reciente de Christine y su eventual doble condición de castradora perversa y viuda negra. La religión funciona como antesala, expresión o manifestación, de la locura humana.

A medida que avanza la historia, el film deviene un thriller con elementos de intriga, misterio y suspense psicológico y erótico, que retiene la atención del espectador y le sumerge en un universo de impresiones agitadas y fuertes. La narración es de textura barroca, obsesiva, surrealista y provocadora. El guión compone un cóctel caliente que busca la provocación y la comercialidad. En él se dan cita la religión, el sexo, la locura, la violencia y la muerte, anticipando elementos de “Instinto básico” (1992).

/...
[Leer más +]
7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Journal d'un curé de campagne
Journal d'un curé de campagne (1951)
  • 7,6
    1.949
  • Francia Robert Bresson
  • Claude Laydu, Marie-Monique Arkell, André Guibert, Jean Riveyre, ...
8
El cuaderno de notas
Tercer largometraje del realizador y guionista Robert Bresson (1901-1999). Adapta la novela “Journal d’un curé de campagne” (1936), de Georges Bernanos. Se rueda en estudio y en escenarios reales de la región del Paso de Calais (Francia), entre marzo y junio de 1950. Nominado al León de oro (Venecia), gana el Premio Internacional (Venecia), el Premio OSIC y el premio del Sindicato Francés de Críticos de Cine. Producido por Léon Carré y Robert Sussfeld para Union Générale Cinematrographique, se estrena el 7-II-1951 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Ambricourt (Artois), pequeña población del norte de Francia, con desplazamientos a Torcy y Lille, en 1949/50. La descripción de los caracteres principales, sobre todo el del protagonista, se presenta desarrollada con profundidad y acertada complejidad. El cura de la localidad, inexperto, novato, frágil, de mala salud, aunque cargado de buenas intenciones, es rechazado por sus parroquianos a causa de la extraña enfermedad que padece y la escasa religiosidad del lugar. Es, además, hostilizado por parte de algunos de ellos.

El film constituye un gran trabajo, que explora con lucidez poco común el mundo interior del protagonista, la soledad, el aislamiento, la marginación y las consecuencias físicas y psíquicas de una extraña enfermedad no diagnosticada. Añade un análisis clarividente de la amistad, el temor a la muerte, la vida rural, las relaciones entre padres e hijos, etc. Desarrolla la aproximación a los objetos de estudio con la mirada puesta, sobre todo, en las emociones que afectan al mundo interior de los personajes. Aparecen con cierta reiteración algunas de las constantes que acompañan al autor en su filmografía, como la presencia del mal, el silencio de Dios, la necesidad e inevitabilidad del sufrimiento físico y moral, la fragilidad de los personajes, el valor de la ingenuidad, etc.

La técnica narrativa se basa en el uso de actores no profesionales, el estatismo de las figuras, los planos cortos del rostro humano, la creación de sentimientos y situaciones que muestran, al margen de las palabras, las emociones íntimas de los personajes, etc. El estilo se caracteriza por el realismo, la sobriedad y el ascetismo expositivo, que prescinde de todos los elementos no esenciales y por ello innecesarios en opinión del autor. Compone elipsis brillantes que confieren profundidad y vigor a la narración y una agilidad muy cinematográfica al discurso.

La fotografía, de Léon Henri Burel, combina la sobriedad con composiciones que crean una belleza que destila clasicismo, equilibrio y fuerza expresiva. La música, de Jean Jacques Grünenwald, de cortes escasos y breves, se hace presente siempre con oportunidad. La obra toma algunas soluciones de “Dies irae” (Dreyer, 1943) e influye en la definición de caracteres de “Taxi Driver” (Scorsese, 1976).
[Leer más +]
17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil