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Críticas de Miquel
Críticas ordenadas por:
Thérèse Raquin (The Adultress)
Thérèse Raquin (The Adultress) (1953)
  • 7,4
    510
  • Francia Marcel Carné
  • Simone Signoret, Raf Vallone, Roland Lesaffre, Jacques Duby, ...
8
Teresa y Camilo
Notable drama realizado por Marcel Carné (1906-1996) a partir de un guión escrito por él mismo con la colaboración de Charles Spaak y con diálogos de este último. Se inspira en la novela “Thérèse Raquin” (1867), de Emil Zona. Se rueda en escenarios naturales de Lyon y Paris y en los platós de los Studios Neuilly (Sena). Producido por Raymond y Rober Hakim para Paris Films (Francia) y Lux Films (Italia), se estrena el 6-XI-1953 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en términos de presente a lo largo de unos pocos meses de 1952 en Lyon y Paris. Son los protagonistas Teresa Raquin (Signoret) y Laurent (Vallone), acompañados de Camilo Raquin (Duby), Georgette (Casilio), la madre Raquin (Sylvie) y otros. El film desarrolla un estudio detallado y amplio de los personajes, sus ambiciones, frustraciones, sentimientos y limitaciones. Teresa, de origen campesino y escasa formación, cuando se traslada a la ciudad se ve enfrentada a una vida mediocre, rutinaria y sin alicientes, que la ahoga, mortifica y desequilibra. Sólo encuentra sosiego en sus salidas esporádicas al campo o a las orillas del río que cruza la ciudad.

Al hilo de una historia fundamentalmente dramática, que guarda paralelismos y similitudes con la de “El cartero siempre llama dos veces” (James M. Cain, 1934). Carné realiza un atractivo trabajo de análisis de la vida humana sumida en la mediocridad y la esterilidad propias de la pequeña burguesía de provincias. En torno a la protagonista crea un universo opresivo, deprimente y desolador, que constituye uno de las mejores aportaciones del film. La historia focaliza la atención en el personaje de la protagonista y adopta su punto de vista. El mundo que la rodea y la oprime es descrito en términos que destilan la subjetividad del personaje y la amargura de su experiencia sin amor, sin libertad, sin iniciativa y sin felicidad. La narración eleva el tono dramático al mostrar la pulsación del destino y la imposibilidad de sustraerse al mismo.

Muy buen trabajo interpretativo de Simone Signoret en un papel complejo y profundo, central en el film. Raf Vallote aporta una interpretación notable, pero inferior en complejidad, frescura y naturalidad a la de Signoret. La banda sonora, de Maurice Thiriet (“Los niños del paraíso”, 1945), de aires orquestales, explica y potencia las emociones de los personajes y los que estas introducen en el ánimo del espectador. En ocasiones la música se funde con el soundtrack en combinaciones de potente emotividad y gran efectismo. La fotografía, de Roger Hubert (“La vaca y el prisionero”, Verneuil, 1959), en B/N, compone escenarios claustrofóbicos que contrasta con escenas exteriores (la inicial, la del juego de la petanca junto al río…) de abundante luz, cielos abiertos y alegría festiva (la mañana del domingo, el baile…). La estética de la obra se ajusta a un discreto y austero naturalismo, que suma sobriedad y realismo.
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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
La última noche de Boris Grushenko
La última noche de Boris Grushenko (1975)
  • 7,5
    15.798
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, Diane Keaton, Olga Georges-Picot, James Tolkan, ...
7
El amor y la muerte
Comedia bélica del realizador neoyorquino Woody Allen (“Manhattan”, 1979). Se basa en un guión original escrito por el propio W. Allen. Se rueda en escenarios de Budapest (Hungría) y París (Francia), con un presupuesto de 3 millones de USD. Gana el Oso de oro del Festival de Berlín. Producida por Charles H. Joffe para Jack Rollins y Charles H. Joffe Productions, se proyecta por primera vez en público el 10-VI-1975 (NYC, NY).

La acción dramática tiene lugar en varias localidades de Rusia (Moscú, San Petersburgo…) a principios del s XIX, en 1811/1812. El protagonista, Boris Grushenko (Allen) es un personaje de corta estatura, flaco, asténico, apocado, soñador, torpón, cobarde, pícaro, pacifista, con aficiones filosóficas y existencialistas, hijo de un padre iluso y una madre especialista en cocinar blinis. Sus hermanos, Iván y Mijail, son borrachos y pendencieros.

La acción se desarrolla a ritmo de “slaptisck”. Se basa en un humor disparatado y absurdo, con el que el realizador se siente cómodo y muy a gusto. Busca la sonrisa y la risa del espectador mediante la suma de parodias y farsa. Hace uso de citas cultas (Dostoievski, T. S. Elliot, Nabokov…). Combina parodias y homenajes cinéfilos dedicados a obras (“El acorazado Potemkin”, “Persona”, “Una noche en la ópera”, “Alexander Nevsky”, “El séptimo sello” …), autores y realizadores (Bergman, Eisenstein …) y cómicos (Chaplin, Stan Laurel, Bob Hope, Groucho Marx, que merecen su simpatía y admiración, Se burla de los ricos incultos y poco inteligentes, los presuntuosos, los petulantes, los imperialistas, los que padecen delirios de grandeza, el militarismo, la guerra, los borrachines, los codiciosos, etc.

Entre bromas y chanzas explora dos de los temas que más van a ocupar su atención en obras posteriores. Por un lado, se interesa por las relaciones amorosas, que muestra sometidas a códigos absurdos, dominadas por intereses materiales impropios y sujetas a impulsos caprichosos y ridículos, frágiles y efímeros y con frecuencia contradictorios. Por otro lado, muestra su preocupación por la muerte, que compara con el vacío y la nada. Se burla de los que quieren perpetuar su memoria dando nombre a productos o realidades perdurables (pasteles, platos de cocina, ciudades, accidentes geográficos, monumentos, etc.). La película, entretenida y grata, es una de las preferidas del autor.

La banda sonora recopila cortes soberbios de Mozart (“La flauta mágica”), Boccherini (un cuarteto de cuerdas) y, sobre todo, de Prokofiev (“Cantata de Alexander Nevsky” y otros fragmentos), que confieren a la cinta un tono solemne y épico, coherente con la reiterada comparación, mediante sobrentendidos, de Grushenko con el héroe ruso Alexander Nevsky que derrotó a los invasores teutones en 1242 y fue canonizado por la Iglesia rusa.
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12 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Varjoja paratiisissa
Varjoja paratiisissa (1986)
  • 7,2
    1.504
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Matti Pellonpää, Kati Outinen, Sakari Kuosmanen, Esko Nikkari, ...
8
Nikander
Primera entrega de la “trilogía del proletariado”, del realizador finlandés Aki Kaurismaki (“La chica de la fábrica de cerillas”, 1990). Se basa en un guión original escrito por el propio Kaurismaki. Se rueda en escenarios naturales de Helsinki y otras localidades de Finlandia. Producida por Mika Kaurismaki para Villealfa Filmproduction, se estrena el 17-X-1986 (Finlandia).

La acción dramática tiene lugar en Helsinki y localidades cercanas a lo largo de varios meses de 1986. El protagonista es Nikander (Pellonpaa), antiguo mecánico y actualmente chofer de un moderno camión de recogida diaria de residuos sólidos urbanos. Es un hombre solitario, taciturno, reservado y de pocas palabras. Se entretiene jugando al bingo, asistiendo a clases de inglés, apostando a las cartas con su amigo y oyendo música en casa o en el bar de la esquina atestado de gente que bebe y fuma. Conoce a Ilona Rajamaki (Outinen), cajera de un pequeño supermercado, que comparte piso con una compañera y que durante el último año ha sido despedida de tres trabajos diferentes. Simpatizan e inician una relación intermitente que combina encuentros, cenas de bocatas, plantones y desencuentros.

La trilogía del proletariado integra, además del film que comentamos, otros dos: “Ariel” (1988) y “La chica de la fábrica de cerillas” (1990). El realizador explora a través de ellos el mundo de frustraciones, explotación, trabajos precarios, despidos rápidos, salarios de supervivencia, exclusión social, marginación e insolidaridad que caracteriza y oprime a los asalariados sin cualificar o insuficientemente cualificados. El prortagonista puede ser un antiguo minero en paro, una muchacha que trabaja en una fábrica como apéndice de una máquina, una cajera de supermercado, la empleada de un matadero o un basurero. Se trata siempre de personas sencillas y corrientes, que carecen de futuro y de esperanzas. Arrastran vidas modestas, de escasas relaciones sociales y frecuentes apremios económicos. Viven al día, sin pensar en el mañana, porque lo que tienen no les da para más. En todos los casos ocupan un espacio social amenazado por la exclusión social y nunca exento de incidentes de marginación e insolidaridad.

El estilo narrativo es de una sorprendente austeridad, una sobriedad inusual y una parquedad dependiente de una encomiable economía de medios. Los personajes hablan poco, contienen la expresión corporal, transitan por la pantalla con caras serias y circunspectas, nunca esbozan una sonrisa o una mueca de satisfacción. El relato se ve invadido por una atmósfera de melancolía, sencillez, autenticidad y sinceridad, que despierta en el espectador sentimientos de seducción y fascinación.

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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ariel
Ariel (1988)
  • 7,4
    1.849
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Turo Pajala, Susanna Haavisto, Matti Pellonpää, Eetu Hikamo, ...
8
Taisto
Notable largometraje del realizador finlandés Aki Kaurismaki (“La chica de la fábrica de cerillas”, 1990). El guión, del mismo Kaurismaki, se inspira en el de “Un condenado a muerte se ha escapado”, de Bresson. Se rueda en escenarios naturales de Helsinki (Finlandia) y alrededores. Producido por A. Kaurismaki para Villealfa Filmproduction, se estrena el 21-X-1988 (Finlandia).

El film suma drama, crimen y romance. Son sus protagonistas Taisto Kasurinen (Pajala), minero del norte, que se traslada a Helsinki tras el suicidio de su padre, e Irmeli Pihlaja (Haavisto), madre de un chaval de 8 años, empleada del matadero municipal, que ha sido abandonada por su pareja. El relato de las aventuras y desventuras de Taisto sirve al realizador para explorar la realidad del país, azotado por el paro, los empleos precarios, la corrupción, la criminalidad, los errores policiales y judiciales, la marginación y exclusión social, el alcoholismo, la pobreza y la insolidaridad. Exalta los procesos de liberación personal y la oportunidad de la huida en busca de nuevos horizontes en tierras de promisión, justicia y libertad.

El discurso narrativo se presenta exento de grandilocuencias y adornos innecesarios. Depura el relato para quedarse solo con lo imprescindible. La narración es sobria, austera y marcadamente estilizada. Hace uso de diálogos lacónicos y gestos contenidos. Pese a todo, el film sugiere, glosa y explica muchas cosas. Aporta información significativa sobre muchos elementos que dan al discurso contenido y profundidad. Con su estilo y sus propuestas, Kaurismaki cautiva, seduce, fascina y convence.

La obra se inspira abiertamente en Bresson, sobre todo en su film “Un condenado a muerte se ha escapado” (1957). También, se inspira en su trabajo posterior “El dinero” (1983). No oculta la admiración que siente por Bogart y por su interpretación en “El último refugio” (Walsh, 1941). Por lo demás, exhibe la fascinación que siente por el mar y por la aureola de misterio e inmensidad que le acompaña. No oculta su gusto por los coches modernos, grandes, confortables y rápidos, que en este caso se concreta en un espléndido Cadillac blanco descapotable. Se sirve de algunos paralelismos para aportar significados, como ocurre con la comparación que establece entre el matadero municipal y la prisión del Estado, el precio de compra y el de venta de los coches de ocasión, el trabajo en el puerto y el paro, la visión de la madre y la del hijo, etc. Salpica la exposición con toques de humor, que en ocasiones se asocia a lo trágico o siniestro y a veces se manifiesta de modo sencillo y directo (despliegue de la capota).

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13 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tulitikkutehtaan tyttö (The Match Factory Girl)
Tulitikkutehtaan tyttö (The Match Factory Girl) (1990)
  • 7,4
    3.450
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Kati Outinen, Elina Salo, Esko Nikkari, Vesa Vierikko, ...
8
Iris
Singular drama escrito y dirigido por el realizador finlandés Aki Kaurismaki (“Un hombre sin pasado”, 2002). Se rueda en escenarios naturales de Helsinki (Finlandia) en agosto de 1989. Producido por Katinka Faragos, Aki Kaurismaki y Klas Olofsson, se estrena el 12-I-1990 (Finlandia).

La acción dramática tiene lugar en Helsinki en 1988/1989, a lo largo de unos doce meses. La protagonista, Iris, trabaja como obrera en una fábrica de cerillas de la ciudad. Su trabajo es monótono, aburrido e incómodo. Vive con su madre (Salo) y su padrastro (Nikkari), alcohólicos. La madre la trata con indiferencia y desafecto. El padrastro es violento con ella: la insulta y la pega. Se relaciona con Aarne (Vierikko), un profesional acomodado que la trata con insultante desprecio. Encuentra apoyo ocasional en su hermano (Sepalaa), que le echa una mano solo cuando se lo pide. Lo hace siempre con frialdad e indiferencia.

El film describe cómo se comporta la sociedad actual de un país avanzado en el que, pese a todo, se halla instalada la miseria, la explotación, la incomunicación, el individualismo, la violencia y la crueldad. Los medios de comunicación ponen de manifiesto los niveles de desorden, intolerancia y caos que rigen el mundo, gobernado por fanatismos irracionales, represiones brutales y gestos absurdos. Describe el desarrollo de la historia de una muchacha (Outinen) discreta, no excesivamente atractiva ni excesivamente inteligente, víctima de abusos en el trabajo, la familia y la sociedad. Al servicio de su lucha por encontrar un espacio de ocio, entretenimiento y felicidad pone en juego todas sus fuerzas y todas sus aptitudes.

Como es habitual en sus trabajos, el realizador desarrolla una narración esencialista, desprovista de adornos y de elementos innecesarios. Construye un relato sobrio, sumamente austero, escueto y soberbiamente estilizado. El guión es parco en palabras: solo usa las imprescindibles, muy pocas. La expresión corporal de los actores es contenida, con tendencia al estatismo y la inexpresividad. Con frecuencia se apoya en referencias visuales para sugerir contenidos, como la silla junto a un teléfono mudo, la sopa de cachos de pan, el tabaquismo de la madre, el vestido rojo, la carta franqueada, etc. Es notable la templada interpretación de la protagonista, Kati Outinen, esposa del realizador. La cinta se presenta salpicada de toques de humor de trazos siniestros, que invitan a sonreír y a reír.

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11 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
La voz dormida
La voz dormida (2011)
  • 7,2
    18.459
  • España Benito Zambrano
  • Inma Cuesta, María León, Marc Clotet, Daniel Holguín, ...
6
El cuaderno
Tercer largo de Benito Zambrano (“Solas”, 1999), realizado a partir de un guión del propio Zambrano y Benito del Moral, que adapta la novela homónima (2002) de Dulce Chacón. Se rueda en escenarios naturales y en estudio, con un presupuesto de 3,5 millones de euros. Obtiene 3 Goya (actriz revelación, canción original y actriz de reparto). Producido por Antonio P. Pérez para Maestranza Films (Sevilla), se proyecta por primera vez en público el 21-X-2011 (Festival de S. Sebastián).

La acción dramática tiene lugar en Madrid, entre 1940 y 1963, a lo largo de 24 años, si bien la mayor parte de la acción se concentra en los primeros años de la posguerra. La recreación de escenarios (cárcel de Las Ventas, pensión de la calle Atocha, casa de la Sra. Celia…) es acertada y convincente. Se presenta muy cuidada y es rica en detalles, de acuerdo con los gustos de Zambrano. Destaca el diseño del vestuario de época y la justa economía de medios en la que se inspira la dirección de producción.

El mayor atractivo del film viene dado por la interpretación ajustada, natural y seductora, de María León en el papel complejo y difícil de la cordobesa Pepita “Pepi” Rodríguez García. Sostiene el personaje y le da vida con convicción y con la tensión dramática pertinente. Por lo demás, se adapta a su evolución temporal con buen temple y con unos resultados que me ha parecido que constituyen uno de los mayores valores del film. Inma Cuesta, por su lado, entrega un trabajo muy meritorio en la interpretación que hace de Hortensia (“Tensi”) que afronta una realidad desgarradora con la fuerza de su dignidad y de sus convicciones. Merece un sincero aplauso la canaria María Wagener, por su trabajo sobrio y aplomado en el papel de la buena carcelera Mercedes. Ganó justamente el Goya a la mejor actriz de reparto.

Merece un apartado específico la fotografía de Alex Catalán (“También la lluvia”, Bollaín, 2010), que sitúa la cámara en los ángulos precisos, compone encuadres de gran belleza plástica, ilumina los espacios con imaginación y notable fuerza expresiva y resuelve el dinamismo de las figuras combinando con solvencia muy variados registros. Maneja el cromatismo con la habilidad de un mago capaz de extraer tensión dramática de los azules y tierras neutros de la prisión, de los verdes fríos y los grises de la Sierra, de los caquis inverosímiles de uniformes amenazantes y de los brillos plateados de las calles desiertas del Madrid de madrugada. La calidad cromática de la fotografía trasporta al espectador a una realidad cierta, pero increíble; pasada, pero todavía presente; superada, pero aún pendiente.

(Sigue sin espoileres/aguafiestas)

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15 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Whole Town's Talking
The Whole Town's Talking (1935)
  • 6,7
    418
  • Estados Unidos John Ford
  • Edward G. Robinson, Jean Arthur, Arthur Hohl, Arthur Byron, ...
7
Hacia la fama
Notable comedia dramática realizada por John Ford a partir de un guión escrito por Jo Swerling y Robert Riskin, que desarrolla un argumento tomado del relato “Jail Breaker”, de W. R. Burnett, autor de la novela “La jungla de asfalto”. Se rueda en los Columbia Studios. Producido por Lester Cowan para Columbia Pictures, se estrena el 22-II-1935.

La acción dramática tiene lugar en una gran ciudad norteamericana (NYC) en 1934. El humor se basa en enredos y confusiones, de una parte, y en exageraciones, despropósitos y comportamientos absurdos, de otra. El realizador somete a una crítica ácida a la prensa, la policía y la sociedad americana. Lo hace con soltura, descaro, habilidad y un buen pulso narrativo, apoyado en un ritmo endiablado. No oculta su preferencia por las mujeres rubias, los coches descapotables, las aglomeraciones, las motos, los taxis neoyorquinos, y las escenas multitudinarias (oficina, patio de la prisión, calles de NYC, etc.). Muestra avances técnicos curiosos como una calculadora mecánica tan grande que el operador ha de trabajar de pie, últimos modelos de coches, teléfonos de sobremesa, arquitecturas de interior ultramodernas y luminosas, etc.

Con ironía y agudo sentido del humor enfrenta dos personajes de extraordinario parecido físico, pero de personalidades antagónicas. Uno es Jones (Robinson), perona oscura, oficinista ejemplar, tímido, retraído, apocado, cobarde y bondadoso. Su doble y oponente es cruel, despiadado, autoritario y malvado. Junto a ellos destaca la figura de la Srta. Clark (Arthur), de buen corazón, anticonvencional, moderna, autónoma y libre, que encarna el modelo emergente de la nueva mujer americana. Ella es el personaje que se lleva los elogios del autor, enemigo de la violencia y crítico de la bondad servil del protagonista.

Abundan los personajes singulares, fuente de humor y a la vez de amargura, las dos dimensiones del film. Cabe citar a la tía Ágata, de la que se llegan a saber muchas cosas, pero solo se la ve en una escena efímera; al Sr. Seaver, jefe de la oficina que busca sin descanso su recompensa; al asustado confidente Slug Martin; al disparatado director de la compañía, etc. Casi todos los personajes exhiben un fondo humano entrañable y todos a la vez se comportan de manera desquiciada. Lo hacen en el marco de una situación de crisis económica y de depresión, que reclama obras de entretenimiento y evasión como las de Frank Capra y de otros muchos, entre los que se cuenta el polifacético y versátil John Ford.

La banda sonora, de Misha Bakaleinikoff, cumple funciones de acompañamiento con discreción y eficacia. La fotografía ofrece efectos especiales notables, escenas multitudinarias espectaculares y secuencias de sutil y muy grato intimismo. La obra es entretenida, está bien narrada y contiene momentos que anticipan la brillantez del Ford de los 40 y siguientes.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cría cuervos...
Cría cuervos... (1976)
  • 7,4
    5.615
  • España Carlos Saura
  • Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Mónica Randall, Mayte Sánchez, ...
8
Ana y sus hermanas
Notable drama escrito y dirigido por Carlos Saura (Huesca, 1932). Se rueda en escenarios naturales de Madrid y Quintanar (Segovia). Nominado a la Palma de oro, gana el Gran Premio del Jurado (Cannes). Producido por Carlos Saura para Elías Querejeta Producciones, se estrena el 26-I-1976 (Madrid).

La acción dramática tiene lugar durante el verano de uno de los primeros años de la década de los años setenta. Ana (Chaplin), de 29 años, evoca sus recuerdos de infancia, tras la muerte repentina de su padre. Repasa mentalmente las vivencias que tuvo 20 años antes, cuando tenía 9 años, en compañía de sus hermanas Irene y Maite. Revive los recuerdos que como niña guarda de su madre María (Chaplin). Ana (Torrent) se muestra en sus recuerdos como una cría triste, seria, fría y distante. Paulina es recordada como una persona estricta, mandona, intrusiva, antipática y rígida. La sirvienta Rosa es recordada como modelo de sencillez y naturalidad.

La narración se teje de la mano de un narrador que viene dado por la imaginación y la memoria de la chiquilla. De su mano, el relato experimenta saltos temporales, avanza y retrocede, mezcla recuerdos y fantasías, experiencias y deseos. El punto de vista de la historia es el de la pequeña. Se caracteriza por su ingenuidad, las confusiones que la afectan, los errores de apreciación que comete, la subjetividad que proyecta y la ternura que desprende.

El mundo que contempla Ana a través de sus recuerdos está lleno de violencia y crueldad. El ambiente general es opresivo y está dominado por la presencia de la muerte y sus símbolos (pistola, falso veneno…). Niños y niñas incorporan a sus juegos pautas de conducta de los mayores. Desarrollan traumas y obsesiones malsanas y creencias en falsos poderes mágicos. El mundo real que se proyecta a través de las vivencias de Ana está dominado por el absurdo y la irracionalidad, como indican los toques surrealistas del film.

La obra hace uso de un lenguaje alegórico y metafórico, que permite abordar temas difíciles y críticos con delicadeza. El film es complejo y aparentemente oscuro. Su estética se enmarca en el ámbito del realismo onírico. Las interpretaciones son creíbles y satisfactorias. Florinda Chico des borda simpatía y Ana Torrent está convincente.

La banda sonora combina fragmentos de la canción “Maricruz” (Imperio Argentina), de “Canciones y danzas nº 6” (Mompou) y de la canción “Por qué te vas” (Jeannette), que el film estrena. La fotografía, de Teodoro Escamilla (“La ciutat cremada”, Ribas, 1976), en color (eastmancolor), sitúa el drama en un escenario ambivalente. Es luminoso y espacioso en el exterior de la mansión, pero lóbrego y claustrofóbico en el interior, de luces expresionistas y fantasmagóricas. Contrasta la dureza de las denuncias que se plantean con el rostro infantil, sereno, vivaracho y tierno de Ana Torrent.
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21 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
No habrá paz para los malvados
No habrá paz para los malvados (2011)
  • 6,0
    38.135
  • España Enrique Urbizu
  • José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, ...
6
Sin paz
Thriller policíaco realizado por Enrique Urbizu (“La caja 507”, 2002) a partir de un guión escrito por el propio Urbizu y Michel Gaztambide. Se rueda en escenarios reales de Madrid y Alicante (Ciudad de la luz) en 2010. Gana 6 Goyas. Producido por Gonzalo Salazar-Simpson y Álvaro Agustín, se proyecta por primera vez en público el 23-IX-2011 (Festival S. Sebastián).

La acción dramática tiene lugar en España en 2010 a lo largo de varias semanas. La película se basa en una historia que mezcla drogas, prostitución, tráfico de personas, intriga policíaca y terrorismo, en un conjunto que resulta espeso y poco creíble. El guión compone un relato de intriga y acción deslavazado, que en algunos momentos se hace difícil de seguir porque suma historias diferentes, varias líneas de investigación criminal simultáneas, una subtrama sólo esbozada y una aparatosa ocultación de información que se desvela caprichosamente.

La definición de caracteres queda a medio camino de lo debería haber sido su recorrido natural. Se describen algunos aspectos relevantes de la psicología del protagonista y de algunos otros personajes, como la jueza, sin desvelar lo que piensan realmente y lo que les mueve a comportarse como lo hacen. El inspector Santos, el protagonista central, es inteligente, competente, violento, arrastra una amargura inmensa y se ha convertido en un solitario que tiene problemas con el alcohol. De él se llegan a saber muchas cosas, pero no se alcanza a conocer las cuestiones fundamentales que permitan entenderlo adecuadamente. Sobresale la interpretación de José Coronado y la expresiva sobriedad de Helena Miquel.

Es excelente la banda sonora, compuesta por Mario de Benito (“La vida mancha”, 2003). Es original, moderna, se deja oír con placer, crea ambientes y sugiere sentimientos. Se mueve con versatilidad y hace uso de una amplia gama de matices, que dan al film profundidad y variedad. Combina con acierto instrumentos clásicos de cuerda, viento y metal, de los que extrae sonidos limpios y claros. Dibuja con precisión el temor, la perplejidad, la sorpresa, la inquietud, la tensión y también contribuye a definir rasagos concretos de la acción.

La fotografía, de Unax Mendía (“En la ciudad sin límites”, A. Hernández, 2002), compone un relato dinámico, de ambientes variados, escenas justamente breves y rápidas e imágenes de excelente concepción y notable diseño. Madrid se identifica con una sobrecogedora visión desde la lejanía de las cuatro torres de la antigua ciudad deportiva. Sin caer en excesos, se sirve de algunos símbolos visuales premonitorios, como el águila disecada, que aplica a un personaje concreto. Sobran, por lo demás, visiones sangrientas, situadas entre lo explícito y lo sugerido sin ser del todo ni lo uno ni lo otro. No le faltan aptitudes a Urbizu, autor de “La vida mancha” y “La caja 507”. Le falta en esta ocasión una buena historia, bien escrita, que atrape, seduzca y convenza.
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13 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto
Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (1995)
  • 6,9
    8.476
  • España Agustín Díaz Yanes
  • Victoria Abril, Federico Luppi, Pilar Bardem, Guillermo Gil, ...
8
Nadie hablará
Primer largometraje realizado por Agustín Díaz Yanes (Madrid, 1950), que escribe y dirige el film. Se rueda en Madrid en escenarios naturales y en escenarios no naturales montados al efecto (escenas mejicanas). Gana el Premio Especial del Jurado y la Concha de plata a la mejor actriz protagonista (Victoria Abril). Nominado a 10 Goya, gana 8 (película, guión original, actriz principal, actriz de reparto…). Producido por Edmundo Gil para Flamenco Films, Xaloc SA, Cartel SA y Renn Productions, se proyecta por primera vez en público el 16-IX-1995 (Festival de San Sebastián).

La acción dramática tiene lugar en Madrid y en Méjico D. F. (Méjico) durante unos dos o tres meses (entre enero y abril de 1995, aproximadamente). Gloria Duque (Abril), de 33 años, española, casada con Juan (Alcázar), torero de profesión, huye a Méjico tras la cornada que deja a Juan en coma permanente. Un tiempo después es repatriada. Julia (Bardem), madre de Juan, es una mujer fuerte, culta, inteligente e idealista. Eduardo (Lippi) es un matón veterano, al servicio de un grupo criminal mejicano liderado por doña Amelia (Murgía). Gloria es débil, no le acompaña la suerte, es alcohólica y ocasionalmente practica la prostitución. Cuenta con el apoyo y el afecto de Julia.

La historia, basada en un guión original, comienza como un thriller violento que deviene un drama de degradación. Es crudo, enérgico y contundente. La narración es de un intenso tono realista, especialmente en la descripción de la espiral de violencia que focaliza la atención. Los diálogos son breves, secos y cortantes. La acción se mueve al amparo de dos líneas de intereses diferentes y enfrentados a numerosas dificultades. Los personajes, situados en una u otra línea, todos huyen de algo, se enfrentan a obstáculos y debilidades, luchan sin descanso y se esfuerzan por sobrevivir. No son ni héroes, ni heroínas: son supervivientes en un mundo sórdido, despiadado, cruel y corrupto. No son ni reyes ni reinas, ni príncipes ni princesas: son víctimas de la pobreza, la explotación, las adicciones, las obsesiones, las amenazas que los ahogan, los dilemas morales y de un destino que parece inexorable, invencible y fatal.

Las suyas son historias de situaciones límite, de huidas y búsquedas, de culpas y ansias de redención. El guionista se inspira en los thrillers y dramas de Scorsese, Peckinpah, Tarantino y otros. El film es duro, tenso e intensamente dramático. En varias escenas se alcanzan niveles estremecedores de violencia. Ofrece momentos particularmente gratos en algunas de las secuencias no violentas. Son loables las interpretaciones que entregan Victoria Abril, Pilar Bardem y Federico Luppi. Sobresale Victoria Abril.
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9 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Carne trémula
Carne trémula (1997)
  • 6,0
    13.726
  • España Pedro Almodóvar
  • Javier Bardem, Francesca Neri, Liberto Rabal, Ángela Molina, ...
7
Carne viva
Decimotercer largometraje de Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949), escrito por él con la colaboración de Ray Lóriga y Jorge Guerricaechevarría, se basa en la novela “Live Flesh” (1986), de Ruth Rendell. Se rueda en escenarios naturales de Madrid, exteriores y de interior. Producido por Agustín Almodóvar para El Deseo y Ciby 2000, se estrena el 10-X-1997 (España).

La acción dramática se inicia durante las fiestas de Navidad de 1970 (prólogo) y tiene lugar en 1990, 1992 y 1996, para terminar en 1997 (epílogo). Víctor Plaza Caballero (Rabal) nace poco antes del día de Navidad de 1970 en un autobús de Madrid. Veinte años después es repartidor de pizzas a domicilio. Es hijo único de Isabel Plaza (Cruz), nacida en 1947, que trabajó como prostituta en Madrid a partir de los últimos años 60. Víctor conoce a Elena (Neri), hija del cónsul de Italia. Cuando la visita en su casa, coincide allí con dos policías de paisano, David Paz (Bardem) y Sancho (Sancho), de 25 y 40 años respectivamente. Sancho está casado con Clara (Molina).

Víctor es joven, inmaduro, inexperto, ingenuo, solitario, orgulloso y fuerte. Vive con su madre en una casa prefabricada de la barriada de La Ventilla (Madrid), próxima a las torres Kio, condenada a desaparecer. Elena, de familia acomodada, es caprichosa, consentida, está desorientada, consume drogas y se siente presa de sentimientos de culpa. David es razonable, equilibrado y apasionado. Trabaja como policía hasta que se dedica al basket. Sancho es irascible y violento, bebe demasiado, vive amargado, no se sabe controlar y maltrata a su esposa. Clara es una mujer hermosa, insatisfecha, sufridora, que levanta pasiones en los hombres. Dos mujeres y tres hombres protagonizan un drama de pasiones encontradas, lleno de incidencias calamitosas.

El film suma drama, thriller, cine negro y tragedia clásica. El guión analiza la psicología y la idiosincrasia de los personajes principales con propósitos de profundidad. Los caracteres se definen con un nivel de precisión mayor que en los trabajos precedentes. La buena definición de los protagonistas facilita que el relato adquiera complejidad y textura, pero en ocasiones se satura la capacidad de percepción del espectador, a causa de faltas de orden y de sistemática. A causa de las limitaciones conceptuales del relato y la exhuberancia de sentimientos, el film funciona más por la vía de la acumulación de emociones, que por la vía de creación de fuerza dramática. Confía demasiado en la suma de personajes cruzados y vidas en parte superpuestas. La agregación de incidencias múltiples de tensión, celos, envidias, rupturas, reconciliaciones, decepciones, riñas y reencuentros, no siempre es fuente de vigor dramático.

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10 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mean Streets
Mean Streets (1973)
  • 6,9
    14.776
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, ...
8
Calles peligrosas
Tercer largometraje de Martin Scorsese (Flushing, NY, 17-XI-1942), escrito por el mismo y su amigo Mardik Martin. Se rueda durante 21 días en L.A. y durante 8 en NY, con un presupuesto de 500.000 USD. Producido por Jonathan T. Taplin para Warner, se proyecta por primera vez en público el 2-X-1973 (NY Film Festival).

La acción dramática tiene lugar durante unos pocos días del otoño de 1972 en Little Italy (Manhattan) y en otros barrios de NY. Charlie Cappa (Keitel), de 27 años, serio, comprensivo y reflexivo, vive obsesionado por el pecado y la redención. Johnny “Boy” (De Niro) trabaja como estibador portuario y es bromista, mentiroso, caprichoso, irresponsable, altivo y vulnerable. Es primo y el mejor amigo de Charlie. Tony (Proyal) es el propietario del bar Volpe’s, de Mulberry Street, la vía principal de Little Italy. Le gustan los animales y no quiere en su establecimiento ni drogas, ni peleas. Michael (Romanus), que se propone prosperar como mafioso, es más violento que sus compañeros, encaja mal las bromas y carece de ambiciones. El tío Giovanni (Danova), jefe de la mafia local, es tío de Charlie. Teresa (Robinson), es prima y novia de Charlie.

La narración se apoya en la voz en “off” de un narrador, que es la del protagonista de la historia. Los diálogos son tan abundantes, que en ocasiones crean en el espectador sensación de cierta fatiga. El film añade un rico repertorio de recursos visuales, que tienden a aligerar la densidad verbal y a imprimir agilidad a la acción.

La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exhuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.

El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, trasgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes.

(Sigue sin aguafiestas/espoileres)

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24 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
La flor de mi secreto
La flor de mi secreto (1995)
  • 6,3
    9.033
  • España Pedro Almodóvar
  • Marisa Paredes, Imanol Arias, Juan Echanove, Carmen Elías, ...
7
El secreto
Decimosegundo largometraje de Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24-IX-1949). El guión, escrito por P. Almodóvar, se inspira en el relato breve “The Lovely Leave” (1943), de Dorothy Parker. Se rueda en escenarios naturales de Madrid y Almagro (Ciudad Real). Es nominado a 7 Goya. Producido por Esther García y Agustín Almodóvar para El Deseo, se estrena el 22-IX-1995 (España).

La acción dramática tiene lugar en Madrid, Almagro y Parla (Madrid) durante la primavera de 1995. Leocadia “Leo” Macías (Paredes) es una escritora de novelas rosa de éxito, que se oculta tras el pseudónimo de Amanda Gris. Después de un período de crisis matrimonial, su marido la abandona y a ella el mundo se le viene abajo. Paco (Arias) es militar de carrera y trabaja en Split (Croacia) al servicio de la OTAN. Betty (Elías), psicóloga de renombre, es la mejor amiga de Leo y la ayuda a encontrar trabajo. Le manda visitar a Ángel (Echanove), un periodista sensible, jefe de la sección de cultura de un diario madrileño, simpático, cinéfilo, algo bebedor y dado a leer melodramas. Leo visita con frecuencia a su hermana Rosa (de Palma), que vive en Parla junto a su madre.

La narración se desarrolla de manera lineal y directa. Focaliza la atención en torno a un personaje central y dominante, cuyo retrato se define con pulcritud y profundidad. Conocedor de la psicología femenina, Almodóvar construye una figura que define con trazos seguros y una amplia riqueza de detalles. En torno a ella desarrolla la historia, que en esta ocasión se presenta menos dispersa y mejor centrada que en otros trabajos. El lenguaje que se usa es más sobrio, contenido y equilibrado que el habitual del realizador. Por lo demás, el relato se enmarca en un contexto más positivo y más grato que el dependiente del agudo pesimismo que informa buena parte de sus películas. Incorpora, además, un personaje masculino tan positivo como el de Ángel, comprensivo, amable, generoso, dispuesto a ayudar a Leo y capaz de echarle una mano.

El film adquiere formas de drama psicológico, emocional y personal, que afecta a la protagonista en términos verosímiles y convincentes. Posiblemente es por ello por lo que el espectador capta su fuerza y su profundidad, se hace cargo de las terribles consecuencias que tiene en el ánimo de la protagonista y es capaz de simpatizar con ella y comprenderla. La magnífica interpretación de Marisa Paredes, la actriz preferida de Almodóvar, lleva al público a constatar el pálpito humano de una mujer que se revela viva, de carne y hueso, real y verdadera. Algunos consideran que en esta ocasión, como en otras cintas de Almodóvar, la actriz entrega algunas sobreactuaciones. Al respecto conviene decir que en todo caso el nivel de la intensidad de la representación está programado, es el que el realizador y la actriz dan por bueno y está puesto al servicio de una dramatización que en su conjunto complace y convence.

(Sigue sin espoileres/aguafiestas)

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17 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
La piel que habito
La piel que habito (2011)
  • 6,6
    53.588
  • España Pedro Almodóvar
  • Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, ...
8
La tarántula
Decimoctavo largometraje realizado por Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949). El guión, escrito por Pedro Almodóvar con la colaboración de Agustín Almodóvar, se basa en la escalofriante novela “Mygale” (1995), de Thierry Jonquet. Se rueda en escenarios naturales de Toledo, Galicia (Santiago de Compostela, La Estrada y Ponte Ulla) y Madrid, con un presupuesto estimado de 13 millones de USD. Nominado a 16 premios Goya, fue nominado al Globo de oro a la mejor película de habla no inglesa. Producido por Agustín Almodóvar para El Deseo, se proyecta por primera vez en público el 19-V-2011 (Festival de Cannes, Francia).

La acción dramática tiene lugar en España (Madrid, Toledo y otras localidades) en dos etapas (2006 y 2012). El cirujano plástico Robert Ledgard (Banderas) quedó viudo con una hija de unos 7 años, Norma (Sánchez), al morir abrasada su esposa en un accidente de tráfico en carretera. Traumatizado por el hecho, se dedica a investigar las técnicas de cultivo de piel en laboratorio. Lo consigue tras 12 años de trabajos. Marilia (Paredes), su ama de llaves, que dice ser su madre, le apoya sin reservas con su discreción, lealtad y complicidad. Vicente (Cornet) es un muchacho de unos 18 años, que conoce a Norma en una fiesta veraniega. Vera Cruz (Anaya) es una muchacha de unos 18 años, paciente del doctor Robert. Es dulce, reservada, cariñosa y enigmática. Robert es frío, carece de escrúpulos, es obsesivo y maniático. Marilia, de unos 70 años, es una mujer fuerte, solitaria, frustrada y de pasado tormentoso y oscuro. Norma es tímida, introvertida, depresiva y frágil.

La narración se desarrolla de una manera no lineal para dosificar a los largo del metraje la información relevante que se proporciona al espectador. Por lo demás, esta figura de estilo aporta al relato elementos de dinamismo, movimiento y agilidad, que incrementan la capacidad de retener la atención del público. El lenguaje hace uso de formas más contenidas, elípticas y respetuosas, que buena parte de los trabajos anteriores del autor. La puesta en escena se beneficia de un detallismo cuidadoso y perfeccionista, en algunas ocasiones próximo al esteticismo. La composición de los escenarios y la construcción de los encuadres son tributarios de los espacios inquietantes y lúgubres de las viejas y nuevas películas de terror y horror, como la escalera, el tunel gótico, la ausencia de vecinos próximos, etc.

Las paredes de la vivienda se presentan decoradas con importantes pinturas clásicas y modernas. Destacan “La Venus de Urbino” y “Venus y un organista”, reproducciones de Tiziano. Se ven collages de Juan Gatti, un cuadro original de Guillermo Pérez Villalta y otros (una magnífica tela surrealista), que aportan sugerencias y alegorías de sentimientos y emociones. Las imágenes repetidas del fuego evocan al infierno, complementado lo que expresa por su lado la banda sonora.

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12 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Buenos muchachos
Buenos muchachos (1990)
  • 8,4
    107.313
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco, ...
8
El presumido
Drama sobre la mafia neoyorquina realizado por Martin Scorsese (Flushing, NY, 17 de noviembre de 1942). El guión, elaborado a lo largo de dos años por Nicholas Pileggi y Martin Scorsese, adapta el libro “Wiseguy: Life in a Mafia Family”(1986) (“El presumido: la vida en una familia de la mafia”), de Nicholas Pileggi, basado en hechos y personajes reales y en vivencias personales. Se rueda en escenarios naturales de NY (Qeens, Staten Island, Manhattan, Long Island, Brooklyn…), Illinois (Chicago), New Jersey (Marlboro) y Florida (Tampa) y en platós de Kaufman Astoria Studios, con un presupuesto estimado (IMDb) de 15 millones de USD. Nominado a 6 Oscar, gana uno (actor de reparto, Pesci) y obtiene el León de plata de Venecia. Producida por Irving Winkler para la Warner Bros, se proyecta por primera vez en público en la Mostra de Venecia (Italia) a principios de septiembre de 1990.

La acción dramática tiene lugar en NY y otras localidades de los EEUU (Chicago, Florida, New Jersey…), entre 1955 y 1985, durante unos 30 años. Henry Hill (Liotta), hijo de padre irlandés y madre italiana, desde la adolescencia siente admiración por la vida acomodada y holgada de los gángsters. Pronto deja los estudios para pasar a trabajar como chico de los recados de una familia mafiosa liderada por Paul Cicero (Sorvino). Colabora con sus compañeros James “Jimmy” Conway (De Niro) y Thomas “Tommy” De Vito (Pesci). Se casa con Karen (Bracco), una muchacha judía, con la que tiene 2 hijas. Henry es egoísta, inmaduro y mezquino. Tiene pocos estudios, carece de sentimientos de culpa y es inmune al remordimiento. Jimmy es frío y violento. Tommy es un psicópata peligroso y presumido.

Henry Hill , protagonista de la historia, es el que hace las funciones de narrador. Explica los hechos en primera persona y desde su propio punto de vista, a la manera de una evocación nostálgica del pasado o como una confesión sin arrepentimiento. En unas pocas secuencias su esposa, Karen, se convierte en la narradora para explicar su propia historia. Hill y Karen añaden al relato comentarios subjetivos. El relato focaliza la atención en la vida cotidiana de un grupo mafioso de dimensiones intermedias, que somete a análisis como grupo organizado y jerarquizado. Lo presenta ligado a códigos de conducta anacrónicos y estrictos, con ambiciones económicas y de grupo (supervivencia, independencia, preeminencia, etc.) y con problemas de cohesión desde que los lazos familiares se ven sustituidos cada vez más por relaciones de utilidad e interés. Compone un retrato del grupo de delincuentes a partir del estudio de la vida diaria de los mismos. Presta atención a las relaciones interpersonales entre los miembros del grupo, los de éste y los de grupos afines o paralelos y otros. Explica los temores y la angustia que acompañan a los criminales, siempre sujetos a riesgos altos de condenas de prisión, venganzas sangrientas de los grupos afines y represalias inmisericordes por parte del propio grupo.

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22 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
La edad de la inocencia
La edad de la inocencia (1993)
  • 7,0
    13.575
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant, ...
7
El fin de la inocencia
Drama de época realizado por Martin Scorsese (Flushing, NY, 17 de noviembre de 1942). El guión, de Jay Cocks y M. Scorsese, adapta la novela “The Age of Innocence” (1920), de Edith Wharton (1862-1937), ganadora del Pulitzer. Se rueda entre marzo y junio de 1992 en escenarios naturales de NY (Albany, Brooklyn, Troy, Long Island, Manhattan, Washington Park…), New Jersey, Pensylvania y Paris y en platós de Kaufman Astoria Studios (Qeens, NYC, NY), con un presupuesto estimado de 30 millones de USD. Nominado a 5 Oscar, gana 1 (vestuario). Producido por Barbara de Fina para Cappa Production y Columbia Pictures, se proyecta por primera vez en público el 31-VIII-1993 (Mostra de Venecia, Italia).

La acción dramática principal tiene lugar en NYC entre 1870 y 1879 y en los primeros años del nuevo siglo, 26 años después. Newland Archer (Day-Lewis), joven abogado neoyorquino, de buena posición, competente y ambicioso, contrae matrimonio con su prima May Welland (Ryder). La condesa Ellen Olenska (Pfeiffer) regresa a NYC, tras el fracaso de su matrimonio con un aristócrata europeo. La abuela de May, la señora Mingott (Margolyes), es una de las personas más conocidas y mejor relacionadas de NY. May es sensible, ingenua, adorable y convencional. Ellen es un espíritu libre y rebelde, pero frágil e inseguro. Siente fascinación por lo nuevo, lo moderno y lo europeo. La alta sociedad neoyorquina, indolente, cerrada y mediocre, vive pendiente de códigos sociales presididos por la hipocresía y la envidia, el culto a las apariencias, la murmuración y la práctica de la marginación y la exclusión social.

El film desarrolla la historia de un amor triangular inmerso en la sociedad neoyorquina del último cuarto de siglo del XIX, cuando las convenciones sociales eran en NYC más estrictas y puritanas que en las grandes capitales europeas. La recreación de la época a través del vestuario, la decoración y las costumbres, exige un notable esfuerzo de producción que dignifica, lleva a un alto nivel y fija la condición de la obra como drama de interiores.

El relato, conducido por la voz en “off” de un narrador externo (la autora de la novela), se desarrolla evitando dramatismos innecesarios e inconvenientes, haciendo uso de un lenguaje contenido que evita las estridencias y mediante el manejo de abundantes silencios y disimulos, como los que agradan a una sociedad obsesionada por las apariencias. Los diálogos son abundantes y se presentan escritos con elegancia y precisión. Hacen avanzar la acción, facilitan la definición de los caracteres protagonistas y determinan que el film reúna las características propias de una obra de personajes. Los cuadros que cuelgan de las paredes, justamente seleccionados, evocan los sentimientos íntimos de las personas que conviven con ellos.

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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Big Clock
The Big Clock (1948)
  • 7,0
    869
  • Estados Unidos John Farrow
  • Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, George Macready, ...
7
El reloj
Thriller de cine negro realizado por John Farrow (1904-1963). El guión, de Jonathan Latimer, adapta la excelente novela negra “The Big Clock” (1946), de Kenneth Fearing. Se rueda en los Paramount Studios (Hollywood, CA). Producido por Richard Maibaum para Paramount Pictures, se estrena el 9-IV-1948 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar durante unos pocos días en un edificio de oficinas y localizaciones diversas de NYC. Earl Janoth (Laughton) es el presidente ejecutivo de una corporación dedicada a la comunicación. Steve Hagen (Macready) es el segundo de la empresa. George Stroud (Milland) es el redactor principal de la plantilla. Earl es cínico, egoísta, despótico y manipulador. Steve es enigmático, inteligente, ambicioso y sumamente peligroso. George Stroud es honesto, trabajador, competente y eficaz. Vive volcado en su trabajo por lo que, tras cinco años de matrimonio con Georgette Stroup (O’Sullivan), todavía no ha podido realizar el viaje de novios. Pauline York (Johnson) mantiene relaciones sentimentales con Earl. El papel de la pintora Louise Patterson está interpretado por Elsa Lanchester (“La novia de Frankenstein”, Whale, 1935), esposa entonces de Laughton. Merece una cita el masajista Bill Womack (Morgan), mudo, enigmático y peligroso.

El film desarrolla una historia interesante que se presenta bien construida y con unos diálogos vigorosos. La narración retiene la atención del público gracias a una intriga bien planteada, que crece a medida que pasa el tiempo. La atmósfera que se crea destila misterio y tensión. La trama es bastante compleja y el suspense se hace creciente. Laughton encarna el papel del villano ególatra, repugnante y sin escrúpulos.

John Farrow demuestra sus cualidades de buen artesano y correcto realizador, dotado de la inteligencia y las habilidades necesarias para tratar con solvencia temas diversos y géneros tan distantes como el cine negro, el de aventuras, el musical, el bélico y el western. En el caso que nos ocupa, realiza su segunda incursión en el cine negro, género que cotiza al alza en los años 40 del siglo pasado. Con una trama construida con lucidez y riqueza de detalles y una encomiable economía de medios, consigue uno de los mejores trabajos de su filmografía. Sobresale por la potente intriga que compone y por la buena definición de los personajes, sobre todo los de Earl, George y Steve. No faltan acertados toques de humor que se suman oportunamente al tono general sombrío del relato.

La obra se caracteriza por el correcto acabado, el nutrido y brillante reparto y el ritmo creciente que imprime a la acción. La cinta es simpática, atractiva, convincente y entretenida, aunque exenta de genialidad y magia. Se comporta como una parábola sobre el poder y su ejercicio, los métodos que emplea para afirmarse y defenderse, las manipulaciones que establece de las apariencias, la verdad y las personas, su errónea afición a la uniformidad y el sentido egocéntrico y despiadado de sus manejos.

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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Toro salvaje
Toro salvaje (1980)
  • 8,1
    49.327
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, ...
8
El toro del Bronx
Drama biográfico realizado por Matin Scorsese (Flushing, Qeens, NY, 17 de noviembre de 1942). El guión, de Paul Schrader (“Taxi dirver”, 1976) y Mardik Martin, adapta la biografía del campeón de boxeo de los pesos medios de los años 40 Jacob “Jake” La Motta, escrita por Joseph Carter y Peter Savage, publicada (1970) bajo el título de “Raging Bull: My Story”. El rodaje se inicia en abril de 1979 y termina en diciembre del mismo año, tras 4 meses de interrupción para que De Niro engordara unos 30 Kg. Se rueda en escenarios naturales de Los Ángeles (San Pedro, Olympic Auditorium…) y NYC (Qeens, Bronx…) y en los platós de Culver Studios (Culver City, CA), con un presupuesto estimado (IMDb) de 18 millones de USD. Nominado a 8 Oscar, gana 2 (actor y montaje). Producido por Irvin Winkler y Robert Chartoff para Chartoff-Wingler Productions y UA, se proyecta por primera vez en público el 14-XI-1980 (Festival de Toronto, NYC y L.A.).

La acción dramática tiene lugar en EEUU (Cleveland, NYC, Detroit, Miami Beach…) durante 23 años, entre 1941 y 1964. Explica la historia del boxeador Jake La Motta (De Niro), personaje solitario, violento y maltratador, de instintos primarios, inseguro y ególatra, vulgar e infantil. Forma pareja con Irma (Flax) y luego con Vickie (Moriarty), de 16 años. Cuenta durante mochos años con el apoyo de su hermano Joey (Pesci), casado con Lenore (Saldaña).

El relato, narrado en un largo flashback, comienza cuando Jake se prepara para intervenir en su “show” en el Barbizan Plaza Theater (NY) en 1964. Entonces arranca el flashback que sitúa al espectador en 1941. La narración es minuciosa y rica en detalles, algunos de los cuales el realizador los destaca mediante la inserción de breves planos de proximidad. El tono general del discurso es sombrío y melancólico. Elaborado en un estilo realista, casi documental, se centra en el análisis de la psicología del protagonista, prestado especial atención a su carácter atormentado y solitario, sus incoherencias, su primitivismo, su escasa diplomacia, sus relaciones problemáticas con las mujeres, los celos compulsivos que provocan en él arrebatos de violencia incontrolada, etc.

La interpretación de De Niro es acertada, cautivadora y convincente. Él fue el promotor de la idea de realizar el film, el que convenció a Scorsese para que la dirigiera y el que le puso en las manos la biografía de La Motta. La película fue recibida por el público y la crítica entre polémicas, actualmente superadas en gran medida. Muchos son los que hoy consideran que esta es una gran obra, una de las mejores del realizador y una de las mejores que tratan el tema del boxeo y su brutalidad.

La afición al cine y el conocimiento que Scorsese tiene del mismo, le llevan a dedicar referencias a varias películas destacadas, como es el caso de “La ley del silencio” (Kazan, 1954), “Vértigo” (Hitchcock, 1958), “El padrino” (Coppola, 1972) y otras.

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13 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sombras y niebla
Sombras y niebla (1991)
  • 6,7
    6.031
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, John Malkovich, Mia Farrow, Madonna, ...
8
En tinieblas
Largometraje nº 21 de los realizados por Woody Allen (Brooklyn, NY, 1935). El guión, de W. Allen, adapta la pieza teatral “Death” (1968), de un solo acto, escrita por él. Se rueda a partir del 4 de noviembre de 1991 en platós de Kaufman Astoria Studios (Qeens, NYC, NY) con un presupuesto estimado (IMDb) de 14 millones de USD, relativamente elevado a causa de la construcción de un plató de 26.000 m2. Producido por Robert Greenhut para Orion Pictures, es el último film de W. Allen producido por esta firma, que durante el rodaje entra en situación de quiebra. Se proyecta por primera vez en público el 5-XII-1991 (NYC, NY) en sesión de preestreno (premiere).

La acción dramática tiene lugar en una ciudad europea innominada (Berlín o Londres) en los años 20 del siglo pasado, en el período de entreguerras (IGM y IIGM). Max Kleinman (Allen) es un oficinista insignificante que trabaja en la teneduría de libros de una pequeña empresa. Es tímido, apocado y cobarde, físicamente enclenque y débil de espíritu. Abandonó a su antigua novia, Alma (Klavner), y actualmente tiene relaciones sentimentales con Eve (Nelligan). Irmy (Farrow) es una actriz de circo, especializada en tragar sables, con deseos de ser madre, que abandona el circo tras discutir con su pareja, el payaso (Malcovich), y sorprenderle en la cama con la trapecista Marie (Madonna), esposa del forzudo. Irmy es enérgica, generosa, desprendida y sincera.

El film presenta unos diálogos ocurrentes y compone situaciones que combinan elementos sombríos y opresivos con aportaciones divertidas. Construye personajes singulares, que define con precisión y riqueza de detalles, sobre todo por lo que respecta a los caracteres principales: Max e Irmy. Crea una atmósfera oscura, siniestra y lóbrega, de gran fuerza, que envuelve al film y le transmite una densidad inquietante y claustrofóbica de bonita factura. Destaca la combinación que logra establecer entre lo siniestro y lo humorístico sin necesidad de recursos artificiosos o gestos forzados.

La película trata temas constantes dentro de la filmografía de Allen, como la muerte, la religión, el sexo, la infidelidad de pareja, la hipocresía y la falsa moral, la misoginia, los guiños de simpatía que dirige al cine y a los cineastas preferidos, la prostitución femenina, el antisemitismo, etc. El habitual pesimismo de Allen en relación con la condición humana se pone de manifiesto en las críticas que le dedica cuando explica que para afrontar el peligro común (el asesino en serie) se forman grupos o piquetes, que no se coordinan entre sí ni desean hacerlo y que terminan compitiendo y luchando entre ellos en lugar de perseguir el objetivo común.

El título del film (“Shadows and Fog”) coincide con la clave de la operación nazi destinada al exterminio de la población judía en los últimos meses de la IIGM.

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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Robó, huyó y lo pescaron
Robó, huyó y lo pescaron (1969)
  • 7,2
    19.057
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, Janet Margolin, Marcel Hillaire, Jacqueline Hyde, ...
8
Corre, Virgil!
Segundo largometraje realizado por Woody Allen (Brooklyn, NY, 1 de diciembre de 1935). Escriben el guión, en 3 semanas, Woody Allen y su amigo de la infancia y compañero de escuela Micky Rose (Brooklyn, NY, 20 de mayo de1935). Posteriormente escriben en colaboración el guión de “Bananas” (Allen, 1971). Se rueda en escenarios reales de San Francisco (CA) y de la prisión de San Quintín (CA) durante el verano de 1968, con un presupuesto estimado (IMDb) de 1,5 millones de USD. Producido por Charles H. Joffe para ABC, Jack Rollins and Charles H. Joffe Productions y Palomar Pictures, se estrena el 18-VIII-1969 (Manhattan, NY).

La acción dramática tiene lugar en el verano de 1968. Virgil Starkwell (Allen), nacido en un barrio marginal de Baltimore (Maryland), en el seno de una familia muy modesta, es un joven inadaptado, enclenque, torpe e incompetente, que tiene obsesión por el dinero y las mujeres y es aficionado a tocar el violonchelo. Louise (Margolin) es una muchacha dulce, guapa, generosa y pura, que tuvo unos padres adoptivos autoritarios. De soltera trabajó como empleada doméstica de la limpieza.

El film cuenta con la ayuda de la voz en “off” del narrador, a la manera de un falso documental sobre la vida de un delincuente torpe y con mala suerte. Se intercalan entrevistas a los padres, profesor de música, psiquiatra, etc. El relato está concebido como una yuxtaposición de viñetas saturadas de “gags”, sobre todo de humor visual. Los diálogos son ingeniosos, ácidos e irónicos. El narrador explica los hechos en un tono de rigor y seriedad, que contrasta con el tono desmadrado y burlesco de las imágenes. Este hecho da lugar a una situación de pugna entre la verdad oficial (narrador) y la auténtica verdad (imágenes), que potencia la ironía y la comicidad.

Combina parodias y guiños de simpatía dirigidos a realizadores, actores, actrices y películas. Muestra admiración por Chaplin, Keaton, Hermanos Marx, Fritz Lang, etc. Incluye referencias a “Tiempos modernos” (Chaplin, 1936), “Pistoleros de agua dulce” (McLeod, 1931), “El hotel de los líos” (Setter, 1938) y otros. Incorpora parodias de “Soy un fugitivo” (LeRoy, 1932), “La leyenda del indomable” (Rosenberg, 1967), “Un hombre y una mujer” (Lelouch, 1966), etc. Caricaturiza el cine de gángsters de la Warner de los años 30. Las máscaras de los padres del protagonista dan testimonio de la simpatía de este por Groucho Marx. La principal fuente de comicidad viene dada en este caso por la torpeza del protagonista y su extraordinaria mala suerte. Las distracciones y los despistes del protagonista y de la policía, son fuente adicional de hilaridad. No faltan elementos absurdos, excéntricos y surrealistas. La cinta contiene constantes de su filmografía posterior, como las obsesiones del protagonista, los paseos por Central Park, la familia autoritaria y la atención preferente que se presta a las desventuras, imprevistos y contratiempos.


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12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil