arrow
Críticas de Miquel
Críticas ordenadas por:
Die Brücke
Die Brücke (1959)
  • 7,7
    2.541
  • Alemania del Oeste (RFA) Bernhard Wicki
  • Folker Bohnet, Fritz Wepper, Michael Hinz, Frank Glaubrecht, ...
8
Memorable denuncia de los horrores de la guerra
Primer largometraje de ficción del antiguo actor Bernhard Wicki (Morituri", 1965). Adapta al cine la novela autobiográfica "Die Brücke" (1958), de Manfred Gregor. Se rueda en exteriores de Cham (Bavaria, Alemania) con un presupuesto ajustado y decorados modestos. Nominado al Oscar a la película de habla no inglesa, gana un Globo de oro (película extranjera) y la Espiga de plata de Valladolid. Producido por Fono Film, se estrena el 22-X-1959 (RFA).

La acción tiene lugar en una aldea bávara (SO de Alemania). Tras la presentación de la aldea, de los familiares de los muchachos y de éstos, la acción se desarrolla a lo largo de unas 48 horas. La película muestra los horrores de la guerra, en este caso de una guerra terminal, en su última semana antes de la caída del III Reich. El dolor del conflicto se acrecienta al afectar a unos adolescentes inexpertos, obligados a cumplir una misión inútil, que ellos asumen con seriedad e ingenuidad.

Muestra diversas actitudes ante la guerra a través de diversos personajes. Contiene numerosas escenas destacadas, construidas con gran sentido de la fuerza de la imagen, como ponen de manifiesto las caravanas de combatientes, el espléndido plano picado sobre la compañía de soldados y el apabullante plano final. Algunas escenas de "Salvar al soldado Ryan" (1998), de Spielberg, se inspiran en el film. No faltan algunos lances cómicos.

La música aporta fragmentos de una partitura de percusión metálica estremecedora. La fotografía, en B/N, crea composiciones de gran fuerza plástica. Con frecuencia yuxtapone planos, mueve el objetivo con parquedad, hace uso de excelentes travellings, de cámara subjetiva (embaldosado visto desde la moto) y de zooms penetrantes de aproximación. La narración visual de la batalla es magnífica y emocionante.

El guión y las imágenes ponen en contraste la vida sosegada de la población de la aldea con la dureza de la guerra. La interpretación, a cargo mayoritariamente de actores con poca experiencia, es satisfactoria y loable. La dirección realiza una excelente puesta en escena y aporta una descripción descarnada y desoladora del drama de la guerra.

Película antibelicista, exenta de efectos especiales, de gran vigor cinematográfico.
[Leer más +]
31 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Max et les ferrailleurs
Max et les ferrailleurs (1971)
  • 7,1
    405
  • Francia Claude Sautet
  • Michel Piccoli, Romy Schneider, Georges Wilson, Bernard Fresson, ...
7
Max
Segunda entrega de la trilogía de Claude Sautet sobre el amor en situaciones de crisis y primer film del autor que lleva al título el nombre del protagonista. El guión, de Claude Sautet, Claude Néron y Jean-Loup Dabadie, adapta la novela del mismo título de Claude Néron. El film se rueda en exteriores de Paris y Lille (Francia) y en estudio. Producido por Raymond Danon y Roland Girard, se estrena el 17-II-1971 (Francia).

El realizador expone un drama psicológico basado en obsesiones, antiguas frustraciones y posiciones intransigentes de un personaje misterioso, solitario y reservado. Le atormenta la falta de eficacia de la justicia frente a la proliferación de la delincuencia profesional que se da en Francia a finales de los años 60 y principios de los 70 del siglo pasado.

La historia, bien hilvanada, es substanciosa y entretenida, aunque algo críptica. Construye unos personajes principales que define con inteligencia, agudeza y riqueza de matices, por lo que resultan convincentes y devienen polos de atracción del interés del público. Es muy interesante, en opinión del que escribe, la descripción que se presenta del estado de desolación y confusión de un personaje cuando se enfrentan deseos y realidad. Se presenta construido con cariño y ternura el personaje de Lily (Schneider), la prostituta independiente, que llena la pantalla de encanto y espléndida sensualidad.

El film deviene una crítica del puritanismo, la manipulación y las propuestas según las cuales el fin justifica los medios. Muestra cómo tras la fachada de la austeridad y los buenos deseos se ocultan a veces la fragilidad y la debilidad humana.

La acción tiene lugar en Nanterre (Francia) en 1970. La narración es intensa, fluida y contundente, aunque se hace densa y espesa en algunas ocasiones y excesivamente prolija en la acumulación de detalles. La exposición se desarrolla mediante planos cortos y encuadres precisos y ricos en significado. El cromatismo sobrio rompe su tónica general para destacar con colores saturados (rojo, azul celeste, azul marino...) la figura de la protagonista. La música, de Philippe Sarde, aporta un tema principal inquietante y melancólico, a tono con la atmósfera del film.

Film correcto, interesante y recomendable.
[Leer más +]
21 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
El chico
El chico (1921)
  • 8,4
    29.925
  • Estados Unidos Charles Chaplin
  • Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, ...
9
El chiquillo
Primer largometraje y primer film mayor del realizador Charles Chaplin (Londres/RU 1889 – Suiza 1977). El guión, del propio Chaplin, combina ficción y elementos de carácter autobiográfico, que hacen de éste el que muchos consideran su trabajo más personal. Se rueda, entre el 30-VII-1919 y agosto de 1920, en escenarios reales de L.A. (Olvera Street) y Pasadena (Colorado Street Bridge) y en los platós de Chaplin Studios (Hollywood, L.A.). Producido por Charles Chaplin para Chaplin Productions y First Internacional, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 21-I-1921 (NYC).

La acción dramática tiene lugar en Londres en dos momentos: 1915 y 1919/20. Una joven madre soltera, pobre y sola, abandonada y olvidada por su compañero y sin ayudas familiares, da a luz un niño en el Hospital de Caridad de la ciudad. En un momento de desesperación, lo abandona en el interior del Rolls Royce (modelo Silver Ghost) de una familia multimillonaria, pero el destino decide que lo recoja un vagabundo, que se convierte en su padre adoptivo. Éste, de unos 25 años, es de buen corazón, soñador, melancólico, pillo y tramposo. Tiene problemas constantes con la policía y sobrevive gracias a los trabajos marginales que le proporciona su condición de pícaro. El chico, de 5 años, es vivaracho, desenvuelto, listo y cariñoso. Se convierte en un firme apoyo del padre en las tareas de la casa y en el trabajo.

El film suma comedia, drama, pobreza, familia y cine mudo. Técnicamente es un largometraje, de acuerdo con la definición en vigor de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (EEUU), el American Film Institut (EEUU) y el British Film Institut (RU), ya que su duración es superior a 45 minutos. Contiene un fondo autobiográfico importante, que recoge recuerdos de infancia del autor, como la situación de pobreza familiar, su separación forzada de la madre, la dura experiencia de dos años de reclusión en un asilo para niños, etc. Le impulsa a escribirlo la frustración que le produce el fallecimiento (10-VII-1919) de su primer hijo, Norman Spencer, nacido 3 días antes con malformaciones genéticas. El 30-VII-1919 inicia el rodaje del film, movido por un afán de perfeccionismo que le lleva a repetir una y otra vez las escenas, hasta totalizar un promedio de 53 tomas por cada una de las seleccionadas y montadas en la cinta.

El relato es sencillo, como un cuento de hadas, y desborda ternura y cariño. El resultado es una obra entretenida, conmovedora, cautivadora e inolvidable. No es el major trabajo de Chaplin, pero es una de sus grandes películas. Consigue un nivel extraordinario de intensidad emocional sin caer en sentimentalismos vacíos, vanos y superficiales. Combina sabiamente humanismo y lirismo, comedia y drama, humor y melancolía. Es una de las más bellas películas sobre la infancia y, al mismo tiempo, es una hermosa película sobre la paternidad, la familia y la educación.
[Leer más +]
43 de 46 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sex, Lies and Videotape
Sex, Lies and Videotape (1989)
  • 6,7
    28.570
  • Estados Unidos Steven Soderbergh
  • James Spader, Andie MacDowell, Peter Gallagher, Laura San Giacomo, ...
8
Treintañeros
Primer largometraje del debutante Steven Soderbergh (Atlanta/Georgia, 1963). El guión es del propio Soderbergh, quien tras dar vueltas a la historia durante un año, la escribe en 8 días. Se rueda a lo largo de 5 semanas, entre octubre y noviembre de 1988, en escenarios reales de Baton Rouge (Luisiana), con un presupuesto ajustado de 1,2 M USD. Gana la Palma de oro, el premio al mejor actor (Spader) y el premio Fipresci (Cannes). Producido por John Hardy (“Bajos fondos”, 1995) y Robert F. Newmyer (“Training Day”, 2001) para Outlaw Productions y Virgin, se proyecta por primera vez en público el 20-I-1989 (Sundance, EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Baton Rouge (Luisiana) durante varios días del otoño de 1988. Ann (McDowell), su marido John Millaney (Gallagher), Cynthia Bishop (San Giacomo), hermana menor de Ann, y Graham Dalton (Spader), amigo de juventud de John, forman un cuarteto de treintañeros, liberales y con problemas emocionales, de relación y afectivos. Inseguridades, temores, dudas, represiones sexuales, inmadurez, indecisiones y algunos complejos, presiden sus vidas y afectan a sus relaciones interpersonales. Ann es hermosa, fría, remilgada, angelical y frágil. John, abogado prestigioso y competente, es egocéntrico, mujeriego y ambicioso. Cynthia, extrovertida e impulsiva, rebosa sensualidad, erotismo y descaro. Graham tiene una personalidad compleja y enigmática, cree que es sexualmente impotente y practica el voyeurismo.

El film suma drama, análisis social, cine independiente y película de culto. Obra de un realizador de 26 años, aborda temas de su generación, que desarrollan con admirable madurez, elegancia y delicadeza. La narración se apoya en el uso de sutilezas, sugerencias y detalles de escaso relieve aparente, que comunican al espectador muchos extremos relevantes. El color de la camisa de Graham, la variación de vestidos de Ann, la pajarita de John, la lluvia, etc., son elementos que definen matices que enriquecen el relato, descubren aspectos ocultos de la personalidad, los deseos y las intenciones de los protagonistas y revelan características especiales de la acción y el argumento. De la misma manera que la comunicación requiere la presencia de alguien dispuesto a escuchar, la reflexión se ve estimulada y potenciada por el uso de cintas de vídeo que enfrentan a los actores con ellos mismos.
[Leer más +]
18 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
El gabinete del Dr. Caligari
El gabinete del Dr. Caligari (1920)
  • 8,1
    18.314
  • Alemania Robert Wiene
  • Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, ...
9
El sabio
Principal largometraje del realizador alemán Robert Wiene (1873-1938). El guión, del austriaco Carl Mayer y del checo Hans Janowitz, se inspira en hechos reales sucedidos en Hamburgo y recoge algunas ideas de Fritz Lang, al que se le ofrece la dirección, pero la declina por sus compromisos anteriores de realización de “Las arañas (parte 1 y 2)”. Se rueda en un estudio instalado en Lixie-Atelier (Weissensee, Berlín) entre diciembre de 1919 y enero de 1920, con un presupuesto estimado de 20.000 DM. Producido por Erich Pommer y Rudolf Meinert para Decla-Bioscop, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 26-II-1920 (sala Marmorhaus, Berlín).

La acción dramática tiene lugar en un pequeño pueblo de montaña del noreste de Alemania llamado Holstenwall. El presente narrativo del film (1920) es diferente del presente del relato (anterior, pero indeterminado). La narración se desarrolla en un largo flashback que contiene otro flashback. El joven Francis (Fehér), sentado en el banco de un jardín protegido por una tapia elevada, cuenta al compañero o amigo que le acompaña unos hechos extraordinarios de los que fue testigo directo. El Dr. Caligari (Krauss), un sabio aficionado al estudio de fenómenos de alteración de la mente, especializado en sonambulismo, muestra en su gabinete de la feria de Holstenwall a un sonámbulo, Césare (Veidt), de 23 años, que lleva toda la vida en estado catatónico y que puede dar respuesta a preguntas sobre lo que ocurrirá en el futuro sobre temas relacionados con la vida y la muerte. Al mismo tiempo se producen en el lugar varios asesinatos terribles y otras acciones criminales.

El film suma drama, terror, horror, suspense, thriller y cine mudo. Dividido en seis actos, es una obra vanguardista del momento, que está considerada por los especialistas como la primera cinta expresionista de la historia. Reúne todos los elementos propios del cine expresionista: escenarios amenazantes, interpretaciones exageradas, decorados fuertemente estilizados, objetos deformados, puertas y ventanas irregulares, fuertes contrastes de luces y sombras, maquillaje lúgubre, iluminación tenebrosa, imágenes deformadas, encuadres inclinados, efectos teatrales que exageran o deforman la realidad, etc. Incorpora, también, los elementos argumentales propios del cine expresionista: atmósfera claustrofóbica, exploración del lado oscuro de la condición humana, referencias a la muerte, la violencia, la locura y la maldad, ambigüedades, situaciones de angustia, etc. El estilo narrativo claro y naturalista del cine tradicional se hace aquí oscuro, confuso, desordenado y caótico.
[Leer más +]
93 de 98 usuarios han encontrado esta crítica útil
Portrait in Black
Portrait in Black (1960)
  • 6,3
    250
  • Estados Unidos Michael Gordon
  • Lana Turner, Anthony Quinn, Richard Basehart, Sandra Dee, ...
6
El despeñadero
Último de los tres melodramas que protagoniza Lana Turner entre finales de los 50 y principios de los 60. Lo dirige el realizador Michael Gordon (1909-1993), inscrito en las primeras listas negras del senador MacCarthy. El guión, de Ivan Goff (“Al rojo vivo”, Walsh, 1949) y Ben Roberts, adapta la obra de teatro “Portrait in Black” (1947), escrita por ambos y estrenada en Broadway. Producido por Ross Hunter (“Imitación a la vida”, Sirk, 1959), se estrena el 27-VII-1960 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la ciudad de San Francisco y alrededores (Carmel, Devil’s Slice ...), a lo largo de unos días del invierno de 1960. Sheila Cabot (Turner), de unos 40 años, está casada con Matthew S. Cabot (Nolan), próspero armador de una compañía de transporte marítimo internacional de mercancías. Tienen un hijo, Peter, de unos 10 años. Viven en una mansión elevada que domina la bocana del puerto. Ella es atractiva, seductora, dominante, manipuladora y apasionada. Él se halla postrado en cama desde hace 5 años a causa de una enfermedad dolorosa que requiere atención médica diaria. Es despótico, desconsiderado, no soporta su discapacidad y es intratable. Su médico es el doctor David Rivera (Quinn), administra sus empresas Howard Mason (Basehart) y su secretaria es la Srta. Lee (Grey). Tiene una hija del primer matrimonio, Cathy, de unos 18 años, que mantiene estrecha amistad con el joven Blake Richards (Saxon), titular de una empresa de remolcadores del puerto de San Francisco. Entre el personal doméstico se cuenta el cocinero Cobb (Welston) y la cocinera china Tawny (Wong).

El film suma drama, crimen, thriller, suspense, romance y análisis social. Forma parte del conjunto de tres melodramas que protagoniza Lana Turner (Wallace/Idaho 1920 – Los Ángeles 1995) en el trienio 1958-1960. Lo componen la obra que comentamos, “Vidas borrascosas” (1958) e “Imitación a la vida”. Es el más oscuro, malicioso y sombrío de los tres y el que presenta más claros reflejos de la vida personal y familiar de la actriz. Conocida popularmente como la mujer fatal de “El cartero siempre llama dos veces” (Garnett, 1946) y como la malvada de “Los tres mosqueteros” (Sidney, 1948), a partir del comienzo de los 60 es conocida también como una protagonista melodramática de éxito entre sus admiradores, quienes consideran que encarna el tipo de belleza que gusta a la clase media norteamericana de la época.

La obra incluye todos los elementos del melodrama: deslealtades, engaños, traiciones, chantajes, amor interesado, odio, egolatría, desprecio, burlas, caprichos, machismo, etc. El móvil principal de la acción no es ni la codicia, ni los afanes de poder, sino el pálpito del deseo, la pasión, la concupiscencia y el amor físico como fin en sí mismo, sin manifestaciones de afecto, cariño y ternura.
[Leer más +]
25 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
Der blaue Engel (The Blue Angel)
Der blaue Engel (The Blue Angel) (1930)
  • 7,8
    4.962
  • Alemania Josef von Sternberg
  • Marlene Dietrich, Emil Jannings, Kurt Gerron, Rosa Valetti, ...
9
Lola Lola
Primera colaboración del realizador Josef von Sternberg (Viena/Austria 1894 – Los Ángeles/CA 1969) con la actriz Marlene Dietrich. El guión, de Robert Liebmann y J. Sternberg, desarrolla un argumento elaborado por Carl Zuckmayer y Karl Vollmoeller, inspirado libremente en la novela “Profesor Unrat” (1905), de Heinrich Mann. Se rueda en Berliner Union Film Studio (Tempelhof, Berlín) y en Universum Film Aktengeseelshaft6 (Berlín). Producido por Erich Pommer para UFA, se estrena el 1-IV-1930 (Berlín).

La acción dramática tiene lugar en una localidad portuaria no especificada y en otras poblaciones alemanas. Temporalmente se divide en dos segmentos: el primero tiene lugar en los últimos meses de 1924 y primeros de 1925 y el segundo, durante el invierno de 1929, antes del crack de la Bolsa de NY. Emmanuel Rath (Jannings), de unos 30 años, es profesor de lengua y literatura del Instituto masculino de la localidad portuaria. Moralista y puritano, es soltero, ingenuo, intransigente y emocionalmente inmaduro. Los alumnos, que le llaman “profesor unrat” (basura), visitan asiduamente el cabaret “El ángel azul”. En él actúa como primera estrella la bailarina y cantante Lola Lola (Dietrich), de unos 20 años, que fascina y manipula a los hombres. Tiene fama de casquivana, ninfómana y prostituta.

El film suma drama, romance, musical y análisis de situaciones históricas. Es el primer gran film sonoro de la productora UFA. Protagonizada por el oscarizado Emil Jannings, la intervención de Dietrich (Berlín 1901 – París 1992) llena la pantalla y le eclipsa. Marca el inicio de la relación profesional y personal de la actriz con Sternberg, que la convence para trasladarse a Hollywood, donde ruedan “Marruecos” (1930). Luego colaboran en otros 5 films. El estilo de la obra es oscuro, turbio y recargado. Late en ella un punzante erotismo, que se da asociado a conductas maliciosas. La iluminación y la cámara exaltan la figura y el rostro de la actriz. Su imagen destila inocencia maligna y una belleza diabólica. El personaje reúne los rasgos básicos de la mujer fatal: atrae poderosamente a los hombres, los utiliza y luego los deja de lado. Tras ocho años de intervenir en films poco relevantes, Sternberg la lanza a la fama y al estrellato.

La película respira una extraña atmósfera, perniciosa y asfixiante. El cabaret es centro de reunión de maleantes, malhechores, marinos sin rumbo, estibadores dados al robo, noctámbulos, jugadores, proxenetas y estafadores. La percepción que llega al espectador se crea mediante proyección de sombras siniestras, la reiteración de reflejos de rostros en espejos, sonidos ambientales diseñados con habilidad, imágenes de rostros envejecidos prematuramente e innumerables detalles bien manejados y combinados adecuadamente por el realizador.
[Leer más +]
63 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aleksandr Nevskiy
Aleksandr Nevskiy (1938)
  • 7,7
    2.158
  • Unión Soviética (URSS) Sergei M. Eisenstein
  • Nikolai Cherkasov, Nikolai Okhlopkov, Andrei Abrikosov, Dmitri Orlov, ...
9
La batalla del lago helado
Primera película sonora del realizador Sergei M. Eisenstein (Riga/Letonia 1898 – Moscú/URSS 1948). El guión, de Eisenstein y Pyotr Pavlenko, se basa en hechos y personajes históricos. Se rueda durante el verano de 1938, en escenarios naturales de los alrededores de Moscú y en platós exteriores y de interior de los estudios Mosfim (Moscú). Producido por I. Bakar para Mosfilm, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 25-XI-1938 (Moscú).

La acción dramática tiene lugar en las ciudades de Pskov y Novgorod y en las cercanías del lago Peipus (Tchoudsk), durante el invierno del año 1242. La batalla del lago tiene lugar el 5-IV-1242. Se enfrentan fuerzas rusas al mando de Alexander Nevsky (1220-1263), de 21 años, y un ejército de la Confederación Livonia, alianza que aúna intereses de la aristocracia teutona (que aporta caballeros, dirigentes y jinetes), los comerciantes germanos (que aportan financiación) y la Iglesia Romana (que aporta a la invasión el carácter de cruzada o guerra santa contra la Iglesia Ortodoxa Rusa). La operación suma los intereses expansivos del Sacro Imperio Germánico y los de implantación de la Iglesia de Roma en una zona estratégica que le es ajena. La Confederación Livonia gobierna durante siglos en una extensa zona que ocupa territorios actuales de los Países Bálticos, el norte de Polonia y el enclave de Kaliningrado (Rusia). Los caracteres personales, sólo esbozados, contienen rasgos diferenciales relevantes. Alexander (Cherkasov), hijo del príncipe Yaroslav, soberano de Vladimir, es elegido líder de las fuerzas rusas por aclamación. Es amigo del pueblo llano, enemigo del enriquecimiento personal a costa de intereses colectivos, pacífico, sencillo y cordial, parco en el castigo y orador de palabra fácil. Olga (Ivashova) es prudente, tranquila, idealista y enemiga de las precipitaciones. Vasilisa (Danilova) es ardiente, luchadora y hábil en el manejo de la espada. Vasili Buslai (Okhlopkov) es fuerte, tranquilo y complaciente. Gravilo Olekseich (Abrikosov) es apasionado, rudo y sincero. Vasili y Gravilo son amigos de infancia y se aprecian como hermanos. El Gran Maestre Von Balk (Yershov), jefe supremo de los teutones, es feroz, cruel, sanguinario y perverso.

El film suma acción, épica, drama, aventuras, historia y guerra. El relato es sencillo, claro y asequible, en atención al público objetivo al que va dirigido: todos los estratos del pueblo soviético. Tras 8 años de inactividad, el realizador acepta el encargo del Gobierno y las condiciones de trabajo que le imponen: un codirector y un coguionista encargados de velar por la ortodoxia ideológica de la obra, un elenco definido de actores profesionales y un presupuesto ajustado. Se acepta su propuesta para la dirección de fotografía. Ambas partes consensúan el encargo de la banda sonora al compositor y pianista S. Prokofiev. Salvo incidentes menores, Eisenstein (hijo de un arquitecto judío alemán) trabaja con comodidad y libertad creativa.
[Leer más +]
29 de 32 usuarios han encontrado esta crítica útil
Siete hombres y un destino
Siete hombres y un destino (1960)
  • 7,5
    24.714
  • Estados Unidos John Sturges
  • Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, ...
7
Siete pistoleros
Popular western realizado por John Sturges (“Conspiración de silencio”, 1955). El guión, de William Roberts, Walter Bernstein y Walter Newman, adapta como western el guión de “Siete samuráis” (Kurosawa, 1954), escrito por Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni y Akira Kurosawa. Se rueda en escenarios naturales de Morelos (Méjico) y en los platós de Churubusco Studios (Méjico DF). Es nominado a un Oscar (banda sonora). Producido por John Sturges para Alfa-Mirisch (UA), se estrena el 23-X-1960 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar a lo largo de algo más de 12 meses de un año del decenio de 1880-89, si bien la mayor parte de la acción se concentra en las 4 últimas semanas. Se desarrolla en una aldea rural mejicana próxima a la frontera y en una próspera población cercana de Texas. Ésta tiene estación de tren y dispone de Casino, varios hoteles, caballerizas para monturas de forasteros, comercios mayoristas y minoristas y es sede de un mercado ganadero. La aldea, una vez al año, es asaltada por la banda de Calvera (Wallach), que roba las cosechas y atropella, viola, rapta y mata. Decididos a defenderse, los campesinos requieren los servicios de 7 pistoleros profesionales, liderados por Chris Larabee Adams (Brynner). Forman el grupo Vin Tanner (McQueen), Bernardo O’Reilly (Bronson), Lee (Vaugh), Harry Luck (Dexter), Britt (Coburn) y el joven Chico (Buchholz). Entre los aldeanos sobresalen Hilario (Hoyos), el anciano de la aldea (Sokoloff), Sotero (Alaniz) y la joven Petra (Monteros). Brynner y McQueen se llevan mal durante el rodaje.

El film suma western, aventura, acción y drama. Son muchos los que consideran que con él comienza el western crepuscular, tras la etapa del western clásico (1930-60). La ambientación sitúa los hechos en la penúltima década del XIX, en la que se impone el estado de derecho en el Oeste y emergen grandes cambios económicos, sociales y de orden público. El antiguo héroe del Oeste da paso a la figura decadente de personas desplazadas, angustiadas, sin presente y sin futuro. Los 7 pistoleros a sueldo no tienen trabajo, carecen de perspectivas, pasan estrecheces y sufren síndromes de miedo y angustia. Algunos buscan tareas remuneradas tan simples y mal pagadas, como cortar leña, hacer de vaquero o trabajar como dependiente de una tienda de comestibles.

La nostalgia del pasado y la melancolía del presente les impulsan a aceptar un trabajo de 4 a 6 semanas a cambio de la manutención y 20 dólares de salario por todo el período. El precio habitual de estos servicios oscilaba poco antes entre 600 y 800 dólares. Los personajes conservan, pese a todo, el espíritu aventurero, el sentido de ayuda a los demás, la conciencia del honor, la afición al riesgo y la lucha, etc. Para los forajidos corren malos tiempos. Perseguidos por la policía, el ejército y los rurales, han reducido su actividad y pasan hambre. El jefe Calvera se siente decepcionado por los cambios sociales que le perjudican.
[Leer más +]
26 de 30 usuarios han encontrado esta crítica útil
Day of the Outlaw
Day of the Outlaw (1959)
  • 7,0
    538
  • Estados Unidos André De Toth
  • Robert Ryan, Burl Ives, Tina Louise, Nehemiah Persoff, ...
8
La banda del capitán Bruhn
Último western de André de Toth (Makó/Hungría 1922 – Burbank/CA 2002). El guión, de Philip Yordan, adapta la novela “Day of Outlaw" (1955), del escritor especializado en relatos del Oeste Lee E. Wells. Se rueda en escenarios exteriores de Mount Bachelor (Oregón) y en estudio, con un presupuesto de serie B. Producido por Sidney Harmon para UA, se estrena en julio de 1959 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la pequeña localidad de Bitters, de unos 20 habitantes, cerrada por la nieve y situada cerca de la frontera oeste del territorio de Wyoming, el invierno de un año cercano a 1890, durante 24 horas. El ranchero Blaise Starrett (Ryan), acompañado de su capataz Dan (Persoff), se acerca al pueblo con el propósito de enfrentarse al granjero Hal Crane (Marshal), que cerca sus tierras con alambre de espino. La pelea convencional entre rancheros y granjeros queda interrumpida por la llegada del capitán Jack Bruhn (Ives) y su banda de 6 forajidos. Starrett, antiguo pistolero, líder de los rancheros del lugar, es orgulloso y se siente decepcionado por la pérdida de su antigua novia. Crane, líder de los granjeros, se encuentra cansado y desea vivir en paz. Bruhn es un antiguo capitán del arma de caballería, expulsado del ejército e interiormente atormentado por los remordimientos y la mala conciencia. Helen (Louise) es una mujer hermosa, seductora, práctica y leal, que se ha casado con el primero de sus amantes que le ha propuesto matrimonio.

El film suma drama, acción, aventura y western. Es el décimo primer western del realizador y el último de su segundo ciclo, integrado por 5 obras (“La mujer de fuego”, “El honor del capitán Lex...). Como es habitual en los trabajos de De Toth, el film respira originalidad y la singularidad propia de una obra que lleva impresa la huella de su personalidad. Los personajes son seres corrientes, movidos por intereses comunes y dotados de cualidades normales. La acción los enfrenta a situaciones extremas, que afrontan para sobrevivir. Su visión de la condición humana es pesimista: la ve abocada a la barbarie, la crueldad y el salvajismo, como bien pone de manifiesto el film que comentamos.

Los móviles principales de la conducta humana son la lujuria, los deseos de embriaguez, la piromanía (admiración por el fuego que todo lo arrasa) y la satisfacción de los instintos atávicos de violencia, pelea y muerte. La afición que siente por las peleas a puñetazos tiene su expresión en la bárbara paliza que recibe un personaje en la calle principal del pueblo. Le gusta tratar temas poco o nada convencionales, duros y turbulentos, en los que la lucha entre el Bien y el Mal se desarrolla en escenarios oscuros y opresivos, dominados por la pulsación de las bajas pasiones y los instintos más primitivos y abominables. Aprovecha como puede los mayores espacios de libertad creativa que consienten en aquellos momentos los dirigentes de un Hollywood complaciente en exceso y enemigo de las historias ásperas y desabridas.
[Leer más +]
17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gomorra
Gomorra (2008)
  • 6,2
    23.387
  • Italia Matteo Garrone
  • Salvatore Cantalupo, Gianfelice Imparato, Maria Nazionale, Toni Servillo, ...
7
Ciudad maldita
Largometraje del realizador italiano Matteo Garrone (Roma, 1968). El guión, de Maurizio Brancci, Ugo Chiti, Gianni di Gregorio, Massimo Gaudioso, Roberto Saviano y Matteo Garrone, adapta la novela de éxito “Gomorra” (2006), de Roberto Saviano (Nápoles, 1979). Se rueda en escenarios naturales de Nápoles (Campania), Scampia (Nápoles) y Venecia, con un presupuesto ajustado. Nominado a la Palma de oro, gana el Gran Premio del Jurado (Cannes), 5 premios del Cine Europeo (película, actor, fotografía, director y guión) y otros premios. Producido por Domenico Procacci para Fandango, Rai Cinema y Sky, se estrena el 16-V-2008 (Italia).

La acción dramática tiene lugar en Nápoles, la barriada de las velas de Scampia (Nápoles) y Venecia, a lo largo de unos pocos días. Incorpora 5 historias simultáneas ligeramente enlazadas. Totó (Apruzzese) es un chaval de unos 12 años que colabora con la Camorra, mafia napolitana, como recadero y que desea integrarse en ella, fascinado por el poder de sus dirigentes. La historia del chico sirve como hilo conductor del enlace de 5 historias: la de Don Ciro (Imparato), la del licenciado Roberto (Paternóster), la de los jóvenes Mario (Macor) y Ciro (Petrone) y la del sastre Pasquale (Cantalupo). Por medio de las cinco historias se compone un relato sobre la mafia napolitana, llamada Camorra o vulgarmente El Sistema.

El film suma crimen, drama y mafia. Muestra los métodos de la organización, basados en una violencia extrema y en la criminalidad; los tipos de actividades preferidas (tráfico de drogas, extorsión, gestión de residuos tóxicos, prostitución, tráfico de armas, explotación laboral de personas...); la organización específica de la mafia napolitana (de estilo horizontal, sin jefes superiores y con numerosos cabecillas de nivel igual o similar); las dimensiones, el arraigo, el grado de penetración social, las luchas internas de las bandas y otras características del entramado criminal local.

La narración se presenta construida de acuerdo con los parámetros de un estilo documentalista, que refleja la realidad de modo directo y sin artificios, con asepsia y ausencia de juicios de valor. Trata de no tomar partido ni a favor ni en contra de los personajes, las conductas que desarrollan y los hechos que protagonizan, tanto por lo que respecta a la trama principal, como a las subtramas que se esbozan o insinúan. La cámara se esfuerza en mostrar las cosas tal como son, sin añadidos y sin refuerzos. El distanciamiento que adquiere la narración es consecuencia de la mirada aséptica y fría que se usa, no impide que algunos hechos resulten sobrecogedores. Tampoco impide que la narración alcance momentos particularmente contundentes y de gran fuerza expresiva.
[Leer más +]
11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
La cinta blanca
La cinta blanca (2009)
  • 7,2
    35.905
  • Alemania Michael Haneke
  • Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Leonard Proxauf, Burghart Klaußner, ...
8
El lazo
Largometraje del realizador alemán Michael Haneke (Munich, 1942). El guión es original de Haneke y cuenta con la ayuda de Jean-Claude Carrière (colaborador de Buñuel) en la tarea de abreviarlo. Se rueda en escenarios naturales de Alemania (Leipzig, Lübeck, Netzov y Michalisbruch). Gana la Palma de oro (Cannes), tres premios del cine europeo (director, película y guión), un Globo de oro (película de habla no inglesa) y es nominado a dos Oscar. Producido por Stephan Arndt, Veit Heiduschka, Margaret Menégoz y Andrea Ochipinti, se proyecta por primera vez en público el 21-V-2009 (Cannes).

La acción dramática tiene lugar en Eichwald, una pequeña localidad del noreste de Alemania, actualmente del estado de Brandenburgo, y la localidad vecina de Tröglitz. La acción se extiende a lo largo de 15 meses, entre febrero de 1913 y julio de 1914, justo antes del inicio de la IGM (1914-18). Los protagonistas son los niños y niñas del coro de la Iglesia y de la escuela, y personajes singulares como el barón (Tukur), la baronesa Marie-Louise (Lardi), el administrador, el pastor luterano (Klaussner), el médico (Bock), la comadrona (Lothar), el maestro (Friedel), la niñera Eva (Benesch), etc. Dentro del grupo de menores sobresalen la hija del médico Anne (Kühnert), los hijos del pastor Klara (Dragus) y Martin (Proxauf), la hija del administrador Erna (Fautz), el hijo del barón, Karli (Grahl) hijo con síndrome de Down de la Sra. Wagner y otros.

El barón es autoritario, despótico y egoísta. La baronesa, aficionada al piano, siente desdén y desprecio por sirvientes y jornaleros. La Sra. Wagner, soltera de unos 40 años, siente pasión por su hijo discapacitado y sobrelleva con rencor el maltrato de su amante. El médico es un personaje oscuro y el pastor es hipócrita. El maestro es un observador neutral que busca la verdad sin ayuda de nadie y con la incomprensión y el desprecio de muchos. Eva es espontánea, sincera e ingenua. El viejo trabajador del campo (Samarovski) defiende el orden establecido como mal menor, etc.

El film suma crimen, drama, misterio, intriga y crítica social. Bajo la apariencia de una tranquila y pacífica vida rural, se oculta un mundo turbulento de envidias, rencores, afanes de venganza, crueldad y perversidad, que afecta a todas las familias. Por un lado, son causa de enfrentamientos los intereses contrapuestos del terrateniente (barón Armín) y los intereses de los trabajadores. Por otro lado, son motivo de enfrentamiento las diferencias generacionales entre padres e hijos. La sociedad se encuentra fuertemente jerarquizada y sometida a una matriz muy rígida de valores absolutos, sacralizados por creencias religiosas inspiradas en principios fundamentalistas e integristas. La atmósfera que se respira es de extremismo, rigorismo, frialdad, hipocresía y represión. Abundan los abusos de autoridad, el maltrato familiar, el abuso de menores, el machismo degradante de la mujer, etc.
[Leer más +]
41 de 44 usuarios han encontrado esta crítica útil
El lector
El lector (2008)
  • 7,2
    48.828
  • Estados Unidos Stephen Daldry
  • Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes, Bruno Ganz, ...
8
Los lectores
Tercer largometraje del realizador británico Stephen Daldry (“Billy Elliot” y “Las horas”). El guión, de David Hare (“Las horas”, adapta la novela “Der Varleser” (“The Reader”) (1995), del escritor alemán Bernhard Schlink. Se rueda en escenarios naturales de Alemania (Berlín, Colonia, Brandemburgo, Görtliz...), Polonia (Lublin) y EEUU (NYC) y en los platós de MMC Studios (Hürt, Westfalia) y de Studio Babelsberg (Postdam), con un presupuesto de 32 M USD. Nominado a 5 Oscar, gana uno (actriz protagonista). Producido por Anthony Minghella, Sydney Pollack, Donna Gigliotti y Redmon Morris para Mirage Enterprise, The Weinstein Company y Babelsberg Film, se estrena el 10-XII-2008 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Alemania (Neustadt, Heidelberg, Berlín...) y en EEUU (NYC), a lo largo de 37 años (de 1958 a 1995). Michael Berg (Fiennes), establecido en Berlín a raíz de la reunificación (3-X-1990) de Alemania, recuerda su historia personal desde los 15 años, cuando vivía con sus padres y hermanos en la ciudad de Neuestadt (Renania-Palatinado) y la relación amorosa que el verano de 1958 mantuvo allí con Hanna Schmitz (Winslet), hasta el presente de sus 52 años. Aficionado a la lectura, es abogado de prestigio, está divorciado, frecuenta amores circunstanciales y sin compromiso, y es reservado, de trato distante y frío. Arrastra traumas del pasado. Hanna, tortuosa y enigmática, oculta secretos de un pasado oscuro. De origen humilde, trabajó como obrera no cualificada en diversas empresas.

El film suma drama, drama psicológico, romance e historia. El relato corre a cargo de un narrador que recuerda mediante flashbacks los principales acontecimientos de su vida. El tiempo se presenta fracturado y dispuesto de modo no lineal. Los recuerdos del pasado y las vivencias del presente se intercalan y los hechos del pasado no se evocan de modo ordenado cronológicamente, aunque guardan su propio orden. La historia es creíble y convincente y los personajes, bien construidos, son verosímiles. El estilo es contenido, sobrio y realista. El ritmo, tranquilo y calmado, refleja el temperamento del narrador y permite, al mismo tiempo, que los detalles adquieran un acertado y grato relieve.

Abundan los planos que centran la atención en aspectos puntuales, sencillos y cotidianos, de los que extrae efectos inusuales y a los que trata como fuente de información relevante. Desgrana junto a los hechos preguntas e interrogantes a los que opone respuestas abiertas a la reflexión y al debate. La composición narrativa es elegante, seductora visualmente y absorbente. Destila afición a la belleza, al buen gusto, al equilibrio clasicista y a la literatura, que concibe como fuente de conocimiento, de goce estético y de relación.
[Leer más +]
13 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
A Time to Love and a Time to Die
A Time to Love and a Time to Die (1958)
  • 7,6
    1.768
  • Estados Unidos Douglas Sirk
  • John Gavin, Liselotte Pulver, Jock Mahoney, Keenan Wynn, ...
8
Los enamorados
Penúltimo film de Douglas Sirk (Hamburgo 1900 – Lugano 1987). El guión, de Orin Jannings, adapta la novela “Zeit zum Leben, zeit zum Sterben (1954), del novelista alemán Erich Maria Remarque, pseudónimo de Erich Paul Remark (1898-1970), que estuvo casado (1958-1970) con Paulette Goddard. Se rueda en escenarios naturales del CCC-Atelier Spandau (Berlín) y de las proximidades de Berlín, y en estudio. Producido por Robert Arthur para Universal, se estrena el 9-VII-1958 (NYC).

La acción dramática tiene lugar a comienzos de la primavera de 1944, en el frente ruso de Alemania (sin mayores especificaciones) y en la pequeña localidad germana de Werden (Renania del Norte-Westfalia), durante algo más de un mes, con especial referencia a los 21 días de permiso del soldado Ernst Graeber (Gavin). Se reencuentra inesperadamente con Elizabeth (Pulver), hija única, de 20 años, del médico de cabecera de su familia, el Dr. Kause. En Werden, Ernst se relaciona con su antiguo condiscípulo Oscar Binding (David), son su antiguo maestro el profesor Polhmann (Remarque) y con los militares de la enfermería Hermann Boettcher (DeFore), Reuter (Wynn) y otros. Ernst tiene 24 años, lleva algo más de dos años sin visitar Werden y es honesto, sincero, susceptible y algo ingenuo. En el frente su mejor amigo es Immerman (Mahoney). Ella es de carácter fuerte, tiene gran sentido de la dignidad y del amor propio, trabaja en una planta de confección de capotes militares, se encuentra sola y vive preocupada por su padre, deportado a un campo de concentración y condenado a trabajos forzados por haber manifestado que pensaba que Alemania no podía ganar la guerra.

El film suma drama, romance y guerra (IIGM). Desarrolla una narración realista, que se apoya en el uso de contrastes y antítesis (amor/odio, muerte/primavera, horror/ternura...), en un estilo fluido y ligero, unos diálogos naturales (alejados de la farragosidad de la novela) y una portentosa visualidad. Crea una atmósfera trágica que con variación de matices informa todo el metraje. El espacio en el que tiene lugar la acción principal se presenta derruido por las bombas, convertido en un escenario de formas fantasmagóricas, distorsionadas y fragmentadas que lo transforman en un lugar de congoja y pesadilla.

El realizador incorpora a este paisaje numerosos signos de la muerte. Prácticamente toda la ciudad habla de muerte. Lo hace por medio de elementos anteriores a la guerra (caballo disecado), amenazas ciertas (Gestapo), personas ocultas en lugares inhóspitos, dibujos en las paredes del refugio (bombas que caen sobre personas indefensas), ceremonias fúnebres (comitiva de un entierro), sonido y efectos de los bombardeos (traje en llamas de una mujer), etc. La presencia singular de la muerte se convierte en un fenómeno masivo en la casa del comisario político del lugar, cuyas paredes muestran los bustos disecados de multitud de gamos, cornamentas de ciervos sacrificados y escopetas de caza.
[Leer más +]
24 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
Madame X
Madame X (1966)
  • 6,6
    278
  • Estados Unidos David Lowell Rich
  • Lana Turner, John Forsythe, Ricardo Montalban, Burgess Meredith, ...
7
Desaparecida
Es el film más relevante del realizador y productor David Lowell Rich (NYC, 1923). El guión, de Jean Holloway, adapta la obra de teatro “Madame X” (1908), del dramaturgo y novelista francés Alexandre Bisson (1848-1912). Se rueda en la mansión Anderson de L.A., que pocos años después se convierte en la Mansión Playboy y en los platós de Universal Studios (Universal City, CA). Producido por Ross Hunter (“Imitación a la vida”, Sirk, 1959) para Universal, se proyecta por primera vez en público el 25-II-1966 (Festival de Berlín).

La acción dramática tiene lugar en el condado de Fairfield (Connecticut), Suiza, Suecia, Méjico y NYC, a lo largo de 24 años, comprendidos entre 1931 y 1955, según se desprende de la fecha del talón bancario que se muestra dos veces en pantalla. Holly Parker (Turner), modesta dependienta de unos almacenes de San Francisco, se casa, tras breve noviazgo, con Clayton “Clay” Anderson (Forsythe), heredero de una familia de la aristocracia de Connecticut. Se instalan en la mansión familiar gobernada por Estelle (Bennett), madre de Clay. Las diferencias entre las dos mujeres desencadenan un dramático proceso de desventuras. A lo largo de su vida, Holly se relaciona, entre otros, con Phil Benton (Montalbán), un afamado pianista (Dreelen) y el ventajista Dan Sullivan (Meredith). Ella es sencilla, sincera, cariñosa, cautelosa y frágil. Estelle es dominante, entrometida, manipuladora y malvada. Clay, con aspiraciones políticas, se ve obligado a viajar mucho y a ausentarse de su casa con frecuencia a raíz de su creciente compromiso con la Secretaría de Estado, tras la victoria en las elecciones presidenciales de noviembre de 1932 del demócrata Franklin D. Roosevelt.

El film suma drama, melodrama y análisis social. Ross Hunter, meticuloso productor, que ya había colaborado en dos ocasiones con Lana Turner, deseaba poner la dirección de la cinta en manos de Douglas Sirk, que por entonces había regresado a Europa y se hallaba ocupado en un importante proyecto teatral. Ante la negativa de éste, encarga la dirección a un acreditado realizador especializado en televisión. La narración de los hechos luce contención y sobriedad. La pulsación de los sentimientos humanos abarca un amplio espectro de pasiones y frustraciones. Se explican lances de amor, afecto, ternura, cariño, resignación, sacrificio y, también, de odio, envidia, desprecio, dominación y afanes de destrucción.

La moderación del discurso se basa en una importante aportación de sugerencias, indicaciones disimuladas, expresiones gestuales y un apoyo imaginativo y eficaz de recursos de iluminación, color y música. No sólo se dicen muchas cosas sin palabras sobre sentimientos y reacciones personales, sino también sobre la identificación de los lugares de la acción y la definición de sus caracteres singulares.
[Leer más +]
20 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vivir
Vivir (1994)
  • 7,9
    4.489
  • China Zhang Yimou
  • Gong Li, Ge You, Jiang Wu, Niu Ben, ...
8
Huozhe
Sexto largometraje del realizador Zhang Yimou (Xian, China, 1951). El guión, de Lu Wei y You Hua, adapta la novela “Huozhe” (1992), la segunda del joven escritor Yu Hua (Hangzhou, China, 1960). Se rueda en escenarios naturales de China y en estudio. Nominado a la Palma de oro (Cannes), gana el premio al mejor actor (Ge You), el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico. Gana, además, el Bafta al mejor film en lengua no inglesa. Producido por Fu-Sheng Chiu, Funhong Kow y Christophe Tseng para Era Internacional y Shanghai Film Studios, se proyecta por primera vez en público el 18-V-1994 (Festival de Cannes).

La acción dramática tiene lugar en China entre los primeros años 40 y los 70 del XX. La localización principal es una ciudad entre mediana y pequeña, no determinada, en la que se habla el mandarín. Xu Fugui (Ge You), adicto a los dados y poco aficionado al trabajo, está casado con Xu Jiazheng (Gong Li). Son padres de una niña, Xu Fengxia (Tianchi Lui), sordomuda a causa de una enfermedad, y de un niño menor, Xu Youqing (Deng Fei). La familia afronta los cambios, las desdichas y las alegrías que les depara la vida a través de tres grandes etapas de la historia del país: los últimos años de la Guerra Civil (1927-1950), el Gran Salto Adelante (1950-60) y la Revolución Cultural (1966-69). Se relacionan con el alcalde de la ciudad o jefe de distrito (Ben Niu), con el joven Wan Erxi (Wu Jiang), Chunsheng (Tao Guo) y otros. Fugui es ingenuo, sencillo, frágil e inseguro. Trabaja como cantante de un grupo de teatro de marionetas tradicionales. Su esposa es fuerte, animosa, cariñosa, sufrida y tolerante. Ella es la espina dorsal de la familia.

El film suma drama, melodrama, comedia y análisis histórico. Desarrolla un relato centrado en la cotidianeidad de una familia corriente, sin importancia y sin relieve social, insignificante, humilde y prácticamente desconocida, dedicada a trabajar en lo que puede o lo que le mandan. Tanto los personajes principales, como el grupo familiar, experimentan a lo largo de los años cambios importantes. La implantación del régimen comunista, la supresión de tareas domésticas, la incorporación de la mujer al trabajo, la asunción por ella de tareas duras y que exigen esfuerzo físico, la proliferación de comedores comunitarios, las tareas colectivas planificadas, las directrices centralizadas sobre la producción orientada a la industrialización y, dentro de ésta, la producción de acero a partir de desechos y útiles de todo tipo. Años después la Revolución Cultural y sus secuelas imponen nuevos cambios y nuevas rupturas, como la prohibición de las representaciones del teatro de marionetas y canciones tradicionales antiguas, depuraciones personales, etc. A los cambios externos se añaden las incidencias propias de la vida de familia, con satisfacciones, disgustos, gozos, esperanzas y alegrías.
[Leer más +]
21 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paraíso ahora
Paraíso ahora (2005)
  • 7,2
    11.812
  • Palestina Hany Abu-Assad
  • Kais Nashef, Ali Suliman, Lubna Azabal, Amer Hlehel, ...
8
Dos días
Film del realizador palestino Hany Abu-Assad (Nazaret, 1961). El guión, escrito por el propio realizador con la colaboración de Bero Beyer y Pierre Hedgson, se basa en una historia de ficción inspirada libremente en hechos reales. Se rueda en Nablus, Nazaret y alrededores (Cisjordania, Israel) y en Tel Aviv (Israel). Tanto las escenas exteriores como las de interior se ruedan “in situ”, lo que provoca molestias, interferencias e interrupciones del entorno, que motivan la fatiga del equipo de rodaje y el abandono de algunos de sus componentes. Gana el premio “Blue Angel” del Festival de Berlin (film europeo) y es nominado a un Oscar (film en lengua no inglesa). Producido por Bero Beyer para Augustus Film, Razor Film, Lumen Film y France Cinéma, se proyecta por primera vez en público el 14-II-2005 (Festival Berlin).

La acción dramática tiene lugar en Nablus y alrededores y en Tel Aviv a lo largo de dos días de 2004. Saíd (Nashef) y Khamal (Suliman) son amigos de la infancia y trabajan en el mismo taller de reparación de coches. Ambos tienen entre 17 y 18 años y comparten trabajo y ocio. Forman parte de los 3 millones de personas que residen en los Territorios Palestinos. Conservan recuerdos infantiles y familiares de la primera intifada (1987-93) y se hallan en la fase final de la segunda intifada, o intifada de Al-Aqsa (2000-febrero de 2005). Durante ésta se organizan los primeros atentados suicidas contra la población civil de Israel.

El film suma drama, thriller y terrorismo. Explora con afanes de objetividad y neutralidad la situación de la población palestina de Cisjordania y de la franja de Gaza. Lo hace desde el punto de vista de dos jóvenes criados en Nablus, que han crecido en la ciudad y que conocen sólo por referencias la situación anterior a 1947. El ambiente que se vive en Cisjordania, las limitaciones de movimientos de la población, los controles militares de entrada y salida del territorio de Israel, la precariedad de los servicios públicos y de las condiciones generales de vida, las diferencias entre lo que el visitante ve en Nablus y en Tel Aviv, etc., son observados con una mirada que quiere ser equilibrada y objetiva.

La narración es realista: las calles descuidadas, el campo poblado de escombros, las imágenes de miseria, el deterioro de las fachadas y del interior de las viviendas, las arquitecturas simples y arcaicas, el mal estado de conservación de los pocos coches que circulan, la falta de servicios públicos, llevan a los ojos del espectador una descripción veraz y turbadora. En el contexto económico y social observado, el descontento, la insatisfacción, la rebeldía y el levantamiento (intifada) colectivo resultan explicables. Tampoco sorprende que en este escenario palpite un movimiento subterráneo de reivindicación, que desde hace poco practica una nueva forma de lucha: los atentados suicidas contra la población civil de Israel.
[Leer más +]
8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
La signora di tutti
La signora di tutti (1934)
  • 7,2
    378
  • Italia Max Ophüls
  • Isa Miranda, Memo Benassi, Nelly Corradi, Friedrich Benfer, ...
7
La mujer de papel
Film de Max Ophüls (1902-57) rodado en Italia, es su séptimo largometraje. El guión, del propio Ophüls con la colaboración de Hans Wilhelm y Curt Alexander, adapta con numerosas licencias la novela “La signora di tutti” (1933), de Salvator Gotta (1887-1980), el escritor italiano de mayor relieve del momento. Se rueda entre mayo y junio de 1934 en escenarios naturales de la provincia de Como (Lombardía, Italia) y en los platós de Cines Studios (Roma), dotados de excelentes equipos, pero mal insonorizados. Nominado al León de oro, gana el premio al film de mejor calidad técnica. Producido por Angelo Rizzoli para Novella Films, se proyecta por primera vez en público el 13-VIII-1934 (Festival Venecia).

La acción dramática tiene lugar en París (estudio de rodaje, suite de un hotel y quirófano de un hospital), donde la actriz Gaby Doriot, nombre artístico de Gabrielle Murge (Miranda), es intervenida de urgencia tras un intento de suicidio. Bajo los efectos de la anestesia, recuerda los hechos más destacados de su vida desde los 15 a los 22 años (momento actual). La historia que rememora tiene lugar en Milán, París y en una villa rural de Como (Lombardía). Gaby, hija de un coronel jubilado y viudo, es seria, reservada, tímida, encantadora, alegre, elegante y muy atractiva. De cabellos rubios, cautiva a los hombres, que se sienten fascinados por ella. Su única hermana, Anna (Corraldi), es abierta, comunicativa, decidida, simpática y morena. El padre (Picasso) es autoritario, entrometido y dado a coartar la libertad de sus hijas, pese a depender emocionalmente de ellas. Gaby se relaciona con Roberto Nanni (Benfer), que estudia en Roma, su madre Alma (Pavlova) y su padre Leonardo (Benassi).

El film suma drama, drama psicológico y romance. Esencialmente es un melodrama de fuertes pasiones. Acusa influencias del drama norteamericano que se pone de moda a raíz de la Gran Depresión y que da lugar a la producción de obras de gran dramatismo destinadas a satisfacer a un público ansioso de emociones fuertes. En esta línea sobresalen algunos films como “La Venus rubia” (1932), de Josef von Sternberg. Por otro lado, el film que comentamos anticipa elementos argumentales y estilísticos que alcanzan su plenitud en la magnífica vacuidad de Danielle Darrieux en “Madame de...” (1953) y en el desgarrado romanticismo de Martine Carol en “Lola Montes” (1955).

La película ha merecido siempre elogios por la excelencia técnica, que se concreta en un trabajo de cámara diligente y de gran elegancia; unos diálogos rápidos y breves; un pulso narrativo potente; un ritmo sostenido e intenso; la ausencia de tiempos desaprovechados; la reiteración de pulcras tomas largas; la creación de complejos travellings resueltos con inesperada naturalidad; juegos limpios de planos paralelos en movimiento (el coche de Leonardo y la embarcación de patines de Gaby) y el dinamismo espontáneo de escenas rodadas con la cámara en mano.
[Leer más +]
18 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pursued
Pursued (1947)
  • 7,2
    976
  • Estados Unidos Raoul Walsh
  • Teresa Wright, Robert Mitchum, Judith Anderson, Dean Jagger, ...
8
Jeb
Notable western dramático de Raoul Walsh (1887-1980), casi olvidado e injustamente infravalorado durante mucho tiempo, hoy es considerado un film de culto. El guión es original del escritor y guionista Niven Busch (1903-91), autor de la novela “Duel in the Sun” y del guión que la adapta al cine con el mismo título, “Duelo al sol”(Vidor, 1946). Se rueda en escenarios naturales de Gallup (NM) y en los platós de Warner Studios (Burbank, CA). Producido por Milton Sperling para United States Pictures/WB, se estrena el 2-III-1947 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en los primeros años del s XX, en el antiguo rancho de los Rand, en el rancho de Medora Callum, en la localidad de Lone Horse, del condado de Seat y alrededores y en Cuba. Jeb Rand (Mitchum) es un joven huérfano adoptado a los cuatro años por la viuda Medora Callum (Anderson), madre de un niño, Adam (Rodney), y de una niña, Thorley (Wright). Vive atormentado por unos recuerdos fragmentarios de su infancia que no alcanza a completar y la sensación de que alguien le persigue por razones que desconoce. Se relaciona con Jake Dingle (Hale), dueño del Casino de Lone Horse, con el joven Prentice (Carey) y otros. Conoce a Grant Callum (Jagges), fiscal de Santa Fe (NM).

El film suma drama, drama psicológico, suspense, thriller, cine negro, romance y western. Esencialmente es un western psicológico de trazos negros. La narración corre a cargo del protagonista, que recuerda episodios de su pasado con la ayuda de flashbacks, que componen un largo y en realidad único flashback. El relato es un drama de tintes oscuros y de comportamientos impulsados por pasiones desatadas que responde a razones patológicas, obsesivas o transitorias. Los motivos abarcan celos, ira, envidia, odios, venganza, resentimiento y otras manifestaciones primarias. Los cambios por volubilidad de los sentimientos de algunos de los apoyos del héroe contribuyen a enrarecer la atmósfera del film y a llenarla de incertidumbre y amenazas. El desconocimiento por parte del protagonista y del público de los motivos que se hallan en el origen de los hechos aportan misterio y factores adiciones de preocupación y temor.

La pasividad del personaje, que se refugia en concepciones fatalistas para no reaccionar ante las amenazas presentidas y dejar en manos de la supuesta mala suerte que le persigue la marcha de los acontecimientos, aporta profundidad al melodrama, delata la fragilidad del protagonista e incrementa la tensión general. El crescendo dramático está sabiamente administrado por Walsh. El soundtrack aporta aullidos de murciélagos y sonidos de lechuzas y búhos, que potencian el poder terrorífico de la noche.

La historia, saturada de pasiones enfrentadas, giros y cambios, adquiere niveles altos de interés y de capacidad de absorción de la atención del público. Con todo, la falta de credibilidad de algunos lances y situaciones provoca en los espectadores más exigentes sentimientos de insatisfacción.
[Leer más +]
29 de 31 usuarios han encontrado esta crítica útil
El discreto encanto de la burguesía
El discreto encanto de la burguesía (1972)
  • 7,6
    7.932
  • Francia Luis Buñuel
  • Fernando Rey, Paul Frankeur, Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel, ...
8
Los invitados
Antepenúltimo largometraje de Luis Buñuel (1900-83), es el más surrealista de los films de su última etapa. El guión es original de Buñuel, que lo escribe con la colaboración de Jean-Claude Carrière. Se rueda en escenarios reales de Paris y en los platós de Paris Cinema Studios (Boulogne Billancourt). Nominado a 2 Oscar, gana uno (película de habla no inglesa), que es el único de Buñuel. Producido por Serge Silberman para Greenwich film Production, se estrena el 15-IX-1972 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Paris y alrededores a lo largo de varias semanas de 1972. Rafael Acosta (Rey), embajador en Paris de un país imaginario de América del Sur, se reúne asiduamente a manteles con sus amigos y socios, el matrimonio formado por Henri (Cassel) y Simone (Seyrin) Sénéchal y el formado por François (Frankeur) y Alice (Audran) Thévenot. Habitualmente se une al grupo, Florence (Ogier), la hermana menor de Simone. Los seis personajes forman un grupo representativo de la burguesía parisina de principios de los 70. Cultivan la hipocresía, rinden culto a las apariencias, mantienen actitudes falsamente amables, desarrollan comportamientos egoístas y ocultan bajo la fachada de sus buenos modales, actitudes brutales y crueles.

El film suma comedia, drama y fantasía. Explica un hecho que luego se repite con variantes una y otra vez, a la manera de lo que sucede en la vida, hecha según Buñuel, de reiteraciones de situaciones y hechos. La vida de los seres humanos es suma de prácticas que se repiten periódicamente: trabajo, comidas, encuentros con amigos, fiestas, viajes., infidelidades, temas de conversación, etc. Las comidas y cenas que el grupo organiza topan siempre con impedimentos que las hacen imposibles, como malentendidos, velatorios, maniobras militares, etc. Los afectados no pierden la compostura porque están acostumbrados a fingir y lo hacen bien porque es lo que hacen siempre.

La narración no tiene una estructura lineal ni la sistemática convencional. Yuxtapone escenas aparentemente sin conexión, que enlaza a la manera de los cuentos de “Las mil y una noches”. Los personajes parecen títeres sin alma, que se mueven en un mundo irreal o falso. La película carece de hilo argumental: los hechos se originan o se hacen presentes por azar, motivos casuales o imprevistos. Por ello el film está lleno de digresiones, colusiones, interrupciones e insertos fantasiosos. Para mayor abundamiento, se mezclan sueños y realidad, de manera que el espectador tarda a veces en advertir si lo que le cuentan es real o imaginario. Las diferencias entre los dos ámbitos tiene escasa importancia porque el discurso no se ajusta a las normas de la racionalidad, sino a las de una comunicación fluida y eficaz.
[Leer más +]
50 de 54 usuarios han encontrado esta crítica útil