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Críticas de miguel
Críticas ordenadas por:
Preciosa
Preciosa (2009)
  • 6,7
    30.827
  • Estados Unidos Lee Daniels
  • Gabourey Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton, Mariah Carey, ...
2
Precious: Based on the TV program Muchachada Nui by Joaquín Reyes
En esta graciosa comedia, Joaquín Reyes interpreta a Precious, una adolescente afroamericana, obesa, violada por su padre, maltratada por su madre, analfabeta, madre de una hija con síndrome de Down y embarazada de otro hijo (espero no dejarme nada). La mujer sufre mucho, especialmente porque es incapaz de expresar lo que siente, debido a que es analfabeta. Es algo parecido a lo que le pasaba al conejo de Le llaman conejo (ver video en la web de Muchachada), que nadie lo aceptaba por parecer un conejo y él se desmarcaba rapeando. Precious escribe poemas. Aquí, en lugar de Julián López, el papel protagonista recae sobre el jefe Joaquín Reyes, que vuelve a realizar una actuación magistral, al nivel de sus parodias de Kofi Annan, Bono o Manu Chao. Dándole la réplica está Carlos Areces, haciendo de madre de Precious. Otro papel magistralmente incorporado por este gran actor y dibujante español.

Amén de las interpretaciones, la película avanza a golpe de muchos tópicos que ya hemos visto en Muchachada Nui y en La hora chanante, y también otros rescatados de otras comedias. Por ejemplo, cuando Joaquín y Carlos se pelean en el apartamento, me recordó demasiado a las parodias de Matrix que hacía Scary Movie, aunque aquí el hecho de que las que se pelean sean obesas tiene su gracia, especialmente cuando el director utiliza la cámara lenta.

También me hizo mucha gracia que rescatasen de Muchachada Nui el espacio Mundo Viejuno. Es sin lugar a dudas magistral cuando Joaquín Reyes y Carlos Areces se introducen en la película La ciociara. En el espacio de TVE, lo único que hacían era doblar las voces de actores de películas clásicas. Ahora, con los medios que les permite un largometraje de mayor presupuesto, han podido jugar con la manipulación por ordenador. Todo un acierto.

No he visto Spanish Movie, pero dudo que sea capaz de superar el trabajo que los "muchachos" han realizado en este film.
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35 de 63 usuarios han encontrado esta crítica útil
Naturaleza muerta
Naturaleza muerta (2006)
  • 6,8
    2.092
  • China Jia Zhang Ke
  • Tao Zhao, Sanming Han, Zhou Lan, Lizhen Ma, ...
9
Ozu-Kiarostami-Rossellini
Jia Zhang-ke es a día de hoy el gran cineasta chino en el panorama mundial (a la espera de una mayor continuidad del prometedor Wang Bing) y uno de los más grandes de todo el mundo asiático. Siguiendo el camino iniciado por Kiarostami, Jia construye sus películas en base a pequeños dramas, apenas esbozados, que generan grandes ideas. Huyendo de las formas del drama tradicional. ubica sus películas en tiempos gigantescos, que son los del avance del gran mastodonte chino, donde el individuo ha desaparecido por completo y las pasiones humanas viven subordinadas al avance colectivo. Si bien en los tiempos y en la exposición del drama, Jia se parece al maestro iraní, los escenarios que filma y su deseo de acercarse a la Historia le acercan a otro gran director como Roberto Rossellini. Al igual que Rossellini, Jia confronta al individuo anónimo frente a la gran Historia, al pequeño trabajador frente alas portentosas obras que China pretende legar al mundo.

Creo que Naturaleza muerta es, hasta el momento, su mejor película. A cada paso que daba, el director chino ha aumentado las dimensiones de sus películas. Desde los pueblos perdidos del interior que vivían al margen de la gran Revolución y la Historia del país, Jia empezó a construir proyectos a escala muchísimo mayor. El primero, The World, estaba rodado en el parque temático homónimo de Pekín, una macroestructura que representa a una escala de un tercio maravillas de la humanidad como la torre Eiffel, el Taj Mahal o las pirámides egipcias, donde se desarrollaba una globalización interiorizada y represor controlada por el gobierno chino. Era una película fría y distante donde el individuo había perdido su humanidad, convirtiéndose en un espectro. Naturaleza muerta une su cine más modesto con la escala dantesca de The World. Los protagonistas tienen ahora una historia (un hombre en busca de su mujer abandonada años atrás y una mujer tras la pista de su marido) y un lugar de procedencia. Su drama se escenifica bajo la mirada de la presa de Sanxia, una de los principales monumentos de la nueva y orgullosa China, que obliga a derribar e inundar antiguos pueblos, vestigios del pasado, memoria viva de un drama colectivo que ha quedado atrás en el tiempo. Los referentes históricos desaparecen en una China donde el impacto del comunismo ha provocado una supresión del tiempo, del acontecimiento. Es normal, por tanto, que en este drama desubicado y posthistórico puedan hacer acto de presencia con la mayor naturalidad naves extraterrestres. Es la inconsistencia del presente, la negación del pasado, lo que precipita las imágenes hacia la indeterminación. Pocas veces un final abierto ha adquirido tanto significado.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mysterious Object at Noon
Mysterious Object at Noon (2000)
  • 6,7
    394
  • Tailandia Apichatpong Weerasethakul
  • Documentary, Phurida Vichitphan, Mesini Kaewratri, Djuangjai Hirunsri, ...
9
Cadáver exquisito
El cambio de siglo vino marcado por el cuestionamiento de la autoridad norteamericana sobre el resto del mundo, labrada tras el derrumbre del bloque soviético. Los atentados del 11-s y el fracaso de la guerra contra el terrorismo, unido al avance de las economías asiáticas, erosionó esta dominación mundial. por lo que los teóricos de la postmodernidad vinieron a cuestionar el relato de Fukuyama acerca del fin de la Historia. Esto requiere el acceso a nuevos rudimentos para acercarse a la Historia, más allá de los relatos que proceden desde el poder o la excesivamente redundante filosofía de la Historia. Mysterious object at noon fue una de las primeras películas del siglo en preguntarse qué camino debería seguir el cine como instrumento de registro histórico. Si el cine podía ser una herramienta para construir una narración acerca del pasado.

Llevándolo a la práctica, su director, el debutante Apichatpong Weerasethakul ofrecía un cadáver exquisito mediante el cual la película se guiaba a través de pequeños relatos que unía de forma inconsciente la gente a la que entrevistaba a modo de documental. Superando el debate entre documental y ficción, AW comienza la película entrevistando a una vendedora ambulante para que narre las dificultades que ha pasado a lo largo de su vida. Como el relato termina pronto y no es demasiado interesante, el director le pide que cuente cualquier otra cosa, aunque tenga que inventársela. Ese es el punto de partida de un relato delirante donde la Historia oficial se mezcla con relatos orales, mitos o directamente la ciencia ficción fantástica.

Tailandia es un país donde la sinfluencias ajenas son reinterpretadas localmente a toda velocidad, al menos eso es lo que averiguamos observando el cine de AW o Wisit Sasatieng, también con los mucho menos interesantes hermanos Pang. Las lágrimas del tigre negro (Sasatieng), ese saturadísimo western tailandés, es el ejemplo más extremo. Esta cultura que muta con tanta facilidad choca con la situación política que vive el país, prácticamente una monarquía absoluta donde la censura prohibió la última película de AW por mostrar un monje que sueña con ser DJ. Quizás esta pervivencia de un sistema político tan arcaico en tiempos de la web 2.0 es el desencadenante de este cine que se ha señalado. Y así es como el relato excesivo, desestructurado y viciado que propone Mysterious object at noon se convierte en arma de disidencia política
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23 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
A Short Film About the Indio Nacional (or the Prolonged Sorrow of the Filipinos)
A Short Film About the Indio Nacional (or the Prolonged Sorrow of the Filipinos) (2006)
  • 6,2
    78
  • Filipinas Raya Martin
  • Bodjie Pascua, Suzette Velasco, Lemuel Galman, Mark Joshua Maclang, ...
7
Mito. Cine. Historia. Registro.
En una entrvista realizada a propósito de una de sus visitas a España, Raya Martin contaba entre sus cineastas favoritos a directores aparentemente ajenos a su estilo como John Carpenter, Wes Craven o Tobe Hooper. Sin embargo, si hacemos una visión más cuidadosa de su cine atisbamos bastantes afinidades con el cine de terror, especialmente su atracción por lo misterioso y lo inexplicable. El plano 2 de Autohystoria es onírico e irreal, nauseabundo. Sus películas son una extraña mezcla entre reivindicación política, Historia y registro audiovisual. El final de Autohystoria, con su referencia a las primeras películas filipinas parece la base de A short film about de Indio Nacional.

En este film, Martin, que siempre propone una estructura espartana a sus películas, divide el metraje en dos partes. En la primera, un hombre recita un cuento con moraleja a una mujer que no puede dormir. La segunda, la que ocupa casi toda la narración, es una representación de lo que sería un film mudo, un documental antropológico acerca del indio filipino. Seguramente, Filipinas sea uno de los pocos países del mundo en el que su nacimiento como nación coincide con el nacimiento del cine, del que sólo le separan dos años. Martin enlaza estos dos acontecimientos y por eso el relato primigenio de la primera parte se transforma en película muda en la segunda. Es una extraña simbiosis entre relato oral y la extrañeza que nos provocan las primeras películas mudas, como los Monkeyshines de Edison.

No es la primera vez que vemos este juego entre el relato oral y el nacimiento del cine. En la película Cure, del japonés Kiyoshi Kurosawa, una de las claves del enigma residía en un pequeño film japonés primitivo. La referencia a Kurosawa nos devuelve a la idea de Raya Martin como director afín al género del terror. El cine de cambio de siglo, marcado por el avance de las nuevas formas de comunicación ha vuelto su vista hacia el terreno de lo misterioso, a la revisitación y reubicación de los mitos. En Scoop o Una chica partida en dos, de los veteranos Allen y Chabrol, respectivamente, los espectaculos de magia tienen una importancia fundamental para desvelar los enigmas que nos propone tanto la trama como la película en sí. Abel Ferrara visita el Misterio por excelencia (La pasión de Cristo) en una Nnueva York multinacional post 11-S en Mary. Y dos de los últimos maestros asiáticos, apichatpong Weerasethakul y Jia Zhang-ke juegan en varias de sus películas con la aparición de lo paranormal como imagen de un futuro difuso, inabarcable y conflictivo.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Autohystoria
Autohystoria (2007)
  • 4,8
    94
  • Filipinas Raya Martin
  • Lowell Conales
6
Libertad y plano secuencia
La película podría acercarse al concepto de abyección propugnado por Jacques Rivette a propósito de Kapo. Martin manipula las imágenes y los tiempos de su película en favor de un significado excesivamente subrayado, revistiéndolo de planos largos (enormemente largos, pero también muy dinámicos y vistosos) para contentar a una cinefilia afín que ha surgido tras el fenómeno Bela Tarr. Pero esto no es Gerry, ni The Brown Bunny ni Los muertos, películas que se cuestionan a sí mismas y donde las imágenes son sólo un principio evocador para espectador. En el caso de Martin, todo parece mucho más claro y no creo que se acerque al dicho godardiano referente a confrontar imágenes claras con ideas vagas (La Chinoise). Creo que el fallo de Martin es proponer un discurso muy limitado y cerrado que vuelve ineficaces los enormes planos que despliega.

El problema de Autohystoria pues, es que esas ideas están muy claras, como si se tratara de una película de Lars Von Trier o de su epígono norteamericano Paul Thomas Anderson.. El plano 2 es el más predecible y manipulador de todos, con esos coches girando repetidamente alrededor de la plaza, donde desaparece por completo la naturalidad y espontaneidad del primer plano (unos 40 minutos de paseo ininterrumpido). Al principio puede llegar a intrigar, pues sólo vemos a los vehículos girar y girar hipnóticamente alrededor de una plaza donde ondean banderas de Filipinas. Es una manipulación del contexto para introducir a la fuerza una idea que se desvela en los planos 3 y 4, en los que vemos en el interior de uno de esos vehículos a dos de los personajes, cada uno mirando constantemente hacia su ventanilla. Una mira al exterior de la plaza y la otra al interior. En la primera vemos enormes carteles con grandes anuncios, luces de neón sobre la bulliciosa silueta del presente capitalista del moderno Manila (espero que imegineis ya por dónde van los tiros de Martin) y en el interior vemos una y otra vez las banderas filipinas alrededor del monumento, una simplista y excesivamente subrayada metáfora de esa suerte de capitalismo emergente (Filipinas es una de las mayores exportadores de manufacturas electrónicas del mundo) y excesivo autoritarismo estatal que vive filipinas en los últimos 20 años -época por la que transita la interesante película colectiva Imahe Nasyon-. Por si la confrontación de estas dos imágenes no había quedado clara, el siguiente plano muestra a los dos protagonistas caminando en la más absoluta oscuridad. Excesiva oscuridad que revela otro plano demasiado pretencioso y con un evidente afán metafórico, que relaciona lo visto en los tres planos anteriores con la referencia histórica de los hermanos Bonifacio (los más importantes revolucionarios filipinos durante la ocupación española, ejecutados por otra facción idependentista filipina)
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8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Redacted
Redacted (2007)
  • 6,1
    3.144
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Patrick Carroll, Rob Devaney, Izzy Diaz, Mike Figueroa, ...
9
Uncensored
No es un drama, ni una película bélica. No es una ficción documental y no pretende que su historia se ciña a la más absoluta verdad. Valorarla como tal me parece que no tiene sentido

Es una película acerca de cómo los medios para acercarse a un conflicto bélico se pueden tergiversar interesadamente y de cómo es imposible mantener una equidistancia total con el objeto filmado (aquí la guerra, en La dalia Negra el cine clásico). Lo de De Palma es una tremenda reflexión cinematográfica (crítica) antes que un panfleto antibush. De Palma simula diferentes formatos (videodiario, videoconferencia, youtube, documental) para deconstruír el discurso acerca de la verdad que plantean estos medios. Es decir, nos acercan más a la verdad y nos permiten una vía de información alternativa a las versiones oficiales, pero también están sujetos a su grado de manipulación. Por eso los excesos dramáticos desvelan la falsedad (ficcionalidad) de este supuesto documento que se acerca a la verdad (algo que obviamente no es la intención del director.

Imprescindible.
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53 de 71 usuarios han encontrado esta crítica útil
Despertar del diablo
Despertar del diablo (2006)
  • 5,6
    18.997
  • Estados Unidos Alexandre Aja
  • Aaron Stanford, Ted Levine, Kathleen Quinlan, Vinessa Shaw, ...
7
Érase una vez en América
Me ha sorprendido muchísimo, además de dejarme en multitud de ocasiones con la boca abierta con la violencia extrema que despliega. Al revés que el patético y ultraconservador remake de La matanza de Texas, aquí asistimos a un espectáculo malsano de dolor y muerte, de auténtico sufrimiento, sea la victima un ser humano o un mutante asesino.

Es también una magnífica película acerca de la dificultad para convivir con aquello que es diferente y sobre la legitimidad que consigue aquel que ejerce la violencia. No creo que sea una coincidencia que detrás de las dos mejores películas de terror norteamericanas de estos dos años (esta y Vuelo Nocturno) se encuentre Wes Craven, en la película protagonizada por Rachel McAdams como director y aquí como productor (además de director de la versión anterior, que no he visto). Si en aquella se explicaba de forma sublime los miedos de la sociedad americana y su reacción ante ellos (además de una reflexión sobre la evolución de los psycho-killers memorable), aquí asistimos a un claro ejemplo de acción y reacción. La familia clásica americana, con todas sus contradicciones (unidad y religiosidad frente a la adicción a las armas y el consumo de drogas), se ve atacada por un factor externo, que ellos mismos, o más bien el sistema que ellos alimentan ha creado. Y el que ejerza de forma menos honorable la violencia, ganará. Alexandre Aja juega a la perfección con dos tiempos, los años 50 y la actualidad. Para los mutantes (y para Aja también), nada parece haber cambiado a su alrededor, el mundo sigue igual que antes, solo que más viejo y polvoriento. No anda muy lejos este film de The last picture show de Peter Bogdanovich, salvo que en esta ocasión aparece disfrazado de slasher de terror, o quizás eso la hace todavía más impactante.

Alexandre Aja sigue por buen camino, tras la impactante Alta Tensión, que con su ridículo final nos dejaba un sabor agridulce. Esta también es una película irregular, ya que empieza bastante dubitativa y a veces demasiado errática al mostrar suspense (sí, hay la típica escena de silueta pasando rápidamente por delante de la cámara), pero aún así se hace enteramente disfrutable por una media hora final memorable.
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10 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Free Zone
Free Zone (2005)
  • 5,6
    1.673
  • Israel Amos Gitai
  • Natalie Portman, Hanna Laslo, Hiam Abbass, Carmen Maura, ...
7
El estado de las cosas
Amos Gitai es uno de esos directores en extinción que han sabido crear una estética completamente nueva, atendiendo a su tradición cultural (en este caso, Israel) y que se inscribe con perfección en su contexto.

Sin embargo, a pesar de que Free Zone me parece una muy buena película, falla, como muchos otros films de Gitai, en detalles pequeños que hacen que no salga del todo contento del cine. En este caso, molesta el excesivo subrayado que en ocasiones hace Gitai, como por ejemplo la escena en la que Natalie Portman (maravillosa!! uno de sus mejores papeles!) recuerda su pasado, que Gitai muestra con escenas sobrepuestas sobre la imagen real. He visto como muchos críticos celebraban este recurso, a mi me parece tonto y feo, además de innecesario porque ya se entiende perfectamente lo que hace la Portman en Israel y porqué ha venido aquí, especialmente gracias a ese primer plano espectacular que abre la película.


Pero el gran Gitai llega cuando entramos en Palestina y la llamada zona libre. Antes atendemos a un Gitai menos comatoso de lo habitual, pero pronto nos encontramos nuevamente con esos personajes perdidos en la Historia, especialmente con otro espectacular plano secuencia de la Portman en el que camina por un bosque cercano a un poblado palestino. El estilo Gitai sigue funcionando: metáforas simplistas se incrustan a la perfección en una puesta en escena hiperrealista. En esta ocasión, una americana, una judía y una palestina protagonizan una road movie en la zona libre. La idea está clara, podría parecernos algo ingenuo, pero Gitai consigue que no lo sea. Gitai es un demiurgo, pero mucho más sincero de lo normal. En su cine se aprecian sus limitaciones, nunca alza la voz por encima de sus personajes y cuando filma algo quiere que quede bien filmado y que se entienda porqué lo filma. En una situación como la que vive actualmente Israel, me parece indispensable que esto sea así.
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20 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
Stay
Stay (2005)
  • 5,9
    8.745
  • Estados Unidos Marc Forster
  • Ewan McGregor, Naomi Watts, Ryan Gosling, Janeane Garofalo, ...
7
Adiós cine clásico.
Curiosísima película del director de las correctas Monster's Ball y Finding Neverland. Foster tira a la basura sus anteriores trabajos y propone un film que se cuestiona constantemente lo que debe ser el cine USA. Parece que poco a poco en aquel país la tragedia del 11-S está haciendo que los cineastas se replanteen muchas cosas. En el caso de Foster, tanto el espacio como el tiempo son constantemente transgredidos, en cierta forma, parece una nueva versión del Providence de Alain Resnais, pero mucho más extrema. Habría que ver la cara de Naomi Watts, Ewan McGregor o Ryan Gosling durante el rodaje. Sorprende muchísimo la audacia del director, no le importa una mierda hacer una mala película, o alejarse de los postulados de lo que debe ser el thriller psicológico, Foster deforma la imagen, la retuerce, la llena de efectos especiales, lo que aparentemente parece ser el reflejo en una ventana se convierte en real.

Ahora bien, ¿qué es realmente lo que propone Foster? ¿Un drama al uso lleno de gratuidades, de pajas autorales o realmente hay un compromiso con lo que está contando? ¿Puede ser el universo deformado, violento, incluso feo y desagradable de Stay un reflejo de ese país machacado por una tragedia que les despertó del letargo de falsa felicidad en el que estaban viviendo? Y quizás ese accidente de tráfico que da sentido a la película, al revés que en la pusilánime Crash de Haggis, sea ese punto de conflicto irresoluble, esa coyuntura que separa un mundo viejo de uno completamente nuevo.

No estoy muy seguro de nada, ni siquiera se si esta película es buena o mala, pero sí se que, intencionalmente o no, hace que me pregunte muchas cosas acerca del actual estado del mundo y del cine. Muy recomendable.
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46 de 66 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cielo gira
El cielo gira (2004)
  • 7,2
    1.367
  • España Mercedes Álvarez
  • Documentary, Pello Azketa
8
Una obra maestra en pocas palabras
La película que más y mejor habla sobre la España de antes y de ahora, sobre la guerra de Irak, los conflictos políticos, la inmigración y muchísimas cosas más. También es la más bella de cuantas ha hecho el cine español en mucho tiempo, con sus paisajes y sus personajes perdidos en el tiempo. Es también una de las películas más personales, más íntimas que recuerdo, es un documental, si, pero también una historia, un drama, de una mujer en busca de su pasado, de su identidad. Una obra maestra que dignifica al cine español, nadie la va a ir a ver porque es "un documental aburrido". Mejor que mejor, toda para mi.
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17 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eros
Eros (2004)
  • 5,9
    2.114
  • Hong Kong Wong Kar-Wai, Steven Soderbergh, ...
  • Gong Li, Chang Chen, Robert Downey Jr., Alan Arkin, ...
8
Pasado amoroso, presente sexual
Eros es una película colectiva sobre el sexo y el amor. Sin duda, solo por los directores el proyecto es sumamente atrayente: Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh y Wong Kar-Wai. El problema es que los últimos trabajos de todos ellos fueron extremadamente decepcionantes (Más allá de las nubes, Oceans Eleven
2 y 2046, respectivamente), así que iba con bastante miedo. Sin embargo, los tres me gustaron mucho, ahí va una apreciación de cada uno:

La de Michelangelo Antonioni es bastante ambigüa, frente a planos de un poderío descomunal (los dos protagonistas en el bar mirando al mar mientras una familia come entre risas o la siguiente de la copa cayéndose voluntariamente) encontramos otras ridículas como las de las dos chicas al final bailando en la playa. Sobre las tías... pues están increíblemente buenas, así que yo de Michelangelo hubiese hecho un largo de 4 horas... Aún así se tiene la sensación durante todo el tiempo de que Antonioni es un cineasta incapaz de atravesar la barrera temporal y generacional que separa el mundo actual del que el conoció en los 60 cuando era posiblemente el cineasta más
creativo del mundo. La película realmente trata de un hombre incapaz de entender un mundo que no es el suyo y que se limita a mirarlo, retratando sus vicios (la bso adecuadísima) y todo lo que odia de ella. Podemos alegrarnos de que un talento tan genial como el del maestro italiano siga queriendo plasmar sus vivencias y sus ideas en la pantalla. Yo lo celebro con entusiasmo, sus planos me siguen conmoviendo y consiguen que me pregunte constantemente sobre mi soledad y sobre el futuro.

La de Soderbergh es completamente incomprensible, pero a la vez atrayente. A mi Robert Downey Jr me ha gustado mucho. Lo del avioncito es bastante ridículo, toda la historia lo es, pero creo que era necesario que así fuera. No se muy bien de que trata, pero posiblemente tras Solaris y alguna más sea la obra que más aprecio de Soderbergh. Y no sale la pesada de Julia Roberts. Punto a su favor.

Y de Wong Kar Wai... Cuando un hombre hace un cagarrio de las proporciones de 2046 (cagarrio con buenas ideas y música antológica, todo hay que decirlo) su recuperación para el cine parece imposible. Pero aquí lo tenemos haciendo uno de sus mejores trabajos, sino el mejor. Olvídense del frikismo de Ashes of time, de la vomitiva cursileria de El paso de las lágrimas o del esteticismo coreográfico que empaña muchas de sus obras (algo que aun persiste en menor medida, por desgracia). Kar-Wai pare una obra de un rigor y un perfeccionismo memorable. El ejercicio de subjetividad que propone con su cámara, casi determinista, que olvida lo que sucede más allá de su encuadre, es de un valor impropio de un cineasta casi elevado a Dios como es el hongkonés. Una obra de una gigantesca envergadura,
imprescindible para los amantes del cineasta y fundamental para aquellos que intenten entender el cine actual.
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9 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Manderlay
Manderlay (2005)
  • 7,3
    9.419
  • Dinamarca Lars von Trier
  • Bryce Dallas Howard, Isaach de Bankole, Danny Glover, Willem Dafoe, ...
3
Europa y América
¡Qué divertido es ser intelectual! ¡Qué fascinante! Qué bien nos sentimos criticando a los Estados Unidos, ese país imperialista lleno de gente malvada. ¡Y aún mejor si lo hace un cineasta danés (porque ya se sabe, cuanto más extraño es el país, mejor la película) que va por la vida de intelectual a pesar de tener dos películas buenas (que no excelentes)! En Europa siempre hemos tenido ese poder para dejar a EEUU por los suelos. No se porqué, la verdad, cuando la mentalidad estadounidense es producto de la nuestra, además de que fuimos los europeos los que montamos dos guerras mundiales y fuimos también los primeros en negociar con los terroristas islámicos. A Lars Von Trier todo eso le da igual, él está a otro nivel. Todo era facilísimo en Dogville y ahora se repite con Manderlay. El "dios" Von Trier viene a decirnos lo malos que somos, él tiene ese poder.

Y entre tanto moralismo de garrafón alguien viene a decirme que la estética es original. ¡Claro que sí amigo! Como enfocar durante 16 horas la pata de una silla. Ahora bien, ¿es Manderlay original? No, porque existe Dogville. Ajá, pero es que en Dogville la originalidad se iba a los 5 minutos, cuando te das cuenta que el escenario a tiza y la cámara en mano solo sirven para la masturbación propia del director, para que le digamos lo radicalísimo que es. Porque... ¿cambiarían algo estas películas con escenarios de verdad? No, claro que no. La estética es terriblemente gratuita, nada que ver con la conexión emocional entre fondo y forma que existe en Elephant, The brown bunny o Dong. Eso sí son películas radicales, vanguardistas.

En Manderlay, el danés ya se pasa de castaño oscuro. La sensación de vacío que podrían provocar los escenarios se va a pique por el horrible montaje, que nunca da el suficiente tiempo a los planos para que sean atractivos, para que se note esa sensación de suspenso. Todo está troceado sin la más mínima imaginación (aunque con raccords muy cortos, para que le digamos que está influído por Godard, en fin...), que finalmente queda feo. No se puede disfrutar de las interpretaciones por esto mismo (aunque Dallas Howard es mucho más inocente que Kidman -también peor actriz- y creo que le viene bien el personaje de Grace). Para colmo de la pretenciosidad música de Vivaldi, aplicada, claro está de la forma más tópica.
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23 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
El jardinero fiel
El jardinero fiel (2005)
  • 7,3
    49.626
  • Reino Unido Fernando Meirelles
  • Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Hubert Koundé, ...
6
África
Tenía miedo a la nueva película de Meirelles. Tras las buenas (y merecidas) críticas a Ciudad de Dios, pensé que haría más o menos lo mismo, pero más friki y más flipao, como Tarantino o Peter Jackson, vamos, pero parece que el hombre tiene la cabeza bien amueblada. Por eso para su segundo largo ha elegido una historia sencillita y la ha narrado de la misma manera, a pesar de no renunciar a su estilo.

La historia de amor es preciosa. Primero la química entre Rachel Weisz y Ralph Fiennes, que está genial, como siempre, es muy buena, a pesar de que el principio es muy elíptico, sin perder mucho tiempo, alternando pasado y presente. Tras la pérdida de la esposa, la historia es más triste todavía. Ese jardinero atrapado por su pasado y al mismo tiempo incapaz de recuperarlo, sabiendo que todo pudo haber sido de otra forma, recorre el mismo camino que antaño hizo su esposa, como magnífica declaración de amor. Hay mucho romanticismo en esta película, más allá de musiquitas con violines, besitos y todas esas chorradas que hoy en día se identifican con la palabra romántico. Por tanto, no puedo entender esas críticas que hablan de una intriga fantástica (todo lo contrario, la intriga se sostiene gracias a la historia de amor)o de un alegato magnífico sobre el problema africano. Nada de eso, ante todo es una gran historia de amor, que ocurre en un tiempo y en un espacio, y los protagonistas están influenciados por ese ambiente, pero no es lo que da peso a la historia.

Gracias a esto, podemos pasar por alto que a veces el Meirelles flipe un poco de más con algún montaje excesivo. Solo ocurre en momentos muy puntuales, ya que normalmente la trama se desenvuelve de forma muy sencilla. También molesta mucho la música, con sus coros africanos y sobre todo en la única escena mala de la película, aquella en la que Fiennes vuelve a su casa de Chelsea. Vale, es una película con fallos, pero muy atractiva y bastante sincera. Merece la pena y es una muestra de lo que debería ser normalmente el cine comercial.
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24 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Match Point
Match Point (2005)
  • 7,7
    117.275
  • Reino Unido Woody Allen
  • Jonathan Rhys Meyers, Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Matthew Goode, ...
7
Una tragedia londinense
Pues aunque Woody Allen era un director que me había dejado de interesar ya hace bastante, me metí a ver Match Point precisamente porque decían que era un giro en su carrera. Yo estoy bastante de acuerdo con esto, pero creo que también es continuidad. En mi opinión, Allen simplemente ha adaptado su estilo a Londres y quizás también a Europa, pero los paseos por Londres, o esa escena mirando al Támesis con el puente de Londres al fondo creo que es un guiño a Manhattan y a buena parte de sus películas neoyorquinas. También creo que la duración de los planos es mayor, recurriendo menos al típico plano/contraplano en las conversaciones. Me ha parecido muy curioso, por otra parte, que su objetivo se encuentra a mayor distancia de los personajes que en otros films suyos, quizás porque ahora Allen juega fuera de casa, o quizás que esos personajes que filma ya no son suyos, pertenecen a otro mundo y ahora el ya no puede intervenir directamente. Esta regla se rompe, sin embargo, cuando entra en escena Scarlett Johansson interpretando a Nola, entonces Allen recurre casi siempre a planos más cortos, quizás para demostrar precisamente que es el único personaje que entiende, por ser americana como él.

O quizás, desde un punto de vista dramático y argumental, quiere dejar claro que Nola, el personaje de Scarlett, es un elemento ajeno en ese mundo londinense, que no tiene su sitio en ese mundo endogámico, sin pasión, en el que se vive para trabajar. Este Londres de Woody Allen (porque creo que la película trata sobre la capital inglesa) podría ser casi cualquier gran ciudad del mundo occidental.

Sobre esto último, he de decir que el film me ha recordado mucho a La dama de honor, de Claude Chabrol. Primero porque vi ambas en la misma sala y nada más entrar me acordé de la inmensa película del director francés. En ambas películas tenemos como protagonista a un actor de físico parecido (Magimel y Rhys Meyers, aunque supongo que este último es más atractivo) y ambos se encuentran en ese momento de la vida en el que tienen que aceptar la vida como adulto, dando fin a los sueños adolescentes. Los dos tienen enfrente una mujer exhuberante, vitalista, que poco sabe de pasado y futuro, sino que vive en un presente constante, vive enamorada. Los personajes de Johansson y Smet se diferencian, por supuesto, en su destino final. Mientras la primera es una victima, la segunda seguirá encerrada en su mundo imaginario. Y de fondo, en ambos casos aparece la problemática del cambio generacional, de las dificultades que existen para que la juventud herede un sistema social y económico que no es el suyo y que solo comprende en parte. También en ambos directores ha supuesto un giro en su carrera. En mi opinión, ambos se habían deshumanizado en exceso en sus últimas películas filmando lo que se suele llamar "hábiles y cínicas críticas sociales", acabando encerrados en los mecanismos de los género. Con estas películas, ambos han conseguido liberarse
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22 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tideland
Tideland (2005)
  • 6,0
    6.511
  • Reino Unido Terry Gilliam
  • Jodelle Ferland, Jeff Bridges, Jennifer Tilly, Janet McTeer, ...
7
Sueños y pesadillas
Una de las grandes películas del año, esta inmensa Tideland de Terry Gilliam. Decir que este director no me gustaba mucho, de hecho me parecía en exceso histriónico y freak, además de su lamentable regreso con los hermanos Grimm. Pero olvidaos de todo eso, por que Tideland es una OBRA MAESTRA. Tras un inicio poco prometedor de la que parecía ser otra película a lo Gilliam (drogas y desfases), la cosa se asienta y asistimos a una tremenda fábula donde una pequeña niña acaba descubriendo que todos los sueños son en realidad pesadillas. Gilliam reniega de cualquier pauta comercial y regala una película sin esqueleto argumental fijo, que oscila de un lado a otro sin mucho sentido, justificando ese universo desquiciado que muestra. Mundo este que pretende ser bello (como los sueños) visto a lo lejos, pero según uno se acerca descubre que es feo y podrido (la casa vista desde lejos es magnífica, según nos acercamos se van viendo el polvo y los clavos sueltos). Tristes sueños, tristes personajes.

Y no es dificil ver tras esta fábula una tremenda crítica al Hollywood actual, intentando resucitar, mantener vivo al estilo clásico de la misma forma que Jeliza-Rose (tremenda Jodelle Ferland) maquilla a su padre para que parezca vivo. Y es que es Hollywood la que pretende que nos creamos que el cine es un lugar para soñar, para disfrutar con fantasías animadas mientras fuera no existe nada de eso. Tideland va de frente contra los efectos narcóticos del cine (de hecho las drogas siempre han sido recurrentes en la filmografía de su director). Su universo hipertrofiado, desmedido, convierte todas estas películas fantásticas que ahora nos asolan en auténticas pesadillas del mal gusto.
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26 de 49 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Devil's Rejects
The Devil's Rejects (2005)
  • 6,3
    7.651
  • Estados Unidos Rob Zombie
  • Sid Haig, Sheri Moon Zombie, Bill Moseley, William Forsythe, ...
6
Buenas ideas y buenas películas
He aquí la diferencia entre una película con ideas buenas y una buena película en sí. Los renegados del diablo no está mal, pero uno se queda con la sensación de que esa historia y esos personajes daban para mucho más. El problema radica en que Rob Zombie no es director y eso se nota. No me cabe la menor duda de que este hombre
tiene grandísimas ideas, pero ¿están bien llevadas a cabo?

Ejemplo: la escena en la casa de Charlie, la música, las drogas, las putas, el ambiente, se respira tristeza, melancolía, cansancio en los protagonistas, pero falta ir más allá. No hay ni un solo plano general en todo la escena, queda demasiado artificial, refrendado además con el efectismo de la cámara lenta.

Otro fallo que tienen muchas películas al tratar un tema morboso es que piensan que con eso su película ya es radical. Le pasa a Carlos Reygadas en Batalla en el cielo y le pasa, en menor medida a Zombie (aunque las pretensiones del cantante, por suerte, están muy lejos del petardo mejicano). Las escenas con Mamá están muy mal rodadas, les falta un ambiente más desquiciado. La ambigüedad del personaje del policía está muy cogida por los pelos.
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11 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
La Chinoise
La Chinoise (1967)
  • 7,1
    2.367
  • Francia Jean-Luc Godard
  • Anne Wiazemsky, Jean-Pierre Léaud, Juliet Berto, Michel Semeniako, ...
10
Renacimiento cinematográfico
Olvidaos de cualquier inclinación política que puedan tener, pues una película puede ser apreciada positivamente aunque no comparta con vosotros ideología. Olvidaos de quien es Godard, pues las obras maestras trascienden a sus autores. Olvidaos de la época en la que se hizo la película por lo que acabo de decir. Olvidaos también de la Nouvelle Vague, porque es un movimiento que habla de la libertad y por lo tanto cualquier dogma es inexistente (salvo el del buen gusto). Olvidaos incluso de que estais asistiendo a una película.

La chinoise demuestra lo que el cine, como arte, puede llegar a conseguir. No hace falta seguir los diálogos, ni comprender las imágenes, solo asistir a una experiencia sugestiva en la que los sonidos golpean a las imágenes. Imágenes limpias y sencillas, como si el film fuera realizado en el Renacimiento. Es una película para ver una y otra vez, para comprenderla cada vez más, para atender, si se quiere a sus diálogos y alcanzar el summun del orgasmo cinematográfico que nos propone el que posiblemente es el mejor director vivo, Jean-Luc Godard. Todo cabe en su película, a pesar de que el ámbito de acción se reduce a un pequeño apartamento parisino: el fracaso de las ideologías, la necedad del amor, la incomunicación del ser humano, la insolidaridad...

Godard dijo hace poco: "Matar a un hombre para defender una idea no es defender una idea, es matar un hombre". Fue en su última obra maestra, Notre Musique. Pocas veces se ha definido el mundo y el ser humano de una forma tan genial y sencilla. Quizás esta idea comenzó en La chinoise, una de las películas más geniales del que quizás ha sido el último director capaz de cambiar la historia del cine. ¿Cómo? Haciendo, como dice él, "políticamente cine", a golpe de obras maestras, de cine sincero, complejo, poético, intenso, dramático, combativo, intransigente...
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60 de 78 usuarios han encontrado esta crítica útil
Demonlover
Demonlover (2002)
  • 5,5
    966
  • Francia Olivier Assayas
  • Connie Nielsen, Charles Berling, Chloë Sevigny, Gina Gershon, ...
9
Mundos artificiales
Sobre Demonlover hay mucho que hablar. ¿Es buena o es mala? ¿Realmente importa? No se. Analizándola fríamente es una mala película. Sus imágenes me irritan, su montaje epiléptico me molesta mucho, su vaivenes con la cámara son lamentables. Ahora bien, ¿no es eso lo que busca Assayas? Los personajes se pasan toda la película hablando de la verdad, sobre mundos virtuales y sobre la dificultad de sentir.

Por eso Assayas los encierra en un complejo esquema argumental, no les deja tener imágenes propias. Es una película muy cruel, me ha recordado a Psicosis de Gus Van Sant, ambas hablan sobre la imposibilidad de que el cine continúe utilizando ciertos mecanismos que están a todas luces anticuados. Sin embargo, Assayas va mucho más allá que Van Sant. Muchos de los tópicos que aparecen en este film están presentes en otras "obras maestras" del cine actual, pero Assayas nos las muestra como falsas, como mentira

El problema de Demonlover es que no hay ningún cabo al que asirse, ninguna imagen que nos ponga sobre alerta ante este juego. Le falta una imagen que por fin nos diga: esta es la verdad, a partir de aquí se han ido construyendo mundos artificiales. Falta esa escena y eso obliga a partirte los sesos para llegar a la conclusión de que todo es mentira, de que todo existe de una forma virtual, no real y de la posibilidad de que el cine puede crear objetos reales.

También hay que considerar hasta que punto es necesario utilizar unos instrumentos (narrativos, dramáticos...) malos para construir un discurso coherente. Es decir, ¿tiene sentido el film de Assayas? ¿No sería más lógico hacer un A través de los olivos, un Elephant o un Vento di terra buscando imágenes propias que tengan alguna trascendencia en lugar de negar todas las imágenes, negar el mundo? Para responder a eso hay que volver al Psicosis de Van Sant. ¿Una mala película? Sí, pero no. ¿Puede ir el cine más allá de la experiencia real de sus protagonistas, constituirse en un artificio que tenga un significado real? Creo que si, pero me parece más válido hacer Gerry que Psicosis. Demonlover es una película valiente, diferente (aún utilizando mecanismos trillados), pero a la que le faltan imágenes que puedan decir que hay un camino válido a seguir, que se puede alcanzar.
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21 de 33 usuarios han encontrado esta crítica útil
Café Lumière
Café Lumière (2004)
  • 6,7
    628
  • Taiwán Hou Hsiao-Hsien
  • Yo Hitoto, Tadanobu Asano, Masato Hagiwara, Kimiko Yo, ...
9
En busca de Ozu
Hacer un simple homenaje sería digno de un cineasta menor y no del que posiblemente sea el cineasta más importante del cambio de siglo. Evidentemente, el hecho mismo de hacer una película basándote en el mundo de otro cineasta indica una posición de respeto, pero no es el homenaje rancio, estéticamente vacío que estamos acostumbrados a ver. No. Hou Hsiao-Hsien cree en la válidez del cine de Ozu. Busca al pequeño director japonés en sus encuadres, viaja hasta su mundo para encontrarlo. ¿Por qué? Porque Ozu es la esencia misma de la vida. Es el amor, el respeto, la risa, la alegría. Aún siendo sus películas otoñales y profundamente pesimistas en su resolución, es fácil sentirse desbordado como espectador ante ese mundo y esos personajes que el gran maestro nos mostró en sus películas. Por contra, Hou Hsiao-Hsien, en su anterior film, Millennium Mambo, nos mostraba todo lo contrario, una sociedad completamente deshumaniazada, que avanzaba sin rumbo fijo hacia la total pérdida de identidad.

Preocupado por esa posibilidad, HHH echa la vista atrás y encuentra en Ozu una opción estética comprometida contra la deshumanización. El conflicto entre padres e hijos se traduce ahora en una completa incomunicación, dos generaciones que no se enfrentan, simplemente no se entienden. La protagonista se pasa toda la película intentando encontrar un pasado concreto, visible o tangible, en un Tokio tecnificado y donde los trenes parecen ser un refugio espiritual. La búsqueda de ese Café al que asistía un famoso compositor tiene que ver con la necesidad de reencontrarse con ese pasado del que fue apartada al ser abandonada por su madre. De nuevo vuelve a surgir el problema de esa pérdida de identidad, pero mientras los adolescentes de Millennium Mambo parecían poco conscientes de ello, Yoko tiene la necesidad de ir en busca de su pasado, aunque sea de forma indirecta. Pero esa búsqueda no es solo la de una mujer en una ficción, sino también la búsqueda de un director que busca las raíces del cine, busca su pasado, comprenderlo y así seguir avanzando. Avanzar si, pero sin dejar de mirar atrás. A pesar de que estamos en un "ecosistema Ozu", HHH elude ciertas coincidencias estéticas que podrían hacer pensar en que este film es un mero homenaje. Así, frente a la rígida ascesis de Ozu, el director taiwanes opta por una cámara menos fija, incluso a veces huye conscientemente del "efecto Ozu" aunque el plano no lo necesite. El Café que busca la protagonista se transforma, para el caso de Hsiao-Hsien en Café Lumiere, es decir, navegar, bucear por toda la historia del cine para dotar al cine de una identidad propia, frente a todos aquellos que quieren contaminar el Séptimo Arte con política, filosofía y demás. Y para hablar de la pureza del cine nada mejor que remitirse a Ozu. Para hablar de la grandeza del cine actual nada mejor que remitirse a Hou Hsiao-Hsien.
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36 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
Last Days
Last Days (2005)
  • 5,0
    6.139
  • Estados Unidos Gus Van Sant
  • Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento, Scott Patrick Green, ...
10
El retorno
Uno se pregunta por qué hay tanto interés en cargarse a Gus Van Sant. ¿Por qué se le critica por cosas que a él no le interesan? Mucha gente se queja de que apenas cuenta algo en sus películas ¿Y qué? ¿Realmente es fundamental hacerlo? No creo que Gus Van Sant pretenda hacer un drama al uso. ¿Por qué entonces quejarse de que no es tal? ¿Es que solo hay una forma de hacer cine?

Para mí en el cine, solo existe un dogma, el de la VERDAD. A lo largo de la historia del cine, desde Flaherty, todos los grandes cineastas, fuesen cuales fuesen sus estilos, se han caracterizado por situar a su protagonista, como ser humano, en un mundo comprensible (física y moralmente) para el espectador. Roberto Rossellini decía "el principio de lo verdadero es uno simple, mientras que los errores toman múltiples formas". Eso puede ser una definición sobre una base cinematográfica, a partir de ahí se pueden construir multitud de películas.

Hoy en día hay pocos directores que se guíen por este principio. Ahí siguen luchando hasta el último aliento Godard, Rohmer, Chabrol, Oliveira, incluso Bergman, y especialmente Abbas Kiarostami. Estos centauros cinematográficos, a pesar de la indiferencia que público y crítica (la mayoritaria) les profresan, siguen creando, innovando, evolucionando el cine. Pero nadie se puede olvidar de Gus Van Sant, un hombre que parece más interesado en lo que se puede construir a partir de sus películas que en sus películas en sí. Su obra, desde Psicosis, parece convertida en una labor de concienciamiento del espectador. De decirle que existe un camino más allá de lo que estamos acostumbrados a ver. De decirnos a nosotrosque, como espectadores (y algunos también como creadores) que heredaremos el cine, debemos buscar nuestra propia identidad, para que el cine no decaiga.

Y así llegamos a Last Days, la mejor, la más emocionante, bella y radical de sus obras. La deconstrucción narrativa y temporal es total, pero la belleza de la exposición es incomparable. El ser humano enfrentado a una naturaleza que le supera es el auténtico protagonista. Hablarán cuando se estrene del problema adolescente, de las drogas, de Kurt Cobain, pero la película va muchísimo más allá de eso. Es universal. El plano en el que Blake escapa de la casa y sus amigos para simplemente quedarse mirando el lago y el bosque es de una belleza primorosa, de una sencillez y verdad aplastante. Cuando Blake toca sus canciones, cuando rompe su guitarra, parece que es la naturaleza la que grita, el celuloide que se rompe.
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151 de 239 usuarios han encontrado esta crítica útil