Sin duda, uno de los hitos del cine bélico y del cine en general. Toda una experiencia que despierta los sentidos y los sentimientos.

Sinceramente me esperaba la típica película bélica medianamente entretenida de ese cine sonoro en pañales de principios de los 30, lleno de fallos disculpables. ¿Y con qué me encuentro? Con una de las mayores sorpresas cinematográficas que he tenido. La gran pregunta es: ¿Esta película es realmente de 1930? ¡Porque no me lo creo! Muchas películas bélicas de los años 40, 50 y 60 palidecen ante una demostración cinematográfica como esta. Tal vez su principal característica, y lo que la hace tan especial y distinta es que no es en sí un film bélico, sino antibélico.

Un guión magistral junto a una dirección que no lo es menos, nos cuentan la historia de cómo miles de menores de edad fueron camelados por ese patriotismo obsesivo para ir a morir en la Primera Guerra Mundial, sobrecoge hasta al más duro e insensible. La frase clave que describe la película, y que es dicha por nuestro protagonista, es: “es triste e inservible morir por la patria; la mejor forma de servirla es vivir en ella y por ella”. El desengaño progresivo que sufren estos jóvenes alemanes durante los años que están en el frente, está narrado exquisita y magistralmente por escenas inolvidables: el encuentro con los veteranos, nuestro protagonista escondido durante toda una noche en una trinchera junto a un hombre al que ha matado, la escena de su mano tratando de coger una mariposa… pura poesía en movimiento que dejará tus sentimientos a flor de piel. Actuaciones correctas y para nada exageradas, teniendo en cuenta el periodo postsilente al que pertenece el film. En concreto, la actuación del protagonista está en un punto perfecto entre la sobreactuación y la naturalidad.

Técnicamente es una maravilla. No he visto demasiado cine bélico, pero sí el suficiente como para catalogar las escenas de acción, como impactantes. Durante esos minutos uno se siente rodeado de ráfagas de disparos y bombardeos atronadores. El dinamismo de la cámara, los planos desde ángulos poco corrientes, el montaje rápido, y un constante sonido de explosiones, consiguen un resultado apabullante y sobrecogedor, totalmente insólito para la época.

La recomiendo encarecidamente a todo el mundo.

LO MEJOR
- La historia, sencilla y llena de sentimiento y verdad.
- Adelantada a su época, tanto narrativa como técnicamente.

LO PEOR
- Puede resultar algo lenta en ciertos momentos, debido a algunas escenas demasiado alargadas.

He de confesar que antes de realizar mi crítica me he sonreído leyendo algunas de las críticas con una y dos estrellas, y quedado con la boca abierta leyendo otras con 9 y 10 estrellas.

Para sus detractores:
Me parece un poco fuerte y radical poner a parir una película de innegable valor artístico por su (para la época) innovador uso de cámara, luz, fotografía y montaje. Creo que a pesar de ser lenta y aburrida como ella sola, tiene un algo especial; un halo de irrealidad hechizante. Sus interpretaciones son correctas, aunque Welles sobreactúa demasiado.

Para sus defensores:
Me parece aun más fuerte que haya personas que, a la hora de referirse a esta película, se atrevan a acuñar descripciones tales como “esencial”, “maravillosa”, u “obra maestra absoluta”. Personalmente me caigo de la silla cuando leo la de: “la mejor película de la historia”. Sinceramente, no creo a más de la mitad de estas personas. Hay quien ha llegado a denominar este fenómeno en sus críticas con el nombre de “culturetismo”. O sea, “si no dices que Ciudadano Kane es un peliculón, es que eres un ignorante”.

Seamos serios: la película está bien sin más. Es interesante y curiosa; a lo poco, solo pasable. Pero Orson se da demasiada pompa y circunstancia, demasiado análisis y rodeo para llegar a la moraleja más aburrida, vieja y sabida de todas: “el dinero no da la felicidad”. Y encima lo hace como si nos acabase de descubrir la pólvora. Hay cientos de películas que, sin tratar el tema directamente, nos dan esta moraleja mil veces mejor. Técnicamente hablando y con respecto al montaje, creo que con ese uso excesivo de flashbacks y repetición de escenas vistas, acabamos encontrándonos con un film confuso y que distrae de la verdadera intención de la película. En cuanto al uso de cámara, es original, si, pero ciertos planos picados, contrapicados y desde ángulos extraños carecen de sentido y no aportan nada a la escena.

CONCLUSIÓN: He visto bastante cine y creo poder decir sin lugar a duda, que estamos ante la película más sobrevalorada de la historia del cine, al igual que su director.

El proyecto “Regreso al futuro” tuvo la gran suerte de caer en las manos adecuadas. De no haber sido así, una película juvenil de este tipo y más en plenos años 80, (aunque geniales, hubo a quien los 80 hicieron mucho daño) podría haber acabado siendo un bodrio decepcionante y destinado al olvido; pero como ya he dicho, gracias a Dios no fue así.

Si hay una película sobre viajes en el tiempo que gana por goleada es esta. Marcó una época, a muchas personas que la vieron en su día, y a otros muchos que la descubren ahora. (Hay que decir que para que esta película te marque debes tener menos de 18 años en su primer visionado).

Un guión hiper brillante, un ritmo narrativo que es pura adrenalina, discretos pero efectivos efectos especiales, una ambientación muy lograda de los años 50 y sobre todo… una banda sonora impresionante, apabullante, impactante! Creo que hasta la fecha, la mayor orquesta jamás reunida ha sido para la grabación de la música de Regreso al futuro. Y es que la música hace mucho. Una buena banda sonora consigue que una película, que de por sí es buena, parezca aun mucho mejor.

En conclusión, cuando la estás viendo, sabes que estás viendo algo especial, muy especial y que difícilmente vas a volver a ver algo así.

LO MEJOR:
- Guión brillante, ritmo trepidante. Puro entretenimiento.
- Banda sonora colosal.
- El duo protagonista: El científco Doc y el adolescente Marty MacFly

LO PEOR:
- Aunque no mucho, algo desfasada (en los 80 les encantaba decir: ¡¡¡eh tío, estamos en los 80!!!)

Como ya han dicho otros críticos, esta película fue la primera en rodarse con la llamada técnica “Cinemascope”, que ofrece al espectador un ángulo de visión mucho más amplio. Gracias a esta técnica, las pantallas panorámicas de cine y televisión son hoy una realidad.

Pero al fin y al cabo, lo que hoy es nuevo, mañana es viejo, así que no se debería hablar del apartado técnico como lo más reseñable de este film, ya que, con el paso de los años, lo único que queda de las películas son las historias que cuentan, y aun más importante, si están bien o mal contadas.

La túnica Sagrada, nos cuenta una historia evocadora y poética ambientada en los principios del cristianismo. Trata del miedo/atracción que un oficial romano siente hacia una túnica y hacia el hombre que la llevó (Jesucristo) y de cómo se veobligado a elegir entre ser cristiano o romano. Realmente, no importa la religión en la que se crea, o si ni siquiera se cree en algo. El mensaje llega al espectador con toda su fuerza y le hace partícipe de los sentimientos y sensaciones del protagonista. Es una trama realmente intensa y muy bien construida, quizás un poco lenta, apoyada por buenos actores, una gran ambientación y sobre todo una banda sonora (injustamente no nominada a Oscar) evocadora y melancólica, puro sentimiento de tristeza y amor. Como añadido, diré que tiene un final sorprendente y poco usual.

Totalmente recomendable para todos a los que les guste el cine histórico, pero sobre todo a los que les gusten las buenas historias, y encima, bien contadas.

LO MEJOR
- La historia. Te metes de lleno en ella y sientes y sufres con el protagonista.
- La banda sonora. Evocadora, triste poética, intensamente melancólica… Escucha y siente.
- Personajes tratados muy profundamente.

LO PEOR
- A veces pierde el ritmo y se hace un poco lenta.
- Puede que ciertas formas de hablar o actuar resulten algo cursis.

Al principio, el cine era una curiosidad para ver imágenes en movimiento sin argumento ni temática. George Meliès (Viaje a la Luna de 1902) descubrió sus tremendas posibilidades como instrumento de entretenimiento y transmisor de historias. Este paso ya estaba dado, pero la cámara seguía siendo una mera ventana estática por la cual el espectador veía un permanente plano general, con lo que no había mucha diferencia entre ir al cine o al teatro. De eso se encargó D.W. Griffith, que con esta película instauró las bases del lenguaje cinematográfico que ha llegado hasta nuestros días (primer plano, travelling, flash back, acción simultánea…)

Seguramente fue así, aunque dicen que otras producciones ya lo hicieron antes. Sea como sea, el mérito es para “El nacimiento de una nación”. Una película especial, sin duda, cuidada en extremo en aspectos como la ambientación o la fotografía, pero deficiente en otros como el montaje (acción confusa, planos larguísimos que entorpecen el ritmo) o el guión (mal estructurado y a veces poco sólido o incoherente). Hay que tener en cuenta que esta película no tuvo un film previo de tal magnitud y complejidad en el que fijarse o tomar como modelo, con lo que estos errores son naturales y totalmente disculpables.

Con sus defectos y todo, aunque sea aburrida y lenta y a pesar de su tremendo contenido racista, inviable para los tiempos que corren, merece la pena el intentar verla por su logro artístico, por lo que fue y consiguió. Como curiosidad diré que esta película es hasta la fecha la más vista de la historia del cine. ¡Ojo! no la más taquillera (dinero recaudado), sino la más vista (entradas vendidas).

LO MEJOR:
- Innegable valor artístico: Primera película en la que se usó el lenguaje cinematográfico.
- Ambientación y fotografía impecables.
- Por primera vez en la historia, los actores interpretan realmente.

LO PEOR:
- Ritmo lento y aburrido. Guión flojo y ligeramente incoherente.
- Situaciones incoherentes, y tratamiento de personajes superficial.
- Temática racista en su máxima expresión.