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Críticas de Maximillian
Críticas ordenadas por:
El círculo
El círculo (2017)
  • 5,0
    7.207
  • Estados Unidos James Ponsoldt
  • Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, ...
8
EL PLACER DE LA PRIVACIDAD
Adaptación de la interesante novela de Dave Eggers, que también colabora en el guión, en el que esboza algunas ideas que en su novela estaban mucho mejor desarrolladas, remitiéndonos a la excelente 1984 de George Orwell.

El film desarrolla la peripecia de Mae al incorporarse al "Círculo", una empresa que es una amalgama de Google, Facebook, Twitter, Instagram, Pinterest y todas las plataformas que se os ocurran, en las que facilitamos nuestros datos identificativos y supone una ácida mirada, aunque blanda, acerca de la presencia de las redes sociales en las vidas de los mortales, de la vulnerabilidad que deviene de la transparencia en la información y de los riesgos de la pérdida de intimidad.

También supone una excelente ocasión de admirar los trabajos de Emma Watson, algo despistada, entre su rol inicial de tímida descubridora del mundo aparentemente "cool" de la gente del "Círculo", de posterior cruzada de la transparencia como garantía de la democracia, y de enérgica activista final, al adquirir conciencia de la perversión del poder concentrado en manos de las compañías que almacenan toda nuestra información.

Supone un placer adicional percibir lo que hubiera dado de si la actuación de Tom Hanks, si hubiese desarrollado más el papel de villano.

Recomendada para amantes de la teoría de la conspiración, adictos a las redes sociales, admiradores de las carreras de Tom Hanks y Emma Watson, y para todos aquellos que saben apreciar el placer de la privacidad y de la esporádica y voluntaria desconexión.
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12 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sola contra el poder
Sola contra el poder (2016)
  • 7,0
    10.178
  • Estados Unidos John Madden
  • Jessica Chastain, Mark Strong, Gugu Mbatha-Raw, Alison Pill, ...
9
¿DEBE EL FIN JUSTIFICAR LOS MEDIOS?
Fascinante y absorbente thriller político lleno de duelos verbales y contundentes monólogos que aborda el polémico tema de los "lobbying", las agencias privadas dedicadas a crear acciones dirigidas a influir ante la Administración Pública para promover decisiones favorables a los intereses de sectores políticos, económicos o grupos de presión.

En el film se aborda la forma de influir en el congreso y la ciudadanía sobre las restricciones de la segunda enmienda a la constitución de los EE.UU. que permite a los ciudadanos llevar armas de fuego, generando la tensión en el espectador a partir de los turbios manejos del reprobable personaje de Miss Sloane para conseguir el noble fin de una mayor y más restrictiva regulación.

El peso del film recae en la arrebatadora interpretación de Jessica Chastain, una de las mejores actrices de nuestro tiempo que, siguiendo la tradición de las perversas fascinantes que ha dado el cine, en la línea de Scarlett O'Hara (Vivien Leigh en "Lo que el viento se llevó), Regina Giddens (Bette Davis en "La loba"), Margo Channing (de nuevo Bette Davis en "Eva al desnudo"), Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwich en "Perdición"), Evelyn Mulwray (Faye Duneway en "Chinatown"), la marquesa de Merteuil (Glenn Close en "Las amistades peligrosas"), Catherine Tramell (Sharon Stone en "Instinto básico), Hanna Schmidt (Kate Winslet en "El lector"), compone uno de los mejores personajes de su carrera, el absorbente personaje de Elizabeth Sloane, brillante, ambiciosa, inflexible, imperturbable, manipuladora sin escrúpulos, sin deseos de tener familia, despegada de afectos, salvo por el escort que la visita semanalmente, y con la determinación clara de ganar siempre a cualquier precio.

A pesar de su amoralidad, ambición y egocentrismo, la interpretación de Chastain y su sorprendente revelación final, mirando fíjamente a cámara, consigue crear un vínculo emocional con el espectador, que termina deseando verla ganar ante un colectivo social que juega con reglas tan cuestionables éticamente como las que ella no ha dejado de utilizar a lo largo de la cinta.
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62 de 66 usuarios han encontrado esta crítica útil
La La Land: Ciudad de sueños
La La Land: Ciudad de sueños (2016)
  • 7,5
    50.790
  • Estados Unidos Damien Chazelle
  • Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie Dewitt, ...
10
UN CANTO A LA VIDA, A LA ALEGRÍA, AL AMOR Y... AL JAZZ
Acabo de disfrutar por enésima vez de mi adorada edición coleccionista del Blue Ray 4K Ultra HD de "La, La, Land, la Ciudad de las Estrellas", intentando encontrar las claves de un éxito tan abrumador y de jugar a la búsqueda de referencias, más allá del delicioso vídeo que la joven estudiante de montaje y edición, aficionada al musical, Sara Preciado, ha convertido en viral en internet.

Como en las anteriores ocasiones, me rindo. Mi capacidad de análisis y de concentración se ve desbordada por la arrebatadora magia del film de Chazelle, que me arrastra desde la espectacular coreografía de introducción en la autopista de Los Ángeles, a la burbujeante fiesta a la que asisten las aspirantes a estrellas, para sumergirme en una intimista historia de amor, cuajada de deliciosos números musicales filmados en planos secuencia con muy pocos cortes, que muestran orgullosos las referencias clásicas en que están inspirados, a quedar atónito ante el primer plano mantenido por Emma Stone en su monólogo de la prueba de audición, que le valió merecidamente un Oscar, y a concluir con un maravilloso epílogo de diez minutos que, como en los musicales clásicos, revela toda la esencia del film y ejerce la magia característica del musical: hacerte creer que puedes levantarte de la butaca, tomar de la mano a tu pareja y empezar a cantar y bailar bajo la lluvia.

La La Land es un clásico inmediato, un musical moderno de formato clásico que revela su modernidad en su brillante epílogo y en la sabia sonrisa final de Ryan Gosling. No es una nueva reformulación del género, como lo fueron "Moulin Rouge" (Baz Luhrmann, 2001) o "Begin Again" (John Carney, 2013), ni la adaptación de un éxito de Broadway como "Los Miserables" (Tom Hooper, 2012) o "El Fantasma de la Ópera" (Joel Schumacher, 2004), es simplemente un musical, y como tal, un canto a la vida, a la alegría de vivir, al amor y... al jazz.
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13 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Last Sunset
The Last Sunset (1961)
  • 7,3
    1.678
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Rock Hudson, Kirk Douglas, Dorothy Malone, Carol Lynley, ...
10
PERSONAJES DE TRAGEDIA GRIEGA EN UN WESTERN
El espléndido guión de Dalton Trumbo que va desgranando una intensa y trágica historia, a medida que transcurre la cinta y la impactante e inolvidable interpretación de Kirk Douglas, son las claves para convertir un western convencional en una historia trufada de pasiones tan ancestrales y humanas que sus personajes parecen arrancados de una tragedia griega.

Muy recomendable incluso para aquellos que no simpatizan con el género.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Beau Geste
Beau Geste (1966)
  • 5,6
    148
  • Estados Unidos Douglas Heyes
  • Guy Stockwell, Doug McClure, Leslie Nielsen, Telly Savalas, ...
6
ACEPTABLE, PERO INNECESARIO REMAKE
La romántica historia de los hermanos Geste, narrada por P.C.Wren en la espléndida novela Beau Geste, que gira en torno al robo de un fabuloso diamante, a un pacto de honor entre hermanos y a la dureza de la vida de la legión Extranjera en el marco hostil del desierto norteafricano, queda reducida, en este innecesario remake, a un vulgar melodrama acerca de una estafa y un amor traicionado.

A pesar de ello, el film es una aceptable cinta de aventuras coloniales en apreciable technicolor y con una buena interpretación de Telly Savalas en el papel del sádico sargento, que se encuentra lastrado por ser el innecesario remake de una obra maestra absoluta del subgénero de aventuras coloniales, como es el film homónimo, dirigido por William Wellman en 1939, en el que brillaba el intrigante prólogo inicial en Fort Zinderneuf, la magistral dirección y el pulso narrativo de Wellman, la evocadora partitura de Alfred Newman, y las excelentes interpretaciones de todo el elenco actoral encabezado por Gary Cooper.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gilda
Gilda (1946)
  • 7,8
    30.931
  • Estados Unidos Charles Vidor
  • Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, ...
9
HISTORIA DE UNA BOFETADA Y UN GUANTE
Excelente melodrama pasional con tintes de cine negro, sobre la turbia relación de tres ambiguos y fascinantes personajes: Gilda, aventurera de oscuro pasado, casada con el propietario de un casino, que contrata al jugador de fortuna, Johnny Farrell, sin saber que ha sido amante de su mujer.

Entre los tres se establecerá una extraña relación a tres bandas en las que primará entre Gilda y Johnny, el odio como sentimiento opuesto, y por lo tanto próximo, al amor-pasión, expresado en una relación de raíces sadomasoquistas, y la ciega e inquebrantable lealtad de Johnny hacia su jefe, en la que muchos han querido ver una relación de base homosexual.

El film forma parte por derecho propio de la galería de películas míticas, debido principalmente al hipnótico magnetismo de Rita Hayworth en pantalla, a quien le bastó aparacer enfundada en un vestido de satén negro, entonando los acordes, con voz prestada, de "Put the Blame on Mame" y quitarse un guante, para marcar la educación sexual de toda una generación y elevarse a la categoría de diosa inmortal de la belleza y la sensualidad.

La química desbordante entre ella y Glenn Ford, que alcanza su punto álgido en el momento en que Johnny abofetea a Gilda con la rabia del despecho y del deseo contenido, es otra de las razones de mitificación del film, junto a la espléndida fotografía de Rudolph Maté, que supo hacer que la pantalla cobrara vida, cada vez que Gilda movía su radiante cabellera roja.

Gilda marcaría toda la carrera de la infortunada Rita Hayworth, que resumiría perfectamente su fracaso personal al afirmar: "Mi desgracia es que los hombres se acuestan con Gilda y se levantan conmigo".
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105 de 110 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Qué bello es vivir!
¡Qué bello es vivir! (1946)
  • 8,2
    50.578
  • Estados Unidos Frank Capra
  • James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, ...
9
EL SENTIDO DE LA VIDA
La tercera colaboración de Frank Capra con James Stewart, tras "Vive como Quieras" en 1938 y "Caballero sin Espada" en 1939, es una maravillosa alegoría sobre la importancia del ser humano en el desarrollo de sus semejantes, casi una filosófica reflexión sobre el sentido de la vida.

Para los que acusan a Capra de optimismo exacerbado, este film es una clara muestra de su propia evolución personal, ya que presenta la particularidad de que el mal, representado como en casi toda su filmografía, por una parte de la sociedad, nihilista, materialista y manipuladora, e interpretado magistralmente en este film por Lionel Barrymore, ya no es vencido por la nobleza y los elevados ideales, sino que seguirá desarrollándose, a pesar de la existencia de éstos.

La interpretación de James Stewart en el papel del generoso, abnegado y sacrificado George Bailey, que renuncia a sus sueños de gloria personal para devenir un filántropo, entregado al servicio de su familia y de la comunidad de Bedford Falls, y que sufre una terrible crisis existencial, que le llevará hasta las puertas de la muerte, es tierna, vibrante y conmovedora, una de las mejores de su carrera y una excelente muestra de su gran versatilidad como actor.

Incombustiblemente optimista, a pesar de su acerada crítica social, rabiosamente divertida, a pesar de los tintes trágicos de su historia, realista en el tratamiento de sus personajes, a pesar de su fantástico argumento, el visionado del film sólo admite una reflexión al finalizar oyendo sonar las campanas en el árbol de Navidad de los Bailey.... ¡Qué bello es vivir!
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221 de 239 usuarios han encontrado esta crítica útil
El padrino
El padrino (1972)
  • 9,0
    175.957
  • Estados Unidos Francis Ford Coppola
  • Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, ...
10
AURA DE TRAGEDIA
Quintaesencia del cine de gangsters, cuya estética y concepción renovó absolutamente tras su estreno, y obra maestra de la historia del cine.

A "El Padrino" y sus dos secuelas, les cabe el honor de haber desbordado los límites del género, para convertirse en referente cultural y motivo de reflexión existencial y social.

Su deconstrucción del modelo familiar tradicional, mostrando todos los turbios entresijos de la familia Corleone, la ácida crítica hacia la corrupción jurídica y policial, su desprecio por la hipocresía de la clase política o su cuestionamiento de la jerarquía eclesiástica y sus motivaciones, convierten la saga, en una de las más demoledoras críticas sociales que el cine haya efectuado jamás.

Todo ello enmarcado en una vibrante y violenta crónica sobre la evolución de la mafia ítaloamericana en el s. XX, y a cuyos entresijos asistimos a través de la fría mirada del padrino Don Michael Corleone, a quien seguimos en su proceso de concienciación, corrupción y venganza en el primer film, enajenación, aislamiento y absoluta soledad en el segundo, e intento de redención imposible en el tercero, enfrentándose a su destino final, con aura de trágico héroe shakespeariano.

Aunque para él, la mayoría de atrocidades que ha ordenado cometer.... "no haya sido nada personal.... sólo negocios".
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64 de 92 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre araña 3
El hombre araña 3 (2007)
  • 5,4
    70.771
  • Estados Unidos Sam Raimi
  • Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Thomas Haden Church, ...
8
LOS LABERINTOS DEL ALMA
Spiderman-3 parece haber decepcionado, tanto a los más acérrimos fans del comic , el cual declaro no conocer más que superficialmente, como a los fieles seguidores de esta saga fílmica, entre los que tampoco me cuento.

Dicho esto, mi aproximación al film en este comentario, no puede ser más que como mero espectador de una saga de moda, pareciéndome que está por encima de otros productos de similares características.

En el film confluyen tres líneas narrativas de diversa profundidad, que detallo a continuación en el "spoiler",a pesar de que no creo desvelar ningún aspecto determinante para aquellos que aún no hayan visto el film.
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81 de 126 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rescatando al soldado Ryan
Rescatando al soldado Ryan (1998)
  • 7,8
    137.151
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, ...
10
LA TRIOLOGÍA DE LA GUERRA DE STEVEN SPIELBERG
Excepcional recreación del desembarco en Normandía el 6 de Junio de 1944, con la que Spielberg completa su triología sobre la guerra, que ya iniciase con "El Imperio del Sol" en 1987 y continuase con "La Lista de Schindler" en 1993, para volver a narrar una historia, ambientada en el seno de la peor tragedia de la historia, la Segunda Guerra Mundial, donde en el epicentro del horror de los campos de concentración o del frente de Normandía, afloran nobles sentimientos humanitarios, entre los que destacarán el espíritu de sacrificio, la solidaridad y el heroísmo.

La historia que se narra en el film está basada en el caso real del soldado Fritz Niland, que habiendo perdido a tres hermanos en diversos frentes, cuya muerte fue comunicada a la madre en el mismo día, fue localizado y repatriado por orden expresa del Departamento de Defensa de EE.UU.

La veraz reconstrucción de la carnicería en la que se convirtió la playa de Omaha en el momento del desembarco, narrada durante la primera media hora del metraje, mediante la técnica de filmación de cámaras al hombro y velocidad de obturación muy elevada, dotan a las escenas de un subjetivismo tan real, que introduce con brutalidad al espectador en el violento y absurdo caos de un campo de batalla.

El hiperrealismo y la crudeza con que está documentado el combate militar, mediante las técnicas señaladas, convierten al film en un referente dentro del género bélico, que condicionaría a la mayoría de films bélicos rodados con posterioridad.
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172 de 220 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cantando bajo la lluvia
Cantando bajo la lluvia (1952)
  • 8,1
    45.630
  • Estados Unidos Stanley Donen, Gene Kelly
  • Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, ...
10
ÁNGEL Y DEMONIO EN BROADWAY
Obra maestra indiscutible del musical, de la comedia y de la propia historia del cine, que narra una divertida sátira sobre el propio mundo del cine, en su transición del periodo mudo al sonoro, repleta de referencias y guiños cinéfilos, debidos al excelente y divertido guión de Betty Condem y Adolph Green.

La dirección de Kelly y Donen es rabiosamente dinámica y muy moderna en la época en que fue rodada.

Kelly brilla con luz propia en el papel protagonista, tanto en las escenas de comedia, las de acción, rememorando su reciente papel de D'Artagnan en "Los Tres Mosqueteros", y está sublime en las secuencias musicales, tanto en la romántica balada "You're my Lucky Star", como en la irreverente y gamberra "Moses", la esperanzada y optimista "Good Morning", o la grandiosa "Singing in the rain".

Donald O'Connor es el perfecto y simpático compañero de Kelly, retomando y superando la función que había asumido Frank Sinatra en films anteriores, su interpretación de "Make'em Laugh", subiéndose literalmente por las paredes, es uno de los más dinámicos y divertidos números musicales jamás filmados.

El resto del reparto, incluyendo a Jean Hagen y Debbie Reynolds, está sencillamente perfecto en los papeles asignados.

Mención aparte merece una maravillosa Cyd Charisse, cuya hipnótica aparición en el doble papel de ángel y demonio en el número "Broadway Melody", le valió el papel protagonista al año siguiente, en el musical "Melodías de Broadway,1955", junto a, nada menos que, Fred Astaire, y el recuerdo imperecedero de todos los amantes del cine.

El optimismo, la fuerza y la alegría de vivir que emanan del film, siguen siendo tan contagiosos en la actualidad, como lo fueron en el momento de su estreno, ¿o es que alguien es capaz de resistirse a tararerar "Singing in the rain" cuando suenan sus primeros compases?
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122 de 130 usuarios han encontrado esta crítica útil
Goldfinger
Goldfinger (1964)
  • 6,9
    12.571
  • Reino Unido Guy Hamilton
  • Sean Connery, Honor Blackman, Gert Fröbe, Shirley Eaton, ...
9
EL FILM QUE ACUÑÓ UN NUEVO GÉNERO
Tras "Dr.No", que presentó al personaje creado por Ian Fleming, y "Desde Rusia con Amor", en el que se desarrollaron las características de su estilo inconfundible en el marco de la Guerra Fría; a "Goldfinger", tercer título de la saga y primero dirigido por Guy Hamilton, le cabe el honor de haber acuñado todas las características que convertirían a todos los films de la saga, a partir de su estreno, en un género propio.

Un prólogo electrizante e irónico, en esta ocasión vemos a James Bond, impecablemente interpretado por Sean Connery, lucir un elegante smoking bajo un traje de buceo para eliminar al malo de turno electrocutándolo, mientras pronuncia uno de sus lacónicos epitafios ("electrizante").

Un villano megalomaníaco, sádico, codicioso y desalmado, con una misión que atenta contra la existencia o los valores de Occidente y que James Bond deberá desbaratar. Representado en el film por Auric Goldfinger, interpretado con convicción por Gert Fröbe, que pretenderá contaminar Fort Knox durante siglos para aumentar el valor de sus propias reservas de oro.

Paisajes y localizaciones exóticas o muy cosmopolitas, desde Miami Beach a Suiza, pasando por un innombrado país caribeño.

Torturas de alta tecnología o de un perverso y cruel refinamiento, como son el rayo láser que atenta contra la virilidad del héroe, o el asesinato de la hermosa Jill Masterson, por asfixia cutánea mediante un baño de oro.

Las heroínas, inefables "Bond girls", de nombre exótico, que tras el consabido revolcón con el agente, no únicamente cambiarán de bando, sino, como Pussy Galore en esta ocasión, de condición sexual.

Secuaces del villano principal, con alguna característica que les hace aparentemente indestructibles. El sombrero de ala metálica lanzable a modo de boomerang por el coreano Oddjob, es uno de los más memorables de la saga.

Increíbles gadgets suministrados por Q, que jamás le serán devueltos en estado de reutilización, ni siquiera el espectacular y admirado Aston Martin, blindado, repleto de armas ocultas y con asiento expulsable, que James Bond utiliza en esta misión.

Una base de operaciones oculta, que parece diseñada expresamente para que 007 la haga estallar al final de cada entrega, en una estrepitosa explosión en cadena.

Un elegante y personal diseño de tìtulos de crédito, constante referente hacia si mismo, ilustrado por un tema musical interpretado por cantante o grupo de moda, y punteado por el famoso tema de James Bond compuesto por Monty Norman para "Dr. No". Destaca en este film la recordada interpretación de Shirley Bassey del tema principal, "Goldfinger", compuesto por John Barry.

Todo ello, servido agitado y no revuelto, por el duro, cínico, epicúreo y seductor agente 007, componen los principales ingredientes de un cóctel de indudable éxito, que han sido, y siguen siendo, las señas de indentidad de la saga cinematográfica de más éxito de la historia.
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77 de 90 usuarios han encontrado esta crítica útil
Titanic
Titanic (1997)
  • 6,8
    179.655
  • Estados Unidos James Cameron
  • Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, ...
9
UNA VIDA MARCADA POR EL AMOR Y LA TRAGEDIA
Hermosa, preciosista y puntillosa revisitación de la historia de Romeo y Julieta, enmarcada esta vez en la tragedia del transatlántico más famoso de la historia, que se hundió tras chocar con un iceberg en 1912.

La historia está dividida en un prólogo y dos partes bien diferenciadas.

En el prólogo es donde James Cameron consigue captar toda la atención del espectador al revelar con maestría lo que será el espíritu del film: un alarde de preciosismo tecnológico, expresado en las fantasmagóricas imágenes del transatlántico hundido; y una tierna historia de amor, que será narrada por una centenaria Rose, mediante un hermoso flash back, en el que recordará el amor y la tragedia que marcaron su vida para siempre.

El primer bloque corresponde a la presentación de los personajes principales y está centrada en la emotiva historia de amor entre Jack y Rose, en este bloque se destaca la magistral composición de Kate Winslet en el papel de Rose, que consigue transmitir con sus miradas toda la complejidad de los sentimientos de su personaje, también es destacable el alarde técnico de los movimientos de grúa y aéreos alrededor del barco y la excelente partitura de James Horner que impregna de lirismo y majestuosidad la romántica historia.

El segundo bloque corresponde a la descripción de la tragedia del lento y angustioso hundimiento y se destaca a nivel argumental por la habilidad que supone pasar a segundo término la tragedia individual, la de la pareja de amantes, para centrarse en la tragedia colectiva de las 1500 personas que murieron en aquella catástrafe, en este sentido resultan terroríficas y angustiosas las escenas de la partición del buque, la de los pasajeros de tercera clase, literalmente enjaulados en las bodegas, o las de la búsqueda de supervivientes entre los cientos de cadáveres que flotan en el mar.

Quizá la historia sea conocida y previsible, por eso es un perfecto ejemplo de que el arte cinematográfico, a pesar de que siempre debe estar respaldado por un buen guión, es un arte eminentemente visual, en el que la puesta en escena resulta determinante para la creación de una obra de arte.
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94 de 138 usuarios han encontrado esta crítica útil
Parque Jurásico
Parque Jurásico (1993)
  • 7,0
    143.129
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, ...
10
LA VIDA SIEMPRE SE ABRE CAMINO
Excelente adaptación fílmica de la exitosa novela homónima de Michael Crichton, a la que le cabe el honor de haber llevado a la pantalla los dinosaurios más creíbles de la historia del cine, en los albores de la era de la animación digital.

La historia se distingue por su ritmo perfectamente planificado, en la que Spielberg alterna, con su efectividad habitual, las trepidantes escenas de acción, entre las que destacan la del tiranosaurio atacando a los coches inmovilizados y la del acoso de los velociraptores a los niños en la cocina del complejo, con las escenas en que se expone la argumentación científica, adoptando formas de film de ciencia ficción, al exponer las sugerentes aproximaciones al proceso de clonación o a la teoría del caos, incluso con escenas de comedia, casi todas ellas protagonizadas por el cáustico personaje interpretado por Jeff Goldblum, o con una ligera trama de espionaje industrial desarrollada en torno al robo de los embriones.

Todo el conjunto es un excelente film de aventuras en la tradición de la novela "El Mundo Perdido" de Conan Doyle, que sería curiosamente el título de su primera secuela, en la que se enfatiza sobre la impotencia del ser humano ante la poderosa y devastadora fuerza de la naturaleza, y es que... parafraseando a Malcolm... "La vida siempre se abre camino".
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125 de 147 usuarios han encontrado esta crítica útil
La máscara del Zorro
La máscara del Zorro (1998)
  • 5,8
    35.602
  • Estados Unidos Martin Campbell
  • Antonio Banderas, Anthony Hopkins, Catherine Zeta-Jones, Stuart Wilson, ...
9
SIMBIOSIS DE HÉROES AVENTUREROS CLÁSICOS
Excelente film de aventuras que retoma el personaje creado para un folletín a principios del siglo XX por Johnston McCulley, que ya fuera interpretado con acierto en la pantalla por Douglas Fairbanks en la versión silente de Fred Niblo de 1920 y en su remake sonoro, por Tyrone Power, en la versión dirigida por Rouben Mamoullian en 1940.

El personaje, que también conoció una gloria efímera en la filmografía de serie B europea a mediados de la década de los 60, supone un cruce entre la tradición del bandido generoso, al estilo de las leyendas de "Robin Hood" y el libertador anónimo y con doble personalidad, representado por "La Pimpinela Escarlata" de la baronesa d'Orczy.

El hábil guión de esta cinta, retoma al personaje que interpretaran Fairbanks y Power, encarnado en esta ocasión con su solvencia habitual por Anthony Hopkins, presentándolo en su última aventura, y convirtiéndolo en un trasunto de "El Conde de Montecristo", encarcelado durante casi 20 años, para acometer su venganza tras una prodigiosa liberación.

Ésta se producirá mediante la adopción de la personalidad del justiciero enmascarado por parte de un nuevo personaje, Alejandro Murrieta, interpretado por Antonio Banderas, en su papel más memorable hasta la fecha de su filmografía hollywoodiense, dando lugar a un todo un proceso de iniciación, que supone uno de los puntos fuertes en los que se apoya la trama.

Si el tándem formado por Hopkins-Banderas es uno de los puntos fuertes, el segundo es el tándem formado por Antonio Banderas y Catherine Zeta Jones, cuya química en pantalla, convierte en memorables todas las escenas en que aparecen juntos, en especial, el duelo a espada en las caballerizas.

Martin Campbell compone con este atractivo material un excelente film de aventuras de resonancias clásicas, al conseguir el ritmo preciso entre escenas de acción trepidante y de hilarante comedia huyendo con acierto de la parodia, que tanto ha lastrado el cine de aventuras de los últimos años.
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62 de 73 usuarios han encontrado esta crítica útil
El rey Arturo
El rey Arturo (2004)
  • 5,6
    24.468
  • Estados Unidos Antoine Fuqua
  • Clive Owen, Keira Knightley, Ioan Gruffudd, Stellan Skarsgård, ...
8
EL ORIGEN DE UNA LEYENDA
Exótica variante del mito artúrico que parte de la premisa, respaldada por muchos historiadores, de que las leyendas del Rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda, son una deformación medieval de un mito original, que relata la resistencia de un caudillo romano o britano, ante la invasión de Britania por parte de las hordas de Anglos, Sajones y Jutos en siglo V d.C.

Esto supone que la ambientación ya no transcurre en el medioevo legendario de la mítica Camelot, sino en la Britania romana, lo que convierte a "King Arthur" en un peplum de inspiración clásica, que lo entronca con las recientes "Gladiator" de Scott (2000), "Troya" de Petersen (2004) o "Alexander" de Stone (2004), a pesar de que el film verse sobre los mismos personajes de la excepcional "Excalibur" de Boorman (1981), la agradable "Los Caballeros del Rey Arturo" de Richard Thorpe (1953), la execrable "El Primer Caballero" de Jerry Zucker (1995), o incluso, el delicioso musical "Camelot" de Joshua Logan (1967).

El film se destaca por un guión bien construido, obra de David Franzoni, que ya guionizara "Gladiator", otorgando al relato un tono realista que no renuncia a los aspectos épicos, incluso mitológicos.

Un excelente trabajo actoral, donde solo desentona la hermosa gracilidad de Keira Knightley, en el papel de Guinevere, en esta versión, una improbable princesa picta, a pesar de los esfuerzos de la actriz por resultar verosímil.

Y la sólida dirección de Antoine Fuqua, que hace evolucionar el film como un relato de aventura épica con notable solidez, desde la convincente presentación de los conocidísimos personajes principales, Arturo, Guinevere, Lancelot, Merlin o Gawain, en sus nuevas encarnaduras romanas o pictas, hasta la épica batalla final ante la muralla de Adriano, donde asistimos al nacimiento de la leyenda del Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda.
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84 de 118 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las reglas de la seducción
Las reglas de la seducción (2004)
  • 4,7
    5.634
  • Irlanda Peter Howitt
  • Pierce Brosnan, Julianne Moore, Parker Posey, Michael Sheen, ...
8
LA ETERNA GUERRA DE SEXOS
Enemésima revisitación de la guerra de sexos que pretende beber de las fuentes de la comedia clásica norteamericana, con un simpático Pierce Brosnan, en un nuevo intento de evadirse de la férrea imagen de James Bond, y la siempre eficaz Julianne Moore, en una nueva demostración de su gran versatilidad como actriz.

La actuación de ambos y la simpatía y química que transmiten, son las razones que consiguen salvar este film, ya que su guión es convencional y predecible, y la dirección no pasa de ser correcta.

No es escaso el mérito, ya que no era un reto fácil, emular a las parejas clásicas de la comedia, hoy convertidas en leyenda, aunque Pierce Brosnan no sea Cary Grant, ni Julianne Moore sea Katharine Hepburn.
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37 de 54 usuarios han encontrado esta crítica útil
300
300 (2006)
  • 7,2
    143.219
  • Estados Unidos Zack Snyder
  • Gerard Butler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West, ...
8
LA FASCINACIÓN DE LA DESMESURA
Resulta difícil acercarse a una obra tan controvertida, provocadora e inclasificable, que ha generado tantas airadas reacciones y tan enfebrecidas defensas en todo el mundo tras su estreno.

300 no es el remake del peplum "El León de Esparta" ("300 Spartans") dirigido en 1962 por Rudolph Maté, y que parece ser que fue la inspiración de Frank Miller para su novela gráfica "300", en la que se basa el film.

300 tampoco es un peplum de nuevo cuño, de concepción clásica, surgido a la sombra de los éxitos del "Gladiator" de Scott, la "Troya" de Petersen o el "Alexander" de Stone.

Tampoco pretende ser un film histórico, que reconstruya los escenarios y hechos que originaron la Batalla de las Termópilas entre persas y espartanos en el siglo V a.C.

Al no ser esas sus pretensiones, resulta vacuo pretender juzgarlo bajo esas premisas.

¿Qué es entonces 300?

300 es sencillamente una enfebrecida adaptación del comic de Miller citado, que, si bien, respeta absolutamente la plástica y el grafismo cromático del mismo, consigue enriquecerlo, añadiéndole tramas secundarias que enriquecen la historia y sirven de respiro a la salvaje brutalidad de las batallas.

Es también un film innovador por su utilización de todos los recursos de la tecnología digital para evocar un pasado inexistente, un universo imaginario, que asombra por su concepción dinámica y plástica. En este sentido resulta fascinante el diseño de los títulos de crédito finales y su forma de romper con la tradicional bidimensionalidad de los comics.

Es, por último, una moderna revisión de innumerables leyendas épicas en la mitología: El enfrentamiento entre el Bien y el Mal, la Belleza y la Deformidad, lo Apolíneo y lo Dionisíaco, todo ello relatado con un salvajismo y una brutalidad perfectamente coreografiadas, conscientes de su función de espectáculo visual.

Zack Snyder parece asumir el carácter revolucionario y provocador de su film, llevando su peplum a la desmesura y haciendo de ésta, su señal de identidad, como ya hicieran en su momento, Baz Luhrmann, con su "Moulin Rouge" en relación al género musical, o Quentin Tarantino, con "Kill Bill" en relación al, ya de por si, desmesurado subgénero de las artes marciales, y quizá es en esa desmesura, donde radica su capacidad de fascinación.
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81 de 121 usuarios han encontrado esta crítica útil
El americano
El americano (2002)
  • 6,4
    7.902
  • Estados Unidos Phillip Noyce
  • Michael Caine, Brendan Fraser, Do Thi Hai Yen, Rade Serbedzija, ...
9
DUELO DE ACTORES
Brillante duelo actoral entre un convincente Michael Caine, en otra de sus ajustadísimas composiciones, en esta ocasión, como un desengañado y descreído corresponsal británico en el turbulento Saigón de mediados del siglo pasado, y un desconocido y sorprendente Brendan Fraser, que abandona sus papeles de cazador de Momias, sparring de Looney Toons y diablesas varias o antihéroe selvático, para abordar con éxito el difícil papel de corresponsal estadounidense, activo, dinámico e idealista, es decir, la antítesis del personaje interpretado por Caine.

Ambos personajes se enfrentarán por los favores de una muchacha indochina, en un marco de convulsión política, intrigas y odios, representando ambos a la perfección la eterna rivalidad británico-estadounidense, la oposición entre experiencia e inocencia, entre flema y dinamismo, entre observación y acción, entre madurez y juventud, en el delicado momento político de la caída del imperio colonial británico y del inicio del intervencionismo estadounidense.

Es sin duda el mejor film de su director, Phillip Noyce, y una notable adaptación de la excelente novela homónima de Graham Greene.
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46 de 61 usuarios han encontrado esta crítica útil
El aro
El aro (2002)
  • 6,4
    74.255
  • Estados Unidos Gore Verbinski
  • Naomi Watts, Martin Henderson, Brian Cox, David Dorfman, ...
9
VENGANZA DE ULTRATUMBA
Remake estadounidense del excelente film japonés "Ringu", dirigido por Hideo Nakata en 1997, director que agotaría la fórmula, dirigiendo los dos remakes de esta primera entrega, el remake japonés en 1998, titulado "Ringu 2" y el estadounidense, "The ring 2", en el 2005.

El film se ajusta a las líneas básicas del original japonés, añadiéndole insertos que pretenden acogerse a la estética del último cine fantástico estadounidense, en este sentido son notables las influencias de la saga "Scream", "Se lo que hicisteis el último verano" o "El Sexto Sentido".

La historia de una misteriosa cinta de vídeo, que condena a una muerte horrible a todo aquel que la haya visionado, justo a los 7 días después de haberlo hecho, da inicio a una trepidante y angustiosa investigación acometida por la periodista Rachel Keller, con objeto de salvar su propia vida, la de su hijo y la del padre del niño, para ir descubriendo progresivamente una trágica y turbulenta historia de venganzas de ultratumba.

Si bien el mérito de la historia se debe al guión del original japonés, este remake destaca por la sobriedad de su dirección, un determinado gusto por la sugerencia en lugar del impacto explícito, la metalizada fotografía que confiere un tono fantasmagórico a toda la historia y la brillante interpretación de Naomi Watts, que recuerda en algunos momentos a la divina Nicole Kidman, en su particular enfrentamiento con "Los Otros".
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66 de 81 usuarios han encontrado esta crítica útil