Voy a hablar desde las tripas. No puedo hacerlo de otro modo.
Sí. Porque creo haber encontrado sobradamente todas las alabanzas técnicas y artísticas referidas hacia este film. Sí. Porque ya se ha destacado que hay un antes y un después cinematográfico después de “Bailar en la oscuridad”
Desde las tripas pues, porque me resulta muy difícil pensar en términos de planos, secuencias, iluminación, montaje, expresividad, ritmo, narración, guión... música, cuando ninguna o muy pocas historias me han noqueado con tanta virulencia. Pocas veces la música en una película ha dejado de ser tal cosa para trascender a un estado que va infinitamente más allá de la mera etiqueta de “banda sonora” o “género musical”
Björk, ese ser prodigioso que dicen que llegó de los cielos, Vino, vio y venció... lo eclipsó todo y se marchó con su magistral e inexplicable interpretación, con su música (o ese “algo más allá”) a su particular universo celeste.
Desde las tripas, porque se me hace cuesta arriba rememorar ese final sin que algo se me retuerza dentro....

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Bueno, pues aquí está efectivamente la película que se anunció como "la obra cumbre del arte cinematográfico", tras los devaneos de Méliès y Edison, aun más cercanos al teatro de la época que al cine, como bien decía la crítica anterior .
Méliès aportó la puesta en escena, los ingleses el montaje narrativo y Zecca había perfeccionado la estructura del relato. Porter, heredando estos conceptos ya había rodado "Salvamento en un incendio" cercana a un trabajo documental.

Asalto y robo de un tren supone la consolidación de una técnica narrativa mediante el rodaje en Otoño de 1903 de este paleowestern de 14 escenas, considerado el primero en su género en la historia del cine. Aun con muchas escenas interpretadas de frente, como en el teatro, pero otras muchas de ellas mediante la profundidad de alejarse o acercarse a la cámara y tan grande fue su éxito que arrancó una avalancha de imitaciones.
Y en fin, en lo más subjetivo, uno no tiene al verla emociones que provengan propiamente de la espectacularidad de sus acciones o por la profundidad de la narración, o interepretación, pero en su época fue una auténtica revolución y sin duda se siente cierta admiración al contemplar ciertos momentos que posteriormente y hasta nuestros días se irían repitiendo incansablemente variando sus formas.

Grata sorpresa la que me llevé al ver esta superproducción comercial-blockbusteriana de la que no alcanzo a comprender el porqué de tantas voces alzadas. Quizá sea porque no es un tipo de cine que suela yo traerme a casa (de hecho, si lo llego a saber la hubiera alquilado, en lugar de verla por la Tv) El caso es que Alexander, cuenta en mi opinión con muchos factores positivos a su favor. Obviamente en el apartado técnico y más fácilmente apreciable, con sobresalientes escenas épicas y batallas espectaculares. En este sentido destaco por encima de todas las escenas la batalla final en la India y la excelente aportación fotográfica colorista que la refuerza en ese instante, recordandome al Stone mas atrevido de Asesinos natos.

Y en un plano más narrativo, la película se me antoja inclusive shakespeariana dados los intringulis de traiciones, conquistas, brujerios y oráculos, escaladas de violencia y otros etcéteras propios del dramaturgo isabelino; mostrando un complejo dibujo del personaje del conquistador, las veces idealista y cercano al pueblo y a los dioses, profundamente marcado por la muerte de su padre a la vez que influido por esa relación edipica amor-odio materna.

Todo el relato en sí mismo, adquiere buenamente el sentido épico y narrativo gracias a la voz en off del personaje de Anthony Hopkins y las propias escenas de enseñanza en la academia, que puntualmente nos adentra en las escenas, poniendonos como espectadores en la propia piel del discípulo.

Tanto la dirección como las interpretaciones me parecen logradas y esforzadas, dotando a los ya muy bien dibujados personajes de buen calado en sus motivaciones:
Val Kilmer, está una vez más redondo, Angelina, como antagonista de Fillipo encarna a la femme fatal de la narración cercanísima a una buena e influyente Lady Macbeth. El elenco de secundarios cumple perfectamente su cometido

En suma, a mi juicio O. Stone, acomete el estudio de la figura del conquistador con mucho respeto y admiración resultando una película valiente, a la vez que personal y mucho más compleja de lo que a simple vista parece.

Filme sobrio y eficaz el de Pollack, con algunos restos del tinte "estético" setentero de la época que le otorga a la cinta un toque de subproducción pekinpahiana, con algunas carencias en la puesta en escena y con cierta tendencia esteticista mediante el uso del zoom y algun otro movimiento raro de la cámara.

Pero Yakuza es una película seria en cuanto guión, con una trama interesante que aborda bien las mafias Yakuza japonesas y otras subtramas y palos paralelos que implican desde varios prismas a los personajes, de forma muy bien tejida y con gancho. Todo ello se edifica alredededor de la tragedia en forma de parábola sobre valores como la amistad, el deber, la deuda, el agradecimiento...
En Yakuza se aprecia gustosamente la falta de estridencia ni pluma innecesaria, con escenas de acción contenidas y realistas , donde los clásicos encontronazos múltiples entre los bandos se resuelven en cuatro o cinco katanazos, reduciendose la sangre a la justa y necesaria. Interpretaciónes igualmente contenidas y sin estridencias, donde los extras nipones ni hablan ni gritan más de lo necesario y los protagonistas nos sugieren mucho más de lo que ya nos cuentan.
Dicen que el cine de Pollack es individualista, marcadamente fijado en las personalidades, que nos narra (como es ahora el caso), alguna historia de amor perdida, imposible, frustrada.. Así son tambien sus personajes, y en Yakuza los tres protagonistas muy bien interpretados (si exceptuamos a la actriz femenina) por Mitchum, T. Ken y Keiko, que representan pequeños o medianos fracasados, vencidos en sus objetivos y deseos más vitales, que dejaron pasar cada cual a su modo, su oportunidad.

Noche de estreno nace por un lado del deseo de Cassavetes de hacer una pieza teatral cuya acción se desarrollase entre los bastidores y el propio escenario. y por otro de la influencia de películas como Eva al desnudo y Ha nacido una estrella, favoritas del director. Tanto es así que Ha nacido una estrella tiene notables parecidos con Opening night y algunos biógrafos infieren que la película es una visión de lo que hubiera pasado si Rowlands, cuyo verdadero nombre era Virginia—como la protagonista del film—, que siempre había querido dedicarse al teatro no hubiera contraído matrimonio con Cassavetes. Todo esto a colación de que la desordenada vida personal del director y su filmografía, forman una vez más una nueva síntesis, y ésta película es en realidad otra prueba de ello.

La filmografía de cassavetes está llena de aciertos fílmicos (si exceptuamos Ángeles sin paraíso) que si bien es cierto tienen mucho que ver con Rowlands, cabe mencionar que se supo rodear de magníficos actores, —no sin desavenencias— profesionales de indiscutible calidad como Ben Gazzara o Peter Falk, o amateurs de la talla de Seymour Cassel, — omnipresente en todas sus películas, a los mandos de la interpretación o de la misma producción —. También actuaron para él un buen elenco de secundarios e infinidad de personas que jamás en su vida habían interpretado--como el caso del actor alto de bigote, con no poco texto sobre escena, que en realidad era camionero-- y para los que no pocas veces fue la mejor experiencia de su vida. Todos ellos dieron lo mejor de sí mismos sin cobrar o cobrando muy tarde las más de las veces. Por todo ello y no en vano esta justamente considerado el padre del cine independiente.

Pese a todo, esta película es una de las más maduras y ambiciosas apuestas de su filmografía y aborda de lleno la conciencia y la vulnerabilidad que nos supone el paso de los años y ver ante nuestros ojos cómo se nos escapan de entre los dedos las imagenes y las esperanzas que teníamos entonces en nosotros mismos. Por otro lado, Cassavetes era muy sensible, como actor que fue, a las ocasionales humillaciones, dudas y miedos que la profesión de actriz puede suponer a la mujer. Gena Rowlands brilla con luz propia protagonizando estas premisas, a su vez, con la fabulosa colaboración de Ben Gazzara y el propio Cassavetes. Todo ello, a través de una cámara que adopta una vez más maravillosas posiciones y puntos de vista en unas escenas sublimemente iluminadas.