El inicio de ¨Lluvia negra¨ (Kuroi ame), es con la toma de toda la Isla Hiroshima en silencio, ubicándonos en el día del lanzamiento de la bomba atómica, las siguientes escenas, son de los pobladores que realizan sus tareas como cualquier día, pero después un breve momento, se inunda la oscuridad en la pantalla, acto seguido la destrucción y el caos, Hiroshima ya no existe, sólo quedan escombros, en donde los sobrevivientes, creen haber llegado al infierno.

Las primeras escenas son las más conmovedoras y arrebatadoras que haya visto en muchos años en una película, transmiten el desconcierto, la impotencia sobre una de las mayores tragedias que ha vivido no sólo Japón si no la humanidad, el uso del desenfoque en las primeras escenas de la explosión, dan una sensación de estar ante una pesadilla, la dirección y fotografía tiene un tono clásico, siendo un gran punto a favor de esta.

Después de la explosión se produce la Lluvia negra, hecho que le da título a la película, y que constituye el elemento más importante a largo del film, en la consecuencia que generó en los años con los sobrevivientes, siendo una de las personas expuestas a esta lluvia, Yasuko, la protagonista de la película, que habiendo quedado huérfana, es acogida por la familia de su Tío, el que la quiere como una hija, buscando que forme sus propia familia, pero esto no será una labor muy fácil, a pesar que Yasuko es una bella joven, pero existen cuestionamientos sobre su salud, que no hacen una buena candidata para el matrimonio.


Es así, que la historia, nos va trasladando a los días de la tragedia de Hiroshima, mostrándonos la locura del ser humano, su capacidad destructiva, que a veces parece que no tiene límites, nos cuenta los efectos que radiación, la convivencia, la intolerancia, el prejuicio, las víctimas, ya nada volvería ser igual, se podrá reconstruir la ciudad, los edificios, las calles, pero una vida destrozada no puede ser reconstruida, esto es lo que Imamura no narra, nos lo restrega en la cara, nos lo grita con el silencio, con ese estoicismo japonés, los protagonistas cumplen con su deber de ser víctimas, que aceptan su destino.

Se trata de una de las mejores películas antibelicista de los ochenta, sino la mejor, con una gran trabajo de dirección, una fotografía extraordinaria, una historia que atrapa y sacude al espectador de principio a fin, cuando el mensaje llega de una manera tan clara y dura, es difícil sentirse indiferente.

La historia se inicia en un salón de Juegos de la burguesía francesa, en donde El Barón (Louis Jouvet) en juego de cartas lo pierde todo, abandonando el lugar con mucha calma, ese mismo día conocerá a Wasska Pepel (Jean Gabin, un ladrón de mala muerte, al cual le regalará objetos de su antigua casa, prefiriendo que se lo lleve él que algún acreedor, esto llevara a una confusión con la policía que es resuelta por El Barón, al ver Pepel que su nuevo amigo no tiene a donde ir le ofrece un acomodarlo en el lugar que está ocupando, ya que tiene mucha influencia con la dueña de la pensión.

En la pensión estarán alojados diversos personajes, que vivirán en la miseria, además del matrimonio que alquila los cuartos conformada por Vasilisa Kostyleva y Kostilev, y Nastia la hermana de Vasilisa, en el que se realizara un enredo amoroso entre Vasilisa, Pepel y Nastia, ya que si bien Vaisilisa está casada, tiene un romance con Pepel, del cual está completamente enamorada, pero este está enamorado de Nastia, a lo cual ella no lo rechaza del todo, siendo algo que percibe muy bien Pepel.

Ya habíamos mencionado sobre el cine Renoir, que el humor es un elemento recurrente en sus películas, aunque las historias toquen temas sobre la miseria, dolor y muerte, como la presente película, conjugando todos los elementos para imponer el ritmo, describiendo perfectamente a los personajes en unas cuantos pinceladas, El barón es ser cínico, aunque culto de bajos instintos capaz de hacer las peores maldades, con el simple afán de divertirse; Pepel, si bien es un ladrón, es una persona de buen corazón, aunque no lo quiera aceptar, siendo una de las razones del porque Nastia se siente atraída por él; Vasilisa es una mujer insatisfecha, que se caso simplemente por el dinero, busca el amor pero este le es esquivo, por lo que deja a relucir su amargura y envidia; Nastia es una muchacha noble, pero rebelde e inteligente, que gracias a su astucia sale bien librada de los contratiempos.

El film constituye en un gran trabajo de Renoir, en todos los aspectos como en el narrativo, de dirección, y los actores, juega muy bien los tiempos, con el ritmo que se imprime a la narración, diálogos ingeniosos, cabe destacar además la escena final que un claro homenaje a otro grande Charles Chaplin, de una de sus obras maestras Tiempos modernos, Renoir es un director referente para los viejos o nuevos directores, ahí la importancia de su cine.

Titulo original Mélodie en sous-sol, la historia tal vez sea la tipica pelicula de robos, Charles (Jean Gabin) un especiliasta en robos, al salir de la cárcel, elabora el robo en un casino de Cannes, con la ayuda de Francis Verlot (Alain Delon), la pelicula utiliza los elementos del cine negro, tomando como referencia películas tales como La Ciudad desnuda, El atraco perfecto, Rififi.

En donde podemos observar como se va elaborando el robo y, como este es llevado a acabo por lo miembros del grupo de ladrones.

Su director Henri Verneuil, juega muy bien con el suspenso, realizando un gran trabajo, en la manera como narra el desarrollo de la historia, elaborando escenas llenas de detalles, sobretodo en lo que respecta a las escenas del robo, utilizando de manera inteligente y con talento los intercambios de una escena tras otra, transmitiendo la angustia de los protagonistas.


El final también es digno de destacar, donde el suspenso va creciendo aun más, consiguiendo uno de los mejores finales de la historia, siendo un claro homenaje a una película referente de este genero que prefiero no decir su nombre, para que uno mismo lo descubra.

Gabin, Delon y Verneuil, se volverían juntar en otra película, en El clan de los sicilianos, un película de menor calidad, pero de nuevo se mostraría la química que había entre los tres.

Como ya he mencionado la Gran jugada de la costa azul, es un gran trabajo conematografico, siendo una muy buena muestra de la calidad del cine polar (cine negro frances), que tiene títulos tan importantes como Rififi, El silencio de un hombre, El circulo rojo, Bob el jugador, entre otras.

Amarga victoria, dirigida por el maestro Nicholas Ray, un artista transgresor en la forma como abordar los temas de sus películas, dando importancia a los conflictos personales de los personajes, existe un halo de melancolía en su cine, siendo evidente en películas tales como Rebelde sin causa, La verdadera historia de Jesse James, Más poderoso que la vida, Johnny Guitar, Hombres errantes, entre otras, que nos muestran el dolor, la tristeza, el amor de una manera poética, Ray le da una gran importancia a los sentimientos de sus personajes, siendo una de las mejores cualidades del maestro.

La historia se desarrolla en el desierto de Libia, durante la segunda guerra mundial, en el cual El Mayor Brand (Curd Jürgens), tiene que dirigir a un escuadrón por el desierto, para un importante misión, pero en dicho grupo se encuentra el Capitán Leith (Richard Burton), que mantuvo un romance con su esposa, estando enterado de este hecho, produciendo conflictos entre ambos.

Si bien se puede decir que estamos ante una película bélica por el contexto en que se produce la historia, es acertado decir es que nos encontramos ante un drama psicológico, en donde los protagonistas trasladaran su rencillas personales en plena guerra, poniendo en peligro la misión.

Se trata de un gran trabajo de Ray, en la manera como desarrolla a los personajes, Brand es un oficial maduro, que siente el fracaso de su matrimonio, y también como oficial, resistido por sus hombres, donde todo para él es cuesta abajo, en cambio el personaje Leith, es un joven oficial, que tiene un brillante futuro en el ejercito, además de ser el amante de la esposa de Brand, como es evidente existirá entre resentimiento y odio, que se producirá a lo largo de la película.

Es así que Ray utiliza el odio y la desconfianza entre los dos personajes, para transmitir una tensión durante todo el metraje del film, además del contexto en que se desarrolla esta, siendo un gran trabajo por parte de su director sobre los conflictos psicológicos que sufren los personajes, cuestionandose sobre su rol y su acciones, ¿El honor herido puede ser la excusa para cometer crímenes sin impunidad?, ¿hasta donde puede llevarnos nuestro odio?, es por tales razones, que nos encontramos ante un drama psicológico, encumbrandose como uno de las mejores películas dentro de la filmografia de su director.

La Nueva Ola francesa, tuvo como uno de sus integrantes a parte de los ya conocidos Truffaut y Godard, a Claude Chabrol, que se ha especializado hasta fecha con el cine policíaco o de crímenes, en donde con mirada cínica, presenta a la burguesía francesa en su faceta más frívola e infantil, en muchas ocasiones con resultados sobresalientes, como La mujer infiel, El carnicero, Gracias por el Chocolate, La ceremonia, Un asunto de mujeres, Al anochecer, y la presente película que nos ocupa hablar.

Que la bête meure, que en España lleva el título de Accidente sin Huella, en Latinoamérica la traducción es más fiel al original, teniendo los siguientes títulos, La bestia debe morir o Que la bestia muera, la historia se centra en la venganza de Charles Thenier, un escritor que buscara al hombre o mujer, que en un accidente automovilístico mato a su hijo y huyo, constituyendo el único motivo para seguir viviendo, el vengarse del asesino, en donde ira descubriendo poco a poco más pistas sobre la identidad del asesino, ya que no sabe quien es, sólo sabe que tiene que morir.

Mientras va desentrañando el misterio sobre el accidente, nos va contando sus planes como acabar con el asesino, pero en su camino encontrará a Helene Lanson una actriz de cierta fama, que es cuñada del odioso Paul Decourt, con la cual tendrá una relación sentimental, pero es utilizada simplemente por Charles para llegar a Paúl, el principal sospechoso del crimen, al que conocerá a fondo su vida y su familia, siento una real repulsión hacia Paul por ser una persona despiadada y cruel con los que lo rodean, en donde la idea de matarlo adquiere más fuerza.

La película es fría y directa, el dolor del padre no se exterioriza pero se siente, su investigación, es un peregrinaje, un recorrido hacia la exhumación del dolor, sus palabras son constantes plegarias para dejar todo atrás y desistir de la búsqueda, pero no puede hay algo más fuerte que él, algo domina su voluntad, ya no existe el hombre, este se convirtió en un ser guiado por la venganza, para él no hay un antes ni un después, tan sólo su venganza, Chabrol consigue mediante una narración plagadas de miradas y rostros fríos, transmitirnos lo que siente cada uno de ellos, en donde la tensión se respira en todo el film.

Chabrol, nos regala mediante este título, uno de sus mejores películas, en donde la trama es simple, pero su director desmenuza a los personajes a su antojo, a los cuales nos presenta en su real desnudes, en donde no hay contemplaciones, siendo esta complejidad en los personajes que absorbe y penetra en nosotros, y que le da categoría de obra maestra al film.