Cinema paradiso narra la maravillosa historia de Salvatore , un joven cuyo amor por el cine, su tierra, su novia y su amigo del alma le inspiran a mejorar como persona. Un paseo bello y nostálgico por su vida, su infancia, su adolescencia y su adultez.

Giuseppe Tornatore conjugó los sueños de todo cinéfilo, vivir en una fábula donde cada caída signifique un levantamiento más fuerte, donde se puede jugar con el tiempo, con la tristeza y con la alegría, un mundo al cual tan solo podemos observar y añorar.

Magnificas interpretaciones de los tres Salvatore, el adulto, el joven y el niño; con especial mención de los dos últimos, quienes sencillamente se roban la película con el carisma que impregnaron a las andanzas del personaje central; también tenemos el privilegio de contar con Philippe Noiret , quien brinda una encarnación sencillamente magistral como el bondadoso operador del cinematógrafo.

La partitura de Ennio Morricone jamás defrauda, al igual que la hermosa fotografía de Blasco Giurato, y por sobre todas las cosas cabe admirar el magnifico trabajo de Tornatore tanto en el guión como en la dirección de esta bella cinta que ya forma parte del salón de honor del séptimo arte, un trabajo al cual no le falta nada, una obra maestra contemporánea.

Cinema paradiso cuenta además entre sus mejores logros con uno de los finales mas enternecedores de la historia del cine, un epílogo antológico para un cinéfilo empedernido como el que les escribe, un momento invaluable para cerrar esta hermosa y monumental película. Mi orgullo Italiano.

Pierluigi Puccini.

Un grupo de amigos de un poblado en Pensylvannia pasan sus últimos momentos antes de partir como voluntarios a Vietnam. Sus vidas se verán truncadas y jamás recobraran la visión de las cosas que antes compartían.

Apoteósica, apabullante, intensa, brutal, y conmovedora; son solo algunos de los adjetivos que podrían resumir la obra cumbre de Michael Cimino, el director ítaloamericano que alcanzó la cima con este, su segundo largometraje, para luego ser repudiado debido a que provocó la bancarrota del estudio fundado por Charles Chaplin y Douglas Fairbanks entre otros, la United Artists. Cimino se encuentra actualmente en un retiro virtual, y lo que es aun más triste, jamás alcanzó de nuevo el potencial conseguido en esta mítica cinta, una historia épica sobre los horrores de la guerra y el valor de la amistad.

En su extenso metraje, algunos de los momentos más memorables y emblemáticos de la historia del cine se dan cita aquí, entre ellos el juego de pool en el bar, mientras el inseparable grupo entona la hermosa melodía de Frankie Valli “can’t take my eyes off you”; al igual que las jornadas de cacería en los hermosos paisajes norteamericanos, contrastadas con la estancia en Vietnam, en la que se alcanza un clímax tanto de suspenso como de crueldad y barbarie, lugar donde un insensible bando se divierte apostando al infame y monstruoso “juego” conocido como “ruleta rusa”.

Por si fuera poco, el film cuenta con un plantel de excelentes interpretes, entre ellos unos soberbios Robert De Niro y Christopher Walken, secundados por otros grandes como John Savage, una joven Meryl Streep y el encantador John Cazale, quien fallecería poco antes del estreno de la cinta.

La briosa y nada pretenciosa fotografía de Vilmos Zsigmond, la enternecedora partitura de Stanley Myers, y la habilidad de Cimino tras las cámaras, erigen a “The Deer Hunter” como uno de los documentos antibelicistas más verosímiles, un drama donde se exploran sentimientos y emociones viscerales e intimistas, de enorme magnitud y relevancia para cualquier ser humano. Una de las cintas más grandes de todos los tiempos.

Pierluigi Puccini

Estambul, Turquía, 1970. William Hayes es un ciudadano estadounidense declarado culpable por tráfico y posesión de hachís, y sentenciado a una corroída prisión en la que sus problemas aumentaran desmesuradamente, llevándolo a sufrir enormes trastornos físicos y psíquicos de los que no podrá escapar, a menos que aborde el expreso de medianoche.

Amargo drama penitenciario narrado con gran maestría por el Británico Alan Parker, con un muy logrado guión por el que Oliver Stone recibió el Oscar, basado en las experiencias del verdadero Billy Hayes, un antiguo recluso norteamericano que paso varios años en una infernal prisión turca.

Desde el primer cuadro, la cinta despliega de manera verídica la sensación de crudeza, derrota y desasosiego que cualquier ser humano en su sano juicio experimentaría al encontrarse en semejante embrollo, gracias también a la excelente, valiente y desgarradora actuación de Brad Davis, el film adquiere el poderío suficiente para funcionar como documento de denuncia de situaciones similares, es mas, fue tanto su impacto que luego de su estreno serviría para ablandarle el corazón al gobierno turco y lograr así el inicio de un acuerdo formal con los Estados Unidos con el fin de llegar a un intercambio de prisioneros.

El film destila una atmósfera apesadumbrada y desagradable que se equipara a sus memorables personajes, entre ellos están el drogadicto encarnado con la habitual clase y naturalidad histriónica de John Hurt; o el obeso y odioso director de la penitenciaria, un más que correcto Paul Smith.

A las geniales interpretaciones de todo el reparto (Davis, Hurt, Bonacelli, Smith, Randy Quaid, Irene Miracle, entre otros) y al monumental trabajo narrativo de Alan Parker y Oliver Stone, se le suma la gran partitura del disco-king Giorgio Moroder, en una perfecta sincronía con cada fotograma, triste y devastadora, en especial en la escena final de la cinta, en la que logra alcanzar un nuevo significado de la palabra euforia.

Pierluigi Puccini

En una ciudad industrializada, Henry se dirige al hogar de su novia, quien lo espera para cenar junto a sus padres. En dicho momento, Henry será advertido de que su novia ha dado a luz a un niño, el problema surge cuando Henry se da cuenta que el bebé no es, en ningún sentido, normal.

Críptica, terrorífica e hipnótica opera prima del excéntrico realizador norteamericano y su característico gusto por situaciones burdas e irreverentes, carentes de un sentido lógico, pero admirables en su crudeza e imaginería, pocas veces encontrada en el panorama cinematográfico.

Digna de alabanza la creación de una suburbana, atmosférica y bizarra puesta en escena, con una fotografía en blanco y negro de Frederick Elmes, que toca ciertas similitudes con el expresionismo alemán.

En esta cinta se hacen palpables las temáticas que David Lynch abordara en sus obras futuras, un inefable gusto por las deformidades físicas y las conductas extrañas; pero también un deleitable uso del onirismo, la poesía oscura y la pesadilla.

Es también digna de mención la perseverancia de Lynch por llevar su visión al celuloide, con un extenso rodaje de cinco años, en los que curiosamente Jack Nance tuvo que lucir su infame peinado.

Eraserhead es una vorágine de situaciones escabrosas, en especial por su personaje más incisivo, el hijo de la pareja protagonista, un recién nacido de aspecto grotesco que desencadenara un sinfín de irremediables problemas, inclusive a los espectadores, que como un servidor, aún no han logrado “borrar” de su sistema el espantoso, desasosegante y repulsivo pero por mucho brillante epílogo de la cinta.

Pierluigi Puccini

Un hombre relata a un amigo la terrible historia del Dr. Caligari, un conocido ilusionista quien tiene a su disposición a Cesare, el cual ha permanecido por veintitrés años bajo estado de hipnosis y tiene según su amo la increíble habilidad de predecir el futuro.

Una joya imprescindible del séptimo arte. Constituye junto a Nosferatu (1924) de F.W Murnau las dos obras maestras del expresionismo alemán.

Rodada por Robert Wiene, luego de que Fritz Lang dimitiera debido a un compromiso en otra cinta. El film se divide en seis actos en los que somos testigos de las peripecias del Dr. Caligari (Werner Krauss) y su eterno y misterioso acompañante Cesare (Conrad Veidt) en un pequeño pueblo germano, iluminado por la llegada de una feria, pero también azotado por varios crímenes exentos de un perpetrador.

Magnifica puesta en escena, un diseño de producción vanguardista, en el que se denota una mezcolanza de bizarría en los decorados y una más que lograda acentuación de perfiles psicológicos, en cuanto al extravagante y tétrico maquillaje y vestuario del reparto, los cuales merodean con un delicado aire sepulcral, cubiertos por una cuidada atmósfera espectral.

Un cuento de terror que funciona tanto por su aspecto visual como por su oscura naturaleza. Daría inicio a posteriores tendencias icónicas como los míticos monstruos de la Hammer o la influencia contemporánea contemplada en autores como Tim Burton, Terry Gilliam o David Lynch.

El film demuestra la sagacidad de Wiene en la narración, presentando como base un extenso flash back, el uso constante del iris y un prodigioso montaje que llevará al espectador a presenciar el nacimiento de una eterna duda, un relato donde la ambigüedad cobrará un nueva victima.

Pierluigi Puccini