Antes de nada, dejar claro que Christopher Smith (director y guionista) no parte para nada de un planteamiento original, sino que se ha tenido que inspirar casi por narices de alguna otra película anterior a esta cinta. A mí la que se viene a la mente es un muy buen producto nacional (español): Los Cronocrímenes, 2 años anterior a Triangle y en la que Nacho Vigalondo muestra por primera vez en un largometraje (había realizado ya cortos magníficos como 7:35 de la Mañana) cuán inventivas e inteligentes pueden llegar a ser sus cintas. No sé si Nacho Vigalondo se inspiraría a su vez de otras obras, pero lo que me parece indudable es que Smith a la hora de escribir Triangle tuvo que haber visto antes Los Cronocrímenes (o al menos alguna cinta similar que yo desconozca). Es tan obvio que algunos elementos del vestuario de una y otra película coinciden al dedillo (por ejemplo, cómo se cubre la cara uno de los personajes en ambas). De hecho, cuando vi esto lo asocié inmediatamente a Los Cronocrímenes y no me equivoqué. Una vez se ha visto la una, al final la otra resulta bastante predecible y muchos giros de la trama (que a los que no han visto ninguna de las 2 cintas pueden parecer inesperados y originales) al resto nos dejan bastante indiferentes. Además, es necesario resaltar que la trama, a diferencia de lo que muchos afirman, sí presenta importantes lagunas e incoherencias (ver "Zona Spoiler").

Sin embargo, a pesar de su notoria falta de originalidad, Christopher Smith sí logra aportar un toque personal y muy inteligente para abrir y cerrar el filme con suma maestría, gracias a una referencia mitológica griega, que en sus críticas algunos pasan por alto y otros creo modestamente que no saben interpretarla debidamente. Éste y otros méritos (razón por la cual mi nota llega hasta el 6 y no es más baja) paso a desarrollarlos en la "Zona Spoiler".

En resumen, filme inteligente con destacables méritos, pero con bastante sabor a déjà vu y ciertas lagunas e incoherencias (detalladas más abajo), a veces imperdonables.

Netflix arranca el 2021 con una reinterpretación moderna, y muy libre, del “ladrón de guante blanco” más famoso de la literatura francesa, Arsène Lupin.

Más de un siglo después de la publicación de su primera aventura y tras varias adaptaciones, esta serie made in France retoma el mito literario para adaptarlo a nuestro tiempo. Así, llaman la atención los múltiples paralelismos entre el célebre personaje francés y la figura de Sherlock Holmes (creada menos de 20 años antes): además de su hábil uso de la observación, sus vestimentas icónicas y su proyección internacional (mayor en el caso de Holmes), ambos nacieron como protagonistas de relatos breves en revistas mensuales, su fama ha superado con creces a la de sus creadores y ambos han sido adaptados y reinterpretados en innumerables ocasiones…hasta el punto de estar el caballero ladrón francés siguiendo de nuevo los pasos del detective británico, con una serie que nuevamente adapta sus aventuras al siglo XXI, como ya lo hiciera la serie Sherlock hace unos años.

Eso sí, el protagonista de esta serie no es el personaje imaginado por Leblanc en 1905 sino Assane Diop, un admirador de Arsène Lupin marcado (como su héroe literario) por la pérdida de un ser querido a edad temprana. De ascendencia senegalesa, separado, padre de un hijo e inmerso en una situación profesional aparentemente inestable, la serie arranca con un Assane recién contratado como limpiador en el Louvre decidido, eso sí, a tratar de cambiar su suerte con el robo de un precioso collar, siguiendo claramente los pasos de su héroe literario. Sin embargo, las apariencias esconden más de lo que parece y rápidamente entendemos que Assane se inspira de los métodos y astucias del dandy literario para mucho más que un simple robo, tal y como los flashbacks al pasado nos hacen intuir desde muy pronto.

La serie logra resultar atractiva a base de buen ritmo y una intriga en la que los géneros se entremezclan con naturalidad: desde el thriller detectivesco al drama social, pasando por momentos cómicos muy propios de su actor protagonista. Además, su trama destaca también por su facilidad inicial para apuntar en una dirección, pero luego cambiar ágilmente de rumbo y sorprender al espectador. Sin embargo, esta magia se evapora antes de lo deseable y los golpes de efecto progresivamente se vuelven menos eficaces, predecibles y hasta poco creíbles.

Además, destaca el hecho de que, como decía, curiosamente Arsène Lupin no aparece en Lupin, o al menos no en carne y hueso (pues sí lo hace como objeto de fascinación, convirtiendo la obra de Leblanc en un personaje en toda regla de la serie). Se trata, en parte, de una idea astuta, pues permite muchas libertades para hacer avanzar la historia, al tiempo que se rinde homenaje al Lupin de los relatos. No obstante, puede que aquí radique también el “pecado original” de la serie: pues, a mi entender, parece probable que detrás de esta elección se encuentre la intención también de evitar la comparación directa con la exitosa Sherlock, de la que sería difícil no salir mal parada. Es decir, el planteamiento resulta novedoso y simpático; pero termina restándole potencial para resultar realmente audaz y brillante.

Así, la serie termina funcionando básicamente como entretenimiento (que no es poco), gracias a su intriga, a la buena puesta en escena de los robos y engaños, y a las ingeniosas referencias a la obra de Leblanc. Además, la serie introduce de forma inteligente componentes raciales y sociales, que sin duda invitan a la reflexión, pues resulta efectivamente creíble que Assane pueda aprovecharse de la “invisibilidad social” que sufren algunos por el color de su piel, oficio o condición social a la hora de pasar desapercibido y dominar el arte del disfraz. Sin embargo, creo que la serie también se aleja en exceso del canon literario, adquiriendo desde muy pronto tintes de historia de venganza y lucha contra poderosos (muchas veces antes vista); lo cual hace que Assane a menudo nos recuerde poco al pícaro ladrón con aires de dandy de las novelas, y sí más al Edmundo Dantes de Dumas.

Como personaje, Assane es capaz de engatusar a cualquiera a base de inteligencia, experiencia, astucia y buenas vibraciones, haciéndolo interesante y entretenido. Si a eso le sumamos la sonrisa encandiladora y el carisma natural de su intérprete, Omar Sy, estamos ante un personaje magnético al que sí o sí vamos a querer ver saliéndose con la suya, acercando así su personaje al Lupin literario. Eso sí, como explica Leterrier, uno de los directores, han buscado que este “gentleman moderno” sea educado e instruido y que transmita que sabe guiarse por un “código de valores”, siendo quizá ahí donde más se equivocan con el personaje. En efecto, sus valores nos quedan claros desde muy pronto (debido quizá a un uso excesivo de flashbacks), dando la sensación de que a Assane le faltan dosis de complejidad, imprevisibilidad, evolución e insolencia para lograr brillar como digno heredero del Lupin literario.

Además, en cuanto al resto de personajes, los guionistas caen a menudo en clichés manidos (ricachón chanchullero, matones bastante bobos, policías torpes,…). Es cierto que su ineptitud ayuda a que resulte creíble la facilidad con la que Assane logra engañarlos a menudo, pero resta también mucho potencial a la serie.

En cuanto a la puesta escena, es de alabar la aportación de Leterrier en los primeros episodios, imprimiendo el tono adecuado con el que enganchar al espectador y un ritmo ágil marca de la casa, dejando el primer episodio varios momentos para el recuerdo. Otro de los méritos de la serie radica en su ambientación y, en particular, en las localizaciones icónicas de las que se sirve: Louvre, Jardines de Luxemburgo, la banlieu parisina de Montreuil, la emblemática ciudad normanda de Étretat,…

En definitiva, una apuesta novedosa pero no brillante ni audaz; que entremezcla géneros y temáticas pero con regusto a “déjà vu”; y en suma, que entretiene pero no fascina.

Imagino que a muchos españoles les pasará como a mí, y experimentarán cierta tendencia a pensar que tiene un toque a Cuéntame como Pasó versión siciliana. Sin embargo, no debemos equivocarnos: esta serie emana originalidad y frescura por todos lados (y tiene poco de copia o de déjà vu). Un buen dato para darnos cuenta de que se trata de algo distinto, es que la idea original surgió a la hora de realizar una película homónima algo anterior (también recomendable).
Quizá además la principal diferencia entre una y otra (además del intervalo de tiempo que abarca: mucho menor en la serie): es que en la película se prioriza dar cabida a mayor cantidad de hechos y acontecimientos que se suceden a lo largo de más de una década en Sicilia en relación a la Mafia (y que marcarían de por vida a la sociedad siciliana e italiana); mientras que la serie está más centrada simplemente en retratar a la sociedad siciliana (concentrando toda la historia en el año 1979) y cómo ésta se encuentra profundamente afectada por la corrupción, el crimen, el clientelismo y un largo etcétera. Es curioso, además, que sea la serie (de mucho mayor metraje: en total 12 capítulos de alrededor de 50 minutos) la que abarque un menor lapso temporal. Y de hecho, me parece su mayor acierto: porque consigue no sólo que profundicemos más en el entendimiento de las lacras de la sociedad siciliana en aquellos años, sino también que empaticemos mucho más con sus personajes.
Y todo esto (y al igual que en la película) a menudo en clave de humor y narrado desde el punto de vista de un niño de apenas 10 años (de ahí también el parecido con Cuéntame): aspecto que si bien resulta curioso (dada la temática de mafia y corrupción que empapa casi todo lo que sucede en la serie) no hace más que dotar de mayor frescura a la serie y engancharnos si cabe todavía más. Los personajes principales además (aunque puedan parecer a veces un poco risibles, en el mal sentido) cumplen todos con una buena función y nos acercan a realidades interesantes:
1. el hijo representa esa inocencia y candidez que constantemente se hace preguntas muy básicas (constatando sin saberlo lo muy absurdo que llega a resultar la sociedad en la que vive, y mi preferida es: "si la Mafia no existe porque entonces tan a menudo los unos llaman a los otros mafiosos")
2. el padre: incorruptible por antonomasia, nos hace sentir casi como propios los contantes dilemas morales que le supone tener que hacer frente a la posibilidad de recibir/hacer favores, a menudo a sabiendas de que renunciar a sus ideales podría repercutir en una mejora sustancial de la situación y prosperidad económica de su familia
3. la madre: profesora interina que ve con consternación cómo el puesto fijo de profesor siempre se lo acaban dando a otros por culpa del clientelismo, nepotismo y amiguismo tan característico de muchos países y regiones mediterráneas...no ayudando para colmo que el marido reniegue terminantemente de que ella se pueda beneficiar de tratos de favor similares. Esto además llevará a la mujer a despertar cierto deseo por un compañero de trabajo que se enamora perdidamente de ella (quizá el hilo argumental que menos me gusta de la serie)
4. la hermana: 16 años, a menudo un poco risible, siendo en mi opinión más interesantes los chicos con los que intima que ella misma: primero será un hippie con aires de activista de izquierdas bastante vanidoso y fanfarrón al que le gustaría sacar a la chica de su inocencia; luego será un chico educado y de familia adinerada pero cuyo padre está inmiscuido en diversos asuntos con la mafia; y el tercero será un chico turinés bastante más educado que muchos sicilianos y que tiene acceso a las últimas tecnologías que le traen sus familiares de Suiza
5. el Tío: divertido y un poco holgazán, pero con buen corazón, se acabará viendo envuelto con la misma Mafia, llegando un punto en el que difícilmente puede decir que no a lo que le proponen
6. Y un sin fin más de personajes entrañables y/o cómicos (lo segundo sobre todo aplica a los más "malos"): desde algunos incorruptibles policías (entre ellos el famosísimo Boris Giuliano) y periodistas, mafiosos por supuesto, un cura que difícilmente nos dejará indiferentes (de los mejores personajes, sin duda), amigos del niño pequeño, padres de estos, y un largo etcétera

Los fans de Marvel pueden estar de alegría, puesto que con el lanzamiento de Wandavision arranca oficialmente la esperada Fase IV del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU por sus iniciales en inglés), la cual debería haber comenzado incluso antes con el estreno en cines de Black Widow en mayo de 2020, pero probablemente ni siquiera el Dr. Strange hubiera podido predecir lo que sucedería en el planeta Tierra en dicho año… En este sentido, Wandavision supone varios hitos importantes: no sólo rompe con más de un año de sequía en cuanto a estrenos del MCU por culpa de la crisis del Covid, sino que se trata además de la primera serie de Disney+ del 2021 y, más importante, la primera serie realmente anclada dentro del MCU (pues otras, como Agent Carter, no forman parte propiamente del mismo).

Dirigida en su totalidad por Matt Shakman y protagonizada por Elizabeth Olsen y Paul Bettany (retomando sus respectivos papeles como Wanda Maximoff – alias Bruja Escarlata – y Vision), se trata de una propuesta deliberadamente transgresora y difícilmente clasificable, que combina elementos surrealistas, psicodélicos y de sitcom americana de los años 50 en adelante.

La historia arranca con Wanda y Vision viviendo juntos, casados, felices, en blanco y negro. Se acaban de mudar a una bonita casa en la típica zona residencial estadounidense y forman una pareja convencional más de principios de la segunda mitad de siglo: ella es ama de casa, él un empleado modelo. Sin embargo, parecen confundidos y, tras esa realidad aparentemente idónea y sin fallas, pronto empiezan a sobresalir desajustes, haciéndonos sospechar que no todo es lo que parece…

Temporalmente, sabemos que la historia se sitúa después de los eventos de Avengers: Endgame. Sin embargo, los colores brillantes de las Infinity Stones parecen haber dejado paso al blanco y negro, al menos al principio…los trajes de superhéroe vistosos y los alienígenas parecen también olvidados…todo esto con la aparente intención de transportar a la romántica pareja de los Avengers (y, de paso, a nosotros espectadores) al universo de la televisión y de las sitcom estadounidenses de los 50 (con las célebres I love Lucy y The Dick Van Dyke Show), de los 60 (con la inolvidable Bewitched y destellos de la inquietante atmósfera de The Twilight Zone), de los 70 (con por ejemplo las populares The Brady Bunch o Mork & Mindy)…en suma, un país de las maravillas retro basado en lo mejor de las sitcom estadounidenses en el que Wanda y Vision parecen ser la anomalía (como de hecho, y no por casualidad, a menudo parecían serlo también los protagonistas de dichas series).

Así, el resultado es una visión más simpática y estrambótica que perturbadora o disonante, en la que haber tomado prestados los códigos de las sitcom resulta vistoso y hasta atractivo para el espectador. Además, envuelve la historia en un sugerente halo de misterio, al tiempo que sumerge a los seguidores en un eficaz desconcierto ante tal extravagante propuesta de Marvel Studios, que uno no termina de saber del todo hacia dónde se dirige... En cualquier caso, resulta fácil entrar en la historia y cogerle el punto a la mezcla de géneros y estilos que propone. Y asimismo, resulta llamativo que sea el cine de superhéroes, que tan acostumbrados nos tenía a producciones con crecientes aires de videojuego, el que apueste ahora por un una mezcla de estilos algo anticuados y pasados de moda, y por momentos hasta en blanco y negro.

Pero lo cierto es que son muchos más los aspectos formales en los que también Marvel consigue reinventarse con esta serie. En este sentido, Wandavision convierte cada episodio en una pequeña joya de vestuario y escenografía. Una fiesta para la vista y el deleite del público. El pelo, la ropa y los coches dan saltos en el tiempo de alrededor de una década a cada episodio. También en el caso del formato de la fotografía: vemos cómo de un encuadre 4:3, típico de la televisión antigua, progresivamente el formato se va ensanchando…y cómo del blanco y negro (casi absoluto) de los primeros episodios, poco a poco empiezan a aparecer manchas de color.

Por su parte, los personajes resultan divertidos y originales, muy lejos en este sentido de los códigos típicos de los éxitos de taquilla de Marvel. Los actores protagonistas, Elizabeth Olsen y Paul Bettany, forman una pareja prácticamente impecable, con magníficos momentos cómicos, cambios repentinos de tono y una buena sincronización, haciendo que la narración de Wandavision logre fluir pese a su necesaria y a veces inquietante “rareza” (en el buen sentido por lo general). Calibran cada gesto, cada expresión, cada pausa en la respiración; consiguiendo que a menudo verlos juntos resulte realmente hipnótico.

De este modo, WandaVision se perfila como uno de los estrenos más relevantes del 2021 y, sin duda, marca un momento único: no sólo porque con la serie se reinicia el rumbo del MCU, no solo porque experimenta y se atreve, sino sobre todo porque más que nunca nos ofrece la oportunidad de verdaderamente profundizar en la mente, psicología y complejidad de sus personajes.

En definitiva, gratamente sorprendente a su manera, esta serie confirma la capacidad de la factoría Marvel de combinar la épica y la ironía en una dimensión de ciencia ficción que trasciende el tiempo sin ignorarlo. Además, estamos ante probablemente su propuesta más original, loca y audaz (y eso que ya había logrado sorprendernos un par de veces en los últimos años con la divertida y colorida Thor Ragnarok de Taika Waititi o con Avengers: Infinity War y su impactante final); y sin duda ante la más experimental de sus producciones hasta la fecha. Personajes protagonistas interesantes y bien encarnados, un tono peculiar, una atmósfera única, algunas pistas ocultas y múltiples guiños sutiles al resto de la franquicia... WandaVision parece ser una apuesta arriesgada a la par que prometedora donde las haya.

Federer y Nadal. Nadal y Federer. Fans del uno y/o del otro a menudo nos preguntamos dónde se hubiese encontrado el techo en términos de títulos logrados y palmarés y de cada uno de estos 2 astros del tenis mundial de no haber sido por la existencia y coetaneidad de su más acérrimo rival...a la que hay que sumar, por si fuera poco, la presencia y coetaneidad de otro gigante mundial de este deporte, como es Novak Djokovic: uno de los mejores y más completos tenistas de la historia (analizar la enorme trascendencia para el mundo del tenis y del deporte de este increíble Triumvirato o "Big Three" del tenis - Federer, Nadal y Djokovic - la verdad es que bien valdría un Documental o una Miniserie de horas y horas de metraje).

Pues bien, este documental, por un lado, profundiza en las circunstancias que rodearon a este partido épico (yo de hecho me mantuve toda la tarde y gran parte de la noche de ese domingo delante del televisor, sin despegarme), así como en las circunstancias que le precedieron y las que le siguieron (sirviéndose para ello de unas imágenes de archivo sublimes y de los esclarecedores comentarios de figuras del mundo del tenis muy destacables). Pero, por otro lado, probablemente su mayor virtud es que no se queda ahí, sino que intenta profundizar, y con gran acierto, en la psicología de los protagonistas y arrojar más luz acerca de cómo cada uno de ellos encaro (o termino encarando) la necesidad de resignarse ante la grandeza y asombrosa calidad del otro.

En este sentido, siendo gran fan del tenis y de Rafa Nadal, personalmente empecé a visionar este documental con la impresión de que iba a asistir a un producto gratuito e innecesario, dado que estaba convencido de que a estas alturas todo lo que se podía haber escrito y producido sobre esta rivalidad, el partido y la psicología y el entorno de ambos ya debía de haberse realizado...y por tanto fue para mí una muy grata sorpresa darme cuenta de que estaba totalmente equivocado.

Así, en relación a la psicología y a la evolución de estos gigantes, quizá lo más interesante de este documental sea permitirnos descubrir más acerca de la figura de Roger Federer, ya que el documental:
- por un lado, nos confirma (al menos a mí) que Federer es un tenista con una fortaleza mental notable pero que no está a la altura de la de Nadal: tanto de niño como de joven y como jugador consagrado, Roger a menudo ha sufrido importantes crisis de confianza y ha terminado desquiciado con relativa facilidad (de ahí la importancia del vapuleo de Rafa a Roger un mes antes en Roland Garros a la hora de afrontar la final de Wimbledon 2008, y de la derrota en esta final a la hora de afrontar su siguiente encuentro en la final del Open de Australia de 2009, que también se saldaría con victoria a favor de Nadal y con las lágrimas de Federer al intentar verbalizar sus impresiones en la entrega de trofeos...lágrimas que sin duda han quedado para la posteridad y para la historia del tenis y del deporte en general). En relación al trabajo y desarrollo de esta fortaleza mental, la cinta también subraya la importancia de sus respectivos entrenadores en este aspecto (ambos creo que hicieron un buen trabajo), resaltando que ésta fue a su vez una de las mayores preocupaciones y virtudes del prudentísimo Tío Toni como entrenador de Nadal: moldear desde muy niño a "Rafael" para que supiese mantener un dificilísimo equilibrio, como es el hecho de no dejarse afectar demasiado por la euforia de las victorias ni por la dolorosa amargura de las derrotas y de los puntos perdidos.
- por otro lado, me quedo también con un gran mensaje que lanza Federer: tras las 3 derrotas consecutivas en finales de Grand Slam contra Rafa entre 2008 y 2009, supo resignarse y darse cuenta de que la presencia de jugadores como Nadal en el circuito, si bien no le iba a permitir engrosar su palmarés tanto como le gustaría, sí le iba a permitir alcanzar un techo en términos de nivel tenístico que difícilmente podría haber alcanzado en circunstancias más favorables: lo cual, como bien dice Roger, también representa una importantísima motivación para seguir compitiendo con optimismo y dar lo mejor de sí mismo en el día a día.

En definitiva, reportaje tremendamente interesante para todo tipo de espectadores: para los indoctos en el mundo del tenis, interesados en entender someramente la importancia de estos colosos para la historia del tenis y del deporte en general; para los aficionados al tenis pero que no han seguido tan de cerca el pasado, el entorno y la evolución de los hasta la fecha mejores tenistas de la historia; e incluso para los más acérrimos fans de cualquiera de estos dos gigantes del tenis. Todos podrán extraer valiosas lecciones e información de este fabuloso documental.

Federer y Nadal. Nadal y Federer. Sin duda, un gran homenaje a una rivalidad, un partido, unos tenistas y unas personalidades irrepetibles.