Difícil me resulta decir algo positivo sobre el último film de mi amigo Frank. En realidad se puede, los primeros veinte minutos de metraje. Muy buenos, te mete en la historia con su habitual elegancia en el manejo de cámara y una buena presentación de personajes.

Hasta ahí,... luego comienza un derrotero creciente hasta el límite del ridículo. Todo es inverosímil, retorcido, forzado, hasta un final que te deja sin palabras. No recuerdo un golpe bajo tan innecesario, tan imposible y tan arbitrario. Pregunto : va en serio? No lo puedo creer.

Los conflictos y los bandos dentro del supermercado dan vergüenza, donde quedo la sutileza Frank? Donde la tensión? El miedo al afuera? La superficie velada entre lo que se ve y lo que se intuye? Recordaba lo bien que lo manejaba Shyamalan en la interesante “The happening”, mientras miraba perplejo el desarrollo de esta historia.

Qué lejos quedaron las notables “Shawshank Redemption” y “ The green mile”

Yo creí que la decepción más grande de los últimos meses era “Ceguera”, hasta esto, en definitiva comparten algo: apocalipsis de brocha gorda.

Brillante y entrañable debut en el largometraje de Álvaro Brechner. No es habitual que el cine uruguayo (aunque en este caso trabajaron varios técnicos extranjeros) nos brinde un film tan entero; tan correcto y preciso desde todos sus rubros, generando el espacio para ahondar en sutilezas y detalles y poder de esta forma romper ese techo (al que parece a veces destinado, salvo gratas excepciones) de solamente contar una historia que se entienda.

Pero esto no es el fondo del asunto, Mal día para pescar es una gran película, y vaya que apuesta fuerte y arriesga (adaptar en cine a Onetti; hacerlo en clave de western; dar forma y determinación a la mítica Santa María….; por nombrar algunos).

Esto lo logra por tres aspectos fundamentales a mi entender: un casting de excepción (Hay que ver la actuación de Gary Piquer como “Príncipe Orsini”); un muy buen guión apoyado en una excelente historia; y una solvencia sobrada en todos los rubros técnicos.

Todo en este film se encuentra dosificado a medida; el humor que se desborda de ciertas situaciones emerge ingeniosamente y sin abusos; la relación entre los protagonistas (el motor del film) se presenta pausadamente y se logra ahondar en un vínculo único e inevitable; afectuoso y de mutua necesidad (perdurable la mirada de Orsini en el ring).

Por último y más importante: “Mal día para pescar” renueva algo que muchas veces queda soslayado; ver buen cine puede ser una experiencia hipnótica y placentera.
No suelo hacer comparaciones o rankings, pero en este caso debo decir : el mejor film uruguayo hasta la fecha y entre lo mejor que he visto este año.

Interesantísimo film perteneciente a lo que algunos han dado en llamar “nuevo extremismo francés” ( irreversible, alta tensión, martyrs, etc.).

Grandieux elabora una atmósfera asfixiante, espesa, onírica y claustrofóbica y filma visceralmente. Es una historia pensada desde dentro, no existe un a fuera; se deambula por un infierno omnipresente en las miradas, los rostros, los gestos, los cuerpos, los pasillos, las habitaciones, los bosques, las entrañas.

Casi sin necesidad de diálogos, abundan los primerísimos primeros planos, los fuera de foco; la penumbra , la luz, los gritos y sobre todo un mundo interior profundo y angustiante en cada uno de los personajes.
Los rostros en el comienzo parece que asistieran entre perplejos y en busca de un placer morboso a este espectáculo de dolor, agresión y padecimiento; en lo que parece ser metáfora de la relación de la sociedad contemporánea con la violencia y la imagen.

En definitiva un notable film que debe ser visto.

Una vez más el maestro Angelopoulos a partir de una línea argumental mínima construye una experiencia visual conmovedora. Partiendo de un escritor y sus últimas horas de vida, el director griego se hunde en un viaje a través de la memoria; a su vez exploración de la vida, indagación del tiempo y reflexión sobre el arte y su significación.
Suaves movimientos de cámara en extensos planos secuencia marcan los tiempos del cine de Angelopoulos, tiempos necesarios para indagar el mundo de los personajes, tiempos que nos sumergen en la escena y nos requieren todos los sentidos.
La escena siempre como metáfora visual, como elemento atemporal que recompone en un espacio idealizado los fragmentos del pasado. Largos travellings por una playa recobran vestigios de una felicidad ausentada, personajes cercanos, queridos y abandonados por el devenir, asisten con gracia a los caprichos de la recordación; esta frontera con la inmensidad del mar guarda trazos de presencias en todo material indiferente, evocación de la historia y profundidad de la pérdida.
La demarcación de fronteras es una constante del film: la frontera que el niño albanés no puede atravesar aparece difusa entre la niebla (en su cine, imagen constante que confunde la mirada y desentiende el paisaje); la playa; la vida y la muerte; la rambla donde las personas caminan por su límite y observan, al fondo los barcos, portadores del misterio de la existencia, arrancan la inocencia del horizonte y la finitud, adentrados, rumbo a los contornos de la imaginación.
Solo hacia el final estos territorios divisorios son franqueados; en soledad Alexander decide no ir al hospital, mientras el niño emprende el viaje hacia otros puertos; Nápoles y toda una vida.
Angelopoulos nos regala secuencias de un valor a contramano de las prácticas habituales del cine, nos adentra por un imaginario poético que requiere a cada instante el necesario exilio de la razón, en formas cinematográficas que como pocas utilizan la imagen y la representación como materia fundacional del arte, mecanismo productor de armonía y belleza que trasciende el ámbito cinematográfico estricto.

Una de las mayores obras que el cine ha dado. Inagotable e hipnótica experiencia sensitiva. El cine es mas cine cuando uno se aproxima a la obra de Tarkovski; la imagen pura, cargada de elementos simbólicos venciendo a la narrativa una y otra vez. Los planos-secuencia de Tarkovski desdoblan la materialidad inmediata para elevarse a un plano subjetivo, subconciente, onírico y sobretodo íntimo, que proyecta una espiritualidad sin fondo, a su vez una ética y una estética artística única.
Solaris, un viaje espacial hacia lo profundo de la memoria, desde el límite del conocimiento científico hacia el reencuentro del mito, del mundo mágico, hacia lo inmanente del ser.
Inolvidable la escena de levitación en la biblioteca y el cierre del film, allí en Solaris, en su isla, por siempre y fuera del tiempo.