La Venganza de Ulzana es un título poco conocido dentro del género del Western y, sin embargo, para los entusiastas del mismo es una película a reivindicar con el paso del tiempo. Lo cierto es que supone un retrato crudo y desgarrador sobre las costumbres Apaches pero, al mismo tiempo, una crítica dura a la institución militar y sus códigos del honor. En la decada de los setenta, predominaron los Western con un tono crepúscular, cargados de amargura, melancolía y desencanto. Entre ellos, hay que situar esta obra notable de Robert Aldrich, director con fuerte personalidad que domina especialmente el montaje y las escenas de acción. Ya había coincidido previamente en otros trabajos con Burt Lancaster (Apache o Veracruz) y aquí vemos a este actor en un registro diferente: Lacónico, austero y taciturno, un explorador experimentado que se las sabe todas y contradice continuamente las ordenes militares y su jerarquía. En definitiva, escasas películas dentro del género han reflejado con tanto realismo y violencia a la tribu de los Apaches.

He de reconocer que no iba con demasiadas expectativas ante LOPE y su trailer, en general, me hacía temer lo peor. Una vez vista la película, mis pronósticos se han cumplido con creces. El balance final es de lo más soporífero con un tono excesivamente académico y edulcorado donde todo suena a falso y acartonado. Es fácil crear una ambientación adecuada en pleno Siglo de Oro así como unos creibles vestuarios de la época contando para ello con un generoso presupuesto pero, al mismo tiempo, es necesario dar vida y fuerza a la narración y a sus personajes. Por desgracia, esto brilla por su ausencia. Ese estilo tan literario con unas secuencias románticas demasiado forzadas y sin ninguna pasión, es un obstáculo muy grande de cara a atraer a un público potencialmente joven, poco interesado en este tipo de historias.

Únicamente, la introducción de la película con un Lope de Vega que ha llegado de la guerra con sus ilusiones y el deseo de escribir sus poemas o obras de teatro queda bien plasmado en algunas escenas como la del corral de comedias que respira autenticidad y acierta con la música melancólica de Fernando Velázquez. Sin embargo, una vez que la trama se centra más en los devaneos amorosos y sentimentales de Lope con Elena Osorio e Isabel de Urbina, el interés decae totalmente precisamente por esa falta de pasión y sensualidad.

El amplio y atractivo reparto hace lo que puede por defender unos roles tan previsibles. Alberto Amman da el tipo y su caracterización física es apropiada a pesar de tener una pésima dicción que resta validez a su trabajo. Pilar López de Ayala tiene magnetismo y expresividad en su mirada en un papel que defiende con correción pero podía dar más de sí. Leonor Watling está muy poco convincente e impostada, siempre forzando sus gestos de sufrimiento. Luis Tosar parece fuera de lugar en un personaje desaprovechado por completo. Juan Diego ofrece como es habitual su solidez y experiencia en otro papel con escasos matices. Los demás cumplen dignamente pero actores de la categoria de Antonio de la Torre merecían un mayor protagonismo.

LOPE, es otra oportunidad fallida de intentar contar parte de nuestra historia a través de un personaje tan rico como Lope de Vega, uno de los autores más prolíficos de la literatura universal. Sin duda, una de las asignaturas pendientes de nuestro cine. ¿Seremos capaces en el futuro de realizar un proyecto de este género que combine credibilidad histórica con entretenimiento o emoción y llegue a conectar realmente con el público?.

Moonrise es una película que roza la perfección y maestría de un director como Frank Borzage que apenas se prodigó en el género negro.

Es una magistral combinación entre cine negro, psicológico y melodrama romántico, con una gran intensidad dramática y con unos modernos planos o encuadres para la época. Sin duda, una de las mejores fotografías que he visto en blanco y negro por su nitidez, brillo y definición con unos contrastes de luz que constituyen una auténtica obra de arte. Complementa de maravilla ese carácter atormentado y resentido del personaje protagonista. Un trabajo al mismo nivel visual y estético que Retorno al pasado de Jacques Tourneur, mi película preferida dentro del género.

El comienzo ya es de por sí contundente con una de las secuencias más crudas y descarnadas de pelea que se hayan realizado sin olvidar ese otro momento posterior de tensión en la feria de atracciones tan hitchcockiano (similar al tiovivo de Extraños en un tren).

Los actores Dane Clark (brusco e impulsivo) y Gail Russell (tierna y comprensiva) muestran una química especial en sus papeles más destacados con diferencia. Sus secuencias románticas son arrebatadoras. Destacar también una breve pero entrañable actuación de Ethel Barrymore como la abuela y a Harry Morgan como el amigo sordomudo.

Una joya por descubrir que puede figurar entre los diez títulos imprescindibles del género negro.

Este Miedo súbito ha sido una agradable sorpresa y descubrimiento. Al principio, su planteamiento de drama convencional no te hace pensar los giros que dará la historia hacia una parte final tan angustiosa e inquietante.

Uno de los mejores dramas psicológicos de los años cincuenta con secuencias de auténtico miedo y una gran tensión emocional. La fotografía desprende una atmófera de puro terror con un elaborado juego de contrastes (lástima una edición tan pésima de calidad en Dvd)

Excelente trabajo de Joan Crawford que lo expresa todo con el brillo de sus potentes ojos. Tal vez, junto a Amor que mata y Los condenados no lloran sus papeles más destacados. Jack Palance y Gloria Grahame destacan también en sus papeles maquiavélicos.

Una peli a redescubrir, revalorizada con el paso del tiempo de un director como David Miller que destaca, en especial, por un interesante western crepuscular como Los valientes andan solos con Kirk Douglas.

Esta Trágica información es la película que más me ha gustado de Phil Karlson gracias a un guión incisivo y contundente, marcado por la amargura de unos diálogos agudos y unos personajes llenos de cinismo. Hay una fuerte crítica a esa prensa sensacionalista que pretende vender las noticias como sea con unos impactantes titulares o esos reporteros y fotógrafos que se quieren anticipar a la propia policia (similar al planteamiento de El ojo público con Joe Pesci, otra película notable). En este sentido, es curioso la fiesta que organizan de los Corazones Solitarios buscando una línea periodística más comercial acercada a las relaciones sentimentales y a los cotilleos.

Este director si logra generar un gran climax que va in crescendo en su parte final a pesar de que algunos elementos de la trama rozen la verosimilitud por tantas casualidades y coincidencias en este asesinato de muerte accidental. Sin embargo, evita que el conjunto chirrie debido a un ejercicio de estilo intenso donde las piezas encajan como un puzzle.

Sobresale un reparto tan completo que va desde Broderick Crawford con ese aspecto brutal, irritable y amargado, a un John Derek como entrometido y oportunista periodista, la siempre elegante Donna Reed como una desencantada informadora o ese jubilado y alcohólico periodista tan patético que interpreta Henry O'Neill.

Hay varias secuencias dignas de mención como ese juego de miradas simpáticas que se establece entre varios testigos indigentes, el día a día de la prensa con panorámicas de las oficinas, esos planos tan bien fotografiados de Crawford entre la luz y la oscuridad o esa espeluznante paliza que infrigue al personaje de Rosemary DeCamp, previa al fatídico desenlace.

Karlson es un director a reivindicar justamente en la actualidad porque sabe dotar sus historias de sencillez y precisión, sin adornos de ningún tipo.