Esta película constituye un nuevo y mejorado retrato que del mundo del cine hizo Vincente Minnelli tras la famosa “Cautivos del Mal”.
Parece ser que Minnelli la repudió al no permitírsele montarla como él había querido y estrenarse amputada.
Incomprensiblemente se ha denostado este film en favor de la conocida y a la vez laureada por la crítica “Cautivos del Mal”, sin embargo, y sin que sirva de precedente, en este caso el technicolor gana al B/N.
El Jack Andrus interpretado por Kirk Douglas y con reminiscencias del Van Gogh que personificó en “El loco del pelo rojo” y al igual que éste con inclinaciones depresivas y homicidas y que necesita cuidados psiquiátricos, resulta más interesante y emocionalmente intenso que el Jonathan Shields de Cautivos del mal, como ya comenté en la correspondiente crítica.

Con “Dos semanas en otra ciudad” Minnelli trató de realizar su particular versión de “la Dolce Vita” de Fellini como se atestigua por las numerosas similitudes argumentales , y también cronológicas (Apenas dos años de diferencia entre los dos films.)
El actor rebelde e impulsivo y con inquietudes artísticas tan bien interpretado por George Hamilton encajaría perfectamente en la compleja personalidad de por ejemplo James Dean y su comportamiento irreverente fuera de los platos de rodaje.

De igual forma el personaje de Edward G Robinson , el de la joven actriz que se cree una Diva (¿Rosanna Shiaffino?)y el de Kirk Douglas se inspirarían en otras famosas leyendas del cine que probablemente Minnelli tenía en mente al hacer estas películas sobre la otra cara de Hollywood.
Las situaciones límite tan bien plasmadas en esta película con el personaje de Douglas, desembocan en escenas finales tan vertiginosas que rivalizan con cualquiera de las más efectistas y brutales de films recientes como “Death Proof.”

Mención a parte son las salidas nocturnas de los personajes por Roma y que nos transportan a ambientes sugerentes, fiestas y escenarios bohemios por las bulliciosas calles de esa alegre Roma de los 60 tan bien retratada por Minnelli.

Esta película de los años 60 vista hoy en día resulta mucho más inseparable de su época que otras películas rodadas en la misma etapa. La música, el vestuario, los peinados, el look del film nos recuerdan constantemente los ya lejanos años 60 pero tampoco se intenta ocultarlo, y es este aspecto de la película el que no resiste mucho el paso del tiempo. Muchos detalles como el aspecto visual, pueden parecernos demasiado cursis o anticuados vistos hoy en día, sin embargo, los excesos sesenteros de peinados, música (por cierto para nada desafortunada) etc , son suplidos con creces por unos acontecimientos que se narran que enganchan al espectador desde el primer momento, y por la temática que trata; los conflictos entre alumnos y profesores tan de actualidad en nuestros días. Cada dos por tres escuchamos noticias sobre alumnos que agraden a profesores y profesores que no saben ganarse el respeto de los alumnos. Ninguna película ha sabido reflejar tan bien estas relaciones tensas entre profesor y sus alumnos como “Rebelión en las Aulas”. Ni Nicholas Ray en su “Rebelde sin Causa” ni Francis Ford Coppola en su “Rebeldes” han sabido mostrar al espectador esas situaciones difíciles y al límite entre un profesor y un alumno donde la víctima casi siempre guardará silencio ante la amenaza de un mal mayor.

El adolescente rebelde y nada aplicado pero muy inteligente, el personaje del entrenador, la chica rebelde que en el fondo lo es simplemente para no desentonar en el grupo, el profesor de color cuyo difícil pasado lo ha convertido en el tipo duro que es pero que comprende y conoce a sus alumnos mejor que nadie porque seguramente él también fue en su momento un rebelde igual o peor que ellos de cualquier barrio marginal de una ciudad. Todos estos personajes y muchos otros, crean situaciones en la película que la hacen única, aunque se parezca a otras muchas de temática similar.

Lo que más llama la atención en esta película es como el pobre Spencer Tracy soporta estoicamente las mil y una humillaciones a que es sometido por parte de su esposa Catharine Hepburn. Tanto en privado como en público la Hepburn somete a Tracy a todo tipo de humillaciones a cada cual más lamentable convirtiéndolo en un hazmerreír y un pelele.
Es en este aspecto donde el personaje de Spencer Tracy sorprende al espectador acostumbrado a verlo no tan dócil ni sumiso, sino más bien reaccionario e indomable.
El cine ha dado magníficas parejas en muchas de sus películas. El dúo Spencer Tracy -Katharine Hepburn y la química de los 2 en “la costilla de Adan” parece que convence tanto a la crítica como al público formando una de las parejas más famosas del cine.

El film comienza con una escena de intento de asesinato que provoca hilaridad e lugar de dramatismo. Es sonrojante la manera tan desafortunada en que está filmada esta escena tan crucial en el desarrollo de la historia que se cuenta y que es de todo menos realista. A esto ayuda en gran medida el personaje que es víctima del intento de asesinato; un marido infiel y maltratador pero que sin embargo parece el protagonista carismático y pendenciero salido de una comedia de Billy Wilder.

George Cukor era homosexual, Catharine Hepburn fue una gran actriz. La más premiada hasta la fecha por Hollywood (4 oscar). Spencer Tracy el hombre cuya cara se parecía a la puerta de un granero (según el mismo). Quizás no parezca extraño que una película de los 50 como ésta, en lugar e acercar posturas entre uno y otro sexo, las distanciase irremisiblemente, soliviantando al espectador más conservador ante el cariz que toman las cómicas y otras no tan cómicas escenas de “La costilla de Adan”.
El humor negro sobrevuela el film desde el comienzo hasta su final, y es en estas situaciones que no son lo que parecen en un principio donde el Adan interpretado magistralmente por Spencer Tracy resulta más patético e inofensivo de lo que uno habría imaginado.
Lo mejor de esta película; la música de Miklos Rozsa ,que es estupenda( como casi todas las obras de este compositor.)

Historias de Filadelfia de George Cukor es una comedia que no provoca risas. El reparto es bueno, formado nada más y nada menos que por Catherine Hepburn, Cary Grant y James Stewart .
Comenza la película y en la primera escena aparecen Grant y Hepburn haciendo de las suyas como pareja no muy avenida. La total ausencia de diálogos entre ellos y la acción cómica de esta escena evoca el mejor cine mudo.
En la siguiente escena y sucesivas el reino de la carcajada se diluye por completo. El espectador cae en la cuenta de que no asistirá a una comedia sino más bien a un retrato glamouroso de la alta sociedad donde se suceden largos diálogos, en ocasiones rozando el tedio, que nos recuerdan constantemente que detrás de esta película está el influjo del gran Joseph L. Mankiewich con sus grandes virtudes y en ocasiones defectos, como el del uso desproporcionado de frases y diálogos rebuscadas y demasiado profundos o intelectuales para un público deseoso de una frenética sucesión de gags cómicos y no largas charlas pseudointelectuales en estado de embriaguez bajo la luz de la luna, aunque quien las pronuncie sea el carismático Stewart cortejando a Catharine Hepburn.

Por otra parte, ese acercamiento a la jet-set por parte de la prensa y papparazzis ha dado películas más realistas que ésta.
James Stewart no es Marcello Mastroianni y Katharine Hepburn no es Anita Ekberg por mucho que todos en el film la comparen una y otra vez con una Diosa o con una reina inalcanzable, perfecta y sin defectos. Ekberg en “La Dolce Vita” se asemejaba más a una Diosa deseada e inalcanzable y a una diva de la jet-set que la Hepburn que nos muestra George Cukor.
Cary Grant ejerce casi durante todo el film como elemento decorativo (a lo que ayuda su porte y modélica figura) o como invitado sorpresa que aparece y desaparece pero no termina por quedarse en la historia que se cuenta excepto en ese fenomenal principio, en alguna escena explicativa del desarrollo del film y en su estupendo desenlace final.

Con un argumento desde luego tan infantil que provoca vergüenza ajena, la trama gira en torno a un niño y precisamente es ahí donde radica el gran desacierto de este peculiar film tan poco adulto por este motivo.
Comparándola con otras películas estrenadas en las mismas fechas y del mismo género como “el guía del desfiladero” y salvando las distancias, “300” se llega a la conclusión de que “La última legión” gana por mayoría en lo relativo a su primera hora repleta de acción y sin alarde espectacular de efectos especiales. Sin ralentizarse escenas de combate para resultar más violentas y excitantes para el público, y sin pretender ser un “peplum” moderno basado en una novela gráfica o cómic ni tampoco una tenebrosa película de viquingos a medio camino entre “acorralado y “ límite vertical” como “el guía del desfiladero”.

Este film pretende ser una precuela de “Excalibur”, pero como el origen de la susodicha leyenda artúrica no se desvela hasta el desenlace final, todo lo que sucede hasta ese momento puede inscribirse con letras grandes entre las mejores secuencias de acción y entretenimiento del cine de aventuras histórico, llegando el espectador más avezado en estas lindes mítico-históricas a compararla incluso con la legendaria “Los viquingos” al desarrollarse los combates a espada más emocionantes en el torreón de un castillo a orillas del mar como sucedía en el film de los 50.
Y no sólo por ese motivo, todo en esta película tiene un leve toque del cine de aventuras clásico , y de una manera intencionada además. Basta con fijarse en el personaje del guerrero bárbaro pelirojo que parece salido de la película de Richard Fleischer y cuyo físico e interpretación son acertados para su papel en el film. Es una pena que al final se estropee su gran caracterización a causa del pesado niño que debiera quedar relegado más si cabe a un segundo plano o verse reducidas sus apariciones exclusivamente al principio del film.
La nota exótica la pone la actriz Aishwarya Rai. Nunca hasta esta película se había visto a la protagonista femenina blandir de esa manera la espada , dando un giro el film en cuanto a protagonismo que ya no sólo recaerá en el papel masculino, pues a pesar de la llamativa belleza de la actriz , en cuando emerge de las aguas ya no estará como mero adorno en la historia y su temerario personaje hace olvidar por un momento el machismo imperante desde siempre en este tipo de producciones de capa y espada, tanto antiguas como recientes.