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Críticas de Xavier Vidal
Críticas ordenadas por:
Segon origen (Segundo origen)
Segon origen (Segundo origen) (2015)
  • 4,2
    1.195
  • España Carles Porta
  • Rachel Hurd-Wood, Ibrahim Mané, Sergi López, Andrés Batista, ...
5
Apocalipsis catalana
La idea de Bigas Luna era muy loable: llevar a la gran pantalla El mecanoscrit del segon origen, una de las novelas en lengua catalana más relevantes de los últimos años, con el objetivo de encontrar distribución en el mayor número de mercados posible. Con esta hoja de ruta, la película se ha servido de unos efectos visuales y sonoros más que respetables, un reparto de vocación internacional y unos escenarios que evocan en clave apocalíptica los pocos referentes que el público extranjero tiene de la geografía catalana (a saber: playa, monumentos prototípicos y Camp Nou). Hasta aquí, todo correcto. El problema de Segon Origen, finalmente dirigida por Carles Porta tras el fallecimiento de Luna, es la desmesura de todas sus partes: a sus inocentes intenciones se suman unos medios técnicos notables, un plantel de actores anodino y un guión errático. La combinación es suficiente para facturar una ciencia ficción local digna, pero el resultado final queda muy lejos de esa gran aventura poética que merecía la célebre obra de Pedrolo.

Segon Origen demuestra que al cine catalán no le faltan medios ni talento, pero sobre todo pone de manifiesto su incapacidad para acercarse y venderse como es debido tanto al resto del estado como fuera de nuestras fronteras. El film, en términos estrictamente técnicos, puede competir con las producciones europeas y similares que quiera, pero al buscar la excelencia formal olvida contar una historia mínimamente interesante. Será la frialdad del carácter catalán, la falta de costumbre o las dificultades industriales, pero en Segon Origen cuesta reconocer esa película que a priori se intuía capaz de conquistar las carteleras de medio mundo. Y a pesar de todo, sí se perciben pequeños destellos del erotismo y del misterio de Bigas Luna, un detalle que hace pensar, no sin cierta resignación cinéfila, en la película que habría podido resultar si el proyecto hubiera quedado únicamente en manos del responsable de títulos tan importantes como Jamón, jamón o La teta y la luna. Ya nunca lo sabremos. Mientras, el cine catalán sigue intentando crear productos que aúnen la excelencia técnica con la solvencia narrativa, que consigan el favor de la crítica y del público, que puedan codearse con películas propias y nombres foráneos siendo enteramente catalanas y a la vez profundamente exportables. El film no es un segundo origen, pero sí un buen intento.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mustang: Belleza salvaje
Mustang: Belleza salvaje (2015)
  • 7,2
    10.667
  • Francia Deniz Gamze Ergüven
  • Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, ...
6
Libertad coartada
Mustang, ópera prima de Deniz Gamza Ergüven, se ha convertido en uno de los fenómenos festivaleros de la temporada. La película cuenta la historia de ciinco hermanas huérfanas que son encerradas por su tío y su abuela en apenas cuatro paredes. Con esta premisa, el film construye un relato claustrofóbico de pulsiones juveniles que quedan coartadas por la intransigencia social y religiosa del país. Ergüven se muestra especialmente solvente a la hora de describir el universo adolescente de las protagonistas, pero pierde parte de su frescura y espontaneidad cuando se ve en la obligación de ampliar su discurso al resto de personajes: los adultos quedan descritos como bloques sin matices, dictatoriales y casi demonizados, una cuestión que sirve para dar relieve a la huida de las chicas, pero que en paralelo resta potencia a esa epopeya femenina al no encuadrar su hazaña en un discurso o contexto de mayor calado. Por ello, da la sensación de que Mustang se acontenta con ser un relato de miras cortas y objetivos más modestos: quiere y consigue que el espectador sienta en sus carnes la opresión de unos seres virginales, dejando de lado cualquier amago de polémica, sin meter el dedo en ninguna llaga y llegando al mayor número de espectadores posibles (también, visto lo visto, conquistándo los estándares que demandan los certámenes y las carteleras de hoy en día). Con todo, aun ciñéndome al microcosmos de juegos entre pícaros e inocentes de las protagonistas, uno no puede dejar de pensar que Mustang, en sus escenas aparentemente improvisadas, en cada una de las miradas cómplices de sus cabezas de cartel, esconde un poco de trampa. Porque... ¡qué difícil es contar por omisión! Y, a pesar de lo leído en distintos foros, Mustang no deja de ser una película-moda pasajera.
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25 de 31 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cuarto del terror
El cuarto del terror (2015)
  • 6,1
    10.323
  • Estados Unidos Jeremy Saulnier
  • Patrick Stewart, Anton Yelchin, Imogen Poots, Alia Shawkat, ...
7
Backstage: la habitación del pánico
¿Qué ocurre cuando juntas en una fiesta a un grupo de nazis, un propietario mafioso, unos secuaces con malas pulgas, una jauría de rottweilers y todo tipo de armas? Pues que tienes un concierto atronador y un backstage lleno de sangre, además de una película tan robusta como Green Room. El director de Blue Ruin vuelve a contar con sus actores habituales y a demostrar su capacidad para ofrecer hora y media de gran tensión con una premisa casi mínima: la historia de una banda de rock extremo que, al presenciar un asesinato en la Green Room tras una actuación, son retenidos por el dueño del local. Película gamberra y claustrofóbica que da lo que promete: una carrera salvaje por sobrevivir, aunque sea a golpe de machete y a punta de pistola. Pocas veces en el cine de terror se encuentran películas tan intensas, bien interpretadas y con un guión sin resquicios. La acción sucede en apenas una habitación, pero es tan rítmica y suceden tantas barbaridades en tan poco tiempo que es casi imposible respirar. ¿Por qué a nadie se le ocurrió antes convertir una 'rave' en un túnel del terror? No os la podéis perder.

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4 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mr. Right
Mr. Right (2015)
  • 5,2
    2.035
  • Estados Unidos Paco Cabezas
  • Sam Rockwell, Anna Kendrick, Tim Roth, RZA, ...
6
La extraña pareja
Paco Cabezas en persona nos presentó en el Festival de Sitges Mr. Right, la nueva demostración de que el cineasta sevillano se mueve en el terreno del cine popular, con ramalazos propios de la serie B y una cultura del gag muy moderna. Podría parecer una película indie más, pero Cabezas consigue lo que el Hollywood más derrochador no ha logrado con títulos como Sr. y Sra. Smith, Killers o Día y noche: unir la comedia romántica con el thriller tarantiniano (movimientos a cámara lenta, yakuzas, peleas estilizadas y sinsentidos sangrientos). Vaya, que este Mr. Right tiene muchísimo mérito. Su objetivo es entretener durante todo su metraje, y lo consigue con creces. A su favor cuenta con la complicidad y la fisicidad de una extraña pareja de intérpretes, o lo que es lo mismo, Sam Rockwell y Anna Kendrick dando rienda suelta a su vertiente payasa. Una obra desinhibida, ecléctica y con nulo sentido del ridículo: cumple sobradamente las normas no escritas que se le exigen a una película para salir por la puerta grande de Sitges y convertirse en una obra de culto. Esperamos verla en las carteleras de todo el mundo.

@Xavicinoscar Cinoscar & Rarities
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11 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cha-i-na-ta-un
Cha-i-na-ta-un (2015)
  • 6,7
    446
  • Corea del Sur Han Jun-hee
  • Park Bo-Gum, Kim Go-Eun, Kim Hye-soo, Kyung-pyo Go, ...
7
El nuevo 'film-impacto' del cine coreano
Coin Locker Girl ha sido la aportación de ojos rasgados más notable del Festival de Sitges. Estamos ante un thriller duro y seco, como le gusta al cine coreano. Tras ser abandonada siendo bebé en la taquilla de una estación y pasar todo tipo de vicisitudes, Il Young se convierte en una de las cabezas de un clan mafioso. Los personajes no se guardan ni un poco de afecto ni parecen sentir empatía por nada ni por nadie, un detalle que le permite al film desarrollar una última hora repleta de giros, venganzas, traiciones y cuchillazos. Prima, vaya, la ley del ‘ojo por ojo‘, sin remordimientos ni escrúpulos. La película tiene un ritmo endiablado: va del relato social al thriller desaforado, y desde la butaca es imposible adivinar los nuevos golpes de efecto del guión. Recibió buenas críticas en la Semana de la Crítica de Cannes y Tarantino ya tarda en dedicarle uno de sus famosos elogios. Una pedrada en la boca del estómago. Cine que duele, en el mejor sentido del término.

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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El rascacielos
El rascacielos (2015)
  • 5,0
    4.691
  • Irlanda Ben Wheatley
  • Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, ...
5
La ciudad vertical
En Snowpiercer, la humanidad se encontraba amotinada en un tren. En High-Rise sucede lo mismo, pero en un gran rrascacielos. En ambos casos, los vagones-pisos marcan las distintas clases sociales, y los personajes se encuentran, desencuentran y pelean en esas majestuosas construcciones, que funcionan como metáforas del mundo exterior. El cineasta Ben Wheatley concentra en esa mole de modernidades y rincones retro la histeria colectiva, la insatisfacción y la locura de sus personajes. La pena de este edificio que mira al cielo cinematográfico sin apenas tocarlo es que su director acaba centrándose demasiado en esa vorágine suicida, de caos y destrucción, que ataca a los distintos vecinos. Pasada la primera hora, High-Rise prefiere ser una colección de fotogramas tarados, de una brillantez formal fuera de toda duda, pero sin historia alguna, carente de emoción y sentido. Al visionar High-Rise siento y presiento lo que me quiere contar Wheatley, pero no me conmueve. El film, a la postre, no dista demasiado de un videoclip con tics pseudomodernos, frío y apoteósico. High-Rise, más que ningún otra producción, dependerá muchísimo de la sensibilidad del espectador. A este respetable le llegó muy hondo el viaje de Snowpiercer, pero con High-Rise veo la furia y la destrucción desde la lejanía. Eso sí: la versión que realiza Portishead del tema de ABBA S.O.S. es de una belleza casi fúnebre. Un futuro título de culto.

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43 de 53 usuarios han encontrado esta crítica útil
Zoom
Zoom (2015)
  • 6,1
    210
  • Brasil Pedro Morelli
  • Animation, Alison Pill, Gael García Bernal, Mariana Ximenes, ...
7
En busca de la perfección
No hay nada que satisfaga más a un cinéfilo que encontrarse con una verdadera joya: Zoom de Pedro Morelli es una de esas maravillas ocultos. Con ecos del cine de Linklater y Kaufman, el director superpone capas y capas de humor, animación, acción real y una reflexión sobre el mundo del espectáculo y las falsas apariencias. Sus líneas narrativas se superponen y cruzan constantemente, de forma que la historia va mutando en todo momento. Uno de esos torrentes de imaginación en los que el espectador nunca puede avanzarse a la trama: todo arrolla y sorprende. Al final, realidad y ficción se confunden hasta mostrar la metáfora que cierra el film: la perfección no existe y el mundo que nos rodea es un gran espectáculo de mentiras. Zoom propone tres personajes surrealistas: una diseñadora de muñecas que sueña con operarse sus pechos, un cineasta que pierde de la noche a la mañana varios centímetros de su miembro viril y una modelo brasileña que quiere reivindicarse ante el mundo como gran novelista. Suena ridículo, pero en pantalla todo se desarrolla de forma brillante. Seres imperfectos, bizarros a la par que reconocibles, que pugnan por alcanzar el reconocimiento y la fama. Resulta excesiva, pero su ironía no deja títere con cabeza: propone temas y presenta texturas muy adultas. Título de culto inmediato.

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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Victoria
Victoria (2015)
  • 6,9
    5.088
  • Alemania Sebastian Schipper
  • Laia Costa, Frederick Lau, Franz Rogowski, Maximilian Mauff, ...
7
¡Jo, qué noche!
2015 es el año de las películas contadas en primera persona y en plano secuencia: ahí están títulos como Birdman, Hablar, The Tribe o El hijo de Saúl. El cine se ha empeñado en convertir el clásico visionado en una experiencia física, como si los formatos de antaño hubieran quedado obsoletos y fuera necesaria una reformulación de todos los recursos cinematográficos. Victoria, vista en el Festival de Berlín y gran ganadora de los premios de la Academia de Cine Alemán, se suma a este movimiento de películas inquietantes, claustrofóbicas y de lenguaje absolutamente novedoso.

Sin cortes, en tiempo presente y con atmósferas inquietantes, Victoria nos lleva de viaje por un Berlín de borrachera, y la resaca se mantiene durante sus casi 140 minutos de cine moderno. De los interiores de una discoteca a la azotea de un edificio, el film recorre los bajos fondos urbanos y humanos. La protagonista (notable Laia Costa) lleva el éxito en su nombre, pero su periplo es más que accidentado. Desde la butaca, el espectador empatiza con la inocente Victoria y desea que salga sana y salva de tanto ajetreo. La inserción de momentos musicales que dejan en silencio-suspenso una historia donde prima el nervio aporta pequeños momentos de distensión dramática a esta montaña rusa de infortunios. También esconde una crítica social a la Alemania del clasismo, la delincuencia, los minijobs y la adicción a las drogas.

Algunos la tacharán de efectista (lo es), pero en esta nueva ola de películas subjetivas priman las emociones por encima de la técnica. Tan intensa como sufrir los efectos de un alucinógeno de diseño. Y a juzgar por la inquietud que hemos sentido durante la proyección, no cabe duda de que la obra de Sebastian Schipper sale ‘victoriosa‘. Muy recomendable.

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33 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rak ti Khon Kaen (Cemetery of Splendour)
Rak ti Khon Kaen (Cemetery of Splendour) (2015)
  • 6,4
    955
  • Tailandia Apichatpong Weerasethakul
  • Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, ...
8
Esplendoroso Weerasethakul
Cemetery of Splendour es el nuevo remanso de paz y de cine firmado por el tailandés Apichatpong Weerasethakul. El film es un viaje entre la tradición y la modernidad, entre el sueño y la vigilia, entre la razón y la magia. En el lugar donde décadas atrás se asentaba un colegio, ahora se despliega un complejo hospitalario improvisado. Los enfermos se pasan gran parte del día durmiendo, mientras que en los alrededores se realizan todo tipo de celebraciones, cada cual más curiosa, relacionadas con la salud y la conexión con el mundo espiritual. Weerasethakul sume al espectador en una atmósfera narcótica mientras los fotogramas van dibujando todo tipo de realidades y de intuiciones. La película carece de un argumento al uso, pero se vive y se siente en primera persona. Por ello, es fundamental que el espectador se deje llevar por el universo y el tempo que propone el director: de lo contrario, el film puede resultar bastante tortuoso. Resulte sublime o insufrible, hay que reconocerle al cineasta asiático una capacidad única por filmar historias mínimas con un pulso maestro, dejando que la verdad de los espacios y de los personajes que los ocupan llenen la pantalla. Cemetery of Splendour es un film de cuerpos y de espíritus, totalmente a las antípodas de cualquier expresión artística del pasado o de nuestro tiempo. Cine especial para públicos especiales.

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6 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
La invitación
La invitación (2015)
  • 6,3
    15.132
  • Estados Unidos Karyn Kusama
  • Logan Marshall-Green, Michiel Huisman, Tammy Blanchard, John Carroll Lynch, ...
6
Invitaciones envenenadas
The Invitation parte de una premisa inquietante: una pareja es invitada en una mansión de Los Ángeles sin motivo aparente. Los personajes hace mucho tiempo que no se ven. No parece que haya nada que celebrar, ni tan siquiera se intuye un amago de reconciliación entre los comensales. Con esta base, la película tiene un primer tramo muy dialogado, un tanto largo, que nos obliga a preguntarnos quiénes son esos personajes y qué hacen en esa casa. Posteriormente, con todas las cartas desveladas, The Invitation se desmelena y ofrece una recta final adrenalínica. Además, el último plano esconde una lectura entre crítica y cínica al Hollywood del star system, las sectas y los desequilibrios mentales. En conjunto, una obra sorprendente que siempre se reserva un as en la manga. Funciona, inquieta y divierte, la fórmula perfecta para gustar a públicos que no sean demasiado afines al fantástico.

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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Near Death Experience
Near Death Experience (2014)
  • 6,0
    93
  • Francia Benoît Delépine, Gustave Kervern
  • Michel Houellebecq, Benoît Delépine, Gustave Kervern, Bertram Marius, ...
6
Suicidarse para seguir viviendo
Near Death Experience es film que lleva el sello inconfundible de Benoît Delépine y Gustave Kervern. En todos los films de los cineastas galos, sus protagonistas emprenden un camino de ruptura, revolución y reivindicación personal. En este caso, el personaje principal viaja hasta la cima de una montaña para suicidarse, pero su periplo durará varios días en plena naturaleza, con humor negrísimo y monólogos interiores muy curiosos. El film va de la muerte a la vida: no por casualidad arranca con los títulos de crédito y termina con un abrupto fundido a negro. Su aspecto desaliñado, la estructura teatral de su guión y la dramática banda sonora con composiciones de Schubert redondean esta historia de quiebro y reconciliación que siempre mantiene al espectador expectante y extrañado. Una experiencia para cinéfilos valientes.

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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Love
Love (2015)
  • 6,1
    4.639
  • Francia Gaspar Noé
  • Karl Glusman, Aomi Muyock, Klara Kristin, Benoît Debie, ...
7
Ni sexo ni amor: desencanto
Love 3D es la película más polémica del 2015. Para bien y para mal. Gaspar Noé, en un ejercicio que parece esconder autorreferencias y guiños privados, nos explica el devenir de Murphy, un joven norteamericano aspirante a cineasta con un pasado y presente sexual muy activo. Hay sexo, mucho sexo, demasiado sexo, pero ese no es el tema sobre el que pivota la película. Murphy se siente perdido al conocer la desaparición de una amante suya, y Noé filma esa bajada a los infiernos con constantes saltos en el tiempo y una factura técnica estilizada y sorprendente. Las tres dimensiones aportan verismo a los momentos más íntimos, pero también cierta irrealidad a los personajes y a los espacios del film (como siempre en Noé, con juegos geométricos, luces de neón, espacios vaporosos y tendencia a los colores oscuros y rojos). Love es rabiosa y al mismo tiempo parsimoniosa, lánguida y vital. Tal vez subraya demasiadas escenas en su segundo tramo, pero en su apuesta por repetir frases, escenarios y desnudos consigue ser una experiencia casi narcótica. Es caprichosa, pero lo mismo puede decirse de su aburguesado personaje. En distintos festivales se la ha tachado de guarra y de preciosa, de vacía y de compleja... Que cada uno decida. A título personal, y aun reconociéndole sus excesos, Love 3D me ha dejado en estado de trance. Ni sexo ni amor: desencanto.

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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Amama
Amama (2015)
  • 6,4
    1.447
  • España Asier Altuna
  • Iraia Elias, Kandido Uranga, Klara Badiola, Ander Lipus, ...
7
Raíces
Amama (Abuela) es una oda a las raíces, con visión crítica y pequeñas gotas de melancolía. Describe las interioridades de sus personajes para trazar la geografía emocional de la realidad vasca. Local y a la vez universal. Una obra estética y lírica que se debate entre el progreso y la tradición, entre la ciudad y el campo, entre el caos de la urbe y la dureza del caserío. Los espectadores vemos la historia desde los ojos de Amaia, la hija rebelde y temperamental que, a pesar de oponerse a los valores tradicionales, siente la necesidad de honrar a sus antepasados dedicándole a su abuela una retrospectiva artística a partir de imágenes, vídeos y montajes caseros. Y a su vez, la película está presidida por la mirada penetrante de la 'amama', una mujer solemne, la voz de la sabiduría que resta en silencio, poseedora de una belleza ancestral. Así es Amama: una cuerda tirante entre el pasado y el futuro, la antigüedad y la modernidad. Y entre los nudos de ese hilo fino a la par que robusto, hay espacio para una historia de mujeres que callan y gritan, de hombres que plantan y talan árboles, de amor a la naturaleza y de amor a los semejantes.

Un film de ideas, pero sobre todo de sensaciones. Una película, en otras palabras, que se siente y que crece en la memoria del espectador. No es una obra que sigue los cánones habituales, tampoco pretende gustar a todos los públicos, pero si se accede al corazón de su historia, Amama se convierte en una experiencia genuina y singular. La confirmación de un cine vasco que revisa sus bases dando rienda suelta a una ficción que, tras Loreak, se abre a todo tipo de posibilidades. Una cinta entre la etnografía y el drama personal que puede generar filias y fobias a partes iguales. A quien escribe, Amama le dejó tocado y pensativo tras su pase en el Festival de San Sebastián. Algunos de sus fotogramas son lienzos sobrecogedores que se graban a fuego en la memoria del espectador. Se le pueden reprochar muchas cosas (su vehemencia, cierta insistencia en su entramado de símbolos y referencias), pero siempre cuenta con verdad y alma. Y cuando un film se muestra sincero y desnudo ante su audiencia, el público responde con la misma generosidad. Una de las mejores películas de la temporada.

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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La novia
La novia (2015)
  • 6,9
    12.468
  • España Paula Ortiz
  • Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, ...
6
El clásico de Lorca, más lírico que nunca
Bodas de sangre de Federico García Lorca ha contado con infinidad de adaptaciones en las tablas teatrales y en la gran pantalla. Respecto a ese sustrato de obras, La novia marca la diferencia con una propuesta que sume a la audiencia en un espectáculo sensorial sin precedentes en el cine español. Paula Ortiz se sirve de versos, canciones, paisajes preciosos y una gran dirección artística y de vestuario para transmitir las dudas e interioridades de la novia, dividida entre el deber y la pasión, entre el delicado novio y el salvaje Leonardo. La novia es una película de sensaciones e intuiciones, con fotogramas entre bellos y terribles, que necesita de la complicidad y de la sensibilidad del espectador para sentir la espera, las nupcias y el duelo final con la intensidad de su protagonista, una hermosa y entregadísima Inma Cuesta. Por ello, como ya sucedío con De tu ventana a la mía, el film sumará tantos detractores como incondicionales: o se entra en su juego sinestésico de vocación lírica o el conjunto puede resultar un capricho estético difícil de digerir. Quien escribe no llegó al éxtasis, pero es de ley destacar que obras como La novia son las que engrandecen nuestra cinematografía y hacen evolucionar el séptimo arte. Paula Ortiz es una de las voces más refrescantes y rompedoras del cine español de nuestros días: Lorca estaría muy orgulloso de su trabajo. Cine de subjetividades y sentimientos a flor de piel.

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78 de 93 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Rey de La Habana
El Rey de La Habana (2015)
  • 5,1
    1.002
  • España Agustí Villaronga
  • Maykol David Tortoló, Yordanka Ariosa, Héctor Medina, Ileana Wilson, ...
7
El rey de la nada
La lectura de la novela de Pedro Juan Gutiérrez es una experiencia difícil de olvidar. El libro es crudo, de frases cortas, desprovisto de eufemismos y cargado de descripciones descarnadas. Una narración entre la comedia surrealista y el drama trágico que evoca imágenes horripilantes. Agustí Villaronga, en la complicada tarea de convertir las páginas en fotogramas, ha reproducido con precisión y sin concesiones en El rey de La Habana todo ese universo de espacios mugrosos y personajes que se mueven por instintos (comer, dormir, 'follar'... y poco más). Un salto sin red y un logro que sólo está al alcance de los grandes directores.

El cineasta catalán ha sabido mantenerse fiel a las constantes de su cine y al mismo tiempo ha llevado a la gran pantalla la esencia del relato de Gutiérrez, la historia de un Lazarillo cubano que sobrevive por inercia y de forma atropellada. De todos los pasajes de la novela, el film incide en la relación del joven protagonista con dos prostitutas muy particulares: una vendedora ambulante con mucho desparpajo y un transexual de maneras recatadas. Villaronga dibuja un antihéroe que es víctima y verdugo, que sucumbe a las taras de su naturaleza y a las bajezas de su entorno. Todo resulta gris, descorazonador, sucio y asfixiante. Una película entre festiva y desagradable, no apta para todos los estómagos, que en San Sebastián puso contra las cuerdas a crítica y público.

El rey de La Habana puede resultar un tanto desaforada, pero como lector y como espectador creo lícito pensar que la realidad isleña es y fue mucho peor. Y para los que crean que el film tan sólo suma incomodidades inconexas, el bello y desolador plano final en el vertedero no deja espacio para la duda: Villaronga ha vuelto a desplegar su poesía de la desolación en otra gran película. Aunque duela, aunque nos destroce.

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15 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Back to the North
Back to the North (2015)
  • 4,2
    49
  • China Liu Hao
  • Nan Sheng, Su Yijuan
4
Familias perdidas
Back to the North se inspira en la China contemporánea, un país marcado por la polémica ley del hijo único, para construir un drama bastante ridículo sobre una joven que, avanzándose a su muerte, intenta reconciliar a sus padres. Por desgracia, Liu Hao pierde muy pronto de vista cualquier atisbo de crítica social y se entretiene en un drama familiar alargado y aburridísimo. Una obra parsimoniosa y sensiblera, con una extraordinaria fotografía en blanco y negro y una extraña capacidad por sumir al espectador en un estado de duermevela. Se intuyen las buenas intenciones de su director, tan ingenuas y honrosas como las de su apocada protagonista, pero Back to the North sólo resulta cargante y repetitiva. Una de las apuestas más insípidas de la sección competitiva del Festival de San Sebastián 2015. Sin duda, la premisa de las 'familias perdidas' del gigante asiático daba para mucho más.

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Un dia perfecte per volar
Un dia perfecte per volar (2015)
  • 5,3
    275
  • España Marc Recha
  • Roc Recha, Sergi López, Marc Recha
7
Hacer volar la imaginación
El cine de Marc Recha siempre ha tenido en la familia uno de sus temas recurrentes: ahí está la historia de reencuentro y luto de 'Pau i el seu germà', la camaradería de las criaturas que poblaban el universo fronterizo de 'Les mans buides' o el viaje fraternal que emprenden los personajes de 'Dies d'agost'. En 'Un dia perfecte per volar', Recha llega a la cumbre de su cine sensible y minimalista con la historia de un padre que entretiene a su hijo con la historia de un gigante imaginario. Dos únicos personajes y el paisaje empordanés llenan los 70 minutos de esta preciosa alegoría sobre la infancia, la paternidad y la imaginación. Una película en la que se cuentan historias: el niño escucha fascinado las fabulaciones del mayor, y los espectadores, igual de embobados, evocamos en nuestra cabeza las estampas del cuento. Con la familia, de nuevo, como protagonista silencioso de la trama. Una obra cargada de amor y sensibilidad, de regusto amargo y espíritu vitalista. Puede parecer una película menor, pero pocos films son tan sinceros y sencillos (que no simples) como la crónica de este día de excursiones y cometas. Una belleza.

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London Road
London Road (2015)
  • 4,4
    234
  • Reino Unido Rufus Norris
  • Olivia Colman, Anita Dobson, Tom Hardy, Kate Fleetwood, ...
5
Cantos inofensivos
Hace una década, el pequeño pueblo británico de Ipswich se paralizó tras el asesinato de cinco mujeres. Los vecinos de la calle London Road fueron sometidos a diferentes interrogatorios por parte de la policía y su lucha consiguió que su vecindario dejara de ser un epicentro de prostitución y delincuencia durante las noches. Partiendo de las grabaciones de toda la investigación policial, el caso fue reconvertido en un musical de éxito, y ahora nos llega su adaptación a la gran pantalla de la mano de Rufus Norris, un cineasta que sorprendió internacionalmente con su ópera prima Broken. El film ya se ha estrenado con éxito en el Reino Unido y fue el encargado de clausurar la edición número 63 del Festival de San Sebastián.

Con estos datos, podría parecer que London Road es una comedia musical diferente. Pues bien: la afirmación es verdad, aunque sólo en parte. Acostumbrados a la nueva ola de thrillers nórdicos, Norris rompe con esa constante con una premisa que toma la nota criminal no como base de su ficción, sino como excusa para contar otra historia: la unión de unos vecinos y su esfuerzo por revertir su mala suerte celebrando diferentes fiestas populares. Con todo, las canciones del film se alargan hasta la saciedad, los personajes no cuentan con una descripción mínimamente compleja y el guión de Alecky Blythe a duras penas sabe facturar un par de momentos graciosos.

En resumen, queda la sensación de una película inofensiva que, a pesar de haber podido dar más de sí, a muchos nos entretuvo bastante en Donostia: influyó el hecho de ser el último título proyectado en el Kursaal tras tantos días de visionados. Fuera del festival, y sin el gancho que el film puede tener en tierras británicas, mucho nos tememos que London Road caerá en el olvido.

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El hijo de Saúl
El hijo de Saúl (2015)
  • 6,6
    10.261
  • Hungría László Nemes
  • Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, ...
8
Ver el horror, vivir el horror
Seamos sinceros: hemos conocido los horrores de la Segunda Guerra Mundial por el cine. No por casualidad, se trata del episodio histórico que más veces se ha llevado a la gran pantalla. Con cada nuevo visionado, activamos nuestra memoria cinéfila y esperamos ver una variación más de esa historia que ya hemos oído, que ya nos emocionó y que Hollywood nos vuelve a contar siempre que puede. En nuestro imaginario figuran espacios tan terroríficos como los campos de concentración, pero hay ocasiones en los que una película consigue sacudir nuestros cimientos, sacarnos de nuestra zona de confort y abofetearnos con una propuesta totalmente nueva. El hijo de Saúl, por su lenguaje, su concepción visual y su capacidad de generar tensión, es una de esas maravillas. Conocemos el texto y el contexto, pero en el film de László Nemes pasamos por los túneles del terror sin ningún tipo de asideros. Una experiencia inédita que ningún cinéfilo debería perderse.

El húngaro Lazlo Nemes rueda el Holocausto como si se tratara de un viaje claustrofóbico entre la vida y la muerte. No se trata de ver el horror, sino de sentirlo en nuestras carnes. El hijo de Saúl sacude el alma y consigue que el espectador salga de la proyección sin aliento. Un film extremo que por momentos evoca la cámara nerviosa de los Dardene, mientras que en otros parece reproducir la coreografía del miedo de Masacre: ven y mira. Es una obra que no se ve: se sobrevive, en el mejor sentido de la palabra. Además, el film concluye con un final inesperado, una de esas resoluciones que dan un nuevo sentido a todo el metraje y que abre una obra tan física a lecturas muy profundas. Porque El hijo de Saúl, más allá de su narrativa en primera persona y su rotunda concepción fotográfica, es una historia de lucha y de esperanza. De cómo, incluso estando en mitad del mismísimo infierno, el instinto humano no da su brazo a torcer e intenta encontrar sosiego y dar sentido a la vida. Una de las películas del año. Sin exagerar.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
http://cachecine.blogspot.com
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eva no duerme
Eva no duerme (2015)
  • 4,6
    362
  • Argentina Pablo Agüero
  • Gael García Bernal, Denis Lavant, Imanol Arias, Daniel Fanego, ...
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Eva Perón: cadáver y mito
Eva no duerme es la construcción y la destrucción de un mito. Pablo Agüero pasea el cadáver de Eva Perón por espacios cerrados, grisáceos y vaporosos, con criaturas variopintas que esconden parte de la esencia argentina que convirtió a Evita en la figura más duradera y controvertida de su historia reciente. El film ni apuesta por la ficción, aun partiendo de personajes totalmente inventados, ni se arriesga con el documental, a pesar de recurrir en más de una ocasión a materiales de archivo en blanco y negro. Eva no duerme es otro tipo de propuesta. Una cinta de fantasmas. Un sueño. Tal vez una pesadilla. La recreación imposible de lo que pudo haber sucedido. La suposición convertida en verdad. O lo que es lo mismo: un film que se sirve de un mito para ser en sí mismo otro mito. Una carambola perfecta si no fuera porque Agüero confía en exceso en los planos fijos, los narradores en off y los espacios claustrofóbicos. Eva no duerme tiene misterio, pero también cierta impostura. Tampoco le beneficia su visión entre objetiva y crítica de Eva Perón, esa protagonista silente que está presente en todas las escenas a pesar de no aparecer en pantalla. Cosas de los mitos. Una película sobre muertos muy vivos y vivos muy muertos. A contracorriente y personalísima.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil