Una historia sencilla pero con mucho corazón en vísperas de Navidad, con una narración sensible que apela a los años 70 no solo de manera literal en su ambientación, sino en el apartado técnico, desde el logo con el que nos da la bienvenida la película hasta el formato de comedia dramática con personajes aparentemente sencillos que guardan elementos emocionales muy intensos, que dicho sea de paso logra producirme nostalgia, agregando a esto la reunión de Payne y Giamatti, la película se vuelve una delicia para los amantes de aquellas comedias setenteras.

La música de Mark Orton se vuelve aliada y en esencia inherente para contar una historia centrada en Paul Hunham, un Paul Giamatti de grandes dotes humanos pero cascarrabias que no duda en expresarlo con sus alumnos, llamándoles abiertamente "degenerados", y en Angus Tully, un chico inteligente pero que los problemas en casa le han dado ciertos elementos de rebeldía y por último está Mary quien desde que su hijo murió sirviendo en la guerra carga con ese peso de desolación.

Si estos nos son elementos suficientes, la película retrata la forma en que estás personas conviven con sus inseguridades, su aflicción, muy a menudo el papel de Angus se vuelve punto de reflexión de la angustia adolescente y el conflicto de la falta de interés por parte de la madre.

Payne se encarga de no rodear esta película con conflictos mayores y de no volverla abrumadora para el espectador manteniendo el límite de un drama ligero que cuando la cosa se puede poner rugosa da una ruptura narrativa con una comedia bien llevada, y es que con una contrucción de personajes tan emocional pudo ser una película más dramática (en especial con la historia de Mary) pero el cine de Payne si por algo se caracteriza es por juguetear entre la comedia y el drama de una forma sutil y aún así consiguiendo la perfecta armonía de nostalgia.

Tal vez podemos encontrarnos a nosotros mismos a partir de la persona que menos lo esperábamos, un mensaje que parece esclarecer bajo el nevado horizonte, porque el personaje de Giamatti es igual de importante como figura paterna para el de Angus como viceversa, pues para Hunham la amistad de su joven estudiante es importante en su búsqueda implícita.

No me atrevería a decir que es una película como las que ya no se hacen (porque creo que aún hay mucho que ver) pero solo diré: Gracias Alexander.

Alejandro G. Iñárritu nos presenta una comedia negra de nombre: Birdman, el Sr. Iñárritu recrea una serie de situaciones con el plano secuencia como aliado que giran en torno a Riggan, un Michael Keaton en estado de gracia, sin duda alguna la mejor interpretación de Keaton en un largo periodo de sequía y de interpretaciones realmente intrascendentes.

Riggan es un actor maduro que pasó su gran momento en los años 90, encasillado en un superhéroe hollywoodense: Birdman, que lo persigue como la exteriorización de su álter ego, en la tarea de actuar y dirigir su obra en broadway.

El hombre teatral cobra sentido en su máximo esplendor en Birdman, el hombre surge sólo que progresivamente se convierte en un fenómeno de simulación de su naturaleza misma, A.G. Iñárritu da una crítica mordaz y corrosiva al mundo de la fama, con un elenco magnífico en todos sentidos, destacar a Galifianakis, Watts y un punzante Edward Norton.
El ritmo frenético complementado por la batería siempre audaz de Antonio Sánchez, una fotografía impecable como nos tiene acostumbrados el también mexicano Emmanuel Lubezki, la cámara recorre los pasillos del teatro como si de un visitante más se tratara, larguísimos planos secuencia que dotan de dinamismo la obra de Iñárritu.

Una película completa, con una perfecta construcción de personajes, en donde Keaton y Norton deslumbran, cuando estos se juntan el filme alcanza su mayor encumbramiento, satírica manifestación al mundo de Hollywood con claras referencias, dejando de lado la auto parodia de Keaton, la película cuenta con alusiones directas al cine de superhéroes y otros actores de la industria.

Aquí pasa algo similar a lo que Spike Jonze nos presentaba en 1999 con su “Being John Malkovich” en donde Malkovich se reía y satirizaba su persona, Iñárritu y compañía se ríen y juegan traviesa y sarcásticamente con la industria hollywoodense y el mundo de la fama.

Alejandro González Iñárritu ha realizado no sólo la obra visualmente más lograda de su filmografía sino uno de sus mejores trabajos a la fecha.

Big eyes es el largometraje número 17 del director nacido en California, Tim Burton, y algo es cierto no estamos ante la mejor película del director norteamericano, pero mucho menos con la peor, Tim es un director que ha sabido hacerse de un estilo propio y peculiar como él mismo, también es cierto que con Big Eyes no tenemos un biopic con la fuerza argumental de aquella extraordinaria película de 1994, Ed Wood, pero Burton ha sabido hacer un filme interesante y ha logrado cautivar, algo que no había logrado con sus últimos tres largometrajes. Big eyes queda todavía lejos del Tim de "Big Fish" o "Edward Scissorhands" pero el propósito de esta crítica no va dirigida a contraponer el viejo Burton con el nuevo, sino desentrañar las virtudes de esta nueva cinta.

Es la primera vez desde "Charlie and the Chocolate Factory" que Burton no hace uso de la actuación de Johnny Depp, las actuaciones principales están a cargo de Amy Adams y Christoph Waltz, haciendo un trabajo impecable y exaltando lo que a mi parecer hace que este filme funcione, Waltz y Adams hacen muestra de su talento y encarnan de manera magistral a Margaret y Walter Keane, Margaret se ve envuelta en el conflicto de obtener el reconocimiento como creadora de su trabajo después de que su marido, se apropiara de éstas como como autor.

La interpretación de Amy, es el mayor acierto del filme, la sensaciones de Margaret se sienten muy cerca del espectador, su actitud nerviosa, temerosa y agobiante resalta con mucha fuerza, si hablamos de la actuación de la señora Adams podemos reconocer a una actriz con admirables capacidades histriónicas que dota de empatía y da fuerza al personaje.

Otro punto a resaltar es la música de Danny Elfman aliado incondicional de Tim Burton quien se apunta como armonizador y mantiene el equilibrio justo en la asociación entre música e imagen.

A este lista de puntos positivos se añade la fotografía impecable de Bruno Delbonnel (hombre de confianza del director francés Jean-Pierre Jeunet), quien dota de una elegancia sutil que se encuentra latente en todo el metraje, resumiendo esta nueva película de Burton merece una oportunidad por todos, incluyendo a los que han perdido la fe en esta nueva etapa de Tim, sus dos grandes aliados tanto en la fotografía como en la música, un guión interesante y por supuesto Amy Adams.

Big Eyes no es la obra cumbre de Tim Burton pero sí es su película más interesante de los últimos años.

"Sólo hace falta un mal día para sumir al hombre más cuerdo del mundo en la locura"

No estoy exagerando si digo que estamos ante uno de los fenómenos más importantes en cuanto discurso de paradigmas como se definen regularmente los personajes inspirados en comics, esta constante lucha entre el bien y el mal, la moral y la ambigua pregunta del sentido de hacer lo correcto que tanto se da en las páginas de dichos comics se deja en un plano subjetivo para dar paso a una psicología indirecta que bien nos da esta misma pregunta pero lo hace a partir de la disección de un hombre que nos permite visualizar la deconstrucción formal del descenso de un perturbado mental, la perspectiva en la construcción del personaje interpretado por Joaquin Phoenix nos deja ver un Joker golpeado por su propia vida y hasta qué punto la frase dicha por el personaje en "The Killing Joke" cobra sentido a través de un entono neurológico/médico.

El pez que ríe

Tal vez hasta este punto la perspectiva clínica basada en un elseworld de un villano de comic no sea precisamente apropiada para esta crítica pero desde mi punto de vista es más que claro que el realismo del filme apunta directo a un Joker más humano, enfermo y mentalmente inestable que al Joker desquiciado de principio a fin de "El pez que ríe" o de la misma "The Dark Knight" hacer esto y precisamente con un personaje tan complejo y críptico como el príncipe payaso del crimen es digno de destacar.

Phoenix

Seguramente todo mundo ha escuchado hablar de la actuación de Phoenix y lo bien que logra potenciar el personaje, no es sorpresa para nadie que Joaquin pueda lograr estos rangos actorales, desde la pasividad hasta la locura que se le exige con un claro sentido de moderación vocal, su risa es tan caótica como profundamente retorcida y aun así rodeado de la naturalidad y la reflexión empática/no-empática(a través de los minutos del desarrollo en esa espiral de locura) puede conseguir que su descenso se sienta fluido y naturalmente siniestro.

Todo lo anterior en una perfecta asociación entre música e imagen gracias una increíble banda sonora compuesta por la islandesa Hildur Guðnadóttir que logra justo esa amalgama que termina por engrandecer más a esta película y perturbar a partir del sonido, un trabajo de audio minimalista y a la vez tan íntegro y sensitivo.

Una magnifica película, con la gran dirección de Todd Phillips y un Joaquin Phoenix en estado de gracia.

Obra maestra.

Para todos los que somos fans de la trilogía del apocalipsis adolescente de Araki y en general de su filmografía, esto es un golpe nostálgico, Araki en estado puro, vamos; réptiles, shoegaze, adolescentes, situaciones absurdas, fin del mundo, más adolescentes hormonales, dudas generacionales, fantasías, ahora... dream pop, una paleta de colores clásica del director norteamericano que deja en evidencia su gran admiración por la cultura pop que van del rojo más intenso al rosa más estridente, hipnótico como siempre y la comedia más extraña e incomoda, ese es Araki, no culpo a los detractores del director, es un realizador que divide opiniones.

No hay que confundir el sello clásico del autor con una repetición narrativa, si a Nowhere se le acusaba de ir hacia ningún lado (en gran parte lo que le da sentido a la historia), Now apocalypse es justo lo contrario, es un viaje tan caótico que implosiona en sus personajes en situaciones tan ridículamente divertidas como excesivas que no distinguen entre el amor y la perversión, el deseo y el desorden de situación, "A veces me siento tan anticuado, de otro planeta" decía el personaje de James Duval en Nowhere, está frase sigue tan actual como en aquel día, Now apocalypse va de adolescentes en busca de ¿Encontrarse? ...de adolescentes confundidos con sus propias paranoias y situaciones de lo más extrañas, paradójicamente esto es normal a esa edad, todas las situaciones se convierten en súper acentuadas.

El vanguardista MTV como fue definido en los 90s está desatado en Now Apocalypse, y se agradece que se haya atrevido a sacar todo esa esencia en esta serie, Avan Jogia está mas que adecuado en cada dialogo, en cada gesto, es el joven prototípico del Gregg Araki noventero, y no se extrañen si lo ven trabajar más con él, porque el director al parecer ya encontró a su James Duval.

Durante la crítica pensé en escribir que se tomaran precauciones con esta serie y el tono de la misma, pero mejor no, véanla todos, si no les gusta pongan algo que les haga olvidarla, y si les gusta ¡Bienvenidos al planeta Araki! vamos a celebrar con sangría con limón y música de Slowdive.