¿Alguien conoce la peli The hit, la venganza? Yo no tenía ni idea de cuál era. Me compré un pack de 3 pelis, porque una de ellas era Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto, que me encanta. Otra era The code, y la tercera en discordia era ésta, The hit, la venganza. Pensé que sería de finales de los 90 o de los 00 por las fechas de las otras 2, pero no, es bastante más antigua, del 84.


La vi con total desconocimiento, tanto del argumento como de los intérpretes. Y me quedé perplejo ante el desfile de rostros conocidos tanto de tierras inglesas como de las de la piel de toro: John Hurt, Terence Stamp, Tim Roth, Fernando Rey, Bill Hunter, Quique SanFrancisco, Laura del Sol, el Pirri, Jim Broadbent (a éste no le reconocí, pero figura en filmaffinity). Como muestra de esta perfecta simbiosis british-cañí que ya quisieran tener en Gibraltar, sólo hay que ver la banda sonora: Eric Clapton y Paco de Lucía, ¡ahí es nada!


La película no es nada del otro mundo, adolece de un guión un tanto chapucero, con partes francamente mal ejecutadas. Pero a mí me ha gustado bastante, quizá por estar trufado con curiosidades:


- Casi todo el metraje se desarrolla en España, hay algunas localizaciones espectaculares (una cascada si no recuerdo mal del Monasterio de Piedra) y es interesante ver el skyline madrileño de aquellos años, igual pero a la vez muy diferente al actual.


- Ver al Pirri en uno de los pocos papeles cuya corta existencia dio de sí, y en un rol tan semejante al de Navajeros, El pico y, desgraciadamente, al de su propia vida real. Tiene como compañero de trapicheos al apuesto Quique San Francisco, qué grande.


- Tim Roth en uno de sus primeros papeles en el cine. Principiante en el cine, y además, bandido principiante en la película.


- Fernando Rey en un papel poco lucido y meramente testimonial. Pero poder verle ya es un regalo.


- Redescubrir a Laura del Sol. Yo la conocía de alguna película de Saura y poco más. Se escapa de ser un caso evidente de talento limitado suplido con un gran físico, porque el papel no requiere demasiado y porque la he visto en otras películas y sé que talento tiene. Pensé que llevaría años apartada de la interpretación, pero gugleando he visto que está afincada en Francia donde sigue haciendo sus pinitos interpretativos, algo así como Victoria Abril pero más de tapadillo.


- Ver a John Hurt parapetado con txapela haciéndose pasar por vasco.


- Aunque la recreación de ciertas escenas es mala, la creación de los personajes está bastante conseguida, todos tienen sus dudas existenciales, a destacar el personaje de Terence Stamp,


- Aunque el director es uno de los grandes, Stephen Frears, artífice de Las amistades peligrosas, Los timadores, Alta fidelidad y tantas otras, no puede impedir caer en algunos tópicos de ésta mi querida España, esta España tuya, esta España nuestra. El uso tan racial y repetitivo de la música de Paco de Lucía es uno de ellos. El final acontecido en una tienda de guitarras españolas y trajes de faralaes es otro. Y alguno más.


En resumen, si no se es demasiado exigente, se puede disfrutar bastante con esta película. Hay una película posterior: Sexy beast, de temática similar, pero a mi juicio muy superior, de hecho me parece redonda. Y ésta lo único redondo que tiene son las curvas de Laura del Sol.


Me he extendido mucho, pero hay algunas películas que no sé por qué me siento obligado a escribir sobre ellas, será algún tipo de posesión...


Saludos!

Disfruté muchísimo durante toda la proyección, pero a pesar de ello, la impresión final fue que “Dolor y gloria” no puede situarse en el Olimpo del universo Almodóvar, junto con “Volver”, “Todo sobre mi madre” y alguna otra privilegiada.

La película es una radiografía del propio director, por mucho que él se empeñe en negarlo. Dicha negación ya la utilizó en “La mala educación”, y si bien en aquella podía creerse que los tintes de suspense estaban alejados de la realidad, en este caso es evidente que la fuente original es la vida y milagros del propio director. Banderas viste y calza a imagen del propio director (pelo asalvajado incluido), hasta se adueña de parte de sus dejes y maneras; al set de su casa se llevaron muebles y cuadros del propio director, incluso se ven fotos reales de sus padres. Las dolencias del director, así como algunas anécdotas que suceden en la película, ya las ha contado en varias entrevistas previas: cómo su madre y él escribían cartas a los catetos del pueblo, cartas que adornaban y mejoraban con inventadas cosechas propias (recursos muy utilizados cinematográficamente, sin ir más lejos en la reciente “Green Book”); o cómo la madre de Pedro le insistía en vida con cómo quería que la amortajaran cuando llegase su hora final.

Es tal la sensación de biografía que transmite, que me hace pensar en quién puede estar basado el personaje de Asier Etxeandía. Mi intuición me hace pensar en Eusebio Poncela. Menos aventurero parece asociar a Nora Novas el papel de Lola García (más que nada, porque lo ha reconocido el propio Almodóvar). Pero son sólo conjeturas a modo de juego.

El tema de las drogas me parece demasiado remarcado. Puede valer su inclusión como subrayado de ese dolor incontenible que las drogas legales (bien machacaditas y mezcladas con yogur líquido) no pueden aplacar, pero creo que se incide demasiado en este tema y no aporta nada especialmente relevante a la trama. Además, para lo adelantado a su tiempo que suele ser Almodóvar, me parece que el tema racial peca de estereotipado con su asistenta del hogar latinoamericana, y los vendedores de droga de raza negra, el barrio al que acude el director para conseguir estupefacientes parece más propio del Bronx, con un episodio ultraviolento que ocurre casualmente durante su visita. Como visita al “top manta” de las drogas me parece mucho más conseguida aquella que realiza Candela Peña en “Todo sobre mi madre”, o la de “Átame” con una rabiosa Rossy de Palma como camella odiosa y adorable a partes iguales (por cierto, en la estantería que hay detrás de la mesa de despacho del director en la que Asier Etxeandía lee el relato de “La adicción”, hay una taza que juraría que lleva inscrito los rasgos faciales de la actriz picassiana).

El carácter reivindicativo de Almodóvar no podía quedar fuera de la película, como ilustra un “YO SÍ TE CREO” tatuado en uno de los muros, en clara alusión a la víctima de la manada, o la no velada acusación de egoísmo hacia los seminaristas católicos, capaces de analfabetizar a un crío con tal de obtener banales beneficios propios (de cosas peores ya fueron acusados en “La mala educación”).

En alguien con la presunta fama de egocéntrico y arrogante de Almodóvar, cabría esperarse un autorretrato más favorecedor y descompensado hacia las luces. En cambio, “Dolor y gloria” se inclina por mostrarnos a un ser humano débil y equivocado, herido en lo físico y en lo moral, y con glorias a las que reserva poca importancia, o en todo caso, recluidas en tiempos pasados. Hubiera sido un detalle curioso, a la par que valiente, haber introducido un pequeño apunte (bien de carácter autocrítico, bien justificativo) referente a los papeles de Panamá, que tanto revuelo causó coincidiendo con su anterior estreno.

La Filmoteca Española juega un papel importante en la película. Es evidente que están viviendo un romance mutuo en los últimos tiempos: hace poco se proyectó una retrospectiva con los 20 títulos dirigidos por el manchego; entre otras actividades, recientemente también se realizó la presentación de un libro que ilustraba la relación de Madrid con la filmografía Almodóvar. En la Filmoteca se proyecta una copia restaurada de “Sabor”, y como no podía ser de otra forma, es en la Filmoteca donde se realizó uno de los (al menos, 3) preestrenos de “Dolor y gloria”.

Las actuaciones, sobresalientes. Banderas se reinventa. Penélope recicla a la ya inmortal Raimunda, desnudándola de glamour pero quedándose con todo lo demás, exudando fotogenia incluso entre una ristra de chorizos. Julieta nos enamora con esa viejecita con los remos averiados pero la cabeza lucidísima. Todos de correctos para arriba. Pero son actores de los que no te esperas menos porque ya han demostrado todo lo demostrable en el pasado. En cambio, el que de veras me ha sorprendido, ha sido Leonardo Sbaraglia, actor al que había visto en pocas películas, y que pensaba tenía un registro más limitado, y que aquí se muestra como el súmmum de dulzura y humanidad. En la otra cara de la moneda, a Asier Etxeandía no llego a verle despegar, y aunque he leído en reiteradas opiniones que su monólogo es de lo mejor de la película, lo cierto es que me desvirtúa un poco la excelencia actoral del film, además de verle demasiado joven para el papel.

Los actores noveles resultan sorprendentes. El niño emana una frescura que ya quisieran los críos de “La mala educación” (además de hacer mucho mejor el playback en los cánticos del coro), y el albañil cateto se desenvuelve con gracejo y tiene un atractivo inconsciente que provoca admiración y desmayos en toda la platea.
(continúa en spoiler)

Sensaciones agridulces. Soy un fanático de los musicales teatrales amén de sus versiones cinematográficas, así que tenía muchas ganas de verla. Pero no me ha terminado de convencer.

Puntos negativos:
- Los números musicales me han parecido de bajo nivel, muy del estilo de El otro lado de la cama.
- Las interpretaciones de las 2 monjas: la adulta me parece demasiado manida, muy vista ya. Y la joven lela no me la he creído ni me ha arrancado ninguna sonrisa, la veo muy artificial.
- Pero el fallo más acuciante de la película, está expuesto abajo en el spoiler.



Puntos positivos:

- Es una película muy fresca y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.
- Las interpretaciones (salvo la de las 2 monjas) son muy naturales y espontáneas (especialmente la de Anna Castillo).
- La mirada de Macarena te enamora quieras o no. ¡¡¡Pero qué tipa más guapa!!! El bodrio más insufrible merecería ser visto sólo por verla a ella.
- La música me ha gustado, tanto las versiones, como las canciones originales.



En resumen, el balance es positivo, pero me deja una sensación rara. Me ha recordado a las impresiones que sentí con Yo soy la Juani, donde la belleza y el desparpajo de una Verónica Echegui guapa a rabiar, junto con una BSO espléndida, me hicieron valorar la película por encima de sus virtudes objetivas.

Me ha dejado un poco frío, como generalmente casi todas las películas de Chabrol (aunque quizá ésa sea su finalidad).

Pero tiene cosas buenas, sobre todo el cuarteto de actrices Bonnaire-Huppert-Ledoyen-Bisset (la belleza de la Bisset no se desgasta con el tiempo). También me han gustado mucho algunas pinceladas de surrealismo cercanas al cine de Buñuel: la importancia de la televisión, con esa burguesa y su hijo viendo una película medio porno, la familia acicalada viendo la tele como si estuvieran en la ópera, o la televisión en el cuarto de la criada para entretenerla y que no moleste a la señora. Muy divertida también la secuencia del test de revista: ¿a ver quién es más guarra?

Me ha recordado muy mucho a Funny games (la original) no sólo por la violencia gratuita que atormenta a una familia acomodada, sino por la ambigüedad sexual de las protagonistas, y los guiños que hace descaradamente el director a los espectadores (el momento de la hija hablando por teléfono, con una fotografía cuya iluminación va variando rápidamente, un fundido innecesario...), con la diferencia de que Funny games me parece una obra maestra, y La ceremonia se queda en pasable (por cierto, ¿alguien sabe por qué se titula La ceremonia?).

Soy ferviente admirador de Almodóvar. Lo reconozco sin tapujos. Me deleitan sus obras más aplaudidas, y me convierto en un espectador selectivo en sus "títulos truño" valorando sus virtudes y guardando bajo la alfombra sus defectos más evidentes. Desde que tengo uso de razón y dinerillo propio en el bolsillo, el mismo día de cada uno de sus estrenos he ido a la sala de cine a verlas, ni un sólo día después, por miedo a que una hecatombe mundial me privara de ello, y por unas ganas desmedidas. Al no ser Almodóvar del gusto de la mayoría de mis amistades, alguna que otra vez he tenido que ir solete a verla, pero me daba igual, no necesitaba a nadie para disfrutar de sus geniales obras.

Pero "Los amantes pajilleros" juegan en una liga totalmente distinta a todo el registro almodovariano anterior. Almodóvar ha intentado revivir el celebrado éxito de Pepy Lucy Bom y de Mujeres al borde de un ataque de nervios sin conseguirlo. Ésa es mi opinión, y la del resto de espectadores que vieron la película en mi sesión, que no se rieron prácticamente en ninguna ocasión.

Los amantes pasajeros vs Pepy Lucy Bom:
lo más recordado de PLB es la escena en la que una de las protagonistas orina encima de otra. En aquellos tiempos esta escena fue toda una revolución contracultural, en aquellos tiempos la mentalidad era otra. En Los amantes pasajeros se habla mucho de penes, incluso uno de los supuestos gags es confundir "llamada" con "mamada", broma que no habría conseguido hacer reír ni en la saga de American Pie. Otra escena que busca únicamente escandalizar es cuando uno de los azafatos le lame el dedo a otro de los azafatos, que resulta estar untado de semen del piloto. Un poco un híbrido entre Algo pasa con Mary y Pink Flamingos, sin la gracia de la primera, ni la inocencia en los espectadores de la segunda.

Los amantes pasajeros vs Mujeres al borde de un ataque de nervios
La huella de la película que abrió el cine de Almodóvar al mercado internacional está presente en todo el metraje de LAP. Esos teléfonos cayendo del cielo, esas mujeres desquiciadas... La escena del teléfono, y en general toda la historia de Guillermo Toledo y Blanca Suárez, no tiene carisma por ninguna parte y está metida en la historia general como un pegote. El gazpacho contaminado en Mujeres... era un gag brillante que producía unas secuelas hilarantes. En cambio las bebidas cargaditas de mescalinas está muy desaprovechado.

En conclusión, yo creo que Almodóvar ha querido retomar algunas de sus ocurrencias más aplaudidas en anteriores películas, pero no ha sabido tomarle el pulso adecuado, y ha filmado su particular Vicky Cristina Barcelona, con una visión totalmente senil y desfasada.

Otras referencias que me ha parecido ver de anteriores filmes:

- El altar portátil que lleva Carlos Areces, me ha recordado a los souvenirs del taxi de Guillermo Montesinos.
- El registro de Lola Dueñas es exactamente el mismo que ya utilizó en Volver, sólo que ahora es médium sin mucha gracia. Lo mismo se puede decir de la pequeña intervención de Penélope Cruz y su acentillo. Antonio Banderas es para echarle de comer aparte, qué mal lo hace en sus 2 minutos de película. ¿Dónde estarán la frescura de Átame o de La ley del deseo?
- El personaje de Carmen Machi quiere parecerse a Chus Lampreave y su recurrente portera cotilla, sin ser tan entrañable ni cómica como ésta.

El guión es una auténtica memez. Además de muy previsible.

¿Risas? Pocas. Yo creo que me reí más con las partes cómicas de Los abrazos rotos que homenajeaban a Mujeres al borde... que en todo el metraje de Los amantes pasajeros.

Las actuaciones, sin llegar a estar mal, tampoco son nada del otro mundo.

A Dios le pido que la brújula creativa de Almodóvar retome el norte. Su hermano (y sobre todo productor) no pudo pararle los pies antes de llevar a cabo este inmundo proyecto? Me temo que estos genios viven endiosados en su propio ego y no aceptan críticas de nadie, es que si no no me lo explico. Ya desde el origen del proyecto se debía ver a la legua que el guión era "de risa".

Puntos positivos:

- La (nada velada) referencia a Bárbara Rey y su affair con su propio apellido demuestra cierta valentía.
- La idea de los pasajeros de la clase "turística" adormecidos, es buena metáfora de la situación de determinadas clases sociales en España.
- Los títulos de crédito de MAriscal, adornados con esa versión tan tropical de Para Elisa infundan por sí mismos de una gran alegría.

Mi puntuación: 2 (no se la recomiendo absolutamente a nadie, Kika al lado de ésta es una obra maestra. Compruebo pasmado que ha tenido un inicio de taquilla espléndido y no me lo explico, si ya el tráiler prometía caspa a granel).