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Críticas de vinchenzo
Críticas ordenadas por:
La vitalidad de los afectos
La vitalidad de los afectos (2009)
  • 6,7
    284
  • Bélgica Felix Van Groeningen
  • Kenneth Vanbaeden, Valentijn Dhaenens, Koen De Graeve, Wouter Hendrickx, ...
7
El inexorable porvenir de la vida humana.
El inexorable porvenir de la vida humana. El dolor, la felicidad, se entremezclan en una misma trama. Nada o pareciese que nada conlleva un transfondo. La vida fluye y el tiempo no se detiene. Todo crea y a la vez destruye. Todo florece y a la vez desaparece.
Creemos conocer la lógica que reina a la vida, pero es solo un espejismo.
Toda realidad es un punto de vista. La objetividad muere y decae en las páginas blancas manchadas por letras de un libro en cuya tapa aparece el título “Historia” pero no “Historias de vida”.
Es a partir de aquí donde germina la semilla de este film cálidamente filmado por Van Groeningen (basada en la novela autobiográfica de Dimitri Verhulst)

Film espeso, de relieves y grietas en su construcción dramática, nos invita a contemplar la vida como un mapa plagado de personajes y momentos.
Su sutil pero a la vez directa narración construida a partir de cambios de temporalidad cronológica nos adentran en dos períodos fundamentales de construcción de identidad del ser humano: la niñez y la adultez.
Nuestro protagonista, Gunther, circula por estos dos ejes temporales. La ciudad de Flandes en los 70´ y la moderna actualidad. Trazos de anécdotas, hechos y souvenirs nos muestran una historia de vida particular y lejana para algunos (la cultura belga) pero universalmente cercana, universalmente humana.
De ahí es donde radica su belleza, en donde el espectador se siente reflejado y conectado emocionalmente con lo que se cuenta. En el encuentro entre el descubrimiento de lo nuevo (el contexto geográfico y cultural) y el disfrute de lo cercano y conocido (la vida misma).

“LA VITALIDAD DE LOS AFECTOS” ES ARTE EN EL SENTIDO MÁS UNIVERSAL PERO A LA VEZ PARTICULAR (AL MEJOR ESTILO “BILLY ELLIOT”/STEPHEN DALDRY/2000) DE MOSTRARNOS A NOSOROS MISMOS, ESPECTADORES, COMO SOMOS, SERES HUMANOS. ES DECIR, UNA HUELLA EN EL INFINITO TRANSITAR DEL TIEMPO.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Poo kor karn rai
Poo kor karn rai (2011)
  • Tailandia Thunska Pansittivorakul
  • Documentary
5
Crísis experimental.
15 minutos iniciales invaden a nuestra mirada curiosa.
No se sabe cuál es su significado, su idea o su motriz conductora. Son simples planos que nos muestran a dos hombres pescando en plena noche.
Después de estos densos minutos de contemplación se inician los créditos del film. Y nuestra percepción ya desde el inicio se sumerge en un laberinto narrativo de desconcierto y desconocimiento.
El espectador puede llegar a pensar que esta situación de incoherencia es solo inicial. Lamentablemente esto no es así, esta vía de inconexión circula durante todo el transcurso del film.

Esta agresividad conceptual se divide en períodos de tiempo, espacio y una supuesta temática. Es decir, en secuencias que nos ilustran de manera constante alguna situación en particular: masturbación, violación, escenas de archivo, imágenes documentadas, un viaje en ferrocarril, etc.
Llegando al desenlace de la película se aclara un poco el sentido global del relato cinematográfico.
Las últimas secuencias nos cuentan a través de imágenes documentadas la crisis política y social de Tailandia en 2009-2010 donde los llamados “camisas rojas” (Frente Unido Nacional por la Democracia contra la Dictadura) sitiaron Bangkok contra el primer ministro Abhisit Vejjajiva, generando la represalia de los militares. De ahí nace el título "The terrorists", el nombre con el cual el gobierno denominaba a los sublevados.
Al visualizar esto último, nos damos cuenta que toda esa bruma e imágenes difusas conceptualmente tienen un fundamento ideológico y un mensaje escondido.
A partir de esto podemos plantear diversos significados a las secuencias vistas anteriormente. Podríamos decir que la escena de la masturbación es un acto de rebeldía y libertad individual del tailandés frente al gobierno represor. Que el abuso sexual expuesto en un tramo de la película demuestra claramente el abuso de poder tanto político como militar del gobierno asiático. Y así sucesivamente.

El caso es que este planteamiento en mi opinión no cumple con el objetivo de transmitir mediante imágenes abstractas e inconexas un mensaje interior. Y se vuelve un parafraseo y una intelectualización de los medios audiovisuales que se escapa de los recursos propios del séptimo arte.
Sin embargo, es posible que esta cinta tenga una connotación más directa y comprensible para el público tailandés, testigo de estas aberraciones.

EN RESUMEN, UN FILM QUE SE CUBRE DEL MANTO DE CINE EXPERIMENTAL PARA EXPRESAR UN SENTIMIENTO, UNA IDEA Y UNA FORMA DE ENTENDER LA CRISIS TAILANDESA DONDE EL HOMBRE MOSTRÓ SU MÁS ATROZ Y FUNESTA FACETA.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Good Life
The Good Life (2010)
  • Dinamarca Eva Mulvad
  • Documentary, Annemette Beckmann, Mette Beckmann
7
Dos mujeres: su pasado, presente y el destino.
Mirar con ojos curiosos, oir las palabras ajenas, sentir las vibraciones latentes del ser humano.

Mulvad, co-fundadora de la productora Danish Documentary nos inmerge en la vida de dos mujeres que las une y las divide el lazo de madre e hija. Con un pasado en común de dinero y placer. El pertenecer al encanto de la burguesía se ve anclado por un presente desdibujado y difuso de pobreza. Anhelando el pasado perdido, y sobrellevando el día a día estas dos danesas que viven en las costas soleadas de Portugal enfrentan la realidad cara a cara.
Dos caminos se bifurcan y uno deberá ser elegido: el vivir del recuerdo y llorar la ausencia del bienestar económico o el de afrontar el ahora y pensar en el futuro.

3 años de filmación han sido necesarios para que Eva Mulvad novelara este fragmento de vida que confronta dos peculiaridades inmensas en la existencia humana: la relación madre e hija, la riqueza y la pobreza.
Varias aristas surgen de estos dos focos que son los desencadenantes de la trama y el espíritu del film. El humor y la tragedia se conjugan, los dos personajes carismáticos en sus determinados roles son los responsables de transmitirnos los acontecimientos y emociones de la historia. El conflicto entre las dos mujeres, la madre responsable supuestamente del debacle y que ancianamente se defiende de los insultos y humillaciones de la hija. Y esta última coqueteada en su niñes por el poder del dinero, se ve malformada por la vida del trabajo y el esfuerzo, ajenos a ella.
De ahí nace los más diversos pasajes cómicos como la búsqueda de trabajo por parte de la hija, el ahorro diario y los gastos innecesarios. El lado trágico y melancólico: la muerte del padre y esposo, el recuerdo de la vida anterior y las discusiones enceguecidas y malgastadas entre madre e hija.

MADRE-HIJA /POBREZA-RIQUEZA SE ENTRELAZAN PARA CREAR UN DOCUMENTAL ESTIMULANTE EN SU ENFOQUE HUMANO. EN GENERAR UN AMBIENTE IDEAL DONDE VAN SURGIENDO LAS FACETAS, COMPLEJIDADES Y CONTRADICCIONES DEL HUMANO COMO SER SOCIAL.
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Tournée
Tournée (2010)
  • 6,5
    911
  • Francia Mathieu Amalric
  • Miranda Colclasure, Suzanne Ramsey, Julie Atlas Muz, Alexander Craven, ...
7
Tour de force.
El burlesque está de paso por las ciudades galas. Su esencia norteamericana sacea las bocas hambrientas del público francés.
Comandado por un animado empresario representado por el ícono del cine francés, Mathieu Amalric, el film nos ilustra los avatares de un espectáculo “Made in USA”, en gira por Francia.

Aunque pareciese ser que como delata el título (tournée= tour/gira) se prioriza sobre las andanzas de esta compañía exorbitante, compuesta por un grupo pintoresco de diversos personajes. Esto compone simplemente un biombo cinematográfico, una máscara que oculta el verdadero foco de interés de la trama principal: Joachim, es decir, Amalric.
El film circula, centralizándose en el diario vivir del protagonista, de un sujeto insufrible pero a la vez cercano, que mediante su encanto trata de sobrellevar la gira de este espectáculo delirante y festivo, pero sin dejar de establecer sus propias penas y desidias.

Este tipo de relato se asemeja a la estructura conceptual y narrativa de las cintas de Aronofsky (“El luchador”,2008/ “Cisne negro”,2010) en donde se vislumbra el detrás de escena, el otro lado de personajes llamativos.
De ahí la construcción visual por medio del uso de la cámara en mano, lo cual genera una interacción más directa e íntima con el protagonista.
Siempre se establece una subtrama que actúa como telón, para ocultar el primer motor inmóvil de la historia, como la lucha libre y el ballet en Aronofsky y en este caso el burlesque. Son escenarios que contrastan con el centro de atracción del cine clásico y también de arte y ensayo: el protagonista principal y sus conflictos externos e internos.

CONTAGIOSA EN SU MIRADA INNOVADORA DEL BURLESQUE, "TOURNÉE" SE HACE VALER POR SU AFORTUNADA Y COHERENTE APUESTA DEL DIRECTOR POR SÍ MISMO, POR SU FACETA ACTORAL. DEJA EN MANOS DE SU INTERPRETACIÓN INIGUALABLE E INTENSA EL PORVENIR (PREMIO AL MEJOR DIRECTOR EN CANNES) DE UN FILM PECULIAR SOBRE UN EMPRESARIO Y SU ENTORNO.
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My Zinc Bed (TV)
My Zinc Bed (TV) (2008)
  • 5,2
    47
  • Estados Unidos Anthony Page
  • Uma Thurman, Jonathan Pryce, Paddy Considine, Sara Powell, ...
3
Por favor, evitese un disgusto.
Decir algo positivo de este film me resulta una tarea difícil y ardua.
Sus errores se vislumbran por doquier y nos impiden considerar a esta película como una obra artística, su identidad desaparece en una niebla de incongruencias.

Empezando por un guión desafortunado tanto en su composición como en su esencia, en otras palabras, transmitir algo por medio de una idea original e accesible para el espectador.
Continuando con una puesta en escena adulterada tanto en su iluminación de estudio como en su escenografía artificial.
En cuanto a los actores, fallecen en su intento de hilvanar el transcurso de la historia. Sus actuaciones, principalmente la de Uma Thurman (que desde sus primeros papeles y los otorgados por su amigo Tarantino, no levanta cabeza) y Paddy Considine, no logran crear una identidad propia en sus roles ni en sus sentimientos, expresados en demasía por medio de diálogos explicativos que frivolizan una relación amorosa poco creíble tanto en su origen y posterior conexión, como en su ejecución actoral. Cuyo mayor responsable es el realizador en no instruir a sus criaturas en sus funciones.

La cinta navega entre lo esquemático y lo previsible, haciéndolo poco honor a su descendencia teatral (“My zinc bed” del reconocido dramaturgo inglés Sir David Hare). Su intento de asimilar esta obra cae en una disociación de carácteres. El teatro es el teatro y el cine es el cine. El teatro se nutre de las pausas actorales, de la frases recitadas. Mientras que el cine no le sienta cómodo los tiempos comatosos, necesita más flexibilidad en sus diálogos y actuaciones, sino se asemeja a una burda parodia.

UN REPARTO PERDIDO EN EL SINSENTIDO DE LA CINTA.
UN DESIERTO DE CREATIVIDAD ARGUMENTATIVA. Y LA FRAGILIDAD DE SU FUNDAMENTO HACEN QUE ESTA OBRA RENUNCIE A CAER EN EL OLVIDO.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Urgences
Urgences (1988)
  • 7,6
    122
  • Francia Raymond Depardon
  • Documentary
8
El hogar de la locura.
El Hôtel-Dieu (el hospital más antiguo de la capital parisina) alberga varias anécdotas e historias por contar.
Símbolo de la caridad y de la hospitalidad, su figura se inunda, a medida que transcurre el tiempo, de diversos personajes que deambulan por la sala de emergencias psiquiátricas buscando una ayuda a su desazón. Algunos son traídos de las calles por lo bomberos o policías, otros por sus vecinos o su familia. Todos ingresan y esperan una respuesta.
Una pequeña sala los hospeda y un médico los confiesa. Cada uno tiene una historia por contar. Secretos, tristezas o simples inquietudes afloran en sus pensamientos.
Sus conflictos y problemas son variados, todos están “alienados”, cada uno de ellos circulan por un sendero de melancolía, soledad y locura.
Algunos más, algunos menos, expresan sus sufrimientos, sus encuentros con la vida misma. Sus gestos, sus movimientos, el habla, sus miradas y su espíritu se abren hacia los ojos del espectador primerizo. Observamos a través de una imagen fotográfica tanto por su inmovilidad como por su encuadre las desidias de los demás.
La realidad se asoma, nos mira a lo ojos y nosotros la obviamos o tratamos de ocultar su imagen. Ella se impone con fuerza de manera pura y directa, ni guionada ni sobre actuada.
La locura se interpone entre nosotros y nos muestra su faceta, un reflejo de nosotros.

El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como el cine y la fotografía, esto lo ejecuta al pie de la letra en su dimensión cinematográfica el experimentado Raymond Depardon, cuya función se limita, en el buen sentido, a estar en el lugar y tiempo adecuado donde surgen los más inadvertidos pasajes de la cinta formulados por los propios protagonistas, los pacientes. Ellos son la esencia del film. Su verdad, la trama.

DEPARDON CONCIBE A TRAVÉS DE ESCENAS DE MAGNÍFICA SENCILLEZ REALISTA UNA OBRA SOBRE LO QUE FOUCAULT SENTENCIARÍA COMO LA IMAGEN DE LA LOCURA: “LO QUE APARECE EN SUS FORMAS VIOLENTAS, COMO LA EXPRESIÓN SALVAJE DE LOS DESEOS HUMANOS MÁS PRIMITIVOS”.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Père et fils
Père et fils (2003)
  • 6,3
    243
  • Francia Michel Boujenah
  • Philippe Noiret, Charles Berling, Bruno Putzulu, Pascal Elbé, ...
6
La comédie française.
Comedia típicamente “made in France” por donde se la vea.
Incurriendo en un subgénero tan degustado por el cine galo como la comedia-dramática familiar.
Ejemplo de esto son las incursiones de: Olivier Assayas en “Las horas del verano” (2008), “Un cuento de navidad” de Arnaud Desplechin en 2008 y por último en el 2009 el film “Toda la culpa es de mi madre” de Cécile Telerman, entre otros.

Y es que los franceses se han adueñado de este tipo de subgénero exprimiéndolo hasta su última gota, convirtiéndolo ya en un “affaire” personal.
Su humor cálido y humanista, surca una arista de la comedia más edulcorada y a la vez bizarra que nos inculca un “savoir faire” único y entrañable.

Siguiendo este aspecto el film cumple con todos los tópicos, con la inclusión de personajes amenos y carismáticos. En cuyo ejercicio de la acción humorística van formulando y construyendo la identidad propia del film, siempre sobre la base de un guión que luce cada reglón de su impronta.

Por ahí su flaqueza reside en su convencionalidad siendo el oficio de los actores el salvavidas de un cine popular, sin sorpresas, inmovilista, ni bueno ni malo.

SIN EMBARGO, ESTA RICA Y APLICADA PELÍCULA CUMPLE CON TODOS LOS REQUISITOS PARA LOS CINÉFILOS ADICTOS A LA COMEDIA FRANCESA CLÁSICA.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Käsky (Tears of April)
Käsky (Tears of April) (2008)
  • 6,5
    58
  • Finlandia Aku Louhimies
  • Samuli Vauramo, Pihla Viitala, Eero Aho, Eemeli Louhimies, ...
7
Amor entre lágrimas de guerra.
El 27 de enero de 1918 gracias al desequilibrio mundial generado por la revolución rusa se produce la guerra civil finlandesa, cuya duración de 4 meses (y más de 30.000 muertos) tendrá como protagonistas a dos bandos: los “rojos” (socialdemócratas) y los “blancos” (conservadores).

He aquí, en este marco donde se involucrará la protagonista del film.
Miina (Pihla Viitala) jefe del escuadrón de los “rojos” lucha por escapar del acecho del ejército “blanco” siendo tomada como prisionera. En este clima de pesadilla surge Aaro (Samuli Vauramo), uno de los oficiales enemigos quien la captura, queriéndola trasladar para ser juzgada en una corte marcial.
Ambos entablarán una relación particular, en la que el juez del caso (Eero Aho) jugará un papel no menor.

Con un interesante panorama donde naufragar, este film finés de una belleza sublime destila a su alrededor un ambiente melancólico y a la vez estático. Con una construcción pausada nos va adentrando a un relato que tiene como eje -además de su connotación bélica e histórica- los desencuentros sentimentales. Cambiantes, tanto en sus intérpretes como en su temática.

Pese a que en la mitad del metraje decaiga en su visionado. El principio prevalece junto al final de la cinta como los estandartes de una satisfacción asegurada tanto por su fértil visión del amor en la guerra como en su búsqueda de la sorpresa mientras avanza la historia.

LARGOMETRAJE COMPROMETIDO CON SUS CRIATURAS, INSÓLITAMENTE MADURO Y EJEMPLARMENTE ELEGANTE.
QUE NOS RECUERDA QUE HAY CINE FINLANDÉS MÁS ALLÁ DE LOS HERMANOS KAURISMAKI.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Block-notes di un regista (Fellini: A Director's Notebook) (TV)
Block-notes di un regista (Fellini: A Director's Notebook) (TV) (1969)
  • 5,9
    64
  • Italia Federico Fellini
  • Documentary, Ennio Antonelli, Caterina Boratto, Marina Boratto, ...
6
Una curiosidad felliniana.
Film ejecutado por el ingenioso Fellini, en cuyo planteamiento tanto formal como informal nos abre la puerta a su mundo más personal y a su obra, de manera un tanto artificiosa.

El mediometraje dividido en 11 secuencias, es una mirada arqueológica y reflexiva sobre las curiosidades “fellinianas”: desde la exhibición de la escenografía (en exteriores) de su ansiado film nunca realizado (“Il viaggio di G. Mastorna”), pasando por una fantasiosa entrevista a Mastroianni en su lujosa mansión, también rescatando secuencias que fueron eliminadas de “Las noches de Cabiria”(1957) hasta llegar a divisar un casting realizado por el propio director compuesto por personajes de connotaciones surrealistas.

Con este documental (creado a partir de la propuesta del productor estadounidense Peter Golfard y la NBC) el cineasta se instala en la senda estética puesta de manifiesto en “8 y 1/2” (1963) y que conduciría a films posteriores, como “Roma” (1972) y “Ensayo de orquesta” (1979).

EL MAESTRO DEL SÉPTIMO ARTE NOS DEJA ESTA PERLA COMPUESTA POR UN CARRUSEL DE IMÁGENES Y SONIDOS, UNA EXPERIENCIA SENSORIAL SOBRE ESE MUNDO ÚNICO Y SURREAL QUE TANTO EXTRAÑAMOS.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dos en uno
Dos en uno (2008)
  • 5,2
    47
  • Francia Nicolas Charlet, Bruno Lavaine
  • Daniel Auteuil, Alain Chabat, Marina Foïs, François Damiens, ...
7
Bizarre.
Gilles Gabriel (Alain Chabat), ex famoso cantante de lo 80´, muere en un accidente automovilístico causado por Jean-Christian Ranu (Daniel Auteuil) que trabaja para la COGIP. Pero Gilles no ha muerto del todo, su espíritu se ha refugiado en la cabeza de Jean.

Esta es la idea que ha nacido del dúo francés conocidos en su país natal como Nicolas et Bruno, los cuales curtidos en la televisión (dirigieron la versión francesa de “The office”) y en la realización de videoclips y publicidades, han desembarcado por primera vez en la gran pantalla.

Su obra nonata tiene como mayor figura al increíble Daniel Auteuil quien en esta cinta nos demuestra su notable variedad de registros, donde los pone a prueba en esta satisfactoria comedia típicamente francesa, que incurre mediante toques de humor ingeniosos en diversas miradas sobre la soledad, el amor y la desesperación.

El film es un divertimento absoluto, que nos invita constantemente a la risa más instantánea.
Con una estructura narrativa sólida, y un guión bien construido, compuesto por una gran diversidad de los más hilarantes gags, nos desvela un mundo de curiosidades donde se intenta mostrar la insólita idea de la convivencia de dos personas en el cuerpo de una.

Una propuesta en la cual se desarrolla la trama en lugares y situaciones cotidianas que nos crea un marco perfecto donde adentrarnos, eso sí, rozando un poco lo arquetípico: los problemas en el trabajo, el amor imposible e absurdo, la soledad, la búsqueda de la fama perdida, etc.

ES UNA CLARA MUESTRA DE CINE-ESPECTÁCULO CON REGISTROS ESTÉTICOS PROPIOS DEL CINE FRANCÉS. UNA COMEDIA ATRACTIVA Y DINÁMICA CON UN AUTEUIL EN ESTADO DE GRACIA, RESPONSABLE EN GRAN MEDIDA DE LA LUCIDEZ DEL FILM.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sicilia!
Sicilia! (1999)
  • 7,4
    372
  • Italia Danièle Huillet, Jean-Marie Straub
  • Gianni Buscarino, Angela Nugara, Vittorio Vigneri, Carmelo Maddio, ...
6
?
Sicilia es única, mágica, apartada de la realidad italiana pero cercana a una realidad distinta construida a través de la cultura.
Su ambiente, el paisaje, la historia y los habitantes determinan una sensibilidad diferente. Sicilia hay una sola, y de eso no hay dudas.

Ese es el origen principal de esta obra artística en todas sus dimensiones, además de lo propiamente cinematográfico, creado por el dúo francés Huillet-Straub.
Quienes supieron expresar un lenguaje visual propio y han sido respaldados no tanto por el escaso público que ha visto su filmografía debido a la poca difusión de sus films sino por la crítica especializada, principalmente “Cahiers du cinéma”.

"Sicilia!” nos desvela a un hombre quien retorna del norte de Italia a su región natal para visitar a su madre. En el camino se encontrará con diferentes personajes con los cuales entablará diálogos de rasgos políticos como también cotidianos.

Ahora, lo que genera cierta curiosidad al adentrarse en esta obra no es su sustancia, sino su forma, el estilo visual.
Con una duración no mayor de 1 hora sino caería en lo tedioso. El dúo de cineastas por medio de un blanco y negro esplendoroso, intercalando los primeros planos en los momentos de diálogos y una cámara panorámica que nos muestra de este a oeste la naturaleza siciliana, nos inducen a interiorizarnos en la Sicilia naciente, su pureza y su silencio.

Los destellos de originalidad están presentes.
Un ejemplo claro de esto son los diálogos, cuya esencia reside en su expresión, en su tonalidad monótona, sin matices, que genera un sentimiento de algo poco natural. Son frases que de forma contundente subrayan un pensamiento, no esperan una respuesta. Por eso es que la cámara en ocasiones no muestra al receptor de la conversación, pareciese ser que cada uno tiene su encuadre propio y el tiempo de expresar sus ideas.
Y aquí surge la importancia de los actores dentro de este parafraseo, su valor reside en sus rostros, sus gestos, sus muecas. Sus rasgos faciales se distienden de lo que expresan verbalmente (son actores no profesionales, característico del cine de Straub y Huillet).

En el sentido amplio de la palabra, se siente que este film es más un ensayo que una película. Es novedoso pero no deja de ser algo insustancial, su atmósfera espesa no nos genera un sentido real donde impregnarnos.
Tiene un potencial escénico excelente, pero esto nos impide interiorizarnos con los personajes, aunque uno podría decir que se juega con este choque existencial entre la realidad y la ficción.

ES ADUSTA Y MEDIDA, PERO EN MI OPINIÓN VACÍA. TENER AIRE PROPIO NO ES SUFICIENTE PARA ENTRAR EN LA RETINA DEL ESPECTADOR. Y SER ELITISTA O SECTATORIAL, NOS HACE OLVIDAR QUE EL CINE ES UNA EXPRESIÓN ARTÍSTICA QUE BUSCA EL CONSENSO DEL PÚBLICO.
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2 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Nuestros días felices
Nuestros días felices (1990)
  • 6,6
    164
  • Francia Bertrand Tavernier
  • Dirk Bogarde, Jane Birkin, Odette Laure, Emmanuelle Bataille, ...
5
Un Tavernier desconocido.
La presentación de este film nos atrae a primera vista: dirigido por el magnífico Bertrand Tavernier, sus actores: el legendario Dirk Bogarde, la fantástica Jane Birkin y Odette Laure.
Película galardonada al mejor actor en el festival de Valladolid (Bogarde), al César a la mejor actriz de soporte (Laure) y seleccionada oficialmente por el festival de Cannes.

Lamentablemente esto no es real, hemos visto un espejismo, creemos haber visto algo en frente de nosotros tan real, tan gratificante pero en realidad ha sido todo una ilusión o una ¿desilusión?
El entusiasmo primerizo al que caímos instintivamente va disminuyendo a medida que nos vamos adentrando a este retrato costumbrista sobre una familia anglo-francesa.
Su contenido y su forma de narración son convencionales y previsibles, nos adentramos pero sin tener una respuesta, o algo que nos invite a descubrir algo original.

La película nos cuenta la historia de Caroline, una escritora parisina que recibe una llamada de su madre, quien le comunica que su padre esta gravemente enfermo. Ella lo visitará pasando unas semanas con ellos, en cuya experiencia construida de recuerdos y anécdotas redescubrirá su propia vida y la de su familia, especialmente la de su progenitor.

Lo que no hay que olvidar es que detrás de cámara hay una referencia real, el gran Tavernier, quien logra plantear temas como lo efímero que es el amor (los padres de Caroline), el ser humano como un ser vivo que se constituye a través de los recuerdos y la memoria (Bogarde) de lo cual hace referencia el título del film: “Daddy nostalgie”, y la reacción del humano frente a situaciones críticas, como es la muerte (Birkin).
Todo esto convive armoniosamente gracias al talento visual de su director, quien mantiene su preciosismo formal.

SIN EMBARGO, TAVERNIER NO LLEGA A CONVENCERLOS CON ESTE FILM DESLUCIDO, QUE NO PUEDE EVITAR LA INFECCIÓN SENTIMENTAL Y EL EFECTISMO, EN EL CUAL BOGARDE NO HACE HONOR A SU CURRICULUM CINEMATOGRÁFICO.
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4 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gotas que caen sobre rocas calientes
Gotas que caen sobre rocas calientes (2000)
  • 6,4
    1.053
  • Francia François Ozon
  • Bernard Giraudeau, Malik Zidi, Anna Thomson, Ludivine Sagnier
7
Un cuarteto de pasión e ilusiones.
En un teatro francés contemporáneo se presenta la obra “Gouttes d'eau sur pierres brûlantes”.
Su autor, el gran dramaturgo alemán Rainer Werner Fassbinder.
El director, François Ozon: gran representante de la movida “teatral” post Nouvelle vague.
La gente se amontona en la entrada con grandes expectativas llenado la sala.
Se abre el telón, desde sus butacas los espectadores esperan ansiosos la irrupción de los actores: en escena aparecen primero Bernard Giraudeau y Malik Zidi, a mitad de la obra Ludivine Sagnier y Anna Thomson se unen al dúo actoral.

1er acto.
Como se denota inmediatamente el film posee una estructura muy teatral, el espacio fílmico es siempre el mismo (la casa de Leopold = Giraudeau), la narración se desarrolla en tiempo real. El lienzo fílmico carece, en el buen sentido, de matices. Es decir, la cámara es concisa y efectiva en lo que desea mostrar, no sobresalen ningún movimiento de cámara u angulación distinto a lo convencional.

2do acto.
Su esencia reside en los personajes.
El personaje principal es Leopold, interpretado por un maravilloso, versátil y contundente Bernard Giraudeau quien toma el papel de un exitoso hombre de negocios que usa su poder de seducción para alcanzar sus propósitos. Franz (Malik Zidi) será la primera victima de estas usanzas, compartidas por una sensual y provocativa joven, interpretada por Ludivine Sagnier, quien debuta en la pantalla grande.
En un papel más secundario y tardío se une al grupo, Anna Thomson, quien completa a un inspirado reparto.

3er acto.
El tema que determina a los personajes es la búsqueda de la felicidad (arquetípica), en cuyo camino impregnado por la pasión como leitmotiv generará un baño de sexo, ilusiones y sueños, en constante estado de intriga. Cuyo desenlace va a caer en una tragedia con trazos de comedia.

Telón final.
GANADORA A LA MEJOR PELÍCULA EN LA BERLINALE, OZON NOS OFRECE UN FILM SÓLIDO, VIBRANTE Y HONESTO. EN EL CUAL NOS DETALLA SU ESPÍRITU LÚDICO Y PERTURBADOR MEDIANTE UNA EXCELENTE DIRECCIÓN DE ACTORES Y UNA PROVOCATIVA MUESTRA DE HUMOR DISPARATADO Y DELIRANTE, CON UN TRASFONDO DRAMÁTICO.
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10 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Medusas
Medusas (2007)
  • 6,5
    188
  • Israel Shira Geffen, Etgar Keret
  • Sarah Adler, Nikol Leidman, Gera Sandler, Noa Knoller, ...
7
Lágrimas de mar.
Acostumbrados a que el cine israelí nos muestre su faceta bélica, histórica y religiosa.
"Medusas" es un mundo abierto a una nueva faceta: el ser humano como generador de sentimientos.
Esto se denota al adentrarse en las vivencias cotidianas, al indagar no de manera detectivesca sino como si fuera un poema de rasgos melancólicos que fluye a través de tres historias particulares que transcurren en la ciudad de Tel Aviv, que aunque se entre crucen en momentos, su objetivo es imprimirnos un ambiente en el que se fusionan lo real y lo fantástico.

No se vislumbra en este film un argumento, su contenido esta exento de esto, no esta planificado o ideado mostrarnos una historia con un principio, un nudo y un final.
Su esencia -y es en lo que se diferencia el cine de la literatura- es la imagen. Esta es el fundamento de su existencia, la imagen es la que le da el sentido a la historia. La que nos hace reír y a la vez estar tensos en la luna de miel fallida, la que nos introduce dentro de la agitada vida de Batya y nos sorprende con la irrupción a su vida de una niña que sale de las profundidades del mar y finalmente nos emociona con la simple pero a su vez profunda vida de Joy, una cuidadora de ancianos.

En cuanto al título, "Medusas", en mi humilde opinión, hace referencia a los personajes y a su forma de actuar. Ellos son medusas, flotan en el mar, no están ni en la tierra ni sobresalen del mar, viven el ahora y no piensan en su destino, ni en su final.

GANADORA DE LA CÁMARA DE ORO EN EL FESTIVAL DE CANNES, “MEDUSAS”, ES EL EJEMPLO VIVO DE CÓMO PLASMAR EN IMÁGENES LOS SENTIMIENTOS, VIVENCIAS Y DESEOS DE UN GRUPO DE PERSONAS COTIDIANAS QUE DIVAGAN EN EL MUNDO, COMO MEDUSAS, SIN UN ¿POR QUÉ? NI UN ¿PARA QUÉ?, SIMPLEMENTE FLOTAN, SIENTEN Y VIVEN.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Venkovský ucitel (The Country Teacher)
Venkovský ucitel (The Country Teacher) (2008)
  • 6,2
    70
  • República Checa Bohdan Sláma
  • Pavel Liska, Zuzana Bydzovská, Ladislav Sedivý, Marek Daniel, ...
7
Ser o no ser.
Un destacado profesor de ciencias naturales de la capital (Praga) llega a un recóndito pueblo rural a enseñar en la escuela local.
Su objetivo, no se sabe. Su destino, se desconoce. Su pasado, se oculta.

Estos son los factores que se establecen en el tercer film del cineasta de moda en su país, el checoslovaco Bohdan Sláma (ganador de la concha de oro de San Sebastián en el 2005 por “Algo parecido a la felicidad”) quien en este film protagonizado por su actor fetiche Pavel Liška nos narra con pausado y equilibrado tono una historia que profundiza sobre la complejidad del ser humano, tanto en su actuar (el personaje protagonista) como en el juicio y reacción de los que lo rodean (la sociedad).

Con una puesta en escena efectista y accesible, el director nos propone sumergirnos en el interior del personaje principal, en su búsqueda de la felicidad y su huida de las presiones de la sociedad trastornada.
Su huída hacia un pueblo lejano en búsqueda de una nueva vida, y de relacionarse con nueva gente no le será fácil. Su secreto, la homosexualidad, lo mantendrá acomplejado hasta revelarlo. La respuesta a sus interrogantes no lo encontrará en lo ajeno sino en una mirada interior, en tratar de estar conforme consigo mismo.

Todo esto confluye y se expresa magistralmente en el argumento: “Para mí lo más importante es el argumento. Lo que trato de hacer es contar una historia con personajes que tienen problemas normales, que cualquier ser humano puede tener (…) retratar personajes que no son grandes héroes, como esos de los filmes de Hollywood, sino seres de carne y hueso que tratan de encontrarse a sí mismos (B. Sláma)

HISTORIA SIMPLE Y UNIVERSAL, CUYO EXPLENDOR RESIDE EN LA BELLEZA DE SUS PERSONAJES Y EN LA BÚSQUEDA INTERIOR Y COLECTIVA DE LA FELICIDAD.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Like You Know It All
Like You Know It All (2009)
  • 6,5
    199
  • Corea del Sur Hong Sang-soo
  • Kim Tae-woo, Go Hyun-Jung, Uhm Ji-won, Kong Hyeong-jin, ...
7
Como si supieses todo.
Hong Sang-soo vuelve a la comedia, un género con el cual en este film se lo muestra muy cómodo y con todas las técnicas a flor de piel. Aunque obviamente como es de esperar en la rica filmografía del director sur coreano siempre el drama estará presente de una u otra manera.

Film de solo 100.000 dólares de presupuesto, lo que sigue afirmando que con poco dinero se puede hacer grandes cosas (medida tomada ya por varios compatriotas como Kim Ki-duc, entre otros) nos cuenta la historia de un cineasta, el cual tiene que presentarse como jurado en un festival.

Pareciese ser que este relato no escondiese nada, pero el habitué del cine de este director o el que lo descubre por primera vez, conoce y sabe apreciar que el alma de los films de este realizador no tiene como objeto contar algo excéntrico o especial, sino que su esencia se halla en el trasfondo existente en las relaciones humanas. La cotidianidad pierde su valor de algo simple e inmóvil para sacar a flote las aventuras inagotables surgidas de la interrelación entre personas y específicamente las que tienen origen en el protagonista.

Y lo más bello de esto, es que el lenguaje es universal, la comedia no tiene nacionalidad.
Exhibir las disparatadas situaciones que se dan en una reunión entre viejos compañeros y alumnos, -y que como es habitual en el cine coreano figura como el alma de la fiesta, el “soju” (bebida alcohólica coreana)- es algo ya que nos hace apreciar lo cotidiano.
El reencuentro amoroso también desfila en este relato, mostrando dejos de lo que se podría clasificar como comedia con elementos más románticos que dramáticos.

Su composición final envuelve todo esto, sin dejar nada al costado, cada momento desempeña su papel. Puro dinamismo disperso dentro de un mismo margen.

COMEDIA HUMANA, ACOGEDORA Y A SU VEZ DISPARATADA NOS PROPONE UN ESPECTÁCULO CONTINUO QUE SURGE DE LA NECESIDAD DEL SER HUMANO DE RELACIONARSE CON LOS DEMÁS PARA SENTIRSE CADA VEZ MÁS VIVO.
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3 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sin escape
Sin escape (2010)
  • 6,2
    913
  • Alemania Benjamin Heisenberg
  • Andreas Lust, Johann Bednar, Max Edelbacher, Walter Huber, ...
7
Realidad vs Ficción
“The robber” es acción, dinamismo, transgresión, intriga y un uso magnífico del tan solicitado travelling, y es que es imposible que una película que se basa en un corredor profesional y que además atraca bancos no use esta técnica para mostrar las travesías que debe pasar el protagonista de este film basado en una historia real.

La narración de esta historia se establece en la cuidad de Viena aunque el film sea de origen alemán, donde Johannes Rettenberger, el personaje principal de esta película abandona la penitenciaría y retoma la libertad y también la vida en sociedad.

Aunque las autoridades del Estado tratan de contenerlo, buscándole un trabajo, preguntándole como es su vida y cuales son sus necesidades, nuestro protagonista se niega a mantener cualquier relación con ellos, generando posteriores conflictos. Y es aquí donde se inicia el nudo del film, Johannes está solo en la vida, la única relación que mantiene es con una antigua compañera.

La soledad lo acosa pero no en un sentido trágico o melancólico sino como un llamado a la acción, el deporte será su salida, su necesidad de acción. Pero verá que esto no lo completa, el robo de bancos será su objetivo de ahora en adelante, el vivir presionado, el sentir el contacto con el enemigo (la policía), sentirse que alguien lo persigue y que cada minuto que pasa vuelve a revivir, su corazón late más fuerte, y sus piernas se liberan.

Es necesario aclarar que este film no es un clásico thriller estridente hollywoodense, ni uno al estilo Tony Scott, es una representación del nuevo cine alemán que vaga en la psicología de un personaje peculiar y sus travesías.

REVELACIÓN DEL ÚLTIMO FESTIVAL DE BERLÍN (2010), UNA HISTORIA QUE NOS SORPRENDE POR SU CONNOTACIÓN VERÍDICA Y QUE MEDIANTE EL TRANSCURSO DE LOS MINUTOS DESEAMOS, EN UN MAR DE INTRIGAS, CONOCER SU FINAL.
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9 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Roskilde
Roskilde (2008)
  • 6,5
    36
  • Dinamarca Ulrik Wivel
  • Documentary, Gabriel Pontones
8
Una utopía hecha realidad.
“Roskilde” es un documental que nos muestra el detrás de escena de uno de los festivales más importantes del mundo que mantiene el espíritu de su gran antecesor (Woodstock, 1969).
Creado en 1971 por dos estudiantes daneses, este festival que lleva el nombre de la ciudad de origen, la más medieval y antigua capital de Dinamarca, es el microcentro donde peregrinan más de 150.000 personas (adultos, jóvenes, chicos, etc.) en busca de la utopía hecha realidad, el poder indestructible de la música y de la cultura de compartir los 4 días de duración de este gran acontecimiento.

Gran acontecimiento que sería imposible de exponer si no fuera por Ulrik Wivel, antiguo bailarín de grandes compañías y convertido en la actualidad en cineasta, el cual nos expone de una manera magistral la esencia del mítico festival.
Nos hace transitar por las peripecias y situaciones que tiene que pasar los más de 20.000 voluntarios (18 horas de trabajo “ad honorem”) que se encargan de la organización y seguridad del espectáculo, nos brinda una mirada atractiva sobre los diferentes personajes que divagan en este universo paralelo vestidos de superhéroes algunos, otros disfrutando de este espectáculo consumidos por los más diversos efectos de la droga y el alcohol y por último nos deleita con el centro de atracción, la música (Franz Ferdinand, Placebo, The Streets, Rufus Wainwright, entre otros).

Todo esto confluye en la maestría del director en mostrar las convergencias existentes de una manera tan armoniosa, vivaz y de gran belleza estética que nos introduce en la ilusión de ser parte de este universo musical y sobre todo humano.

“ROSKILDE” ES UNA SENSACIÓN, UN SENTIMIENTO Y UN CONSTANTE ESTADO DE SORPRESA Y ENTRETENIMIENTO, QUE A TRAVÉS DE IMÁGENES NOS TRASLADA A UN UNIVERSO IMPREGNADO DE MÚSICA, LIBERTAD Y AMOR.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Deuda
Deuda (2004)
  • 6,4
    76
  • Argentina Jorge Lanata, Andrés G. Schaer
  • Documentary
6
Jorge Lanata: el Michael Moore argentino.
Para empezar a construir un análisis o una crítica sobre este documental tenemos que incorporar ciertos datos no menos interesantes que la propia película:

El film esta dirigido por Jorge Lanata, uno de los hombres más representativos del periodismo de investigación en la argentina post golpe de estado.
Este detalle hace que el desarrollo de “Deuda” tenga como principal creador y narrador al propio periodista el cual le da su toque personal en su mirada crítica y fundamentada sobre la realidad que contempla y expone.

Otro dato es que el documental nace a partir de un documento televisivo (“Día d”/ Jorge Lanata) el cual muestra a una chica de 8 años que llora frente a la cámara por tener hambre, este será el indicio por el cual el periodista se preguntará cuales son las causas de la pobreza en la argentina.

Y a través de esto llegamos al tema central, la “deuda argentina”.
Argumento del film y desencadenante de las reflexiones de la más diversa índole que culmina con la pregunta del millón: ¿Quién es el responsable?, ¿el FMI?, ¿los políticos corruptos del país?, o los propios argentinos. La respuesta quedará a merced del espectador.

Para esto Lanata nos deleitará con un viaje hacia el “Word Economic Forum”(WEF) realizado en Davos (Suiza), una entrevista con el vocero del FMI, con periodistas de todo el mundo como el “Washington Post”, personajes funestos como Martinez de Oz y Cavallo, y como frutilla del postre: Ann Krueger (subdirectora del FMI).

EN CONCLUSIÓN, UN DOCUMENTAL DE UN GRAN VALOR PERIODÍSTICO Y DE UN MIRADA CRÍTICA CON UN TOQUE DE HUMOR ÁCIDO SOBRE LA DEUDA ARGENTINA, SUS PROTAGONISTAS Y CONSECUENCIAS.
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8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Quand la mer monte
Quand la mer monte (2004)
  • 6,8
    110
  • Francia Yolande Moreau, Gilles Porte
  • Yolande Moreau, Wim Willaert, Olivier Gourmet, Jackie Berroyer, ...
6
El teatro o la realidad.
Este film nos cuenta la agridulce historia de amor entre una actriz cómica y un transportista de gigantes.
El amor se verá implicado en el transcurso de la gira que hace la protagonista presentando su espectáculo “Sale Affaire” (“Sexo y Crimen”).
Curiosamente de alguna forma la obra de la actriz se asemeja con su vida desarrollada en la gira que esta haciendo por el norte de Francia, es decir, en la búsqueda de un amor (un “affaire”) que la saque de su convaleciente soledad.

Construido el film de una manera simple y concisa nos ilustra la vida de un romance, de un “affaire” con toques de comedia y drama, cuyas acciones se ven asimiladas en una obra de teatro de hilos autobiográficos. También esta historia nos muestra los contrastes entre la realidad de un amor efímero con la irrealidad de su exposición teatral.

Meritorio también es, la eficaz y elegante actuación de la actriz belga Yolande Moreau, la cual ganó el premio César a la mejor actriz por este film y a la cual vimos en “Amelie” (Jean-Pierre Jeunet, 2001) y veremos en “Séraphine” (Martin Provost, 2008).


UN CINE QUE DEJA DE LADO LAS FORMAS, Y SE HUNDE EN LA ESENCIA DEL RELATO. DANDOLE UN GUIÑO AL TEATRO, DONDE EL CLIMAX ESTA A MERCED DE LA HISTORIA Y SUS PROTAGONISTAS.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil