Dieciséis años distan desde la primera entrega de la mítica saga Torrente hasta la quinta y última -hasta el momento-. Ha sobrepasado a varias generaciones y, a pesar de las continuas y constantes críticas, la esencia sigue funcionando y haciendo de reír, “que al fin y al cabo es lo más importante y lo que pretendo con mis comedias”, según declaraciones del director, guionista y actor principal: Santiago Segura.

El argumento no tiene mucho misterio: Torrente reúne a un equipo de inadaptados, a los que él considera un gran equipo, para atracar uno de los casinos más importantes de la ficticia Eurovegas. Sin embargo, lo que resulta más llamativo de la película es el hecho de transportarnos a un futuro cercano, como es 2018, y representar de forma cómica y muy acertada temas de actualidad nacional. Sin duda, uno de los principales aciertos del director; gran parte del filme se sostiene gracias a ello, pues cada escena te roba una risa casi sin querer. Santiago, después de haber estrenado las mediocres tercena y la cuarta entrega, ha elaborado un guion más “coherente” -si al disparatado argumento se le puede definir de ese modo-, con una historia bien definida de principio a fin. Ese había sido el principal fallo de los dos filmes predecesores: una historia sin historia y una trama sin trama, donde los personajes y las escenas cómicas guiaban la acción, pero no parecían tener conexión; faltaba algo, faltaba un guion más fuerte y más amoldado a `El Brazo Tonto de la Ley´ que hizo triunfar y catapultar a la fama a Santiago Segura en el año 1998 -aunque ya había ganado un Goya a mejor actor revelación por su papel en `El Día de la Bestia´ (Álex de la Iglesia, 1995)-.

Otro de los errores más comunes en sus anteriores películas ha sido el uso excesivo de cameos y la importancia que se les daba dentro de la historia. Parecía una forma de rellenar minutos en pantalla. No obstante, esta quinta entrega, aunque asustase por la participación de Jesús Janeiro, no comete los mismos fallos. Los cameos surgen de un modo espontáneo para producir la risa en el espectador en un momento determinado; para nada están forzados. Y, en cuanto a la actuación de Jesús, más conocido por todos como Jesulín de Ubrique, no hay mucho que añadir: tiene menos diálogo de lo que se esperaba y cuando se convierte en el foco de atención lo hace bastante bien. Según declaraciones de Segura, “elegí a Jesús porque me parecía un hombre gracioso”. No se ha equivocado, al fin y al cabo; aunque he de reconocer que a mí no me hizo ni pizca de gracia cuando me enteré de la noticia, pues Kiko Rivera en la anterior entrega dejó mucho que desear en comparación con otros grandes compañeros de Torrente como Gabino Diego o Javier Cámara.

Y ahí llega la siguiente cuestión que plantea la película: el regreso del Cuco. Aunque ya no es representado por el mítico Gabino Diego, Julián López se defiende bastante bien y realiza un notable trabajo: hace de reir, que es la esencia de una comedia. Destacar a otros personajes del elenco, como Fernando Esteso, Florentino Fernández y, en especial, Carlos Areces. Sus apariciones en la gran pantalla aseguran una sonrisa. Mención honorífica para Areces, como ya he dicho antes, que nos brinda los mejores momentos del filme; junto con Santiago Segura y Julian López, y el actor norteamericano Alec Baldwin, de los mejores.

Como acabo de mencionar en la última frase del anterior párrafo, Torrente 5 cuenta con la participación estelar del actor estadounidense Alec Baldwin, quien aparece deleitándonos con numerosas frases en español -casi todo su diálogo- combinado con elocuentes expresiones en inglés. Es sin duda uno de los platos fuertes de la película; merece la pena verlo. También se reincorporan otros personajes míticos de la saga -no desvelaré nada- que si eres fan o seguidor de Torrente te harán reír nada más verlos en pantalla.

Vuelvo a reiterar que el principal acierto de Santiago Segura a la hora de realizar la quinta entrega ha sido construir un guion más sólido y representar una historia con su introducción -Torrente se encuentra una España sumida en una terrible y extraña crisis-, desarrollo -reúne a un equipo de singulares personajes para atracar un casino- y una conclusión que podría derivar en una nueva película… ¿o no? ¿Quién sabe? La taquilla, la crítica y sobre todo el público lo dirá. No obstante, pienso que nos encontramos ante una buena película de Torrente, aunque pueda recibir críticas por los cuatro costados por emplear el adjetivo “bueno” a un filme como este, pero ante todo en esta vida hay que ser francos. Desde la primera película, quizá igualada con la segunda -se mueven más o menos en la misma franja- no habíamos visto nada parecido. Como ya he dicho en los párrafos anteriores, la tercena y cuarta entrega dejan mucho que desear, pero `Operación Eurovegas´ devolverá la ilusión a los más fieles seguidores de la saga.

¿Recomendable para verla en el cine? Sin duda, primero porque es cine español y siempre hay que ayudar a salvarlo. Segundo, porque pienso que dentro de la disparatada historia nos encontramos ante una buena comedia -OJO, no hablo de una gran película u obra de arte- que te hará de reír y te sacará una sonrisa. Para los seguidores de la saga, simplemente decir que adelante. Para los que ni fu ni fa que se animen a contribuir al cine español y a pasar un buen rato. Y para todos aquellos que directamente odian la saga, invitarlos a ver la última entrega, pues los chistes machistas, obscenos, etcétera, siguen apareciendo, pero en menor medida. Una película pensada única y exclusivamente para entretener al público y al espectador. Y sinceramente creo que lo consigue. Ya que nos tragamos incontables e infumables comedias americanas todos los años, ¿por qué no deberíamos ver `Torrente´?

Nos encontramos ante la última entrega de la controvertida trilogía de Ulrich Seidl. La saga Paraíso, -por llamarla de algún modo- narra la historia de tres mujeres de la misma familia -madre, tía, hija-, pero de distinta generación, que intentan alcanzar la felicidad en la vida. En la primera película la madre viaja a Kenia, en busca del amor; en la segunda, la tía, Annamaria, vive a través de la fe y atormentada por sus pecados; entretanto, la última parte cuenta la historia de la hija, Melanie, quien debe enfrentarse a un duro verano en un campamento para adelgazar.

Por supuesto, en las tres películas -en principio iba a ser solo una parte, pero el director prefirió hacer una trilogía, por la extensa duración del filme- aquel “paraíso” acaba convirtiéndose en un infierno, cuando la realidad golpea a las protagonistas cual titán enfurecido. Esta última entrega narra la historia de Melanie, una chica de trece años, la cual debe pasar un duro verano en un campamento para adelgazar -diet camp, término inglés-. Allí se encontrará con su primer amor, se verá la cara con la desilusión y convivirá rodeada de la esperanza que le confiere su juventud.

Como no iba a ser de otro modo, Ulrich Seidl vuelve a mostrarnos la cruda realidad: una chica adolescente, acusada de sobrepeso, y acomplejada, que piensa que no puede llegar a algo solo por tener varios kilos de más. En el campamento vive sus primeras experiencias de la vida: el primer cigarrillo, las primeras charlas sobre sexo, la primera cerveza, el primer amor…allí vive rodeada de la esperanza; la posibilidad de perder peso y, por ello, ser vista de otro modo, ser querida.

Se enamora, entonces, de su médico: un hombre de mediana edad, cautivado por la juventud e inocencia de la niña. En algunos tramos de la película, el director consigue crear situaciones verdaderamente incómodas entre los dos personajes, como ya hiciera anteriormente en `fe´ y `amor´. Según declaraciones del propio Ulrich Seidl, la relación adulto-adolescente, tiene su relación con `Lolita´ (Stanley Kubrick, 1962).
La desesperación, la soledad, la angustia y la desolación se ve reflejado a lo largo de todo el filme, de toda la trilogía. Si en la primera parte, Teresa es arrollada por el desamor y el engaño, en la segunda, Annamaria es atormentada por el fanatismo religioso, y, en la tercera, Malenie es golpeada por el abatimiento, por el desánimo, y por la vida.

Ulrich Seidl es capaz de plasmar la realidad tal como es, incluso haciéndonos partícipes de ella; consiguiendo que nos identifiquemos con algunas situaciones y momentos de la vida. Es un director que no se corta en mostrar la crudeza del día a día, o del amor, la esperanza y la fe, que tantas veces se pinta en los cuentos como el camino hacia la felicidad. En el cine no existe la censura -o no debería-, por ello, el realizador austriaco nos deleita con escenas explícitas y punzantes. La manera de ver el mundo de Seidl, pesimista y podrido, recuerda, en cierto modo, al cine de Michael Haneke; dos maneras muy similares de mostrarnos los aspectos más fríos de la realidad.

La trilogía está rodada de una forma peculiar, debido, principalmente, al pasado documentalista del director. Los planos son muy sencillos, la música a penas acompaña, los diálogos son en muchos casos escasos, y algunos planos nos meten directamente en la película, como si estuviéramos allí y lo viésemos con nuestros propios ojos. Es cierto que en ocasiones este tipo de cine resulta pesado o monótono, aburrido; recuerda al movimiento Dogma 95. Si, aquel que lideró Lars Von Trier y Thomas Vinterberg.

Sinceramente, pienso que es la película de la trilogía más llevadera, pero no por ello, menos polémica o controvertida. El “paraíso”, como en las anteriores, acaba convirtiéndose en un infierno. El camino a la felicidad acaba atropellado por la crudeza de la vida, sin restricciones ni falsos tapices.

¿Diga de ir al cine? Bueno, creo que esta es una película exclusivamente para cinéfilos. Es puro cine independiente; de autor, y tremendamente intimista. Puede resultar una película aburrida, monótona, sin sentido, sin un guión lógico, con actuaciones improvisadas -según declaraciones del propio director, lo están-, y con una visión del mundo asquerosa y pesimista, aunque cierta. Si piensas eso, no estarías para nada equivocado, para que engañarnos. Si estás costumbrado a ver películas como `Iron Man´, `Transformers´, `A Todo Gas´, blockbusters en general, no recomendaría verla, ni empezarla si quiera, porque a los diez minutos ya la habrás aborrecido, literalmente.

Personalmente, no es una trilogía que me haya decepcionado ni disgustado -la segunda entrega es la más difícil de ver, sin duda- pero tampoco me ha llegado a deslumbrar ni a cautivar. No ha ganado un fan, vaya. Admiro las grandes dotes de Ulrich Seidl como cineasta, y como refleja su visión del mundo sin ningún tipo de tapujos, sin importar la polémica, las críticas o la controversia. Para concluir, diría, que si eres cinéfilo hasta la médula, no estaría de más ir al cine a verla; por el contrario, sería una pérdida de dinero y de tiempo asistir a las salas.

CRÍTICA escrita en INTRACINE.ES

Se esperaba con muchas ganas el nuevo trabajo de Antonie Fuqua con Denzel Washington después de la fantástica `Trainining Day´ (Antoine Fuqua, 2001). Nos encontramos de nuevo ante un filme de acción donde las bandas de crimen organizado están más que presentes. La película narra la historia de Robert McCall (Denzel Washington), un misterioso hombre que entabla amistad con una prostituta llamada Teri (Chloë Grace Moretz), la cual está bajo el mando y la vigilancia de la mafia rusa. Después de una serie de brutales acontecimientos, Robert decide tomarse la justicia por su cuenta.

El filme parte de una premisa demasiado utilizada o trillada en el mundo del séptimo arte. Una historia simple, al igual que el guion; el hilo argumentativo no te hace pensar ni comerte la cabeza en ningún momento del metraje, es más, no creo que sea su intención. Simplemente estamos ante una película de tiros, escenas de acción y cruda violencia audiovisual. Intenta, eso si, profundizar en los personajes, darles un toque más dramático, aunque la fórmula no llega a funcionar al cien por cien. La cinta se podría estructurar en dos partes fácilmente reconocibles: la primera, donde se presentan los personajes, sus historias y conflictos, y la segunda, donde Robert lleva a cabo su personal venganza y comienza la verdadera acción. El principio, lento y con un ritmo pausado, intenta desconcertar al espectador, haciéndolo ver que quizá la historia si va a tener gran predominancia sobre el discurso. En cambio, cuando Denzel aprieta el gatillo por primera vez, nos sorprenderos al comprobar que nada es lo que parece y que nuestras expectativas iniciales han vuelto a resurgir de las cenizas.

Cualquier comparación con `Trainining Day´ (Antoine Fuqua, 2001) resultaría, cuanto menos, ofensiva. `The Equalizer´ no es una mala película, pues cumple su objetivo: entretener a base de escenas de acción y violencia. No obstante, no es una película donde el guion o la historia tengan algún peso en el desarrollo de la misma, solo existen como excusa para ver en pantalla a un siempre notable Denzel Washington en el papel de justiciero (el filme es la versión cinematográfica de la serie televisiva `El Justiciero). Y es que el actor estadounidense, junto a las brutales y crudas secuencias de acción, es lo que salvan a una película con una historia plana y muy vista, y una dirección satisfactoria, pero que podría haber ofrecido mucho más. Un filme simple que no aporta nada nuevo a un género cada vez más atascado en la misma piedra. El cine de acción lleva demasiado tiempo atrapado dentro de una serie de fórmulas y normas estipuladas para el supuesto éxito de la obra a realizar. Una verdadera pena...

`The Equalizer´ pasará sin pena ni gloria por las taquillas de nuestro país. No será recordara como una de las peores, pero, ni mucho menos, como una de las mejores.

Lo mejor: las crudas escenas de violencia y el papel de Denzel Washington

Lo peor: la poca originalidad del filme y su excesiva duración

INTRACINE.ES

Peter Jackson nunca falla.

Quería dejar clara la afirmación y por ello la pongo en la primera línea y en un solo párrafo, para que destaque de forma directa. Y bueno, ese sería, por llamarlo de algún modo, el resumen en cuatro palabras de una larga e increíble película. Para todos aquellos que quieran profundizar en el tema, les invito a que sigan leyendo esta crítica; quienes no tengan tiempo o simplemente no lo quieran así, la primera línea les orientará para saber lo que se van a encontrar en pantalla.

Ya conocemos a Peter Jackson, su forma de rodar revolucionó el cine épico: sus planos desde las alturas mostrando espectaculares paisajes y escenas de guerra, la forma de retratar con gran determinación el maravilloso mundo de la Tierra Media...el listón de El Señor de los Anillos lo dejó bastante alto (una de las mejores sagas de la historia del cine). Además, la trilogía del anillo parte de la gloriosa y mítica novela del mismo nombre escrita por J.R.R Tolkien. En cambio, aunque El Hobbit nace de una novela del mismo escritor, está dirigida a un público mucho más infantil, una historia que bien podría definirse como un cuento largo y bien hilado. De ese modo, P. Jackson y todo su equipo de rodaje tenían una complicada y ardua tarea por delante.
La primera entrega fue bastante satisfactoria: la filmación (de nuevo) espectacular, la ambientación de la Tierra Media, el vestuario, el montaje y la caracterización fueron simplemente magistrales; por no hablar de los pequeños guiños a la trilogía del anillo. Sin embargo, nos encontramos con una historia de aventuras, que al igual que el libro (aunque se inventaron bastantes sucesos), tenía un toque infantil, ese detalle que alejaba a El Hobbit de sus predecesoras.

La Desolación de Smaug soluciona ese fallo de la primera entrega. Nos encontramos con una historia con más acción, más intriga, más dramatismo y que se asemeja a la trilogía de El Señor de los Anillos (aunque no siempre debe ser esa la meta, porque son películas y tramas diferentes, pero el público [donde me incluyo] es exigente).

El inicio es fulminante, te embauca desde el primer momento, ya que a los personajes los conocemos y no ocurre como en la primera entrega, donde la presentación de la historia y los enanos fue un tanto lenta y carente de acción. El ritmo es constante en todo el filme, siempre en tensión, menos las escenas de diálogos largos (algunos demasiado forzados, ya que explican mucho pero no acaban explicando nada). La adaptación de la novela sigue siendo sin ser fiel en algunas partes de la historia; los amantes del cine daremos gracias por ello, en cambio, los fans incondicionales del libro soltarán barbaridades y calumnias varias.

Los nuevos personajes no aportan, por decirlo de alguna manera, nada importante al argumento principal, al hilo conductor de la historia. Sin embargo, sirven para encarrilar la acción y crear nuevas fantasías e historias que dan credibilidad y dramatismo al filme (con historia de "amor" incluida). El guión, en líneas generales, es asombroso (como defecto añadiría algunos diálogos prescindibles, pero como todo, nada es perfecto), poesía para los oídos. Y las tramas inventadas han servido para reforzar al filme en todo momento, y no para hundirlo, como puede ocurrir en otras adaptaciones cinematográficas.

Y sinceramente pienso que el principal acierto tanto de P. Jackson, como de todo el equipo técnico, ha sido corregir el error de la primera entrega, darle un toque más adulto, más dramático, añadir más tensión y sobre todo...más acción. Por todo ello la supera con creces a la primera parte. Pasando al tema de los efectos visuales, ¿qué decir? Fantásticos, increíbles, un verdadero regalo para los ojos. La Tierra Media no podría haber sido mejor adaptada: fabuloso.

La guinda la ofrece Smaug en forma de dragón. Quedareis todos fascinados con la bestia escupe-fuego. Y también está el aliciente de ver a Légolas (y al maravilloso mundo de los elfos) de nuevo y volver a observar los guiños constantes a El Señor de los Anillos.

¿Recomendable verla en el cine? No. Recomendable, no, ¡es obligatoria! De verdad, si os habéis gastado el dinero en otras películas, en esta sería casi un delito no hacerlo. Y si es en 3D mejor, que para un filme que lo hacen íntegro en ese formato, merece la pena.

Aviso a navegantes: el final os dejará con los ojos bien abiertos.

La verdadera venganza debería ser perpetrada por todos aquellos ingenuos espectadores que pagasen un solo euro de su bolsillo por ver la película.

A años luz queda la primera entrega de la saga, una notable entrega de acción que cumplía con creces las expectativas del espectador: entretenimiento, historia satisfactoria y un guion sin demasiados vacíos literarios. Me atrevería a decir que esta última cinta ni siquiera cumple la primera premisa. El primer error reside en el argumento, que de primera mano no resulta creíble -la ex-mujer de Bryan Mills (Liam Neeson) es asesinada y él se baraja como máximo sospechoso-. El segundo gran error radica en el guion -diría que los guionistas carecen de talento, pero al tratarse de Robert Mark Kamen y Luc Besson, consumados guionistas dentro del sector, diré que carecían de motivación y/o tiempo para escribir algo decente-, pues no logra captar la atención del público en ningún momento -parece que tampoco lo pretende- y los puntos de giro son extremadamente previsibles y obvios.

Ni siquiera el plantel actoral salva a la película del desastre. Ni Liam Neeson, quien bajo mi opinión debería abandonar este tipo de filmes o, al menos, subir el nivel de estos, ni Forest Whitaker logran redimir una historia que no se sostiene. Y es que nada relacionado con la película parece tener sentido; su entorno está contaminado por el cataclismo y nadie ha decidido poner un grano de arena e involucrarse en sacar adelante un proyecto, como poco, digno. Pero ya se sabe, el dinero muchas veces -lamentablemente- es lo único que mueve este sector, y da igual lo que salga, con tal de que salga y fabrique billetes de color verde.

Olivier Megaton no nos ofrece una dirección novedosa o intensa, simplemente se limita a dejarse llevar por una historia sin historia y a través de un prisma marcado por personajes planos y sin carisma. El montaje, como en la mayoría de las películas -malas- de acción de modernas, se limita a una consecución de infinitos planos de menos de un segundo cuyo valor narrativo vale menos que un peine, y cuya única utilidad radica en un discurso repetitivo y nada original. ¿Para qué queremos una puesta en serie así? ¿Por qué tantos planos para ver a un tío bebiendo un vaso de agua? Todo carece de sentido.

Lo único disfrutable -entre comillas- del filme serían las escenas de acción, pero al no guardar una relación lógica con la historia, se muestran como violencia gratuita para goce de un espectador poco exigente -¿con tan poco nos conformamos?-, que sin embargo ha pagado un elevadísimo precio por la entrada. En definitiva, nada puede liberar a `V3nganza´ del fracaso absoluto -al menos en cuanto a nivel de expectativa, veremos a ver en taquilla-. Muy lejos queda la aclamada primera película de la saga: donde verdaderamente tendría que haberse dado todo por cerrado. Aunque, desgraciadamente, la industria cinematográfica a veces se comporta así...

Lo mejor: seguramente la última entrega de una saga que nunca tuvo que tener más de un filme

Lo peor: que se haya rodado

NOTA: 3,5/10

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