El universo de "A todo Gas" se expande, después de nada más y nada menos que 8 entregas de la saga de acción creada para el lucimiento de Vin Diesel, y que se ha convertido en un referente dentro del cine de acción desde su creación en 2001. Llega una película que utiliza dos de los personajes más carismáticos que aparecieron en la última entrega, el agente americano Hobbs (Dwayne Johnson) y el espía inglés Shaw (Jason Statham) se adentrarán en una nueva misión casi suicida para intentar salvar a la hermana del segundo, la cual se ve involucrada en un intento de robo de un arma biológica letal.

Con un planteamiento que recuerda mucho a "Mission Imposible" (especialmente la tercera, recordad Pata de conejo vs Copo de nieve) y una relación de protagonistas que recuerda mucho a la película de los 80 de "Tango y Cash" con dos personajes antagónicos con mucha chispa que encajan perfectamente siendo perfectamente complementarios. Uno Hobbs es la fuerza bruta y el carisma, el otro Shaw es la clase y la elegancia con un toque de maldad pero adorable. La película deja desde el minuto uno claras sus bazas, empezando con un acción y disparos por todas partes, un malo de libro (Idris Elba) y una corporación criminal que quiere reformar el mundo, al más puro estilo Spectra.

Con un humor omnipresente y la perfecta química de los protagonistas la película se convierte pronto en un "placer culpable", lleno de momentos inverosímiles, a pesar de su guión simple y previsible se trata de un entretenimiento muy recomendable para este verano. Destacamos especialmente el cameo de un actor muy famoso en un personaje realmente impagable de "controller" de la CIA que junto con una protagonista femenina de gran fuerza que completan el reparto principal, que funciona perfectamente. Otros cameos como los de la madre de Shaw o el peculiar Marshall aéreo aportan algo de frescor a un metraje que puede ser excesivo.

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La sombra de la ley es una nueva apuesta de Hispano Fox Film por el cine español en donde se ahonda en una época poco tratado en el cine de nuestro pais, y menos con un enfoque tan hollywoodiense en lo referente a la ambientación del Chicago de principios de siglo. Y es que en ese aspecto la película tiene un aire a los clásicos americanos de gangsters, con coristas pero traído a nuestro país, en concreto a la Barcelona de los años 20, aunque con unos elementos más propios de nuestro entorno.


En ese aspecto si por algo destaca la película es por magnífica factura, si bien se trata de la primer producción de gran presupuesto de Dani de la Torre (creador de la sorprendente "El desconocido"), lo más reseñable es el aspecto formal de la película. Ambientación perfecta, efectos conseguidos, planos increibles, escenas de acción o persecuciones contundentes son algunos de los elementos característicos de una película en la que destaca también el elenco protagonista, al menos en nombre.


Con Luis Tosar, Michelle Jenner, Vicente Romero, Ernesto Alterio, y Paco Tous como cabeza de cartel nos encontramos ante una película que no ha reparado en gasto en lo referente a gastos. Y es que encontramos caras conocidas del cine y la televisión que se encargan de sacar adelante una serie de papeles realmente flojos. Porque otro punto a destacar de la película es lo flojo de su guión.

Si bien la historia del grupo policial de acción inmediata, las tramas políticas o las luchas de los grupos marginados por aquel entonces pueden parecer interesantes a priori, el tratamiento que se lleva a cabo por parte del guión de toda la historia es disperso y poco acertado. Todos los elementos formales que hacen destacar a la película se diluyen en una serie de personajes llenos de tópicos, una historia sin gancho y unos giros de guión tan previsibles como continuos.

Y es que si bien hay personajes prometedores, como el Barón o el propio Aníbal, sus apariciones y diálogos poco aportan sobre su trasfondo que es vano y poco profundo. Por lo que según pasa el metraje la historia nos va importando menos, hasta alcanzar una resolución tan poco emotiva como satisfactoria que nos deja fríos. Todo el tema político y social (sindicalismo, anarquía, liberación de la mujer, corrupción) se trata de refilón, de manera algo sensacionalista, como queriendo hablar de todo, pero al final no se profundiza en nada.


Realmente la película sobresale en los aspectos técnicos, con planos maravillosos (si bien algunas escenas de cámara circular son algo mareantes y excesivas) en general nos encontramos ante una película que sobresale de la media del cine español en su factura, lo cual hace más doloroso la falta de calidad de su guión, lleno de diálogos vanos y relaciones superficiales. Otro aspecto a destacar el sonido, especialmente la magnífica banda sonora que entremezcla temas clásicos con una muy destacable canción operística interpretada con Ainoha Arteta, si bien la sensación general de la historia no emociona, podemos destacar algunos momentos en lo visual y sonoro.

En resumen, un intento fallido de desmarcarse de la producción patria clásica, una película con muchos más medios que fondo que si bien puede fascinarnos evocando tiempos pasados de una manera preciosista no acaba de ser una envoltura vacía de contenido.

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Nos encontramos ante posiblemente una de las mejores películas sobre la colonización y la dura vida del europeo que quiere vivir el sueño americano, una película extensa, con dos partes diferenciadas (la juventud de los protagonistas y su vida años después), posiblemente la mejor película de Sergio Leone (un gran director desaprovechado en películas del oeste, que no me gustan) y que aquí demuestra un magistral control de la fotografía y el manejo de actores que tan grande le hizo.

Unos grandísimos actores en plenitud (De Niro y James Woods, unos de los grandes) y una música GLORIOSA sin más, uno de los mejores trabajos de Morricone (Junto a la maravillosa "La Misión" o " 1492 la conquista del paraiso")

Sencillamente CINE en Mayúsculas.

Es una de esas películas que cuando la ves te dejan un poso de sensación, un sabor a gran película, todos los actores perfectos, sobre todo Caine y una ambientación digna de mencionar.

Brendan Fraser vuelve a demostrar que es un gran actor (ya lo hizo en la imprescindible "Dioses y Monstruos") cuando se deja de Momias y Looney Tunes.

No te la debes perder.

"Erase una vez en Hollywood" tras su estreno en el Festival de Cannes, con campaña anti-spoiler de por medio, llega a nuestras salas la novena película de Quentin Tarantino, penúltima de su filmografía, debido a la promesa (mantenida) de retirarse a su décimo film como director. Siguiendo la estela de muchos de sus proyectos, llenos de cinefilia y amor al séptimo arte, el director de Tennessee se lanza, por primera vez, a retratar, desde dentro, el mundo en el que trabaja, retrocediendo a finales de los 60, para mostrarnos los entresijos de ese Hollywood de almas perdidas, en el que vagaban actores en decadencia junto a otros en la cúspide de su carrera. Con una mirada de cierta ternura, que pocas veces ha mostrado Tarantino, “Erase una vez en Hollywood” se convierte, probablemente, en una de las películas más atípicas de su carrera.

Y es que es muy complicado hablar de la última película del director de “Pulp Fiction”. Con muchas de las señas de identidad que le caracterizan (duraciones extensas, diálogos rápidos y ágiles, violencia explicita…), el retrato de un mundo que estaba cambiando por completo se antoja mas íntimo de lo que acostumbra. Deteniéndose en sus personajes de manera mucho más calmada, dándonos momentos emocionantes y bonitos, como ese visionado de Sharon Tate sobre una de sus últimas películas, en un cine donde nadie la reconoce y donde disfruta, cual sueño, de la reacción positiva del público hacia su interpretación (en ese mas que tierno reflejo de una Margot Robbie que está viendo a su alter ego real en pantalla, en una de sus últimas interpretaciones).

De esta manera, entre otros muchos ejemplos que podrían darse, se abre un melancólico dialogo entre realidad y ficción que será la piedra angular de la película de Tarantino, dispuesto a re-interpretar la historia de Hollywood a su manera, cambiando todo aquello que no le complazca, cual cuento de hadas.

Aprovechándose de aquellos aspectos que ama: la serie B, el western televisivo, las películas de artes marciales (aparición maravillosa y desternillante de Bruce Lee de por medio) … Tarantino realiza algo así como su “Ed Wood” personal, regalando amor a esos perdedores del cine. Se muestra, para ello, mas dilatado que en otras ocasiones, y quizá, también, menos redondo en la conexión de una historia cuyo hilo conductor es más débil de lo que nos tiene acostumbrados. Haciendo un retrato más íntimo de personajes, “Erase una vez en Hollywood” se queda coja en cuanto estructura de la historia se refiere.

Es cierto que durante mucho tiempo del metraje uno se siente confundido, no logra vislumbrar del todo bien lo que pretende Tarantino con unas historias diversas que parecen no llevar hacia ninguna parte. Y, finalmente, algo así es. Aunque la conexión exista, es mucho mas floja de lo que uno podría esperar de su director.

Esto nos da elementos buenos y malos: el bueno, es que, como antes comentábamos, podemos ver a un Tarantino más crepuscular, más íntimo, más interesado en sus personajes que en lo que les rodea; lo malo, por su parte, es que la sensación de acabado redondo que muchas veces suele tener su cine, aquí se disipa, para dejar paso a una sensación extraña, algo agridulce, como si uno sintiese que podía haber dado de más este guion, que lejos que antojarse largo (teniendo en cuenta su duración), parece quedarse corto en ocasiones.

Es esta sensación rara de la que hablamos la que le deja a uno sin saber bien que opinar acerca de esta "Erase una vez en Hollywood", la historia de Rick Dalton y su doble de acción, que parecen ser la excusa de Tarantino para hacer un viaje a través de los escollos de ese Hollywood en transición, con los Manson campando a sus anchas.

Teniendo la estaca de la historia en estos dos personajes, que regalan escenas antológicas (esa visita de Brad Pitt a la granja de los Manson, todo el rodaje de ese capitulo piloto, de un western, donde DiCaprio comienza a vislumbrar su posición en la industria actual…), el resto de historias, interesantes en general, pero poco desarrolladas, parecen ser finalmente un boceto a medio dibujar que le sirve a su director para jugar a los “Malditos Bastardos” y entregar un tercio final mas propio de él, hiperviolento y descarado.

Ahora bien, aunque no conecte todo como debería, aunque se noten flecos sueltos o uno tenga la sensación de que algo le falta al esqueleto de su historia, Tarantino se las arregla para realizar el que, probablemente sea, el final mas bonito de su carrera. Unos cinco minutos finales (plano final incluido) que muestra a ese Tarantino mas melancólico del que hablábamos, uno de los principales puntos fuertes de esta "Erase una vez en Hollywood".

Es por ello que, en definitiva, es muy probable que no estemos ante una de las grandes películas del director. Muchos verán en ella, incluso, una de las más flojas o menos completas, que tampoco es el caso. Podríamos decir que "Erase una vez en Hollywood" es una de las más personales, teniendo en cuenta la extraña sensación que puede ocasionar esto.

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