Respetando sus constantes cinematográficas, Verhoeven nos introduce de nuevo en su perturbador universo.
Lo aparente se cubre o maquilla de moralidad y éxito profesional, no importa que ese maquillaje sea el catolicismo fanático o el triunfo empresarial basado en la violencia, el mal gusto o las finanzas. En ese mundo de apariencia agradable habitan los monstruos, magistral, bien medida, referencia constante al pasado familiar de la protagonista. Todos los universos familiares que se nos muestran, presentan un nivel de degradación sólo posible en el arte de verdad. La familia como microuniverso de apariencias, escondite de monstruos.
Otro acierto de la película, absolutamente determinante, es la esencialidad de sus 130 minutos, se cuenta lo que hay que contar de una manera desnuda y sincera, pasando de una secuencia a otra con total rotundidad para no dejar demasiado espacio a los sentimientos, solo espacio a la perplejidad y al desasosiego.
Las mujeres capitanean la inteligencia de la historia, una inteligencia que Verhoeven siempre considera retorcida y morbosa porque en su cine son inseparables deseo, pulsión, instinto y razón. Los hombres configuran el espacio de la estupidez disfrazado de moral protectora. Y de todo ello surge Elle, una película que golpea con extrema dureza la moral hipócrita de nuestra sociedad, una moral tan frágil como perversa, máscara de la auténtica condición humana.
"Gracias por satisfacer sus deseos durante un tiempo". Cuando escuchen esta frase, vean quien la pronuncia, dentro de qué contexto y puedan entender con ella todo el lodo que acaban de presenciar, entenderán también la valentía y la sinceridad de una propuesta. Verhoeven siempre ha sabido que todo esto ya se hallaba en el cine del maestro Hitchckock, pero ahora no hay censura. El instinto prevalece. El gato se come al pájaro. El inconsciente es un videojuego.

Lo que solemos conocer popularmente como "poca gracia" se puede ejemplificar en cada una de las secuencias de este producto, heredero de la más infame comedieta conservadora española. Los momentos más patéticos son aquellos en los que se intenta imitar al maestro Berlanga, pero la trabajada naturalidad del genio aquí es estudiado e impostado automatismo sin pizca de vida.
No es nada bueno creerse un joven genio, no es nada bueno escribir guiones como quien escribe una mala novela sentimentaloide con,final sorpresa para más inri de los tontainas espectadores, no es nada bueno forzar momentos experimentales (cortes de frases, miradas a cámara, bailoteos), todo para hablarnos de las glorias de la bandera, del orgullo de ser español, del gol de Iniesta, de la necesaria familia, del Padre y de los bíblicos hijos, de los anillos de compromiso, de llegar virgen al matrimonio, de lo diver que es ir de putas. Buenismo y cursilería a granel que se esfuerza por mostrarse como modernez agamberrada. Gamberretes (actores perdidos en un laberinto de mala dirección) que dejan todo como está a pesar de sus inocuos gestos de depresiva contrariedad. Gamberretes bien que en vez de traje y zapatos, lucen unas coloridas zapatillas que definen a la perfección el listón de su transgresora propuesta. Insisto, un cine mucho más conservador de lo que a primera vista puede parecer y que insiste en el mensaje de las películas anteriores (siempre la misma) del sobrevalorado joven genio.
Cuidado, el nivel del cine español se mide por este tipo de "cosas" y el nivel es terroríficamente bajo, el que pisan esas infantiles y tontainas zapatillas.

Un extraño que llega. Lo extraño que ya se encuentra dentro, en un poblado sin ley donde solo rige una devastadora naturaleza humana hobbesiana, el hombre depredador, aquí carroñero, lobo para el hombre. Un duelo de actores y un duelo de guión, magistral en su preparación rítmica y en su final.
En este demoledor western argentino no hay buenos, el espectador no tiene éticamente donde agarrarse, por eso no puede apartar los ojos de la pantalla, la falta de oxígeno moral se convierte en la fuerza de la verdad, de la historia. Seres humanos en un medio moral y físico ruinoso, repugnante, psicología interior y paisaje exterior se dan la mano. Magistrales metáforas en los espacios que se van vaciando, en los animales que van muriendo, aplastados, tiroteados, animales o seres humanos aquí ocupan el mismo espacio y están al mismo nivel.
Hendler y Sbaraglia realmente portentosos, dotando a sus personajes de una complejidad pocas veces vista en una interpretación, cobardes y crueles, engañadores engañados, náufragos en una realidad construida por un sistema voraz, en palabras del filósofo maestro Emilio Lledó, la ideología del hombre lobo. Dos actores que nos conducen de manera impresionante por los pasadizos de este infierno existencial, de este desierto moral en el que se está convirtiendo occidente. Sistema de hombres lobo o darwinismo social. El dinero dentro de la bolsa de basura. No existe una metáfora más demoledora, terrible, es lo que tiene la verdad.

Sin ser admirador de la filmografía de Tornatore, de quien nunca me ha gustado la excesiva sensiblería de sus películas, debo decir que me he llevado una gran sorpresa con La mejor oferta. Una cinta contenida, poética, pesimista, casi descreída. Una cinta con un ritmo creciente y que nos obliga a adoptar en todo momento el punto de vista de un personaje con el que nos tenemos que identificar a la fuerza, al que comprendemos e incluso amamos. Es curioso que alguien que ama el arte sea incapaz de expresar y de comunicar, pero es que de eso habla esta magnífica película, de la necesidad y de la imposibilidad de comunicarnos, de expresar lo que realmente somos, y del ocultamiento de nuestro verdadero yo tras una máscara impenetrable que suele ocultar altas dosis de inmoralidad y altas dosis de humanidad. Nadie en esta película es víctima y todos, de alguna manera son crueles y culpables.
La interpretación de este actor a quien considero uno de los más grandes (Geoffrey Rush) contribuye a hacer creíble lo inaudito. Algunos planos que persiguen la soledad de este personaje son realmente magníficos, su evolución y su humanización llegan a conmover. Su autoprotección ante un mundo hostil no es más que el síntoma de su extrema fragilidad.
Una hermosa película sobre nuestras propias prisiones, muchas veces y lamentablemente necesarias. Este Tornatore se acerca más a mi concepción del cine y de la vida.

Con El árbol de la sangre, Julio Medem retorna a su mejor cine, ese cine poético, telúrico y que rompe cualquier barrera moral o lógica narrativa. Ese cine arriesgado que bordea el precipicio pero que se alimen ta de lo clásico, esos soberbios personajes ensimismados a lo Robert Bresson, ese estudio de la locura a lo Kubrick, ese surrealismo mágico a lo Buñuel o Ripstein.
Hay que aceptar el universo Medem para amar su cine, de lo contrario es normal que uno se aleje de su propuesta y no quiera jugar la enrevesada partida, propuesta de libertad radical donde el bien y el mal, la vida y la muerte, la violencia y la locura acaban fusionándose. Un vitalismo en términos nietzscheanos donde hay que saber, como los personajes, vivir en el caos, a lomos del tigre, del precipicio.
Como en las que para mí son sus dos obras maestras (Tierra y Los amantes del Círculo Polar) aquí encontramos seres que tienen que huir física y mentalmente de si mismos para llegar a conocerse, seres que buscan el perdón y la reconciliación, la redención. El viaje de la oscuridad a la luz de la autoaceptación. La locura, el sexo, la naturaleza, el amor son elementos clave para interpretar un cine plagado de metáforas de una poesía más que hermosa, dionisíaca, la belleza terrible de la vida que se impone al bien.
Medem recupera su seña de identidad más característica: la casualidad como metáfora de lo irracional, de lo inconsciente, de lo vital y de lo existencial, hay en todo su gran cine un ejercicio supremo de psicoanálisis existencial. Entendamos el cine de Medem como una propuesta artística lejana a lo convencional, de un romanticismo visceral y animal.
Esos seres solitarios y atrapados que luchan desesperadamente por conquistar su libertad, son los seres más fuertes y desvalidos, creadores y destructores a la vez, seres de una inimitable belleza y profundidad, su sufrimiento es su fuerza y su huída es su regreso.
Medem, con esta gran película, también ha logrado regresar a lo mejor de su arte, a si mismo, a su esencia, a aquello que lo convirtió en un director único, poeta transgresor, contador de sueños enigmátcos y feroces, director al que hay que amar tanto como él ama a sus personajes, como él ama el cine y la vida en todas sus dimensiones,con toda su pasión de eterno adolescente. Gracias por esa pasión intacta.