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Críticas de Franky_23
Críticas ordenadas por:
Shame: Sin reservas
Shame: Sin reservas (2011)
  • 6,8
    37.568
  • Reino Unido Steve McQueen
  • Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, ...
8
Sexo, mentiras y páginas porno
"Shame" bien podría ser la película más estimulante del pasado año. A muchos niveles. En su segundo trabajo como director, Steve McQueen (no confundir con el legendario actor) filma una cinta subyugada al placer, pero también al odio, al dolor. El realizador británico vuelve a contar con Michael Fassbender, tras su anterior y primera colaboración juntos, "Hunger" (2008), y lo somete de nuevo a un encierro: pero si en la primera las paredes del cautiverio eran de hormigón, en "Shame" es la mente de Fassbender la que se encuentra aislada, encerrada en su propia prisión de envilecimiento y vergüenza.

La cinta se asemeja a una bomba de relojería. Tanto por el ritmo lento y pausado, cargado de desazón, que imprime McQueen a su composición, como por la excelente banda sonora de Harry Escott, culpable de una inmersión absoluta en la historia de este galán treintañero, tótem viril, envidia de todos y anhelo de todas, adonis apolíneo, coraza en realidad de un intelecto roto, frustrado, sumido en una espiral de odio a su persona, de impericia a la hora no ya de amar, sino de conectar siquiera con el ser más cercano a él, su igualmente herida hermana, una estupenda Carey Mulligan.

Fassbender se confirma como un actor portentoso, de esos que no necesitan casi palabras para decirte algo porque ya lo están haciendo con una simple mirada. Se adivina que no ha sido este un papel fácil, que ha precisado de un recogimiento y un análisis introspectivo del personaje. Y por eso es mucho mayor la satisfacción cuando compruebas que el autómata al que has visto antes masturbándose en el baño de la oficina en una especie de ritual diario, siendo benefactor del negocio más antiguo del mundo o buceando a todas horas con su ordenador por páginas pornográficas, es también capaz de derramar una lágrima.

Hubiera sido muy fácil perderse en el mundo del sexo entendido no como muestra de afecto entre dos seres sino como mera vía liberadora de deseos fluidos. El mayor mérito de la puesta en escena de esta descorazonadora historia es sentir empatía, lástima, llámenlo como quieran, hacia un individuo que lo tiene todo, o que podría tenerlo todo, pero que no tiene nada, que obedece a sus impulsos más lujuriosos de forma doliente y mecánica, en busca constante del placer, culpable o no, que tanto ansía. O, quién sabe, en busca de una versión de sí mismo con la que sentirse bien, en un mundo cada vez más poblado por farsantes de dudosa e hipócrita moral, ajenos a la vergüenza, encerrados, como Brandon, en una prisión espiritual.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
J. Edgar
J. Edgar (2011)
  • 6,1
    25.616
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Josh Lucas, ...
6
Contra el imperio del crimen
El personaje de J. Edgar Hoover, director del mismo FBI que hace unos días clausuró cierta web de alojamiento de contenidos, ya aparecía en la película de Michael Mann Enemigos públicos (2009). Lo interpretaba con solvencia Billy Crudup, adelantando muchas de las particularidades de un personaje que ahora Leonardo DiCaprio, en su primera colaboración con Clint Eastwood, hace suyo por completo. Un tipo reservado, ambicioso y que logró sobrevivir al frente de la Oficina Federal de Investigación a siete presidentes, prueba latente de obstinada y férrea índole.

En la película de Michael Mann su rol era secundario: era su presencia la que empujaba al agente Purvis a lanzarse a la persecución y captura del afamado atracador de bancos John Dillinger. En los créditos finales de dicho filme se nos revelaba el destino último de Melvin Purvis: su renuncia al FBI y su posterior fallecimiento. Renuncia que se descubre en esta cinta como destierro instigado por un Hoover receloso de su escasa popularidad en pos de la del agente. Quizá por eso el director de Poder absoluto (1996) confiere ahora a Edgar toda la atención que siempre buscó y que nunca llegó a merecer del todo, a tenor del relato.

Son muchos los episodios de la vida de este defensor del pueblo americano los que se nos muestran en una película que sobrepasa las dos horas de duración. Entre medio de los avances en forma de métodos científicos que ayudasen a combatir el crimen, Eastwood encuentra tiempo, como es de obligación en este tipo de propuestas, para ojear la biografía íntima de J. Edgar, a tres bandas con una madre dominante, la compañera y secretaria del temible dignatario y un cómplice masculino venido a más.

Cerca de cincuenta años (desde la juventud hasta la edad anciana, con un maquillaje más logrado en algunos personajes que en otros) comprendidos en un título que no logra conmover al presente y que está lejos de ser una de las grandes obras de un director que hasta hace poco nos tenía acostumbrados a una obra maestra detrás de otra. La película patina en su voluminosa y enredada narración en dos tiempos, agravada por la naturaleza del filme de fiel crónica intimista y política. El problema quizás resida en que esta vez la tarea era demasiado teórica, aunque se agradece el empeño, o en que quizás los tipos buenos, los que se sientan del lado de la ley aunque siempre se empeñen en quebrantarla con acciones de dudosa moral, nunca serán tan extraordinarios como los que corren libres del otro lado (y) de ella.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Prisionero de guerra (Serie de TV)
Prisionero de guerra (Serie de TV) (2011)
  • 7,6
    40.950
  • Estados Unidos Howard Gordon (Creator), Alex Gansa (Creator), ...
  • Claire Danes, Damian Lewis, Mandy Patinkin, Rupert Friend, ...
8
Ratón que te pilla el gato, ratón que te va a pillar, si no te pilla esta noche, mañana te pillará
'Homeland' ha sido (con permiso de 'Black Mirror', que no puede ni debe considerarse una serie al uso) la serie revelación de la temporada. Está orquestada por las mentes pensantes de la '24' de Jack Bauer, y nos cuenta la historia de un prisionero de guerra (Damian Lewis, 'Hermanos de sangre') que vuelve a casa tras ocho años de cautiverio en Irak convertido en héroe, y la de una agente de la CIA (Claire Danes) que no lo ve como tal y sospecha que quizá se haya pasado al bando contrario.

No me sorprende comprobar que la serie israelí en que se basa esta 'Homeland' discurra por derroteros ligeramente diferentes: mientras que esta adaptación americana se mueve más en el terreno conspiratorio y artificiero, la serie madre se centra mayoritariamente en el drama personal al que se enfrentan estos soldados, cautivos durante años de un enemigo al que no entienden, héroes por obligación en su prorrogado retorno a un hogar que ahora es extraño.

Sería no obstante injusto vilipendiar la propuesta de los creadores de los días con más trances y fatalidades en la vida de un mortal, pues si bien 'Homeland' comparte con '24' ciertos códigos de acción frenética, es una oferta un tanto más pausada, que se detiene a observar a los personajes, y a dejar que estos, con su buen hacer, nos hagan partícipes de las intrigas secretas y demás maquinaciones. La serie alcanza de hecho sus mejores momentos cuando entiende la calma como anticipo ineludible de la tempestad.


El espectador que de una oportunidad a 'Homeland' encontrará en ella un retrato certero e implacable de la América post 11 de septiembre, de una sociedad que mandó al frente a sus hombres para combatir el eje del mal y de un pueblo que de la noche a la mañana se vio invadido por fuerzas ajenas y coloniales. Este es el contexto, el marco donde se desarrolla el verdadero duelo de púgiles, acertado él, memorable ella, una suerte de tira y afloja entre un gato y un ratón que se acercan demasiado.

Acabada la primera temporada, estamos de enhorabuena. La serie ha sabido jugar sus cartas con sana destreza, resolviendo satisfactoriamente el complejo entramado que presentaba en su potente premisa. No era tarea fácil, y menos lo será encarar una segunda temporada ya firmada. Confiemos en que sabrán llevar a buen (y cercano) puerto esta interesante narración.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Águila roja. La película
Águila roja. La película (2011)
  • 4,8
    2.701
  • España José Ramón Ayerra
  • David Janer, Javier Gutiérrez, Inma Cuesta, Martina Klein, ...
5
La legión del Águila
Los seguidores de la serie líder en audiencia de TVE esperaban con más curiosidad que efervescencia el salto del héroe ninja del siglo XVIII de la pequeña a la gran pantalla. El director y los guionistas, parece que también. Aunque sería injusto (por parte de aquellos que seguimos las andanzas de este maestro metido a espadachín en una España que fue más convulsa de lo que se muestra) despreciar esta incursión en salas de Águila Roja, lo cierto es que es evidente la pereza y la comodidad en las que se asienta la película: esta no es sino un capítulo más de la serie, con un presupuesto algo mayor, eso sí, que se traduce en más secuencias en exteriores y en la participación de un tigre. No busquen más, porque no lo hay.

Pero de nuevo, ¿es justo ensañarse con algo que festejas (aunque desde el ligero bochorno) semana tras semana? Pues no, y aunque produzca cierta vergüenza declararse partidario del pseudo-héroe que es Águila Roja (no así de su fiel escudero, Sátur, responsable de los mejores y más cómicos momentos de esta suerte de epopeya), hay que aceptar que dentro de la ficción española nunca vamos a encontrar nada que se salga del molde (exceptuando una maravilla que se llama 'Crematorio'), y que al menos 'Águila Roja' tiene sus momentos. Muchos. De vergüenza ajena. También alguno que otro inspirado. Pocos, pero los tiene. Amén de que intenta ofrecer algo diferente en el panorama nacional, aunque acabe siendo la misma mierda, con perdón, de siempre. Eso sí, un rato entretenida.

Y como manda el canon, la película es más larga, más grande y sin cortes (esto aquí no vale porque TVE ya emite sin publicidad). La trama se amplifica, sale de la villa e incorpora un conflicto entre países a escala mayor. Hay batallas (por llamarlo de algún modo), conspiraciones palaciegas y dilemas morales del héroe que beben de no se sabe ya cuántas fuentes distintas. Repiten los fijos de la serie, y se incorporan el serrano Fiti y Mauricio de Aída: porque Globomedia es una gran familia que repite rostros como se repite la canción de moda en verano. Por el camino, se pierde el único aliciente que tenemos los que vemos la serie: descubrir de una vez los orígenes de Águila Roja, padre de familia, maestro de escuela por el día, héroe siempre que se le necesite, hijo bastardo de Rey, hermano secreto de su enemigo más mortal, y, al final del día, pobre alma que busca, camuflado de aguilucho, su lugar en el mundo. Todo un culebrón.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El artista
El artista (2011)
  • 7,7
    57.929
  • Francia Michel Hazanavicius
  • Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, ...
9
La imagen como contadora de historias
No sólo por respetar los códigos del cine mudo es 'The Artist' una digna aprendiz y traslación contemporánea de este. Lo es también por recuperar su esencia. Desde los magníficos (por respetar el estilo original) títulos de crédito, el espectador firma un pacto con lo que se muestra en pantalla para retroceder unos cuantos años en el tiempo, a aquél en que las palabras no perturbaban las imágenes de lo que nació como revolución y evolucionó a arte.

Michel Hazanavicius ha rodado una cinta de corte clásico (el más clásico que existe) apoyándose en las claves que proporciona la imagen en la ausencia de la palabra. Una cinta que exprime el estupendo y fructífero recurso de 'cine dentro del cine', y que nos cuenta la historia de un actor de éxito al que puede que le haya llegado la hora de colgar las botas con la llegada del cine sonoro. En el otro extremo de la balanza, asistimos cómplices al ascenso al estrellato de una bella y resuelta joven que empieza a abrirse camino en la industria cinematográfica. En resumidas cuentas, lo que vendría a ser el acto inmediatamente anterior a 'El crepúsculo de los dioses'.

La historia es simple, pero poderosa y veraz. Con la incorporación del sonido a las películas, hubo muchos actores y actrices que no supieron reaccionar ante tamaña novedad. Artesanos incontestables del oficio de actor 'mudo', no supieron expresar con sus voces lo que contaban con poses y muecas. Una generación que se quedó sin voz en el panorama que surgía imparable, viéndose relegada al más cruel de los olvidos y siendo sustituida por rostros que, de repente, hablaban. La consecuencia fue que dejó de interesar que no se oyesen voces en el cine. Y quizá fue esta la realidad que muchos, entre los que figura el inspirado George Valentin de 'The Artist', no supieron o quisieron aceptar: que la imagen, entendida como portentosa contadora de historias, había perdido su poder.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Misión: Imposible - Protocolo fantasma
Misión: Imposible - Protocolo fantasma (2011)
  • 6,1
    32.144
  • Estados Unidos Brad Bird
  • Tom Cruise, Paula Patton, Jeremy Renner, Simon Pegg, ...
5
Espías en la sombra
Son espías, pero no se mueven en las sombras. Son capaces de los saltos, caídas y acrobacias más imposibles. Cuentan con la tecnología y los gadgets más increíbles y avanzados del momento, incluso aunque la organización para la que trabajan haya sido desmantelada y desautorizada. Superan los obstáculos que se interponen en su camino con una facilidad pasmosa. Todo les sale bien. Son espías, pero cualquiera podría confundirlos con superhéroes.

Ethan Hunt ha vuelto. Ya no es aquel joven agente que tuvo que enfrentarse a su propia organización para destapar la verdad en una intriga muy bien llevada por Brian de Palma. Tampoco ese pasional hombre de pura acción de la secuela firmada por John Woo, la mejor junto con la primera, y la que tiene el estilo más personal. Atrás quedó también el Ethan Hunt que se veía forzado a conciliar la vida de espía con la familiar, en un libreto pirotécnico y con poco alma dirigido por el padre de 'Lost', J.J. Abrams.

En este 'Protocolo Fantasma', dirigido por Brad Bird ('Los Increíbles'), a Ethan Hunt se le notan los años. Quizá por eso le acompaña en pantalla el sargento James de 'En tierra hostil', Jeremy Renner, futura vía de escape para continuar la saga cuando Cruise no pueda/quiera continuar. Simon Pegg repite tras la tercera parte, como alivio cómico que funciona de maravilla, de hecho es lo mejor de la película. La presencia femenina obligada de este tipo de producciones recae sobre una exuberante Paula Patton.

El problema es que aunque la película es ciertamente entretenida (de hecho si se ve sólo el tráiler pinta muy bien), al final es un batiburrillo de muchas cosas, se pasa de una a otra como si de un videojuego se tratase, y las escenas de acción de increíbles que son no pueden tomarse en serio. Incluso pareciese que en varios momentos quieren 'veinticuatrizar' la cinta, pero Ethan Hunt no es Jack Bauer, y por el camino de tantas entregas o él ha perdido carisma o yo el interés (dudo de lo segundo, y sigo esperando una historia que siquiera se acerque a esa línea de guión de la primera parte: 'Toda la misión era para cazar al topo...').

Aún así, estaría dispuesto a inclinarme más hacia el disfrute de la película si no fuese por un villano insulso que pasaba por allí y por un final apostillado que rompe con todo lo que nos han estado contando para hacer una especie de regresión a la entrega anterior (totalmente innecesario). Estamos no ante la peor entrega de la saga (ver a Ethan Hunt casarse le otorgó ese puesto a la tercera), pero sí ante una floja continuación de estas misiones imposibles, por perezosa y acomodada. Eso sí, a Tom el mérito de pasar de ordenadores y ponerse a escalar el edificio más alto del mundo hay que reconocérselo.
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gato con botas
Gato con botas (2011)
  • 5,8
    16.634
  • Estados Unidos Chris Miller
  • Animation
5
Sombra de lo que aún no llegó a ser
Dicen que tres son multitud. Cuando llegó la secuela de la cinta de animación más descarada que recordábamos, 'Shrek', lo hizo con una tercera rueda que acoplar al carro. A la pareja formada por Shrek y Asno venía a unirse una tercera pata en forma de felino feroz, de cuyas cuerdas vocales tomó el mando el malagueño internacionalísimo Antonio Banderas. Se reinventó así para la saga el personaje del Gato con Botas, y se desmintió el dicho con el que comienza esta reseña: el taimado gato era con mucho lo mejor de la segunda película del ogro.

Suele ocurrir con muchos excelentes personajes secundarios que cuando se les brinda el protagonismo todo lo bueno que aportaban desde la distancia lo pierden llegados al primer plano. Con el Gato pasa eso mismo: el felino no puede con un película para él solo. Es cierto que es mínimamente entretenida, y que no provoca vergüenza ajena en el espectador que se aproxime a ella para ver si vuelven a tirar del recurso de los ojos tiernos (que tiran, claro que tiran, no van a tirar). Antonio ya ha demostrado en tres películas que da al gato una interpretación vocal magnífica, pero el resto se queda en un quiero y no puedo. Encima ni siquiera podemos disfrutar de los atributos de Salma Hayek en pantalla. Lo dicho, mejor será recuperar los momentos de esa segunda entrega con un gato pletórico, paradójica sombra aquí de lo que todavía no llegó a ser.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Carnivàle (Serie de TV)
Carnivàle (Serie de TV) (2003)
  • 7,8
    12.190
  • Estados Unidos Daniel Knauf (Creator), Rodrigo García, ...
  • Nick Stahl, Clancy Brown, Amy Madigan, Michael J. Anderson, ...
9
Let's shake some dust!
Carnivàle es una serie de HBO del año 2003, dirigida por Daniel Knauf y con Nick Stahl, Clancy Brown, Michael J. Anderson y Clea Duvall en los papeles principales. Se sitúa en el sur de Estados Unidos en 1934 (cercana por tanto en el tiempo a La parada de los monstruos de Tod Browning, con la que comparte apuntes), en la era de la Gran Depresión y del fenómeno conocido como Dust Bowl (tormentas de arena). Carnivàle sigue a un variopinto grupo circense comandado por un enano y que reúne en sus filas a una vidente, dos siamesas, una mujer barbuda, un jugador de béisbol cojo y una familia dedicada al vodevil, entre otras rarezas. Todos juntos conforman el Carnivàle del título, una feria ambulante que se desplaza por el nuevo continente en busca de ciudades donde armar su espectáculo.

Pero Daniel Knauf decide utilizar al circo como excusa de algo mayor, y da a su historia tintes trascendentales, situándola como testigo casual de la eterna lucha entre el Bien y el Mal. Quizá este componente fantástico, o sobrenatural, ahuyente a algunos pocos. Sin embargo, está tan bien llevado y apoyado en unas actuaciones tan sólidas que desde el primer momento queda descartado que vayamos a tener que aguantar palabrería de segunda o maniqueísmo infantil para todos los públicos. Son, como decía, dos los actores que vamos a ver enfrentados, no tanto físicamente (no se conocen hasta bien avanzada la serie) sino de un modo más espiritual. Y es que Carnivàle juega mucho precisamente con el mundo de lo esotérico, de lo oculto. Los nombres de estos dos actores, de estas criaturas de la Luz y la Oscuridad, son Nick Stahl y Clancy Brown. El primero interpreta a un joven de misterioso pasado que pasa a engordar las filas del circo. El segundo borda su papel de reverendo, de voz de Dios en la Tierra, de pastor que guía a su rebaño. El señor Brown compone un personaje que es la mejor baza con la que cuenta la serie para ganar adeptos. Un personaje verdaderamente terrorífico. Como terroríficas son muchas de las ideas visuales con que nos sorprende la serie. Como digo, aquí el Bien y el Mal no surcan inmaculados espacios divinos, sino que pisan ambientes terrenales, sucios y turbulentos.

No obstante, no es este enfrentamiento entre dos fuerzas el verdadero alma de la serie. Ese puesto se lo lleva el circo. La puesta en escena, el aspecto artístico, la fidedigna representación de una era pasada, alcanzan cotas mágicas. El relato de la existencia de estos freaks es la médula espinal de la serie, sus vicisitudes y desgracias, su difícil aclimatación como extraños personajes que son a un mundo ya raro de por sí. Su desesperado intento por encajar aunque sea en un circo que recoge monstruos y que con cada amanecer se pone de nuevo en marcha hacia la siguiente parada, al grito, marca de la serie, de "Let's shake some dust!".

-sigue en spoiler por falta de espacio-
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las aventuras de Tintín - El secreto del Unicornio
Las aventuras de Tintín - El secreto del Unicornio (2011)
  • 6,7
    50.074
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Animation, Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, ...
7
El sentido de la aventura
Recuerdo que hace años leí que Steven Spielberg se disponía a llevar al cine al personaje de Tintín adaptando uno de los últimos álbumes de la colección creada por Hergé, "Tintín en el Tíbet". Llegó a él tras leer una crítica francesa que comparaba al personaje con Indiana Jones. La idea del Tíbet no llegó a ningún lado, por variados problemas. Hasta hoy.

El tándem formado por Spielberg y Peter Jackson, expertos conocedores del sentido de la épica desorbitada y del espectáculo más arrollador, han aunado esfuerzos para presentar por fin al personaje en pantalla grande. No es el primer encuentro del reportero que nunca escribió un artículo con el medio audiovisual. Fue protagonista de una serie de televisión que adaptaba en cada capítulo cada una de las entregas de la serie. Un trabajo realmente notorio, con una melodía de cabecera admirable que a buen seguro traerá buenos recuerdos a muchos.

Ahora son Jamie Bell y Andy Serkis (como el Capitán Haddock, de lo mejor de la película) los encargados de que nos creamos que lo que vemos en pantalla es efectivamente aquello que una vez descubrimos pasando las páginas de un cómic. El resultado es satisfactorio: si bien hacia la última parte del relato a Spielberg le puede un poco el efectismo más aparatoso, el resto de minutos de metraje constituye un sentido homenaje a la figura del eterno tupé. Se respetan en la cinta los códigos que hicieron tan grande a Tintín a la vez que se aprovecha al máximo la técnica de captura de movimiento con que está rodada la película, que llega a ofrecernos momentos inconcebibles hasta el momento.

La película adapta tres álbumes de la serie: "El cangrejo de las pinzas de oro", "El secreto del unicornio" y "El tesoro de Rackham el Rojo". Han sido seis los guionistas encargados de combinar las tres historias, tomando los elementos más representativos y los momentos más emblemáticos de cada una de ellas, y manteniéndose por lo general fieles al relato, para obtener una duración adecuada para un largometraje, que se alargue en el tiempo más lo que lo haría una sola aventura. Hay cosas diferentes, otras cambiadas de sitio y otras directamente inventadas pero lo que queda al final es una historia que se siente hergeniana y tintiniana, con incontables guiños al original, y en cierto modo independiente de este. Y lo más importante, una película con la que Spielberg nos vuelve a mostrar el verdadero sentido de la aventura, tal y como hiciera con el arqueólogo interpretado por Harrison Ford.

Esperamos la siguiente, con Jackson ahora en la silla de director, que adaptará "Las siete bolas de cristal" y "El templo del sol", con gran interés.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cisne negro
El cisne negro (2010)
  • 7,6
    113.603
  • Estados Unidos Darren Aronofsky
  • Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, ...
9
Que empiece la función
Cuenta Darren Aronofski que ideó en principio contar una historia de amor entre un luchador y una bailarina. Contraponer dos mundos tan diferentes como complejos. La forma más elevada de arte, la danza, cara a cara contra la más inferior, si es que siquiera se considera como tal, la lucha libre. Viendo los posibles problemas que podían derivarse de enfrentar dos mundos tan distintos, decidió separar las historias. La frágil bailarina ya no caería rendida a los fornidos brazos del hercúleo luchador. Comenzó entonces la preparación de la primera historia. ¿Qué se podía contar de la lucha libre? El relato crepuscular y decadente que nos ofreció el director de la mano de un Mickey Rourke pletórico fue sin lugar a dudas la opción más acertada.

Para dar forma a la historia de la bailarina, Aronofski se ha aliado con Natalie Portman. Su aparente fragilidad es sólo comparable a su fuerza interior. Una actriz que lleva mucho tiempo demostrando su valía en este turbulento negocio del cine. Portman está sublime en todas y cada una de las escenas de una película que nos cuenta el ascenso de una bailarina y su odisea por hacerse con el doble papel de cisne blanco y cisne negro para la representación de "El lago de los cisnes". Su indiscutible idoneidad para encarnar al cisne blanco se ve lastrada por su dificultad para simbolizar al cisne negro, papel por el que rivalizará con una recién llegada que saca a relucir sus demonios internos. Es aquí donde comienza esta majestuosa y escalofriante historia.

"Cisne Negro" es una cinta inquietante, perturbadora, profunda, magistral. Comparte con "El luchador" los esquemas cinematográficos, el empeño por diseccionar, analizar, de algún modo oscurecer el mundo de la danza tal y como hizo con la lucha libre, para, una vez comprendido, mostrarlo en todo su esplendor. Pero si "El luchador" era una película notable, engrandecida por la actuación de Mickey Rourke, esta es, sencillamente, una obra maestra. Que empiece la función.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Red social
Red social (2010)
  • 6,8
    91.960
  • Estados Unidos David Fincher
  • Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, ...
9
¿Cómo puede una película sobre Facebook ser tan buena?
Es esta la historia de la fundación de la red social con más usuarios en todo el mundo. De las ideas que llevaron a su consecución y los litigios que casi acaban con la corta carrera de su creador. Pero es esta también la historia de un pobre incomprendido, marginado (a)social que emprende su particular cruzada para demostrar sus dotes de genio y plantar así cara y vengarse de todos los que alguna vez se han reído de él.

El que un director tan personal como David Fincher se haya encargado del proyecto ha convertido a esta "La red social" en una de las mejores películas de este año. Quién lo diría a priori, cuando te cuentan que van a hacer una película sobre Facebook. Para ello se ha unido al guionista Aaron Sorkin, responsable de los guiones de la aclamada serie norteamericana "El Ala Oeste de la Casa Blanca". Los que la han visto cuentan que es una maravilla de la televisión, comparable a otras grandes como son "The Wire" o "Los Soprano". La tercera pata del trípode la completa el joven actor Jesse Eissenberg, de cuya presencia hemos podido ya disfrutar en la simpática "Bienvenidos a Zombieland" o en la formidable "Adventureland", donde compartía cartel con la bellísima Kristen Stewart.

La grandeza de "La red social" recae en cómo articula un relato sobre los engranajes de la amistad con el telón de fondo de una plataforma virtual que precisamente recoge toda la experiencia de hacer amigos. Dos caras que se miran en un espejo, la una real y la otra, en estos tiempos que corren, también, y que han otorgado a la cinta el calificativo de película definitoria de la década. Desde aquí no puedo sino recomendarla fervientemente. Me gusta.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Toy Story 3
Toy Story 3 (2010)
  • 7,9
    113.986
  • Estados Unidos Lee Unkrich
  • Animation
9
Historias de juguetes
En 1995 alguien imaginó que cuando no jugábamos con ellos, los muñecos, peluches y demás cachivaches que pueblan los cuartos de los más pequeños cobraban vida. Que se entregaban a una misión sin fecha de fin de contrato, con incentivos y alicientes pero también con circunstancias adversas e inconvenientes. Lo que devino de tan desbordante y original imaginación fue "Toy Story", la primera película realizada enteramente por ordenador. Una historia sobre la amistad que no tardó en convertirse, por méritos propios, en un tremendo éxito, que dio pie a una segunda parte que continuaba las peripecias de los juguetes que medio mundo aprendió a amar.

Una tercera parte era inminente, y Pixar ha vuelto a demostrar porqué lidera la carrera en cuanto a cine de animación se refiere. "Toy Story 3" es un prodigio de película, un broche de oro que culmina a la perfección la trilogía iniciada ya hace 15 años. Si la primera parte trataba sobre la llegada de un nuevo juguete que amenazaba con desestabilizar la paz del cuarto, y la segunda ya plantaba dudas sobre qué hacer cuando eres un juguete roto que tiene sus días contados, esta tercera retoma esa idea de la "jubilación", el momento, por el que todos hemos pasado, en que vamos sustituyendo a los juguetes por los móviles, los juegos de ordenador, hasta que un día dejamos de jugar con ellos.

La película nos cuenta el intento de los juguetes de escapar de la guardería a donde han sido enviados después de que Andy se marche a la universidad. Una guardería que no es el paraíso que a primera vista parece, y que está regida con mano de hierro por un oso de peluche cuya personalidad es radicalmente opuesta a la ternura que en teoría debía desprender. Los guionistas aprovechan aquí para rendir homenaje al género carcelario, y el resultado no puede ser más satisfactorio. También hay que resaltar el inicio de la película, una secuencia impecable, vertiginosa, épica, en la que, de alguna forma, la imaginación de un niño y el cine se dan la mano.

El final es lo más emotivo que servidor ha visto en cine este año. Es el cierre perfecto a una historia contada con el corazón, con unos personajes que emocionan. Casi podríamos decir que han reservado lo mejor para el final, y que han contado esta historia cuando han tenido algo verdaderamente importante que contar. El ocaso de unos compañeros a los que les ha llegado el momento de decir adiós a su dueño, noblemente entregados a una causa, sabedores de que el tiempo pasa y los niños crecen, y con ellos se van muchas cosas. La vida siguiendo su curso natural, tomando el siguiente paso lógico. El último adiós a una parte vital de nuestra estancia en este mundo, a la inocencia, a la ingenuidad y a los sueños imposibles. El último canto de Peter Pan. Y sobre todo, el adiós a ellos, a los juguetes, testigos mudos y eternos de la etapa más fascinante de nuestras vidas.

-Más en www.vigarentertainment.blogspot.com-
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alicia en el país de las maravillas
Alicia en el país de las maravillas (2010)
  • 6,0
    79.046
  • Estados Unidos Tim Burton
  • Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, ...
4
Una ocasión terriblemente desaprovechada
Supone un duro ejercicio mental identificar al joven dibujante que fue expulsado de la Disney (por hacer que sus dibujos pareciesen haber sido "atropellados") con el director que ahora cae rendido a los pies de tan magna compañía con una cinta de lindos y bien vistos personajes. Tampoco resulta nada fácil consentir que los buenos frutos que siempre han resultado de la unión entre un director y un actor queden ahora prácticamente en nada. Que el característico universo del realizador, normalmente unido a si cabe más ricas historias, sea casi lo único salvable en esta ocasión. Que se haya trasladado una historia imperecedera y por lo que cuentan inolvidable e inteligente en un producto comercial sin ningún atisbo de esa supuesta profundidad. A lo que, en definitiva, me quiero referir, es a que de ningún modo se comprende que la mente pensante de Tim Burton, que tan bien se desenvolvió con otras fantasiosas maravillas como son "Eduardo Manostijeras" o "Big Fish", haya engendrado este despropósito titulado "Alicia en el País de las Maravillas".

Concebida como una especie de secuela a la primera visita de Alicia al mundo poblado por simpáticos lunáticos y perversos perturbados, la visión de Burton de lo que se puede considerar un mito literario se convierte en una extraña mezcla de cine dirigido a los más pequeños, de farragosa épica con risibles aires de grandilocuencia y de humor más bien bobo. Ni siquiera el diseño del País de las Maravillas te remite a la correcta impresión que dejó la versión animada también firmada por Disney. La película del realizador del también pobre remake de "El planeta de los simios" constituye una especie de paseo por los recuerdos que todos albergamos bien del libro o de anteriores versiones, sin mucho orden ni concierto. Una suerte de "Harry Potter" sumado a "Las Crónicas de Narnia" que se queda muy lejos de lo que en principio se podía y debía haber esperado de un nombre como Burton. Una película olvidable en todo su conjunto y una ocasión terriblemente desaprovechada.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Amor sin escalas
Amor sin escalas (2009)
  • 6,5
    50.443
  • Estados Unidos Jason Reitman
  • George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, ...
6
Surcando los cielos
Tras trabajar con el competentísimo Aaron Eckhart en la más corrosiva "Gracias por fumar", y con ese descubrimiento llamado Ellen Page en la muy simpática "Juno", Jason Reitman se alía ahora con el siempre actor de moda George Clooney para surcar los cielos en la notable "Up in the Air", una historia sobre un hombre en constante rumbo que ve cómo de la noche a la mañana toda su filosofía de vida es puesta en peligro por culpa de los nuevos tiempos.

Es esta una película ciertamente interesante, atractiva, bien dirigida y actuada y cuyo visionado se disfruta con mucha facilidad. No es difícil empatizar con este Ryan Bingham y llegar a comprender su mundo, a pesar de que su profesión no sea precisamente agradable: es quien se encarga de despedir a trabajadores de otras empresas, de anunciarles con una terriblemente estudiada charla que ya no se les necesita más, que la empresa ha decidido prescindir de sus servicios. Da miedo ver cómo el personaje que interpreta Clooney desempeña una labor con la que se siente como pez en el agua, si bien son, en este caso, los cielos los que mantienen con vida a este sujeto.

Como él mismo nos cuenta al comienzo de la película, lo que para la mayoría de los mortales resulta un engorro al viajar (véase facturar maletas, pasar controles de seguridad, esperar horas a que se anuncie el embarque en el vuelo...) es lo que le da sentido a su vida. Es por ello que cuando todo su mundo se ve puesto en peligro por la llegada de una joven que pretende revolucionar la política de despidos, se embarcará junto a ella en una travesía con la intención de que entienda lo qué él hace antes de querer cambiarlo.

Un amigo al que no le ha gustado me comenta que a la película le falta crítica y "mala leche", no ser tan complaciente consigo misma. Tiene razón, y si bien hay cosas que me sobran, me quedo con la genial conversación entre la bella Vera Farmiga y Clooney intercambiando tarjetas, con la relación que el personaje establece con las dos mujeres que repentinamente entran en su vida, con cómo se resiste a que le cambien todo sobre lo que se ha construido un estilo de vida, y sobre todo...
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Invictus
Invictus (2009)
  • 7,0
    65.476
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Julian Lewis Jones, ...
7
Aun así
Si existe sobre la faz de la Tierra un actor más idóneo que Morgan Freeman para encarnar a Nelson Mandela que baje Dios y lo vea. No sólo muestra un parecido físico pasmoso, sino que parece ser que el actor ha conseguido la dicción idónea con la que transmitir oralmente los pensamientos e ideas del líder político. Atributos que se transforman en una actuación absolutamente irreprochable de mano de un intérprete como pocos quedan, veraz, inteligente, extraordinario.

"Invictus" es la cita anual de los que amamos el cine con el maestro de maestros Clint Eastwood, el director vivo al que, por méritos propios, más admiro. Al igual que con "Bird" o "Cazador blanco, corazón negro", Eastwood se lanza a rodar un biopic de Nelson Mandela sobre uno de los momentos decisivos en la historia de Sudáfrica, el mundial de rugby en que los Springboks consiguieron alzarse con la victoria y unir a una nación. Mucho se ha dicho de que es un Eastwood menor, que está demasiado fascinado por el ser humano al que dibuja, que no alcanza el nivel que de él (al contrario que de muchos otros directores de renombre) sí se podía esperar. Es cierto.

Y aun así, compruebas atónito que filme tragedias o triunfos siempre va a ofrecer un resultado a la altura. Que aunque sus personajes de ficción sean siempre hombres y mujeres atormentados por un pasado que no quieren recordar, o por un futuro que ya no conciben como tal, aquí logra que dos modelos reales llenos de luz, presidente de un país uno y capitán del equipo de rugby el otro, te sobrecojan con escenas y diálogos admirables. Consigue que me emocione adentrándome en un deporte del que poco conozco y menos me interesa. Relata una historia, como poco, interesante. Y, sobre todo, me muestra al más perfecto Nelson Mandela que una pantalla de cine haya visto, una actuación ante la que hay que quitarse el sombrero.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vivir al límite
Vivir al límite (2008)
  • 6,7
    63.970
  • Estados Unidos Kathryn Bigelow
  • Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, ...
7
El refugio de la locura
No hace mucho que David Simon, una de las mentes pensantes de ese milagro que es "The Wire", decidió aportar su sabiduría como escritor para mostrarnos los primeros 40 días de la invasión de Irak desde el punto de vista de unos marines. El resultado, aunque contenía momentos lo suficientemente potentes, distó mucho de ser el relato que cabía esperar del hombre que radiografió la única cara posible de Baltimore.

Ahora, la directora Kathryn Bigelow ("Le llaman Bodhi", "K-19") nos transporta de vuelta a ese árido desierto, terreno donde la locura encuentra un más que favorable refugio. Locura que empapa a este sargento James, a quien presta cuerpo Jeremy Renner, un temerario artificiero encargado de cortar los siempre temidos cables rojos, azules o amarillos que arman el mecanismo de una bomba. Es un personaje fiero, desafiante, que en un momento dado deja de lado el casco y el traje que le protegerían en cierto modo de estallar el artefacto porque, citándole, si va a morir, prefiere morir cómodo, aparte de que así trabaja mejor. Un tipo que adivinas ha debido pasar por mucho, o por muy poco, cuando descubres que atesora "trofeos" de sus misiones.

Es por eso que las escenas finales en el supermercado lastran un conjunto notable, apostillando una conclusión que no hacía falta, que incluso decepciona, pero que no impide que este "The Hurt Locker" se eleve por encima de muchas de las obras que han colocado Irak como telón de fondo. Hablamos de una historia sin excesiva moraleja, que progresa muy eficazmente, que revela un gran trabajo de dirección palpable sobre todo en las escenas de mayor acción y tensión y que, lo más importante, es honesta para con lo que sabe y muestra.
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Avatar
Avatar (2009)
  • 7,2
    165.738
  • Estados Unidos James Cameron
  • Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, ...
5
El traje nuevo del emperador
No esperaba nada de "Avatar". O muy poco. James Cameron vuelve tras un hiato de más de diez años, después de que su aclamado fenómeno "Titanic" ascendiese a la cima de película más taquillera de todos los tiempos, desde donde observa inamovible desde hace tiempo como otras intentan desbancarle. Vuelve con una película que se ha vendido como la obra que revolucionará el Cine. Bien.

"Avatar" es el esfuerzo mastodóntico de un director por hacernos llegar su sueño. El problema es que este sueño en particular no viene en la recomendable forma que surge del entendimiento del cine como arte. Este sueño se basa en la pirotecnia, y encuentra en el despliegue visual y en los fuegos de artificio su única baza para tratar de engañar al intelecto de que lo que se le está mostrando a nivel artístico es solamente un complemento para la historia que hay detrás.

Historia inexistente, infantil, previsible hasta decir basta, vacía en definitiva. Aquí no se puede ver más allá. Lo que ves (ya sea en 3D o no) es lo que hay. La premisa de la cinta es muy simple, y su elaboración difícilmente podía haber sido más pobre y trivial. Los actores rozan el absurdo componiendo a personajes horriblemente estereotipados: blanco y negro, bien diferenciados los unos y los otros para que el espectador no se pierda y pueda disfrutar las tres horas que dura el metraje del mundo fantástico de Pandora. Sus paisajes, flora y fauna están exquisitamente diseñados, eso no se puede negar, y, sí, utilizaré aquí la que parece ya obligada etiqueta de "espectáculo visual deslumbrante". Pero hasta tanto nuevo mundo me queda largo tras tan excesiva y agotadora duración, teniendo en cuenta que durante la primera hora y media larga la película apenas avanza, el argumento se deja de lado en pos de mostrarnos las maravillas de la técnica que Cameron ha tardado tantos años en poder pasar a la pantalla.

"Avatar" es una suerte de conquista de América enmarcada en un futuro lejano, pero está tan mal llevada que tira por tierra cualquier posible interés que pueda albergar una idea como esa. Es un ejercicio bastante ególatra de un hombre que, no olvidemos, se autoproclamó rey del mundo, y que en su intento por atraer a todo tipo de público ha puesto el piloto automático en cuanto a guión se refiere. "Avatar" es, en definitiva, el tipo de cine que a un servidor no le interesa, que más allá de su atractivo envoltorio se revela, pobre de él, incapaz de transmitirte nada.

No esperaba nada de "Avatar". Y nada es lo que me ha dado.
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Celda 211
Celda 211 (2009)
  • 7,7
    116.562
  • España Daniel Monzón
  • Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, ...
9
Una historia de cárceles
Las historias de cárceles tienen siempre un no sé qué que nos llama la atención. Puede que se trate de ese componente de rebeldía, desafío hacia una autoridad la mayoría de las veces más perversa que los propios presos, o por la claustrofobia sana que nos provoca el ver a gente encerrada en lóbregos cubículos de los que la esperanza hace tiempo que partió. Por las cárceles han pasado nombres célebres de la historia del cine, que siempre encontraban nuevos retos a la hora de interpretar a estos proscritos, por un lado, o guardianes incesantes de los primeros, por otro: Tim Robbins, Paul Newman, Clint Eastwood, Edward Norton, Steve McQueen, Tom Hanks, Jack Nicholson, Morgan Freeman, Robert Redford...

Hubo quienes en ella encontraron la paz que el mundo exterior se empeñaba en arrebatarles. También quienes descubrieron que los milagros existían. Hubo otros que, gracias a una cuchara y una perseverancia extremas, lograron avivar la tenue llama de la esperanza en corazones ajenos. Intentar escapar siempre era una prioridad, que algunos, armados de ingenio y caretas, lograron, o quizás no. La tensión y la emoción estaban presentes en la construcción del túnel en un campo de concentración que supondría la libertad para tantos desdichados, sentimientos sin embargo que no todos compartían, abandonándose al infierno de una prisión turca en la que la palabra "derechos" no se hablaba. Incluso la pequeña pantalla se atrevió a tratar este género con una serie que nos dio bastantes alegrías en su primera etapa. Sea como fuere, parece que las cárceles siempre han estado presentes en la intensa historia del séptimo arte.

Me llena de orgullo poder colocar ahora una película enteramente española en el olimpo de este género. Se llama "Celda 211" y no creo que a estas alturas quede alguien que no haya oído hablar de ella. La razón principal es un actor que lleva dándonos alegrías desde antes que una niña de dulce rostro y corazón pasional le robase la razón en "La flaqueza del bolchevique". En "Los lunes al sol" no le tapaba la alargada sombra de Javier Bardem. Ahora, engullido por el personaje de Malamadre, Luis Tosar nos regala la que probablemente ya sea la mejor interpretación del año a nivel nacional. Su composición ya se ha unido a las que los nombres arriba citados ofrecieron en su día y en sus mismas condiciones. Malamadre es el dueño del patio carcelario, un tipo muy honesto para con sus ideales y con un gran sentido de su propia responsabilidad. Y además tiene carisma, sus compañeros (entre ellos un genial Luis Zahera) le respetan. Los funcionarios, el alcaide, el negociador... todos saben que se trata de un hombre que sabe que tiene el control, que si ha entrado en la cárcel no ha sido precisamente por robar una barra de pan y que va a llegar hasta el final, hasta las últimas consecuencias de sus actos, como acostumbran a hacer aquellos a los que la vida ya les ha quitado todo.

-sigue abajo por falta de espacio-
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ágora
Ágora (2009)
  • 6,5
    64.197
  • España Alejandro Amenábar
  • Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, ...
7
El peplum según Amenábar
Cuenta Alejandro Amenábar que la razón principal por la que se decidió a rodar este proyecto fue la sorpresa que supuso para él que Hollywood, ávido explotador de todo cuanto se le pone por delante, no hubiese realizado a estas alturas un biopic sobre la que es considerada una de las matemáticas y filósofas más brillantes de la historia. Para ello eligió rodearse de un reparto internacional y rodar la película en inglés para conseguir una mayor distribución en otros países (entiéndase Estados Unidos). Anticipada por una brutal campaña de marketing por parte sobre todo de la cadena Telecinco, que ha aportado el 80% de la financiación para el filme, llega a las pantallas españolas (desde donde se exportará a todo el mundo) "Ágora".

"Ágora" es tanto un peplum como una película de denuncia social como un thriller científico. Peplum (más cercano a la serie de televisión "Roma" que a "Gladiator") porque salen romanos, desfilando por las calles de una Alejandría reconstruida fiel y espectacularmente para la ocasión; de denuncia social porque carga sin miramientos contra el fanatismo existente en cualquier tipo de religión o culto; y thriller por el descubrimiento por parte de Hipatia de la elipse como sendero que sigue la Tierra, una investigación llevada a cabo de manera que la intriga se apodera del espectador aunque éste ya sea conocedor de la solución al enigma que atormenta a la filósofa.

Rachel Weisz está sublime en su papel de Hipatia. La oscarizada actriz ha demostrado que los inicios que tuvo en "La momia" eran los necesarios para darse a conocer en el mundillo y poder desde ahí propulsar su carrera hacia más interesantes y complejos papeles. Sin duda la de Hipatia se antoja como una de las mejores interpretaciones de esta actriz, sobresaliente por encima del resto del reparto, confiriendo alma al personaje a través de una fervorosa entrega. La actriz deseaba que su personaje tuviese algún tipo de encuentro sexual en lo que dura la cinta, e incluso llegó a sugerir a Amenábar la inclusión de una escena en que su personaje se masturbaba observando las estrellas, algo que el director prefirió no incorporar.

El resto del reparto cumple con corrección, pero en mi opinión se debe destacar al joven actor que hace de Davo, Max Minghella, hijo del ya fallecido director Anthony Minghella ("El paciente inglés", "El talento de Mr. Ripley"). Su composición de esclavo atormentado por el amor no correspondido de su ama y seducido por el floreciente cristianismo es una que deja huella. Frente a él encontramos a Oscar Isaac en el papel de pretendiente primero y luego aliado incondicional de Hipatia. Casi invisibles seres cuando Amenábar opta por rodar desde los cielos (a lo Google Earth, como muchos han insistido en bautizar este recurso), pero estimo que la razón de tanta vista aérea se corresponda con la pasión de la filósofa hacia la astronomía.

-sigue en spoiler por falta de espacio sin desvelar nada-
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7 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
[•REC] 2
[•REC] 2 (2009)
  • 5,4
    24.679
  • España Jaume Balagueró, Paco Plaza
  • Manuela Velasco, Óscar Zafra, Juli Fàbregas, Javier Botet, ...
6
Seguir grabando a toda costa
No ha tardado mucho en llegar. Apenas dos años después del estreno de la primera, llega a nuestras pantallas la segunda parte de una cinta que puede estar orgullosa de haber (re)lanzado el terror patrio. No es muy común en nuestra España que se rueden secuelas, mucho menos de las denominadas películas de miedo. Sus creadores han de hecho afirmado que no tenían en mente continuar la historia de su excelente "[·REC]", pero tras el inmenso éxito que supuso era difícil permanecer al margen de los ruegos que pedían saber más del edificio maldito o de la escalofriante Niña Medeiros.

Hay que aplaudir que ni Balagueró ni Plaza se hayan relajado y hayan optado por rodar un refrito de lo que fue la cinta original, sino que tomando la base de ésta han ahondado muchísimo más en una mitología que se cimenta en esta segunda entrega y a buen seguro verá una tercera. Si la primera (por otro lado única) nos mostraba a bomberos y civiles intentando escapar (y en menor grado entender) del ataque de los "infectados", en esta un grupo de GEOs acceden al edificio escasos minutos después de que ocurran los hechos que ya conocemos, acompañados de una figura que parece tener las claves de lo que está ocurriendo.

Aunque se haya perdido la sorpresa, me gusta que los directores se aferren al estilo cámara en mano que ya demostraron con tanta soltura manejar, aquí más explotado si cabe por la inclusión de varias (una de ellas contiene el mejor momento de toda la película, en un cuarto de baño, frente a un espejo, sin salida posible...). La historia se divide digamos en tres partes: en la primera vemos a los GEOs lidiando con lo que nosotros ya conocemos, aunque comenzamos a atisbar que puede que haya más de lo que pensábamos; la segunda, más floja en mi opinión, se centra en tres chavales que por error entran al edificio; y en la tercera convergen ambas historias y presenciamos el retorno de una cara conocida. Es aquí donde la cinta muestra sus cartas, y consigue sorprender.

Más humor, más sangre, menos sustos, más homenajes a clásicos del horror y una nueva visión de dos entregas llamadas a formar (si consiguen hacer un buen tercer capítulo) una digna saga de terror patrio. Balagueró y Plaza comentaron que su intención fue hacer de este "[·REC]2" el "Aliens" español. Un giro de tuerca en sintonía con la parte anterior, que va más allá sin traicionar el espíritu, la esencia de ese falso documental que hizo que volviéramos a los tiempos en que dormíamos con la luz encendida.

* Obligado destacar la inclusión del tema "Suspiros de España", tan sabiamente usado en el primer tráiler de la película, que funciona de perfecto contraste con lo que está pasando y de orgullosa reivindicación nacional (véase la descarada copia americana que se rodó).
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil