Con una clara referencia en aquel cine de finales de los 70 y primeros 80 del siglo pasado, con héroes urbanos y marginales como El Vaquilla como enseña, Daniel Monzón construye una película que, sobre todo, es una historia de amor y que reivindica, quizás sin siquiera quererlo, las películas bonitas, aquellas de las que uno se acuerda y recuerda, las que han logrado pellizcar un poco su corazón.

Narrada con mucho brío, con un realismo que a los que éramos jóvenes y recordamos esa época casi nos provoca dolor, angustia y también, porqué no, una nostalgia de tiempos pasados, no mejores, pero sí vividos, que asusta de veras.

Monzón se parapeta en unos actores que bordan sus papeles (magnífica, estelar Begoña Vargas), un diseño de producción más que brillante, una historia magnífica del no menos magnífico escritor Javier Cercas, al que parece que le sientan muy bien las adaptaciones cinematográfica (Soldados de Salamina es un referente en nuestro cine reciente).

Las escenas de acción están rodadas a un nivel altísimo, la banda sonara que acompaña la historia es la banda sonora de nuestras vidas, perfectamente seleccionada, con una Gerona (aún no era Girona) de fondo de la historia que parece tan auténtica como lo es en general toda la película.

No es solo un homenaje a aquel cine de El Pico, El Vaqulla o Deprisa, deprisa, Las Leyes de la Frontera es mucho más, por sí misma sobrepasa cualquier cinta de homenaje o intento de recuperar un subgénero que ya se fue y que en su momento tuvo su público. Es una historia de amor, una muy bonita historia, por cierto.

Sin duda, una gran película que estará rondando los Goya en varias categorías y que merece mucho la pena ver. Al fin y al cabo, los quinquis, las historias de amor y nuestro pasado bien merecen un par de horas de atención. Se disfrutan, se lo aseguro.

Una película de terror más que solvente, con muy buen ritmo, duración adecuada y con momentos de angustia y miedo, es decir, una película de miedo casi canónica.

Derrickson, que ya me gustó en SINESTER, echa mano de referencias muy obvias para el espectador y casi todas de cine ochentero: IT, con sus globos y su furgoneta, EL SILENCIO DE LOS CORDEROS, con un psicópata y una resolución cercanas a las de Búfalo Bill o EL SÓTANO DEL MIEDO, del maestro Craven.

Esas referencias gustarán a los muy cafeteros pero le parecerán faltas de originalidad a otros. Lo de siempre. Yo soy de los que aman el café y me divierten esos pequeños homenajes. O plagios, tanto me da.

Hawke está bien, como siempre, y los niños son muy buenos actores, como casi siempre en el cine USA. Se ve bien y se sale contento del cine. Me basta.

Leo críticas no tan buenas como las que yo esperaba de esta película. Sí valoran el trabajo de la excelente, siempre excelente, Juliette Binoche, pero no tanto el del director Safy Nebbou. En cambio para mí resulta muy placentero salir de la sala de cine pensando en la película, interpretando qué pasaba por la mente de cada personaje, resolviendo o discutiendo con tu acompañante el porqué de ese final y no de otro. Si ocurre esto, y en esta ocasión ocurrió, es que la propuesta cinematográfica excede el entretenimiento. Eso ya es mucho, es un plus. Es como cerrar un libro y seguir pensando en él y no en el siguiente. La historia de la madurez mal llevada, la crisis de los 50 en una mujer francesa de clase media, intelectual, mezclada con la novedosa y fascinante posibilidad de conocer gente a través de las redes sociales, las posibilidades, muchas malsanas que éstas tienen. El amor y su parte mezquina también aparecen, el drama, la tragedia, la mentira. A mí me parece perfecta en su papel de terapeuta perpleja Nicole García, escueta en palabras, maravillosa en su mirada. Lo mismo que una Binoche que sostiene la película en sus ojos. Y sí, lo reconozco esta vez y siempre: tengo debilidad por este elegante y suave cine francés, capaz de narrar la mayor tragedia con la sencillez con la que fluye el Sena por París.

Soderbergh llevó a Venecia esta película tan solo hace 9 años. Ahora sería imposible estrenar una película, ya no en Venecia, casi en ningún lugar de esta pobre Europa devastada por el coronavirus.

La vi en su día y me gustó, me entretuvo, me pareció que el reparto estaba muy bien seleccionado, no mezclaba estrellas ni las sacaba en pantalla sin ton ni son, cada personaje tenía su actor o actriz para interpretarlo. Me parecío una película de desastres, casi de terror, muy creíble. Por eso daba miedo.

Y cómo acertaron, maldita sea: la epidemia surge en China e invade Occidente, en este caso USA. La epidemia viene transmitida por un murciélago (y un cerdo) que acaban en la mesa de los humanos, todo clavado, todo terrible, todo impensable como una realidad que ahora nos toca vivir.

Maldito acierto, Soderbergh.

Es así como Brendan Fraser, actor más que competente, magnífico en DIOSES Y MONSTRUOS o en CRASH, entre otros títulos, ha decidido acceder al Oscar al mejor intérprete principal este año.

Y es que es seguro que le veremos con la estatuilla en aproximadamente un mes, ya que cumple todos los ingredientes que la Academia valora en estos casos: desaparecido de la escena por un problema de depresión desde hace algún tiempo; realiza una transformación física para adaptarse al papel verdaderamente notable, estremecedora, diría yo; su personaje ataca directamente al corazón del espectador; encarna a un homosexual con problemas de salud evidentes. Pues eso: Oscar al canto.

La película es oscura, en la línea del impredecible Aronofsky, aquel enfant terrible del cine independiente que desde hace ya varias películas es menos enfant y menos terrible y mantiene su interés, sobre todo al principio, por la magnífica interpretación de Fraser y de una magnífica Hong Chau que se come al protagonista en cada plano en que aparece. Ocurre que una vez planteada la trama, la película va decayendo: sin exteriores, con diálogos previsibles y todo fiado a la compasión o (es así, por desgracia) repulsión física que al espectador pueda generarle el personaje de Fraser, de tal forma que sin ser en exceso larga sí que se hace cuesta arriba a partir de la hora y pico de metraje.

En fin, no es la mejor película del año, tampoco la mejor de Aronofsky, un director que a mí me impactó en RÉQUIEM POR UN SUEÑO, EL LUCHADOR o CISNE NEGRO y que me desilusionó en LA FUENTE DE LA VIDA o me espantó en MADRE.

Para mí, un director irregular y provocador, para muchos un director pretencioso y provocador. Lo cierto es que su cine nunca deja indiferente, eso al menos es algo.