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Críticas de fresenius
Críticas ordenadas por:
For the Love of Spock
For the Love of Spock (2016)
  • 6,6
    257
  • Estados Unidos Adam Nimoy
  • Documentary, Chris Pine, Zoe Saldana, Simon Pegg, ...
6
Larga vida y prosperidad, Sr. Nimoy
Por el amor de Spock (2016)
Dir.: Adam Nimoy

Adam Nimoy, hijo de Leonard Nimoy, dirige este documental sobre su padre en el año 2016, un año después de su muerte. Se puede decir que es una especie de obituario centrado básicamente en el principal papel de Nimoy, Spock.

Si eres habitual seguidor de la saga, el documental no ofrece demasiada novedad. Está centrado básicamente en el libro escrito por Nimoy, Yo soy Spock, en unos recuerdos del hijo, y en respuestas a entrevistas de algunos miembros de la tripulación original y, sobre todo, de la nueva Star Trek. Es todo lo que hay, en mi opinión, muy poco porque prácticamente todo lo que se ve es conocido.

Un documental interesante que no llega mucho más allá porque sus formas son las habituales en este tipo de productos. Particularmente esperaba otra cosa. Todo lo relacionado con Star Trek que cae en mis manos es guardado, y este documental también lo será, pero no es lo mejor que se puede tener sobre Leonard Nimoy, ni sobre Spock.
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Gunnm (Battle Angel Alita)
Gunnm (Battle Angel Alita) (1993)
  • 6,7
    2.570
  • Japón Hiroshi Fukutomi
  • Animation
7
Alita
Alita, ángel de combate (Gunnm, 1993)
Dir.: Hiroshi Fukutomi

GUNNM, también conocido por los nombres Hyper Future Vision GUNNM y Battle Angel Alita (en español Alita, ángel de combate), es un manga seinen creado por Yukito Kishiro entre 1991 y 1995, nueve volúmenes en España. Después de 1995 el autor ha continuado publicando spin-off y secuelas siendo la parte más importante la trama Last Order (2001-2014) publicada en España en siete volúmenes. No es GUNNM un manga que haya tenido su versión animada, solamente en 1993 se realizaron dos OVAS de 25 minutos dedicados al volumen 1 y 2 del manga original. Nada más hay hasta el año 2019 cuando el cine norteamericano realiza la película Alita: ángel de combate, dirigida por Robert Rodríguez y con una producción de James Cameron. Pero la película norteamericana es otra historia que se contará en otro lugar.

El anime fue dirigido por Hiroshi Fukutomi en 1993. Fue la distribución de estos OVAs la que provocó el cambio de algunos nombres que aparecen en el manga, sobre todo de su protagonista, Gally, que pasó a llamarse Alita. El autor del manga, Yukito Kishiro, participó activamente en el anime si bien solo se plantearon dos episodios iniciales. A pesar de ser un OVA, el dibujo de personajes es bastante interesante. Solo se cuenta el origen de Alita, cómo el doctor Daisuke la encuentra entre la basura de la ciudad flotante y la recompone lo mejor que puede. Después, en el segundo episodio, una aventura con Alita siendo ya cazador guerrero. Estamos en un futuro aparentemente distópico, la humanidad está dividida en dos partes, una que habita en las alturas y de la que no tenemos demasiadas noticias, y otra que habita en la Tierra, bastante maltratada y que vive a expensas de lo que cae de la parte de arriba en forma de basura. Lo cierto es que dos episodios no dan para mucho, quedan ganas de saber mucho más, pero en anime no hay nada más. Hay que tirar del manga.
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Un taxista
Un taxista (2017)
  • 7,1
    621
  • Corea del Sur Jang Hoon
  • Song Kang-ho, Thomas Kretschmann, Yoo Hae-jin, Ryu Jun-yeol, ...
8
Gwangju, mayo de 1980
A Taxi Driver: Los héroes de Gwangju (2017)
Dir.: Jang Hoon

Es importante leer un poco sobre los sucesos de Gwangju en Corea del Sur, la masacre de Gwangju que tuvo lugar entre el 18 y el 27 de mayo de 1980, cuando Corea del Sur se encontraba bajo la dictadura de Choi Kyu-hah. Un conocimiento de lo ocurrido ayuda mucho para entender lo que se muestra en esta película de Jang Hoon.

Al frente del film el actor Song Kang-ho, bastante reconocido en Corea y que aquí hace un buen trabajo. El póster de la película engaña, y mucho, respecto de lo que se va a ver. El principal problema que tiene es que quiere abarcar demasiado, desde la situación familiar del taxista hasta el viaje de ida y vuelta a Gwangju. A pesar de ello el resultado final es más que interesante desde varios puntos de vista. El principal, ver cómo tratan en el propio país sucesos ocurridos no hace tanto tiempo. En este aspecto la película alcanza un punto álgido cuando se muestran los disparos del ejército a los manifestantes, pero no parece que quiera entrar en demasía, pues el propio protagonista lo ve todo pero no se profundiza en lo que piensa más allá de la decisión final que toma respecto de su compañero el periodista alemán.

¿Cuáles son los motivos de las manifestaciones? En este aspecto la información en la película es inexistente, hay que tirar de Internet para saber algo. Quizás sea porque la película para consumo en Corea del Sur no lo precise, pero fuera del país de origen el conocimiento es importante. Lo que sí que es cierto es que la actuación del dictador en Gwangju tuvo bastante que ver con su caída unos meses después, en agosto.

Desde el punto de vista técnico y de producción a esta película no se le puede poner demasiadas pegas.
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Glass
Glass (2019)
  • 6,4
    14.808
  • Estados Unidos M. Night Shyamalan
  • James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson, ...
7
Cerrando la trilogía
Glass (2019)
Dir.: M. Night Shyamalan

No sé exactamente cuáles eran las pretensiones de Shyamalan cuando en el año 2000 nos regaló una de sus mejores películas, El protegido. A día de hoy, 19 años después, ha cerrado (eso creo) lo que se ha empezado a llamar trilogía Unbreakable, formada por El protegido (2000), Múltiple (2016) y Glass (2019). La razón de no saber las pretensiones iniciales del director está en el buen número de años que hay entre la primera y la segunda película. Más concretamente entre la primera y los últimos planos de la segunda película. Como se dice hoy día, una “sacada de chorra” verdaderamente importante, sobre todo para los que la primera película nos pareció significativa y bastante buena. Y eso, además, del homenaje al comic que es la propia película tanto en el tratamiento del color como en los planos que se plantean.

La cuestión es que la trilogía de películas está bastante bien. Va de lo mejor, que es la primera película, hacia la resolución final que, bueno, se puede considerar como aceptable aunque particularmente me resulte un tanto decepcionante. El final de Múltiple fue una gran sorpresa que algunos vieron antes de la película por los detalles de la continuidad en los posters principales. Pues muy bien, no fue mi caso ni de lejos. Lo que sí que es consecuente es que tras ese final de Múltiple, la siguiente película de Shyamalan iba a ser muy bien recibida para saber por dónde tiraba la historia de estos tres personajes. Pues eso, henos aquí para ver el final.

Se puede ver en el poster, el que no aparece como si fuera una ventana rota, que es el principal, que los tres protagonistas se encuentran encerrados en una especie de psiquiátrico. Hay una doctora, tres personajes más de cada de las películas anteriores, y un giro final, típico de Shyamalan, que aquí no lo es tanto. Toda la trilogía está guionizada por el propio director, es su historia y se acepta como tal, que no está mal, aunque hubiera preferido otro final. Lo que sí que tengo claro es que, como películas de superhéroes que se pueden considerar, estas tres películas están a años luz de lo que se suele ver en el género. Hay que recordar aquí una película parecida a estas, sobre todo a la primera, Thelma (2017) de Joachim Trier. Es también una película sobre el descubrimiento y la aceptación.
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Tarde de otoño
Tarde de otoño (1962)
  • 7,9
    2.469
  • Japón Yasujirō Ozu
  • Chishu Ryu, Shima Iwashita, Shinichiro Mikami, Keiji Sada, ...
9
Maestro Ozu
El sabor del sake (1962)
Dir.: Yasujirō Ozu


Poco se puede decir de esta película del maestro Ozu, simplemente es maravillosa.


Se puede ver aquí la maestría a la hora de rodar, poner la cámara en el suelo, insertar planos de escenarios y casas. Se puede ver aquí la transición en el Japón de primeros años sesenta, con la derrota de la guerra cercana y la transición entre lo oriental y lo occidental. Se puede ver aquí los barrios de la ciudad, todavía en construcción, los bares, que aquí se bebe y mucho.


Cualquiera de los aspectos mencionados ya da, si se analiza bien, para escribir una reseña larga, muy larga. Ahora bien, lo verdaderamente importante de Yasujiro Ozu, lo que este director sabe mostrar en muchas de sus películas, en esta no podía ser menos, es la esencia de la vida humana. Hay que ver lo poco que se cuenta aquí y lo bien que se hace. Y es triste, porque la ley de vida nos lleva a un último plano que me parece demoledor.


La película está sujeta a su tiempo, pero en lo esencial no envejece lo más mínimo.
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Godzilla 3: El devorador de planetas
Godzilla 3: El devorador de planetas (2018)
  • 4,4
    350
  • Japón Hiroyuki Seshita, Kobun Shizuno
  • Animation
3
Finalización de la trilogía, gracias a Dios que ha terminado.
Tradicionalmente es conocido que Godzilla es un monstruo atómico de naturaleza tranquila, muy destructivo pero tranquilo. Si alguien tiene narices a terminar esta película lo podrá comprobar. El póster que se muestra parece un poco optimista.

Bromas aparte, “Godzilla: The Planet Eater” es la tercera entrega de Hiroyuki Seshita y Kobun Shizuno para las andanzas del monstruo atómico 20000 años en el futuro de la humanidad. La película dura unos 90 minutos, tiene unos 70 de cháchara interminable, tremendamente aburrida mezcla de filosofía con teología, dioses y cosas de esas. Entre medias lo que importa, Godzilla, pues abre un ojo, bosteza, y cuando viene Ghidorah pues lanza su aliento atómico. Luego más cháchara, controles mentales, …., Godzilla que tiene problemas, más cháchara, etc.

No merece la pena seguir, en la segunda entrega ya se intuía que la trilogía no iba por buen camino y aquí definitivamente se confirma. Por cada película de la trilogía quedan mis reseñas. Solo el afán por completar la historia me ha llevado a terminar, pero lo cierto es que la pérdida de tiempo ha sido más que notable. Las películas de Godzilla, muchas de ellas, son malas o muy malas, pero no aburridas, casi ninguna. Estas tres entregas, sobre todo las dos últimas, sí que son muy aburridas. Gracias a Dios, se han terminado.

Por seguir con el recuento, ésta es la película nº 32 de la productora Toho sobre su monstruo atómico. Los americanos van a meter mano este 2019, pero estas películas yankis no cuentan en el recuento, estén bien o no. Solo espero que la productora japonesa retome el remake que Hideaki Anno y Shinji Higuchi realizaron en 2016, Shin Gojira, que no estuvo nada mal. Era el rejuvenecimiento de la historia en el presente, seguimos esperando la continuación.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi pequeño bosque
Mi pequeño bosque (2018)
  • 7,1
    48
  • Corea del Sur Yim Soon-rye
  • Kim Tae-ri, Moon So-ri, Ryu Jun-yeol, Jin Ki-joo
6
Una visión diferente....
Little Forest (2018)
Dir. Yim Soon-rye

Entre el año 2002 y el año 2005 Daisuke Igarashi publicó un pequeño manga no excesivamente renombrado por estos lares que constaba de dos volúmenes, “Little Forest” (Ritoru Foresuto). Se trataba de representar la relación de una joven con la naturaleza y con la vida autosuficiente después de ser abruptamente abandonada por su madre. Es un manga englobado en el género “recuentos de la vida” (Slice of life). El manga fue adaptado a la gran pantalla por el director japonés Junichi Mori en dos películas (Verano-Otoño, 2014 e Invierno-Primavera, 2015). Es un cine diferente, cuasi documental, recomendable.

Ahora, en 2018, el director coreano Yim Soon-rye retoma la historia y nos ofrece una única película con los mismos capítulos, empezando en invierno. Todo es mucho más corto porque incluso la película no llega a las dos horas como ocurre con cada una de las japonesas. Ciertamente hay diferencia entre ambos productos para una misma historia. Aquí hay más personajes, más diálogo, más interés en querer contar las circunstancias de la protagonista, de sus amigos y de su propia madre. Todo esto también está en las películas japonesas, pero mucho más diluido porque la pretensión es otra. Cuando se presenta la primavera, y en algunos momentos más sí que se puede ver también un poco, pero la vida autosuficiente en el medio rural no es el camino que se desea emprender aquí. La historia es igual se sencilla, pero interesa mucho más el lado humano de la misma.

Sigue siendo un cine un poco diferente, no tanto como las películas japonesas. Lo mejor es el aspecto culinario, aquí especialmente vegetariano para mi gusto, apetecible en cualquier caso.
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Roma
Roma (2018)
  • 7,1
    21.764
  • México Alfonso Cuarón
  • Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey, ...
7
Cleo
Roma (2018)
Dir.: Alfonso Cuaron

Desde mi primer acercamiento al cine de Alfonso Cuarón hasta hoy, todas las películas de este señor me han parecido buenas. Empezó con "Harry Potter y el prisionero de Azkaban" (2004), la única película de esta saga que me parece buena y salvable, las demás son todas indistinguibles. "Hijos de los hombres" (2006) y Gravity (2013) son buenas, como también lo es Roma, una película que puede ser muy personal pero que consigue atraparte.

Lo cierto es que la película es buena simplemente por lo bien rodada que está, la cuidadosa fotografía en blanco y negro, a cargo del propio Cuaron, y la habilidad de este director por el encuadre y el movimiento de cámara. Luego está su protagonista, solo ella, Yalitza Aparicio, porque el resto de actores, aun estando bien, solo forman parte de la "pequeña" historia de Cleo que se cuenta en Roma. Creo recordar haber leído que la película es muy autobiográfica. Si es cierto solo se puede decir que Cuaron viene de una familia-bien mexicana. No es que sea importante, solo un apunte, porque el director sí que sabe dar fuerza a la historia que se cuenta, la vida de la sirvienta Cleo a lo largo de un año en la casa. Es imposible entender a aquellos que piensan que en esta película no se cuenta nada pues no es así, se cuenta mucho y muchas veces es todo muy visual, lo importante es lo que le está ocurriendo a Cleo, es la importancia de ello envuelta en la vida cotidiana de la familia a la que sirve, envuelta en medio del día a día, en la rutina del trabajo. Lo que pasa es que esto que se cuenta es la vida real, no hay artificio ni excentricidades, que es lo que suele ocurrir en la mayoría de películas. Y claro, sin ruidos ni dramones la película se puede hacer tediosa para muchos. Ciertamente incluso para mí, pues hay algún momento hacia el centro de la película, cuando van a una fiesta de fin de año a una hacienda en el campo, que puedo pensar que verdaderamente sobra. Y entre medias de todo esto Cleo está embarazada. La escena del parto es, simplemente, impresionante.

La otra parte está en la puesta en escena, el detalle de todo lo que se ve en los escenarios por donde pululan los actores. Y no solo en la casa, porque hay tres o cuatro momentos de movimiento por las calles, incluyendo las revueltas estudiantiles, que son, simplemente, magníficos. Roma no es una película sencilla aunque sí que quiere contar una historia sencilla, la de una vida normal de principios de los setenta en México. No tiene nada más, ni nada menos. Lo mejor, la escena que aparece en el póster, el sentido que coge en la película, el cariño real de los niños por Cleo y el verdadero homenaje de Cuaron como uno de ellos.
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Illang: La brigada del lobo
Illang: La brigada del lobo (2018)
  • 4,9
    608
  • Corea del Sur Kim Jee-woon
  • Gang Dong-won, Han Hyo-joo, Jeong Woo-seong, Kim Mu-yeol, ...
7
Jin-Roh
En 1998 el director japonés Hiroyuki Okiura estrenó su primera película, Jin-Roh, un anime con guion de Mamoru Oshii. Aparte de la historia, la película de Okiura cuenta con mucho más de Oshii, como es fácil de apreciar cuando intervienen armas y artilugios bélicos. La película de Okiura es buena, pero hay que entrar en la historia con amplitud de miras. No se ha prodigado mucho Okiura como director aunque ha trabajado y trabaja como animador en múltiples productos. En el año 2011 cambió totalmente de registro respecto a Jih-Roh y nos regaló una pequeña maravilla, Momo e no Tegami (Una carta para Momo).

Veinte años después, el director coreano Kim Jee-woon retoma la historia de Mamoru Oshii y realiza la versión a imagen real In-rang (Illang: La brigada del lobo). Pocas diferencias hay entre el anime y la película, muy pocas. La más notable es el final, los últimos minutos, que aquí cambian por completo. La cuestión es, ¿qué se gana con esta película respecto del anime?... pues básicamente el poder disfrutar de las escenas de acción bien rodadas, pero no se engañen, que son las mismas. Ambas películas comparten escenas y planos.

Eso sí, esta película es más larga, media hora más. Básicamente porque se alarga la acción lo cual, por otra parte, no está mal. La situación de partida, explicada en los primeros minutos, también cambia pues nos trasladamos del Japón de la posguerra al año 2029, cuando las dos Coreas están en conversaciones para la reunificación para poder hacer frente a las potencias extranjeras. La verdad es que esto importa poco, se ven teléfonos móviles y coches modernos, poco más. Es el fondo de justificación para la existencia de las agencias policiales, agencias de seguridad y terroristas.

La película se puede hacer muy cuesta arriba por la lentitud de la historia y por las ganas de "enrevesarla". La chica de rojo, Caperucita roja. Es un escoyo que hay que superar. Por mi parte la considero como una buena película porque vislumbro claramente el homenaje que la película representa respecto del anime. Copia los mejores planos, las corazas de los soldados son idénticas, incluso se permite incluir el tema musical que Gabriela Robin (Yoko Kanno) canta en el anime y que aquí aparece en medio de la película y en los créditos finales. La cuestión es, ¿por qué cambia el final? Cuestión de optimismo, supongo.
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Bleach
Bleach (2018)
  • 5,3
    810
  • Japón Shinsuke Sato
  • Sôta Fukushi, Hana Sugisaki, Saori Hara, Erina Mano, ...
6
Shinigami, dioses de la muerte...
El motivo principal de mi acercamiento a Bleach es su director, Shinsuke Sato. Un director prolífico que últimamente ha llamado la atención por la parte mala con la continuación de “Death Note” en imagen real (2016), por la parte interesante con la invasión zombie de “I am a hero” (2015), y por la parte buena con Inuyashiki (2018), un acercamiento bastante bueno al mundo de los superpoderes. El caso de Bleach se queda en interesante. Dentro de la acción real basada en mangas/animes no es habitual encontrar productos que, al menos, no den vergüenza, y el caso de Bleach es uno de ellos.

El mundo de Bleach es demasiado grande, no solo por el manga de Tite Kubo publicado en 74 volúmenes, sino también por el interminable anime que supera ya los 350 episodios. Y hasta aquí lo que particularmente puedo decir del origen de la película pues no me he acercado a este manga/anime. La valoración que pueda hacer es de la película como tal, no por su adaptación, pero es claro que no ha debido ser fácil montar una película con final cerrado a partir de tanto material. Y no ha quedado mal.

Un joven en edad de instituto (esto es inevitable en estos productos) recibe poderes de una Shinigami de manera que podrá enfrentar a espíritus malignos para poder "exorcizarlos". La película va rápida y en menos de dos horas nos va mostrando las reglas de la historia para llevarnos indefectiblemente hacia los enfrentamientos finales. Visto así pues parece que no hay demasiado interés más allá del gasto en efectos especiales que no están nada mal. Sin embargo, lo que hace captar el interés en Bleach es que también se sabe introducir un poco de la vida familiar, mucho más y se agradece que de la vida escolar. Por este motivo la atención y el provecho de la historia es bastante mejor. Otra cosa es el “hostiable” protagonista de pelo naranja que parece sacado de una banda J-Pop. Es el precio que hay que pagar por un producto claramente dirigido al público más joven, y japonés.

Otra curiosidad para esta película interesante, que te entretiene dos horas sin necesidad de estar mirando el reloj. Será por el azar del destino, digo yo, pero ya me he cruzado con la joven Hana Sugisaki cuatro veces. Aquí es el Shinigami, y no lo hace mal la actriz. También aparece en La espada del inmortal (2017), que es la última película aceptable de Takashi Miike. Pero, y mucho más importante, Hana Sugisaki es también la actriz de voz (seiyū) del personaje de Sayaka en “El recuerdo de Marnie” (2017) y también la seiyū de Mary en "Mary y la flor de la bruja" (2017), ambas de Hiromasa Yonebayashi, dos de los animes más interesantes de los últimos años.
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Un lugar en silencio
Un lugar en silencio (2018)
  • 6,7
    22.026
  • Estados Unidos John Krasinski
  • Emily Blunt, John Krasinski, Millicent Simmonds, Noah Jupe, ...
8
Un lugar tranquilo.....
Un lugar tranquilo (2018)
Dir.: John Krasinski

John Krasinski, que hace aquí un poco como de “Juan Palomo” al participar del guion de la película, protagonizarla y dirigirla, se ha marcado una importante película de presupuesto muy ajustado, serie B, que ha sido posible por la ayuda/participación de la productora del señor Michael Bay y la participación como protagonista de Emily Blunt que también alentó a su esposo (también en la vida real) para la realización de la película. Ya sea que se circunscriba al género del terror, ya sea, mucho mejor, al del futuro post-apocalíptico, "Un lugar tranquilo" pasa por ser una de las mejores películas de género que se han podido ver en años, en lustros diría.

Es muy evidente, desde luego, que si no entras en la premisa de la película, si te pasas la mitad del tiempo pensando en porqué está la situación así y porqué se ha llegado a la misma, entonces, la película se te pasa y solo te queda quejarte por la falta de explicación o por las cosas que tú harías en lugar de lo que hacen ellos. No es nada conveniente, acepta lo que ves, entra en la película con lo poco a poco que se va explicando la situación, solo aquello que es necesario explicar, nada más, y, además, de una forma tan visual impuesta por la propia historia. Si afrontas así la película el resultado es más que notable. Lo principal es que los personajes verdaderamente te importan, una historia sobre la familia, la protección de unos padres hacia sus hijos que consigue transmitir lo que sienten para lo poco que pueden hablar. Y claro, si los personajes te llegan y las desgracias y los contratiempos nunca vienen solos, la tensión que se alcanza en la segunda mitad es verdaderamente importante.

Y precisamente la otra parte importante es la premisa de partida, la originalidad de la historia, que ya era hora de encontrar una película que cuente algo diferente. Una película de terror en la que no se puede gritar, no se puede hablar.... menuda idea más buena. No quisiera imaginar ver esta película en una sala de cine con el ronroneo del masticar palomitas en medio del silencio, sería lo menos recomendable pero, desgraciadamente, lo más habitual. Es una película para ver en sala, sí, pero con poca o ninguna gente, con un silencio absoluto.

En el cine norteamerícano, de lo mejorcito del 2018 que haya podido ver por ahora. Una vez vista sí que interesa saber más, el final de la película es perfecto. Hay prevista una continuación para el 2020 que, muy seguramente, ya no será lo mismo, pero bueno, no estaría mal saber cómo deriva este final y este mundo.
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Mirai, mi hermana pequeña
Mirai, mi hermana pequeña (2018)
  • 6,6
    1.232
  • Japón Mamoru Hosoda
  • Animation
7
Mirai, futuro
Mirai no Mirai (2018)
Dir.: Mamoru Hosoda

Vuelve Mamoru Hosoda, después de Bakemono no Ko (El niño y la bestia, 2015) a regalarnos una película acerca de la familia que es en el fondo lo que viene haciendo casi desde el año 2006 cuando dirigió Toki o Kakeru Shôjo (La chica que saltaba a través del tiempo). Quizás, más seguramente, desde su película siguiente, Sama Wozu (Summer Wars, 2009). Incluso hay estética de lo visto en Summer Wars aquí, cuando Mirai y su hermano entran volando en el olmo del jardín. Aunque esto solo es un detalle.

Lo que si es cierto es que en las cinco películas que Hosoda ha dirigido desde Sama Wozu, el elemento fantástico está perfectamente integrado para desarrollar una historia centrada en la comprensión de la importancia de la persona dentro de la familia, en la unidad familiar como parte de la carrera vital del ser humano. Por el momento, en mi opinión, lo mejor de Hosoda está en Ôkami Kodomo no Ame to Yuk (Los niños lobo, 2012) y, sobre todo, en El niño y la bestia. No quiere esto decir que no consiga su objetivo con Mirai, lo que ocurre es que la arriesgada decisión de desarrollar la historia bajo el punto de vista de un niño de 4 años hace la película algo más ligera, menos profunda que sus dos anteriores trabajos.

Al elemento fantástico se accede aquí por el jardín de la casa, por el olmo que hay en el mismo. Por cierto, ¡vaya maravilla de casa! que se ve aquí, para mí la quisiera. Kun, el hermano mayor se muestra celoso de su recién llegada hermana, Mirai. A través de la interacción con otros miembros de la familia, del pasado y del futuro, llegará a comprender. La película es una delicia primorosamente dibujada. Temas serios los tiene, aunque no pretende dar complejidad en su tratamiento a cualquiera de ellos porque lo cierto es que es un niño el que protagoniza estos episodios, nunca mejor dicho, parecen episodios. Como la película es fiel a este planteamiento, siendo más blanca y menos melodramática, el resultado, aun siendo muy bueno, se me queda, particularmente, un poco corto.

En cualquier caso, Mamoru Hososa no decepciona con sus trabajos. Es un director más que interesante y personal al que hay que seguir en lo que realice en el futuro.
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Canola
Canola (2016)
  • Corea del Sur Chang
  • Youn Yuh-jung, Kim Go-Eun, Choi Min-ho, Kim Hee-won, ...
7
¿Qué es más grande, el mar o el cielo?
Canola (2016)
Dir.: Chang

Normalmente suelo huir del películas que se ve a la legua que van a tocarte la fibra sensible. La breve sinopsis de Canola ya indica claramente el camino que puede tomar la pelíucla, y más cuando la historia amable que se muestra en sus primeros minutos no hacen sino confirmar lo que se avecina.

Gye-choon es una anciana buceadora de la isla de Jeju que vive con su nieta Hye-ji. De los padres pronto sabremos. Un día la niña se pierde en Seúl y la película avanza 12 años para el reencuentro.

Sin más noticias, una de dos, o la película es un melodrama típico que no deseo ver, o se trata más bien de lo mismo pero contado con estilo, sin manipular el drama, sin regodearse. Y resulta que Canola es película más que estimable por lo bien contada que está la historia, que sabe guardar un par de giros interesantes y que, indefectiblemente, precisa de un buen pañuelo si entras de lleno en lo que se está contanto. Pero es imposible no entrar en esta pequeña comunidad costera y sus personajes. Cuando la película se traslada brevemente a Seúl el bajonazo es serio, pero dura poco.

Un drama amable que cuenta la relación entre una abuela y su nieta que se sustenta, desde luego, en las interpretaciones de Youn Yuh-jung, especialmente, y también de Kim Go-eun, actriz que anteriormetne había visto en la muy notable Coin Locker Girl (2015). Por otra parte, los paisajes isleños son impresionantes.
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Mushishi (Bugmaster)
Mushishi (Bugmaster) (2006)
  • 5,4
    187
  • Japón Katsuhiro Ōtomo
  • Jô Odagiri, Makiko Kuno, Reia Moriyama, Yû Aoi, ...
6
Es importante conocer antes el origen de la historia
Mushishi (2006)
Dir. Katsuhiro Ôtomo

No se puede decir que el cine de Katsuhiro Otomo sea sencillo, ya sea en el terreno de la animación, ya sea en el cine con actores reales. Desde luego, que es un maestro en la animación no se discute, no solo por Akira pues, además, tiene una buena colección de cortos. Steamboy (2004) es una película a reivindicar.

En el terreno del cine con actores reales tiene dos películas, una del año 1991, World Apartment Horror que no he visto y Mushishi, del año 2006. En su momento me acerqué a Mushisi pero lo hice de manera errónea. Se estrenó la película muy próxima en el tiempo a la primera temporada de la serie anime del mismo nombre dirigida por Hiroshi Nagahama (del manga en que se basa, de la artista Yuki Urushibara, no tenía conocimiento). Equivoqué el orden. No es fácil entrar en el Mushishi de Otomo si desconoces el fondo de lo que quiere contar. El director entra a saco y explica muy poco. Si se une además el peculiar estilo de Otomo, muy visual, parco de diálogos, la película se puede hacer muy cuesta arriba como así fue de hecho. Es muy conveniente conocer qué es lo que se quiere contar para lo que es altamente recomendable empezar por la extraordinaria e imprescindible serie de Nagahama, no solo la primera temporada, la segunda también. Una vez sabes qué es lo que hace Ginko, la película de Otomo se hace más interesante aunque tenga, todavía, algunos peros.

Quiere Otomo contar aquí cómo fue el origen del experto en Mushis, empieza a hacerlo hacia mitad del film pues antes vemos al protagonista hacer alguna curación. No consigue Otomo que finalmente quede todo claro y entendible aunque dudo seriamente que fuera esa la pretensión del director. El que conoce el material, al menos, se puede dejar llevar hasta el final, que no es que sea precisamente nada del otro mundo. Eso sí, la fotografía y el paisaje de las áreas más frondosas y verdes de Japón, un punto a favor.
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Inuyashiki
Inuyashiki (2018)
  • 6,1
    181
  • Japón Shinsuke Sato
  • Takeru Satō, Kanata Hongô, Fumi Nikaidou, Yusuke Iseya, ...
7
Con defectos, pero buena y entretenida
Inuyashiki (2018)
Dir Shinsuke Sato

Aunque la filmografía de Shinsuke Sato se remonta a finales del siglo pasado, mi primer contacto con este director y guionista fue en el año 2015 con la invasión zombi de "I am a hero", un film con un arranque urbano muy destacable que se desinfla en su segunda mitad al recluirse en el típico supermercado y con una clara tendencia hacia el exceso. Después vino algo peor, una continuación de Death Note en acción real que no merece mayor comentario. Es ahora, con Inuyashiki cuando Shinsuke Sato ha conseguido de verdad una buena película en este acercamiento, si se puede decir, al cine de superhéroes....., a la japonesa, que hay que marcar la diferencia pues en este caso es para bien si se comparada con la plaga de clónicas películas de género norteamericanas.

La película está basada en un manga de Hiroya Oku publicado en diez volúmenes entre 2014 y 2017. Es un manga extenso que también ha dado lugar a un anime de once episodios emitido en 2017. El trabajo de resumir toda la historia en un film de dos horas ha resultado bastante satisfactorio aunque, es irremediable, se notan en algunos momentos como saltos o discontinuidades en la historia. Hay que tener en cuenta que se trata de dos protagonistas principales y las personas que hay a su alrededor, que no son pocas y las conoceremos. Es un aspecto de la película que se hace bastante bien pues es de agradecer el intento de dar cierta profundidad a los personajes, más aún cuando uno de los superhéroes es inesperado, un apartado e ignorado padre de familia cercano a la jubilación. Eso sí, parece muy complicado que incluso en un seinen como este nos libremos de protagonistas en edad escolar, aunque sea en su último año previo al acceso a la universidad. No he leído el manga por saber su final original, la película plantea un final diferente al anime.

Otra asunto es la parte fantástica. Como siempre ocurre en el género, hay que tragar con ella y asumirla sin más. Bueno, pues vale,... pero..., se utiliza aquí un concepto demasiado inverosímil por parte de uno de estos dos protagonistas para llevar a cabo sus deseos. Más concretamente, algunas de sus acciones tienen lugar a través de una pantalla de televisión, de un ordenador o un móvil, hay que asumirlo, pero su inverosimilitud te saca de la historia. Por la parte buena tenemos en primer lugar la seriedad, nada de tener que llegar a un espectro amplio de edades llenando la película de gracias sin gracia y buenrollismo. También hay sangre cuando debe, y se puede ver. En este aspecto, comparada con “I am a hero”, Shinsuke Sato está bastante contenido. También, por la parte buena, está el clímax final en Tokio, en el barrio de Shinjuku, donde unos efectos especiales más que solventes y un montaje adecuado, permiten que toda la traca final no desentone ni parezca fuera de lugar.

Tiene sus defectos, pero a pesar de ellos Inuyashiki es una buena y entretenida película.
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Estación zombie: Seúl
Estación zombie: Seúl (2016)
  • 5,8
    1.356
  • Corea del Sur Yeon Sang-Ho
  • Animation
6
El inicio de la plaga
Seoul Station (2016)
Dir. Yeon Sang-Ho

En el año 2016 el director surcoreano Yeon Sang-Ho dio el salto desde el cine de animación al de acción real con la película "Tren a Busan". Previamente había dirigido un corto y dos largometrajes animados, de esos que no dejan indiferente a nadie, particularmente por la dureza de los temas que trata y por la naturaleza verdaderamente crítica y poco condescendiente que tienen. Vamos que van con mala leche, que se dice por aquí. Especialmente en "The King of Pigs" (2011), una película extremadamente cruda y violenta.

Para complementar el ataque zombi de "Tren a Busan", Yeoh Sang-Ho también estrena en 2016 su último largometraje animado hasta ahora. Viene a relatar el desarrollo de este ataque zombi en la estación de Seúl, que es donde parte el tren. La película animada es bastante más oscura que Train to Busan, y menos espectacular. Especialmente por la animación, por este tipo de animación de las personas, de sus movimientos, que Yeon Sang-Ho no ha dejado nunca en sus películas y que, en mi opinión, son su principal escollo.

Desde luego no hay escollo por la parte de la historia que el director, y también guionista, quiere contar. Sobre todo por su naturaleza "pesimista" y por su mala leche. Lo que ocurre es que en Seoul Station tiene que transcurrir demasiado tiempo para que el bofetón que se suelta te llegue de lleno. En sus películas anteriores era toda la historia desde el principio la que estaba plagada de la sordidez humana; en Seoul Station el asunto va de la propagación de la plaga zombi y de cómo se van librando ciertos personajes. Todo esto está más o menos entretenido pero con tendencia al aburrimiento y a la poca credibilidad por la falta de “bulto”, que Seúl tiene como diez millones de habitantes y aquí se ven pocos. Lo bueno solo viene al final, hay que esperar demasiado pero la mala leche de Yeon Sang-Ho aparece. Nada más que por eso la película sube muchos enteros.

Yeon Sang-Ho es director al que hay que seguir la pista. En 2018 estrenó Psychokinesis, película con una visión muy particular del superhéroe. Rebaja bastante su truculencia pero no deja de ser más que interesante. Parece que en 2019 va a seguir con los zombis, continuación de "Tren a Busan".
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Destiny: Kamakura Monogatari
Destiny: Kamakura Monogatari (2017)
  • Japón Takashi Yamazaki
  • Masato Sakai, Mitsuki Takahata, Shin'ichi Tsutsumi, Min Tanaka, ...
7
Kamakura Monogatari
Destiny: The Tale of Kamakura (2017)
Dir.: Takashi Yamazaki

Pues la verdad es que ha costado bastante poder acceder al último trabajo de Takashi Yamazaki. Por estos lares no se entiende la poca o nula distribución que tienen los trabajos de este director japonés. Esta película fue estrenada en Japón hace un año, después solo ha visto su estreno en un número de países que se cuentan con los dedos de una mano. Una pena, porque Yamazaki, aun siendo un director inconstante en cuanto a los resultados de sus películas, es desde luego, un director valiente para con el mundo del fantástico. Y es de los que sabe conjuntar fantasía y cotidianeidad.

A nivel de historia, en Kamakura Monogatari vuelve Yamazaki a colaborar con Ryôhei Saigan, autor del manga, un manga del año 1984. Anteriormente ya habían colaborado en "Always: Sunset on Third Street" (2005-2007), dos películas más que recomendables, desde luego más que notables. En este cuento de Kamakura se adentra Yamakazi, además, en el terreno del fantástico para regalarnos una película que tiene en sus dos tercios iniciales sus mejores momentos, siempre en mi opinión. Es cuando se presenta este lugar donde los espíritus, fantasmas, dioses y personas parecen interaccionar como si nada, es cuando se empiezan a contar un par de historias relacionadas con estos vecinos, es aquí cuando ese costumbrismo me resulta la mar de atractivo, interesante y muy bien contado. Y lo bueno que tiene Yamazaki es que también te está mostrando el destino de la pareja protagonista, solo hay que ver lo que se muestra, los detalles. Pero da igual si no lo descubres y luego lo haces al final, como fue mi caso, pues el resultado sigue siendo más que satisfactorio. Y es que la visión occidental puede ser un pequeño obstáculo,…, bueno, será mi particular visión occidental, por acotar y no generalizar. No debe haber sido fácil hilvanar una historia coherente pues la naturaleza episódica de la fuente se pude llegar a vislumbrar cuando la película avanza en un par de "aventuras", de historias paralelas antes de pasar a la parte importante que atañe a los protagonistas. Y consigue además que este batiburrillo de espíritus, viajes al más allá, reencarnaciones, dioses y fantasmas resulte bien entendible cuando todo es tan japonés en su concepción.

A pesar de que la espectacularidad está al final, y tiene esta película mucha relación tanto visual como conceptual con otras, especialmente con "El viaje de Chihiro" o también con "Una carta para Momo", es esta parte la que particularmente me gusta menos (pero solo un poco menos) pues parece más supeditada a lo visual. Por cierto, los efectos especiales,…, pues que están que muy bien.
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Venom
Venom (2018)
  • 5,5
    17.934
  • Estados Unidos Ruben Fleischer
  • Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, ...
5
Otra más para el montón
Venom (2018)
Dir. Ruben Fleischer

Pues otra más. Cambia la productora, se tiene un personaje interesante, parece que puede verse algo diferente,...., pues el resultado es otra más.

A pesar de mi desconocimiento a través de los comics de estos personajes, el caso de Venom es interesante desde el punto de vista de la amoralidad y violencia del simbionte, su total falta de escrúpulos. Pues no...., lo que se hace aquí es un rebajado para dar como resultado un personaje muy venido a menos pero que cumple perfectamente con los requerimientos para que toda la happy family pueda ir al cine. Un producto perfectamente estudiado como máquina de hacer dinero, que es de lo que en verdad se trata siempre, la industria.

No interesa para nada hacer algo serio, las interacciones del alienígena con el humano en la forma de Venom son simplistas a más no poder, se reducen básicamente a recuperar a la chica y a distinguir entre buenos y malos, puag,... La violencia, que la hay, es poco verosímil, nada de sangre que el producto lo debe ver la family completa,.... visto así, se me antoja que Tom Hardy está muy desaprovechado derivando también su asociación simbiótica por un camino de cierta comicidad impostada. Perfecta para las pretensiones de la producción, eso sí.

En definitiva, otra más, otra película de inicio de personaje en un film de superhéroes. Tiene cierta malicia, pero dura poco y se esfuerza en matar a los malos. Particularmente me gusta poco porque redunda en crear un producto que es clónico de otros muchos, simples pasarratos muy bien realizados, pero de usar y tirar. Ahora bien, el objetivo está cumplido porque ha recaudado cerca de 900 millones, más de ocho veces lo invertido, ése es el objetivo, el objetivo se ha alcanzado. Hacer algo serio no era el objetivo, que no es cuestión de arriesgar una inversión con la incertidumbre de acertar o fallar a la hora de llevar a la gente al cine por la dichosa calificación R, o mejor, la NC-17.
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Regreso a casa
Regreso a casa (2014)
  • 7,0
    2.502
  • China Zhang Yimou
  • Gong Li, Chen Daoming, Zhang Huiwen, Guo Tao, ...
7
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Zhang Yimou debutó como director de cine en 1988 con la película “Sorgo Rojo”. Inicia en ese año una andadura de 7 años y 7 películas con la actriz Gong Li como protagonista principal. De esta época, “La linterna roja” (1991), “Quiu Ju, una mujer china” (1992) y, sobre todo, ¡Vivir! (1994) son películas extraordinarias. Después Yimou siguió haciendo buenas películas, otras muy buenas como “Ni uno menos “(1999) y una obra maestra como es “El camino a casa” (1999). También se decantó por hacer películas de corte fantástico, interesantes desde luego, con un tratamiento del color que es sello de la casa. Incluso hay alguna comedia, pero,… es cuando Yimou deja la leyenda o la fantasía y se viene al mundo real, a la historia minimalista, cuando podemos ver sus mejores películas, “Amor bajo el espino blanco” (2010) es claro ejemplo de ello. En “Regreso a casa” también ocurre aunque aquí le cuesta un poco llegar.

Con Gong Li volvió a trabajar con Yimou en el año 2006 con “La maldición de la flor dorada”, un espectáculo visual que, en mi opinión, solo es interesante. Con “Regreso a casa” vuelve Gong Li al drama realista y es la principal culpable de mantener el interés en una película donde Yimou vuelve a conseguir (esta vez solo en parte) algo que muy pocos saben, eliminar lo superfluo y lo artificial, nada de efectismos, dejar a un lado lo melodramático y conseguir hacer llegar plenamente al espectador la esencia, el aspecto humano de la historia.

En “Regreso a casa” la historia se sitúa al principio en plena Revolución Cultural China, sobre el año 1973. Después da un salto al año 1978, donde realmente la película arranca y coge sentido. Muchos podrán pensar lo contrario, sobre todo por querer buscar metáforas o alegorías entre lo que ocurre a esta familia y lo que ocurría en China en aquellos años. No es mi caso y por este motivo la primera media hora de película no me enlaza del todo bien con el resto, aun siendo necesaria a modo de presentación y para introducir el trauma de la madre/esposa. Pero solo por introducir, porque el trauma tiene más raíces y son diferentes. Se pierde, en mi opinión, un tiempo precioso cuando solo quieres enfocar la película a partir de su media hora, si solo te interesas por ver como se plasma la humanidad de la lucha de un esposo y de una hija contra el olvido de una madre. Si solo se hubiera centrado en este aspecto, con lo bien que lo hace el maestro Yimou, la película hubiera sido otra película extraordinaria. A modo de ejemplo la mejor escena, un piano, una melodía y Gong Li que con la mirada muestra que regresa a casa por un momento, está impresionante.
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Sekigahara
Sekigahara (2017)
  • 6,0
    51
  • Japón Masato Harada
  • Kôji Yakusho, Junichi Okada, Kasumi Arimura
6
La batalla de Sekigahara
Uno de los momentos clave de la historia del Japón tuvo lugar el 21 de octubre de 1600, la batalla de Sekigahara. Aunque la duración de la batalla fue corta, unas 6 horas, los hechos que llevaron a la misma fueron madurando durante años, dilucidándose en dicha batalla la usurpación del poder por parte del clan Tokugawa frente al clan Toyotomi que estaba en ese momento regentado, a la cabeza de las fuerzas leales al clan, por Ishida Mitsunari. Como resultado de la batalla, en Japón, se estableció el último shogunato de Tokugawa que duró más de 250 años. La película es en buena parte, concretamente sus dos terceras partes, la historia de las maniobras políticas entre clanes o señores feudales que llevaron finalmente al enfrentamiento. El último tercio de la película está dedicada a la batalla en sí, y finalmente un pequeño epílogo.

Particularmente, que recuerde, a través del cine, el anime o el manga, poco conocimiento tenía sobre dicha batalla más allá de que precisamente con el final de la misma arranca la trilogía Samurai de Hiroshi Inagaki (1954-56), las andanzas del guerrero Musashi Miyamoto, también plasmadas en viñetas en el inacabado manga Vagabond, de Takehiko Inoue. Así entonces, como punto de partida resulta que el film de Masato Harada es un buen motivo para conocer un poco más. Especialmente porque por el tráiler se puede ver que se ha contado con un buen presupuesto y el diseño de producción es destacable.

El resultado final es en buena parte decepcionante. Principalmente porque hay que prestar mucha atención a la narrativa con tantos personajes, bastante complicada de seguir para el poco conocedor de la historia japonesa. Finalmente es mejor desistir y dejarte llevar solamente por la línea principal que es la rivalidad entre Tokugawa y Mitsunari, contemplar los escenarios y las ceremonias que se celebran, disfrutar de la fotografía, del verdor del paisaje, la exuberancia de los bosques de bambú, y también algún detalle más como es la sub-historia que se cuenta de la relación de Mitsunari con la chica espía, Hatsume. Curiosamente lo que es inventado es lo que mejor funciona en la película. Otro asunto es el actor Kôji Yakusho, al que hay que sujetar bien porque su tendencia al histrionismo y la sobreactuación es indomable. Hirokazu Koreeda en “El tercer asesinato” (2017) lo sujetó bien pero aquí se le ve demasiado suelto.

Luego viene la batalla, el camino para llegar a ella se ha hecho bastante largo. Resulta un tanto caótica, muy alejada de la grandiosidad de las batallas filmadas por Akira Kurosawa en Kagemusha (1980) o en Ran (1985). No obstante, resulta interesante toda la intendencia bélica que se despliega, que se supone bien ajustada a la historia. También es cierto que las batallas son caóticas de por sí, pero es de valorar el esfuerzo del director por hacerlas entendibles, y aquí casi que no ocurre.

Como curiosidad, indicar que el papel de Hatsume lo realiza Kasumi Arimura. En su filmografía ya estuvo destrozando zombis en “I am a hero” (2015) de Shinsuke Sato. Además, y sobre todo, es la voz (seiyuu) de Marnie en la película de Hiromasa Yonebayashi, “Omoide no Mânî” (El recuerdo de Marnie, 2014).
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