Amamos esta película por su fotografía.

A pesar de su ambientación en el siglo XIX, el argumento se mantiene vigente y actual porque como dice Philippe Wollen aun "hay quienes creen que la violencia es la respuesta, cuando ni siquiera debería ser una pregunta"

En la Francia napoleónica dos oficiales Armand Hubert (Keith Carradine) y Ferraud (Harvey Keitel) por azar del destino se ven envueltos en un duelo de sangre que permanecerá en el tiempo como una herida sin sanar, una escisión en la mente de Hubert y cuya única solución es la muerte de uno de ellos.

La caracterización de los personajes, la tensión por la incesante búsqueda de las ocasiones para batir en duelo a Ferraud y el desenlace final le añaden a este opera prima de Ridley Scott lo que le da su carácter de obra maestra: el tratamiento de la imagen.

En "Los Duelistas" el argumento sucumbe al lirismo de la fotografía, el filme es un elogio a la imagen, la que nos impacta por su dulzura, sensibilidad y gracia que se opone a la violencia de la trama.

Y el espectador no tiene que dejar la butaca para producir una “nueva cinta”. Así lo quiso Ettore Scola en “Nos habíamos amado tanto” (1974). Una obra de arte en 120 minutos de celuloide…y de eterna vigencia.

El filme está abierto a múltiples lecturas: la social, la histórica, la política, la humana… una obra de arte siempre es polisémica, posee múltiples significados, pero es el espectador quien con su interpretación la completa y al hacerlo aparece una propia, que es nueva, personal y auténtica.

“Una crítica es una cuestión de distancia correcta” dijo Walter Benjamin, sin embargo, la distancia implica un límite entre dos puntos y como sabemos: “un límite no es eso en lo que algo se detiene sino aquello a partir de lo cual algo inicia su presencia” (Heidegger).

Y esta presencia de lo nuevo, nos permite a cada uno contar nuestra propia historia eligiendo los protagonistas y las escenas de la obra. Para Scola todos somos directores de cine.

Con los personajes de Antonio y Luciana, el director hace una película dentro de otra película: la de Kim Novak en el papel de Mildred Rogers en Servidumbre Humana (Ken Hughes, 1964).

Scola, nos muestra el camino y con un guiño nos da a todos la oportunidad de escoger y ordenar la secuencia narrativa de las escenas, y dejar que surja, como una epifanía, una nueva versión, personalísima y única como la vida misma.

Como haría Scola, apago todas las luces del escenario y sólo dejo encendido el spot que ilumina directamente a los protagonistas.

En la primera escena Antonio está enamorado y no puede decírselo a su amada; lo tiene que hacer a través de un juego,” ¿Usted me oye?”, le pregunta, ella le contesta: “No”, está claro, solo si ella no escucha el hombre enamorado puede expresar su amor, porque si no, se rompe el encantamiento.

Scola nos muestra el arquetipo del hombre enamorado, de todos los Antonios del mundo, de todos los Antonios que se pierden en la noche de los tiempos, y de todos aquellos que se perderán en el futuro, que no podrán darle muestras de amor a sus Lucianas a riesgo de perderlas, porque como dijo el protagonista en la escena donde se reencuentran los tres amigos: “el futuro ya pasó”.

El estado patológico de Antonio es el de todo hombre enamorado, Luciana lo acerca y aleja. Antonio se desestabiliza, pierde el control y provoca con sus actos la violenta reacción de Luciana que le dice; “Yo hago lo que se me antoja”, “No tengo vínculos, ni quiero tenerlos”. “No te hagas ilusiones”. En otras palabras: “no estoy dispuesta a continuar, no eres el hombre que yo necesito”.

Años después se encuentran y con la mirada ya se han perdonado. Ella le dice: “¿Y tú?”(¿Cómo estás?) Y en ese: “¿Y tú?” de Luciana hay algo más profundo, le está diciendo: estoy aquí, me intereso por ti; y él mientras se sienta en la banca del parque le responde: estuve como un loco enamorado: “últimamente tuve una forma de ciclotimia”, lo dejé todo por ti: “estuve mal, tuve que dejar el hospital”, pero ahora ya estoy bien: “estoy sano ya volví”.

Pero si el bien es aquello hacia lo que todas las cosas tienden y el fin último de la vida humana no es otro que la felicidad (Aristóteles, Ética a Nicómaco), no todos los Antonios y Lucianas del mundo disponen de la juventud que le permitió a Scola volverlos a unir.

Y, esa unión, ese encuentro, para Karl Jung no es una casualidad sino una sincronicidad, algo único en la dimensión del espacio-tiempo, que no tiene ninguna relación causal pero sí una profunda significación en nuestras vidas.

Gibrán lo explica bien cuando le dice a su amada Mary Haskell,

“Cuando dos personas se encuentran, son como dos Calas acuáticas que se abren de lado a lado, cada una mostrando su corazón dorado, y reflejando el remanso, las nubes y los cielos.”
(Khalil Gibrán, 1914)

Al final se produce la escena en la que Scola proyecta los deseos de todos los hombres enamorados del mundo; en ella Kim Novak como Mildred Rogers es Luciana y el actor Laurence Harvey es Antonio, que identifica y reúne a todos los Antonios que quieren escuchar de su amada: “…tú eres el único hombre de mi vida!”.

Kim Novak, ofrece a los hombres la satisfacción de un atávico deseo cuya cimentación cultural fue forjándose a través de la historia de la humanidad.

Este ideal romántico del hombre –que el genio de Scola descubre en su personaje Antonio–, nos permite ahora a todos los Antonios del mundo reconocernos en él.

Y en esto, hasta el mismo Freud en una de sus cartas a su novia –como un hombre sufriendo de amor–, víctima de la patología de todo hombre enamorado, le reclama y exige:

“No quiero sin embargo que mis cartas queden siempre sin respuesta, y dejaría de inmediato de escribirte si no me respondes. Perpetuos monólogos a propósito de un ser amado, que no son ni rectificados ni alimentados por el ser amado, desembocan en ideas erróneas sobre las relaciones mutuas, y nos vuelven extraños uno al otro cuando nos encontramos de nuevo y hallamos cosas diferentes a las que, sin asegurarnos de ello, habíamos imaginado”.
(Freud, Correspondance, 39)

Freud le está diciendo a su amada: el amor alimenta el amor.

(continúa en spoiler)

La recordada Brittany Murphy fue protagonista de La Chica Ramen.

Aprende en Japón la sofisticada técnica artesanal de preparación de la sopa Ramen de manos de un experto cocinero local, y aunque llega a se capaz de realizar con exactitud todo el procedimiento no consigue que deje de ser insípida.

El Sensei (maestro cocinero) la lleva a ver a su madre para pedirle consejo y el diálogo que copio líneas abajo, produce una escena memorable por la que vale la pena ver toda la película.

Sensei in The Girl of Ramen
-Un plato de Ramen es un universo en si mismo.
Su energía viene del mar.
Viene de las montañas y de las criaturas vivas,
todo coexistiendo en perfecta armonía.
La armonía en esto es lo esencial lo que contiene todo.
El caldo le da vida al fideo.

The Grandmother
-Tu problema es que cocinas con la mente,
es que tu cabeza hace ruido.
Tienes que aprender a cocinar con la mente muy tranquila,
y dejar que la paz surja.

The Girl (Brittany Murphy)
-¿Cómo hago eso?

The Grandmother
-Cada plato que tu preparas es un obsequio para quien se lo ofreces.
La comida que preparas se vuelve una parte de ellos,
se transforma en la piel de su rostro, en su cuerpo.
Tu comida contiene tu espíritu,
tu sopa tiene que ser una expresión del amor más puro.
Es un regalo de tu corazón.

The Girl:
-No sé nada sobre el amor, cuando lo he tenido se ha ido,
desaparece...
Y todo lo que me queda es pena y tristeza.

The Grandmother.
-Deja que tús lágrimas sean las que sazonen tu comida.
The Girl of Ramen

Una comedia romántica ligera se convierte en un drama que desata una crisis personal en los protagonistas principales: la Chica Ramen y su maestro El Sensei. La mala relación entre ellos es la punta del iceberg que oculta viejas heridas y nuevos nudos que amenazan el futuro, el proceso de sanación es interior y no pasa por la razón sino por el corazón.

De allí la profunda alegoría cósmica (de la enseñanza magistral de la abuela extraída del budismo Zen) que relaciona un plato sopa Ramen con: un universo en si mismo. Para el físico David Bohm (quien realizó importantes contribuciones en el campo de la física teórica y de la neuropsicología) en el acto mismo de interpretar el universo creamos el universo.

Filme de buena factura, que contiene todos los elementos del buen cine de entretenimiento y que nos abre una puerta a una lectura que trasciende la anécdota de la trama.

Acabo de ver "La Gran Belleza" (26 de enero, 2014) película del director Paolo Sorrentino, sorprende por sus matices y un impecable manejo del tiempo, ritmo y técnicas narrativas.

Marca el renacimiento internacional del Cine italiano con fuerte personalidad local y un eje universal.

Tiene un sabor, entre otros, a un homenaje a Fellini en La Dolce Vita.

Su banda sonora coincide en cada giro con el complejo carácter del personaje y la fotografía posee una estética que en ocasiones conmueve. Es una película que provoca volver a ver.

Todas las mañanas del mundo, dirigida por Alain Corneau, con la actuación de Gérard Depardieu, está basada en la novela del francés Pascal Quignard, y ambientada en el siglo XVII durante el reinado en Francia de Luis XIV; narra la historia del músico Sainte-Colombe célebre compositor que se refugia en la Viola de Gamba a la muerte de su esposa, y educa a su dos hijas en su arte.

Su renuncia al mundo y a la corte no lo libra de la tragedia. Un joven músico ambicioso llega para ser su discípulo y desata pasiones… que no les voy a contar para no estropearles la historia.

Puedo decir, que este filme es un homenaje a la música, un himno a la Viola de Gamba, un descubrimiento de Sainte-Colombe, y un ejercicio de maestría de Jordi Savall quien realizó la adaptación e interpretación.