No empezaron bien las cosas para los actores de la Nueva Generación con este pésimo producto. A pesar de la alta calidad de los efectos especiales, del trabajo de edición y de la buena contribución de Malcolm McDowell en el papel de malvado de turno (sin lugar a dudas, el más completo de todos los de la saga), esta película es un gran fiasco.

Argumentemos. El primer problema es que el trabajo de dirección resulta nefasto, así como unos actores que no ponen ningún esfuerzo en incrementar su nivel interpretativo, a pesar de las mayores exigencias del filme (incluido William Shatner, que ofrece la peor interpretación de las siete películas que interpretó). El segundo, la puerilidad con que Carson aborda la trama, empezando con un personaje que podría ser cualquier cosa menos el capitán de una nave espacial y siguiendo con la pérdida de un ser querido por parte de Picard, que entra con calzador y que no da ninguna consistencia al problema filosófico alrededor del cual gira la película. En tercer lugar, el propio problema filosófico, el dilema entre acomodarnos en un mundo que nos complace pero no es real y vivir en el mundo tal y como es, con sus miserias y desilusiones, sin que tal cuestión sea debidamente tratada en el célebre encuentro de los dos capitanes. Y cuarto, el hecho de que también sufre de algunos detalles poco decorosos, como la pelea de geriátrico de William Shatner.

En resumen, este film carece de toda inspiración. Pudo ser un aceptable film con mejor director y mejores guionistas, como lo fue el siguiente, pero la cosa no pasó de una trama ingeniosa envuelta de personajes blandos y resultados convencionales. Y sin esa horrible escena inicial de la botella.

Con Star Trek VI finaliza el grupo de filmes realizados plenamente por los actores originales de la saga, que ya sólo se dejarían ver en parte en la séptima. Y se despiden con un trama fuertemente inspirada en la situación política creada por la Perestroika, que por aquellos tiempos bordeaba su apogeo. Así las cosas, unos soviéticos encarnados en klingons buscan su apertura hacia unos occidentales llamados Federación, quienes deberán de afrontar ese difícil proceso en medio de conspiraciones por parte de ambos bandos. Tal escenario arroja algunas situaciones absurdas, como el hecho de que se trate de una conspiración conjunta por parte de disidentes de ambas partes, pero se muestra inspirado al presentar sentimientos encontrados en Kirk, una actitud responsable en Spock y la perspectiva evolutiva que se da de este personaje o del nuevo capitán Sulu.

Y es que el problema de esta película no radica ni en la buena disposición de los actores, ni siquiera en el oficio de un Nicholas Meyer que hace lo que puede con el guión que le toca en suerte y que no sale del todo malparado (mejor, diría, que en la segunda entrega). Lo fatídico es el inexorable paso del tiempo que hace mella en los protagonistas. Estos aparecen excesivamente envejecidos para las exigencias del gúión, deparándonos un Spock y un McCoy claramente entumecidos, y un Kirk que ya no está para aguantar tantos rounds de pelea barriobajera (aunque no tan mal como Balboa en su reciente aparición). Ciertamente, el peso de la trama debía de haber recaído ya en otros actores.

Al menos otros beneficios finales vienen en auxilio de la película, particularmente, el nuevo clima que los años noventa aportan para la ciencia ficción, en medio de una clara progresión de los efectos especiales, que si bien la hunden aun más en los estilos más comerciales, hacen de la visualización un espectáculo algo más placentero.

No es fácil relacionar esta película con la ciencia ficción y ello le resta calidad en el veredicto final (si hubieran decimales, le pondríamos un 5,5), pero no estamos ante una mala película (tampoco genial, sin duda). El problema estriba en que más de la mitad de la película consiste en un plácido viaje por las calles del San Francisco de los años ochenta, donde la tripulación llega casi por casualidad. El objetivo, en esta ocasión, es obtener unas ballenas que hacen falta para salvar el siglo XXIII, pero el trabajo se concibe como una comedia, por la cual transita un Spock algo amnésico y vestido con el albornoz que llevaba al final de la película anterior. Tal elemento no sería lógico si el objetivo no fuera el resultar hilarante, y de eso ese de lo que se trata aquí, con todos los actores contribuyendo adecuadamente a ello. La "tripulación" se vuelca en crear ese clima, los elementos puestos en juego resultan eficaces y Nimoy nos convence de que no es ningún negado tras la cámara.

Ahora bien, no nos pasa inadvertido el alejamiento de Star Trek de sus señas de identidad, que coincide en buena medida con el agotamiento del cine de ciencia ficción en la segunda mitad de esta década. La ventaja es que al menos, de este modo, esta vieja saga se hizo accesible por una vez a un público amplio y menos necesitado de conocer los referentes expuestos por los trabajos anteriores.

Leonard Nimoy puso sin duda el mejor empeño en formular una película acertada, pero sucumbió en un primer intento, para triunfar en el segundo. Ese primer intento lleva por nombre Star Trek III y nos devuelve las cosas a un punto previo a su predecesora: aquel en que Spock estaba vivo. Y es que está nueva entrega nos narra su resurrección, en una historia tan inverosímil como rutinaria.

A partir de varios cabos sueltos de la trama de la película anterior, la tripulación superviviente se adentra en un nuevo viaje para salvar, primero el alma, y luego el cuerpo de Spock. A pesar de algunos momentos resultones (el encuentro Kirk-Sarek, por ejemplo), la recuperación de la centralidad de algunos personajes claves de la saga (especialmente del Dr McCoy) y la buena voluntad general, el film sucumbe al quedar encasillado en una trama vulgar y en manos de una confrontación con un malvado aun más endeble que el de la película anterior, interpretado por Christopher Lloyd. Sólo el desastre de la quinta parte permite escapar a este filme de convertirse en el pero de los diez rodados. Aun así, no es más que un producto sólo apto para los fans de la saga y poco accesible para el público en general.

A pesar de la existencia de honrosas excepciones, los años 1980 supusieron el hundimiento del género de la ciencia ficción en los parámetros facilones del cine comercial. Es así como Ripley pasa de ser la única superviviente de una nave invadida por un alien a convertirse en la protectora de una huerfanita o como el capitán Kirk prefiere perseguir malos malísimos de la serie original que descubrir fascinantes razas extraterrestres.

Así las cosas, llegó en 1982 está primera secuela de Star Trek, en que todo intento de trascendencia empezado por su predecesora queda abortado. Y toma su lugar un enfoque mucho más convencional de Nicholas Meyer, que recurre a las batallas de naves para animar al personal. Así, lo que antes eran hallazgos, ahora empiezan a ser tópicos, como la nostalgia del mando de la nave, y lo que constituían conclusiones más o menos acertadas de un episodio (el dejar a seres humanos mejorados genéticamente en un planeta, ante la imposibilidad de convivir con seres humanos normales) se convierte en una historia de venganzas.

El rendimiento del reparto tampoco fue especialmente memorable. Si bien Kirk continúa marcando perfil, Spock queda completamente desdibujado ante la eclosión del viejo romance del capitán y su hijo bastardo, mientras que el resto del reparto -doctor incluido- tan sólo están por ahí. En cuanto a Ricardo Montalbán, al que le toca el papel de malvado, lo vemos envuelto de una retórica bastante histriónica.

Así las cosas, el producto se hunde en la mediocridad cinematográfica, aunque tenga una cierta eficacia. Sólo Leonard Nimoy sabría prescindir de los elementos superfluos en la cuarta película y llevar las cosas a un terreno más sabio y, por cierto, más exitoso.

Nos encontramos ante un film menor de Fassbinder pero que sin duda no carece de interés. En este trabajo asistimos al relato de las vivencias de un desgraciado ser que habita en un universo homosexual y que se ve enriquecido mediante un premio de lotería, accedediendo así a los grupos sociales elitistas de su sociedad. Veremos en el relato como la candidez del protagonista le hace vulnerable a las tentativas de su pareja de despojarle de toda su fortuna, lo que conllevará al final la propia autodestrucción del personaje.

Entre los puntos fuertes del film podemos señalar, como no, esa mirada del director, donde el lenguaje oral es tan importante como el gestual. También las excelentes interpretaciones y el retrato de una sociedad y un entorno social concreto. Y asimismo la lectura pesimista que se obtiene.

Pero también hay debilidades, empezando por lo extremado de los personajes, que al final acaba generando una cierta inconsistencia en la propia historia. Tengamos en cuenta que no nos encontramos ante una obra rompedora conceptualmente como 'Querelle', sino ante una narración que responde al simple esquema narrativo de una fábula. Por otro lado, esa fábula genera su mayor debilidad y sorpresa en el espectador en el momento en que se recrea en una visión sobre las diferencias de clase, donde tan sólo pone retrata la superioridad intelectual de las élites, idea que no es ajena a otros films del director. Porque si bien puede ser cierto que el hombre es un lobo para el hombre, la capacidad de mordedura no se relaciona tan estrechamente con los ingresos y la educación formal, tal y como Rainer insistía en hacernos creer. Y el precio el que el conjunto no acaba de resultar demasiado convincente.

Antonio Hernández consiguió con 'los Borgia' mostrarse como uno de los mayores talentos en la dirección con que cuenta actualmente el cine español, como ya demostrara en otros trabajos, tales como 'En la ciudad' o 'Lisboa'. En esta gran producción, que se ha pretendido confundir con un producto pensado para la televisión, asistimos a una aproximación inequívocamente europea a un tipo de cine histórico -por mucho que este mediado por novelas, histórico es- del que se nos ofrecen escasas muestras. Y es que desde la ambientación hasta las actuaciones, todo resulta excelente, por mucho que el personaje protagonista pudiera mejorarse con un actor algo más hondo o por mucho que la presencia de Paz Vega resulte superflua. Nada podemos decir en contra de una película densa, donde Lluís Homar da una vida única al papa Alejandro VI y nos sirve de puerta de entrada para uno de los periodos más convulsos y menos conocidos de la historia italo-española.

Si tras 'Amica amat' y 'Morir (o no)' parecía que Ventura Pons había alcanzado la madurez como director, grande fue la decepción cuando topamos con este fiasco. La causa: una historia interesante puesta en manos de actores inadecuados, la una por desubicada y el otro por malo. Ni Sardá ni Coronado eran las personas adecuadas para este filme, que requiere de tipos menos metidos en el ministarsystem español y más a lo Gueridian. Y el argumento no está faltado de interés, al contrario, es moderno y sugerente, pero el naufragio sucede inexorablemente.

Ventura Pons no dejará una huella imborrable en la historia del cine pero es uno de los pocos directores catalanes dignos de consideración. En este trabajo nos adentramos en una composición de unos pocos episodios con desenlace de muerte y desenlace de vida, en los que a pesar del manido final, pasamos grandes ratos de cine y disfrutamos grandes interpretaciones. Y ello sucede porque en esta película se dan cita algunos de los mejores actores del panorama teatral y fílmico catalán, desde Lluís Homar hasta Anna Lizarán, pasando por Marc Martínez y Vichy Peña.

Trabajo, en definitiva, muy por encima de la media de lo que ofrece el cine hecho en España, un cine de autor que nos muestra la madurez de Pons como director, después de los logros de 'Amic amat'. Eso sí, me parece imprescindible verla en su versión catalana original.

Asistí en su día a contemplar esta obra de Juan José Campanella y salí decepcionado, no por el trabajo de los actores ni por el estilo al uso de este trabajo, sino más bien porque no puedo dejar de percibir también cierta fabulación perversa, que se me hace imposible en el contexto del cine de los amores. Dicho más claramente: creo que lo que aquí se pretende explicar da más para una historia negra que para un elogio del amor contra viento y marea. Y la responsabilidad recae estrictamente en el director, ya que tanto Darín como Alterio y el resto se muestran a un nivel del todo excelente. No me convence ni poco ni mucho el fondo, y eso, a pesar de que el trabajo técnico me parece correcto, me parece suficiente para hundir este film en el baul de los casos extraños del cine, que no experimentó dificultades para convertirse en uno de los grande éxitos del cine argentino, a causa de la ya mencionada gran actuación de sus protagonistas y los elementos sensibleros puestos al alcance de la audiencia.

Veredicto: blanda y tramposa.

'Mamá Kuster' nos explica las vivencias de una mujer que pierde a su marido, después de un incidente en que éste mata a su jefe de personal y posteriormente se suicida. La incomprensión de este suceso conduce a 'Mamá Kuster' a la búsqueda de una explicación, que se aleje de los estereotipos construidos por los periodistas que la persiguen y de la indiferencia de sus hijos y nuera. Ese viaje le llevará a descubrir el Partido Comunista Alemán y le conducirá finalmente a una acción desesperada junto a un grupo anarquista. Mediante este argumento, lo que Fassbinder plantea es un retrato de la sociedad alemana y del desencuentro entre los grupos políticos izquierdista y ésta. Frente a una sociedad volcada en el sensacionalismo, 'Mama Kuster' no encontrará tampoco las respuestas que necesita en ellos y se quedará sola en su propio discurso.

El resultado es un trabajo eficaz y con capacidad de enseñarnos elementos claves de la sociedad alemana del momento, pero el desconcierto es máximo por mi parte ante la existencia de dos finales, presentados en diferentes versiones del film, para los cuales Fassbinder no tiene demasiadas explicaciones convincentes. Si dos finales completamente opuestos son posibles, no nos puede parecer del todo una obra de la cual el director se sintiera convencido y por lo tanto no nos puede acabar de resultar convincente. Y quizás ello tenga que ver con una sobreestimación del contenido político respecto al verdadero fondo de muchas películas del director, que es el aislamiento o la familia como centro de incomunicación y falta de solidaridades, pero en tal caso, no podemos considerar esta obra como una de las mejores, a pesar de sus indiscutibles logros.

Querelle es una importante película en la trayectoria de Fassbinder y una de sus más peculiares obras. Centrada entorno a las vivencias de hombres homosexuales, nos adentra en un universo inexistente de sexo y muerte, en que las relaciones son más extrañas que nunca y el mundo resulta inquietante como pocas veces. La película trascurre además sobre un estilo narrativo complejo, donde tanto el diálogo como el movimiento arrastran el avance de la historia.

Mención a parte merece la evocación específica que la película hace de la homosexualidad y, en cierta manera, del sadomasoquismo. Lo intenso de la recreación ha hecho que a menudo muchos se sientan como si estuvieran viendo una película pornográfica pero nada más lejos de la realidad, salvo si por pornografía entendemos la violencia que planea sobre todas y cada una de las escena de este film cruel y en buena medida salvaje.

De visión obligada para cualquier recorredor de los hitos del cine, pero no acaba de ser del todo una película redonda ni la mejor de su filmografía, aunque sí un producto muy lejos del alcance de la mayoría de los directores de hoy en día.

'El mercader de las cuatro estaciones' es una obra mayor de Fassbinder, aunque no una de las más conocidas. Recrea las vivencias personales de un vendedor de fruta amargado por todos y cada uno de los que lo han rodeado. Se trata de una película dura y sin concesiones, en la que las miserias humanas en el marco de la familia alcanzan uno de sus mejores reflejos. Fantástico el trabajo interpretativo de los actores y fantástico trabajo de este gran director. Muy recomendable aunque, como siempre que se trata de Rainer, no siempre fácil de digerir.

'Elephant' es una película en la que asistimos a una mirada sobre la matanza de Columbine, causada en Colorado en el año 1999 por dos estudiantes de la High School del mismo nombre y que se saldó con doce estudiantes muertos. Nos hallamos, pues, ante una de las tragedias más absurdas y gratuitas que han sacudido en los últimos años Estados Unidos y asistimos a ella de la mano de Gus Van Sant, cineasta más eficaz que brillante.

¿Y cuál es el resultado? Pues un ejemplo de cine con pretensiones que naufraga al no alcanzar las cotas que se propone. Mediante una puesta en escena de cierta gracia visual -ya sabeis, aquello de la buena fotografía- nos adentramos durante más de la mitad del metraje en la vida de un instituto narrada sin la más mínima gracia, en la que ningún personaje capta nuestra atención y en la que se recurre a escenas de lo más trilladas para relatar la vacuidad de la vida estudiantil y, una vez más, la problemática adolescente (paseando desde el mobbing a la bulimia). Y todo esto sin desarrollar un sólo personaje, sino de una manera tan original como irritante: paseando la cámara una y otra vez por los pasillos del centro y concentrando la narración en un lapso temporal escasísimo que hace que veamos escenas sin ningún interés por triplicado. Finalmente llegamos a la matanza, y ahí si que no falla el efectismo: lo absurdo y psicótico del comportamiento de los asesinos queda perfectamente retratado, pero claro, como no podía ser de otra manera.

El problema es, ni más ni menos, que el director se mete en un tipo de película que le viene muy grande. Lo recomendable era una aproximación menos pretenciosa, que diera dimensión y juego a los personajes que aparecen, que nos los acercase un poco y que hiciera del único protagonista que marca algo de perfil, John Robinson, el verdadero puntal de la película. Por el contrario, se decidió a imitar a Angelopoulos, a Tarkovsky o a cualquier director amante de los largos silencios, pero con muchísimo menos talento y el resultado... es el que es.

Consejo: si la veis, posiblemente os aburrais.

A estas alturas de la historia parece como si el cine estadounidense hubiera perdido el toque del autorretrato, no autorretrato del propio cine, sino del país donde este tiene lugar. Hubieron tiempos mejores para eso y Wim Wenders nos lo recuerda una vez más con una sensacional pero minimalista historia, donde logra cerrar un trabajo con unos ingredientes absolutamente anticlimax. Comenzamos con un personaje protagonista que hace de la locura su razón de ser, sin estridencias pero con contundencia, la cual no le abandona en toda la pelicula. ¿Cómo es posible articular una historia alrededor de un tipo así y salir bien parado? Pregúntele a Wim. Y no es eso todo: ahí tenemos un niño listo, una familia convencional y un itineriario narrativo que da pie a que la película sea considerada una 'road movie', que lejos de facilitar las cosas, hacen aun más inmensa la tarea del director.

Lo cierto es que esta película es un largo paseo cinematográfico por una de las miradas más profundas del cine de las últimas décadas del siglo XX. La huella de Wenders es imborrable y esta película nos puede explicar, como otras de su director, el porqué. Ahora podríamos explicar de que va la película, pero creo que ello no nos aportaría gran cosa. Aquí la cuestión no es la historia, sino la contemplación de la misma, un largo e intenso paseo cinematográfico con mucha calidad.

Hay que ser muy valiente para optar por Jaime Rosales como hacedor de la película galardonada en los Goya, considerando todo lo que se está leyendo por ahí y, sobre todo, su antecedente fílmico, 'Las horas del día'. En mi caso, sé que difíclmente veré 'La soledad', porque ya vi 'Las horas del día' y quedé colmado de la mirada de este director.

Veamos, vaya por delante que Jaime Rosales es un tipo dotado para la dirección, pero ha elegido un itinerario estlístico que no me convence en absoluto. Y es que es difícil desprenderse de la inmensa sensación de aburrimiento que genera esta película, o no sentirse invadido de ese espíritu de 'son las 16 horas y están dando un documental por la tele, que sueño me está entrando'. Rosales tiene una mirada cinematográfica correcta, pero es tan soporífero el ritmo y todo lo que sucede, que el aburrimiento se hace el amo, dando lugar a un producto lo bastante excéntrico para recibir galardones pero también muy indigerible.

Para colmo, cualquiera que vea esta película difícilmente olvidará el rostro de Alex Brendemühl, ese tendero venido a psicópata en el film, Un actor, por lo tanto, que le viene que ni pintado para conseguir estereotipar a dicho psicópata como un pobre chalado. Ese mismo pobre chalado que Brendemühl interpreta en otras películas como 'Remake' o 'En la ciudad' (hay que decirlo: bastante poco interesantes), donde además expresa el mismo tipo de chaladurías banales.

En fin, suerte para el que se anime, que puede que la necesite.

'Hormigas en la boca' es una película menospreciada, a pesar de todo lo que consigue, por una razón tan sencilla como elocuente: difícilmente nadie considerará que es una de las películas de su vida. ¿Y ello por qué? Pues bueno, porque de lo que aquí se trata es de relatar una historia sin brillo, de personajes desafortunados pero con asuntos pendientes, donde la maldad campa a sus anchas y donde las deudas no se perdonan.

Al frente del reparto, tres actores que rinden al máximo: Eduard Fernández, Ariadna Gil y Jorge Perugorría y se ajustan a la perfección a la gris historia que transita por las calles de la Habana prerrevolucionaria. Portentoso, entre ellos, Eduard Fernández, una vez más, quien algunos pensarán que no acaba de dar el pego como personaje principal, al olvidar que no es más que un antiheroe gris y frustrado.

Cine, pues, de calidad, tampoco sin más, pero que deja notables recuerdos en la retina del espectador, si se le abraza como la película novelada que es, como la ventana que nos muestra una historia infeliz protagonizada por infelices.

Mi opinión es que vale la pena verla. Del resto, ya he avisado.

Sweeney Todd es un trabajo interesante, pero me queda la duda respecto al trabajo efectivo realizado por Tim Burton aquí. Veamos, por un lado tenemos un excelentísimo musical, formado alrededor de una truculenta pero bien armada historia, que permite la excelencia a cualquiera que se tome mínimamente en serio su representación en salas teatrales o su paso al cine. Si a ello añadimos el hecho de que te rodeas de dos actores enormes para cargar con los papeles protagonistas, como Johny Depp o Helena Bonham Carter, que no necesitan siquiera ser dirigidos para realizar una interpretación sublime, la pregunta es: ¿cuál es el trabajo aquí del director, salvo decidir sobre escenarios y maquillajes, los cuáles, por cierto, resultan del todo logrados? Por lo visto no mucho más y aquí es donde creo que se vuelve débil la película.

Las debilidades fundamentales coincidirían con el tipo de adaptación de la pieza y las renuncias que implica. Ello da, en mi opinión, una obra narrada apresuradamente, especialmente en la primera media hora. Faltan demasiadas cosas en este Sweney Todd, como el corte de pelo al alguacil, por destacar alguno. Otra cosa, que no es debilidad, pero si me parece poco acertado, es no dar la oportunidad, mucho más llevadera para el espectador que se aproxime a esta obra por primera vez, de hacer una aproximación mixta, con música y diálogos a la vez, lo cual habría evitado la escasa profundidad psicológica que tienen los personajes centrales, cosa que en la obra original no sucede. Y quizás sólo hubiera bastado con proponerse una obra de 150 minutos y no de menos de 2 horas.

Así pues, tenemos un buen trabajo fílmico pero excesivamente sustenado en los antecedentes y con contadas aportaciones de Burton al meollo, quien, por cierto, debería de irse ya planteando hacia donde evoluciona su cine, puesto que lleva ya demasiadas películas de más de lo mismo y desarrolladas bajo la ley del esfuerzo directivo moderado, con resultados tan funestos como 'El planeta de los simios' o 'Big fish'.

Adolfo Aristarain nos ha legado algunas de las películas más recordadas del cine de habla hispana de las últimas décadas, como las magistrales 'Un lugar en el mundo' y 'Martín (Hache)', pero ello lo ha hecho en el contexto de una cinematografía rica y llena de interés, entre las cuales 'Tiempo de revancha' aparece como una obra destacada.

Narrada con soltura, Aristarain nos adentra en la experiencia luchadora de un Federico Luppi inmenso como siempre, que se enfrenta al reto imposible de imponerse a una gran empresa, representando lo que en el pasado era llamado 'contradicción entre capital y trabajo'. No escapan a ella los ecos de los últimos tiempos de la dictadura argentina, ni las crudas realidades de la Argentina de los ochenta, pero la perspectiva se concentra en ese viejo conflicto entre el asalariador y el asalariado, que no deja de evocarnos los numerosos accidentes laborales con resultado de muerte que suceden en España.

Así pues, una obra de buen cine y portadora de experiencias que no son las de Argentina, sino que son las de todos.

Pobre resolución a las tramas planteadas en las novena y décima temporada de la serie Stargate: SG-1. Probablemente decepciones hasta a los seguidores de la serie. Sin duda ha llegado el momento de poner punto y final a esta serie y evitar seguir haciendo DVDs que redunden sobre cuestiones ya tratadas y no aborden propuestas más imaginativas, que sólo podrían ser afrontadas en el marco de una serie regular.